La Rochelle - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

L’affiche du Festival de la Rochelle 2025 dévoilée

admin — Wed, 09 Apr 2025 12:00:38 +0000

La 53e édition du Festival de La Rochelle aura lieu du 27 juin au 5 juillet. Son affiche, créée par Stanislas Bouvier, a été dévoilée : celle-ci met en scène l’actrice américaine Barbara Stanwyck, disparue il y a 25 ans.

Actrice de génie, Barbara Stanwyck sera également à l’honneur à travers une rétrospective composée de 9 longs métrages : L’Ange Blanc de William A. Wellman, Baby Face d’Alfred E. Green, Stella Dallas de King Vidor, The Lady Eve de Preston Sturges, L’Homme de la rue de Frank Capra, Boule de feu de Howard Hawks, Assurance sur la mort de Billy Wilder, Les Furies d’Anthony Mann et Désir de femme de Douglas Sirk.

Deux autres rétrospectives ont été annoncées. L’une est dédiée au cinéaste taïwanais Edward Yang, décédé prématurément en 2007. Au programme : In Our Time, Taipei Story, Le Terroriste, A Brighter Summer Day, Confusion chez Confucius, Mahjong et Yi Yi. A l’occasion des 15 ans de sa disparition, une rétro consacrée à la première partie de la carrière de Claude Chabrol est également prévue. Au menu : Le Beau Serge, Les Cousins, Les Bonnes Femmes, Les Godelureaux, Landru, Les Biches, La Femme infidèle, Que la bête meure, Le Boucher, La Rupture, Juste avant la nuit, Les Noces rouges ainsi que le documentaire Chabrol, l’anticonformiste de Cécile Maistre-Chabrol. Enfin, un focus Jacques Demy proposera 4 de ses films les plus connus : Les Parapluies de Cherbourg, Les Demoiselles de Rochefort, Peau d’âne et Trois places pour le 26.

La sélection des avant premières sera dévoilée ultérieurement. Découvrez l’affiche du Festival de La Rochelle 2025 ci-dessous.

Le site du festival / Un grand merci à Dany de Seille

Nicolas Bardot

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1res images pour « Affronter l’obscurité » de Jean-Gabriel Périot

admin — Wed, 21 Jun 2023 17:51:40 +0000

Affronter l’obscurité est le nouveau long métrage du Français Jean-Gabriel Périot (lire notre entretien). Remarqué avec des films tels que le documentaire Une jeunesse allemande ou la fiction Lumières d’été, Périot a reçu le César du meilleur documentaire pour son dernier long métrage, Retour à Reims (fragments). Ce film a été sélectionné au Festival de Cannes, dans le cadre de la Quinzaine, avant de sortir dans les salles françaises.

L’histoire d’Affronter l’obscurité : le siège de Sarajevo a duré d’avril 1992 à février 1996. 1425 jours, pendant lesquels les jeunes hommes de la ville ont été mobilisés pour la défendre ; des jours où certains d’entre eux ont choisi de prendre leur caméra pour contrer par l’image la violence qui s’abattait sur eux. 30 ans après, quel regard ces cinéastes portent-ils sur leurs images d’alors, sur cette guerre sans fin et sur leurs craintes qu’elle ne reprenne ?

Affronter l’obscurité fera sa première mondiale dans quelques jours au Festival de Karlovy Vary et sera diffusé ensuite au Festival de La Rochelle. Le film sortira début 2024 en France. Des premières images ont été dévoilées, découvrez-les ci-dessous.

Source

Nicolas Bardot

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La sélection du Festival de La Rochelle 2023

admin — Sun, 11 Jun 2023 21:32:59 +0000

La nouvelle édition du Festival de La Rochelle aura lieu du 30 juin au 9 juillet. Sa sélection a été dévoilée.

20 000 espèces d’abeilles

36 avant premières font partie du programme Ici et ailleurs, dont 20 000 espèces d’abeilles d’Estibaliz Urresola Solaguren, Ama Gloria de Marie Amachoukeli, La Chimère d’Alice Rohrwacher, Le Ciel rouge de Christian Petzold, Club Zero de Jessica Hausner, Les Colons de Felipe Galvez, Los Delincuentes de Rodrigo Moreno, Eureka de Lisandro Alonso, Fermer les yeux de Victor Erice, Inchallah un fils d’Amjad Al Rasheed (lire notre entretien), Lost Country de Vladimir Perišić, Quand les vagues se retirent de Lav Diaz, A Room of My Own de Ioseb « Soso » Bliadze (lire notre entretien), La Salle des profs d’İlker Çatak, Slow de Marija Kavtaradze (lire notre entretien) ou encore la Palme d’or Anatomie d’une chute de Justine Triet.

Les Filles d’Olfa

Les rétrospectives seront consacrées à l’actrice américaine Bette Davis et au cinéaste français Sacha Guitry. Des rétrospectives seront dédiées au cinéaste danois Lars Von Trier, au cinéaste kazakhstanais Adilkahn Yerzanov (avec la présentation de son nouveau film, Assaut), à l’acteur français Pierre Richard et à la cinéaste tunisienne Kaouther Ben Hania (avec diffusion de son dernier long métrage Les Filles d’Olfa). Un focus cinéma muet sera consacré à l’actrice danoise Asta Nielsen tandis qu’une sélection de raretés et des classiques, restaurés ou réédités, sera également au menu.

Jeunesse (Le Printemps)

A l’occasion de l’année du documentaire, une sélection de films sera proposée, dont Jeunesse (Le Printemps) de Wang Bing, Au cimetière de la pellicule de Thierno Souleymane Diallo ou encore État Limite de Nicolas Peduzzi. Également à ne pas manquer : une journée avec Nicole Kidman en 5 films, un focus sur l’animatrice tchèque Michaela Pavlátová et des séances jeunesse.

Retrouvez la programmation sur le site officiel et découvrez un aperçu dans la bande annonce ci-dessous.

Nicolas Bardot

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Critique : Désordres

admin — Wed, 12 Apr 2023 07:56:40 +0000

Une vallée dans le nord-ouest de la Suisse, en 1872. Il s’agit de l’histoire de Joséphine, qui se fait embaucher dans une fabrique horlogère. On la forme à la production de l’axe du balancier (Unruh), une pièce minuscule entraînant le balancement au centre d’une montre mécanique. Avant de recevoir son salaire et afin de financer sa nouvelle vie dans ce village, elle emprunte de l’argent à la banque du coin. Bientôt en désaccord avec l’organisation du travail et la répartition des biens au sein du village et de l’usine, elle rejoint le mouvement local des travailleurs anarchistes des horlogers, la Fédération Jurassienne…

Désordres
Suisse, 2022
De Cyril Schäublin

Durée : 1h33

Sortie : 12/04/2023

Note :

FORCE COMMUNE

On aurait davantage tendance à relier le monde de l’horlogerie suisse au capitalisme et au monde du luxe qu’à l’histoire de l’anarchie. Désordres raconte pourtant la naissance d’une organisation politique autogérée au sein d’une manufacture de montres dans un petit village des Alpes à la fin du 19e siècle. En réalité, ce n’est pas rendre justice au film de Cyril Schaüblin (lire notre entretien) que de commencer par raconter de quoi il parle, tant le résultat est entièrement différent de ce que l’on peut s’imaginer à la lecture du résumé. Débarrassé de toute imagerie soviétique à l’héroïsme kitsch, Désordres est en réalité tellement lunaire qu’il ne ressemble jamais à un film historique.

Dès les premières scènes s’installe une superbe lumière voilée, pleine de reflets dorés. Les couleurs y sont paradoxalement chaleureuses et délavées. La nature est omniprésente dans le cadre, souvent en toile de fond et au premier plan en même temps. On pourrait alors croire que Schaüblin a pour sage intention de reconstituer des tableaux classiques avec application, mais le cinéaste impose d’emblée des cadrages légèrement décalés et inattendus. Ses personnages sont comme des figurines placées çà et là dans cette verte campagne, dispersés dans un cadre (historique) qui les dépasse ou au contraire, ne peut plus les contenir.

Ce ne serait pas non plus rendre justice à Désordres de le réduire à un exercice esthétique dont les protagonistes ne seraient que des pions/prétextes. Les choix d’écriture et de mise en scène viennent en effet traduire directement la montée d’un sentiment politique commun. Les acteurs ont toujours beaucoup d’espace vide aux dessus de leur tête à l’image ? C’est parce qu’il n’y a personne au dessus des Hommes qui puisse décider à leur place. Il n’y a pas de personnage principal dans ce film choral ? Il n’y en a pas non plus dans cette organisation sociale rêvée.

Comment traduire efficacement le surréalisme qui rend Désordres si unique ? C’est une comédie rêveuse et absurde située dans un village digne des Schtroumpfs, découpé par des décrets absurdes en quatre fuseaux horaires. Les ouvrières s’y échangent des portraits de Louise Michel à la sortie de l’usine telles des images Panini, et les bourgeoises discutent de la Commune, Marx et Engels sous une ombrelle. Mais sous la lisse surface des politesses, Schaüblin montre que toutes les petites mains du village s’agitent en cadence. A force de gros plans sur des mécanismes horlogers, il bâtit alors le plus curieux des comptes à rebours. Si les personnages de Désordres semblent parfois construire une bombe ou une machine à voyager dans le futur, Schaüblin a donné naissance à un film au charme inclassable.

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par Gregory Coutaut

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Critique : La Montagne

admin — Tue, 31 Jan 2023 23:28:16 +0000

Pierre, ingénieur parisien, se rend dans les Alpes pour son travail. Irrésistiblement attiré par les montagnes, il s’installe un bivouac en altitude et décide de ne plus redescendre. Là-haut, il fait la rencontre de Léa et découvre de mystérieuses lueurs.

La Montagne
France, 2022
De Thomas Salvador

Durée : 1h55

Sortie : 01/02/2023

Note :

L’IVRESSE DES SOMMETS

L’ivresse des sommets, La Montagne ne l’offre pas sans effort. Le nouveau film de Thomas Salvador, sept ans après Vincent n’a pas d’écailles, commence sur le plancher des vaches au sens propre comme figuré, avec une scène récurrente du cinéma français au ras des pâquerettes : l’assommante présentation powerpoint entre collègues. Pierre y a la parole, mais son œil est happé par les sommets qu’il aperçoit par la fenêtre. On ignore ce qu’il distingue exactement, mais ce regard furtif est comme un coup de foudre. Une fois la réunion terminée, Pierre trouve un prétexte pour abandonner ses collègues et éviter de rentrer chez lui, comme si quelque chose l’appelait irrésistiblement tout là-haut.

On croit avoir déjà vu cette histoire de retour à la nature d’un citadin lassé de la société de consommation. On a tort, car La Montagne possède un versant bien plus mystérieux. Versant qui se laisse désirer et qui ne s’offre pas tout de suite. Joué par le réalisateur lui-même, Pierre est paradoxalement omniprésent et quasi absent : il est bel et bien dans chaque scène, mais son jeu volontairement très neutre slalome autour du réalisme sans clairement s’y coller. C’est dans les scènes sans personnages et sans dialogues que La Montagne en impose d’abord : dans ces plans muets aux ciels bleus incroyablement perçants et faits pour les grands écrans, Salvador parvient à retranscrire l’imposante et étrange majesté des hautes montagnes. Ces images récurrentes sont splendides mais toujours presque trop courtes, et on finit par se demander ce que le film cherche à offrir outre sa subtile élégance.

Ce qu’offre La Montagne, c’est une forme de grâce. Mieux vaut en savoir le moins possible sur ce que l’on aperçoit, une fois atteintes les cimes visées. Le film semble alors quitter le sol, laisser très très loin derrière lui le réalisme des premières scènes pour mieux atteindre des sommets rarement foulés par le cinéma français. Les dialogues laissent alors une imposante place aux silences, le quotidien des humains à une ambitieuse fable écologique. On hallucine avec émerveillement, et ce n’est pas un effet du manque d’oxygène. Thomas Salvador possède sa propre interprétation du fantasme d’aller se fondre dans la nature, et lui donne chair à travers des images tout simplement sidérantes.

Cette parenthèse hors du monde, digne d’être décidément gardée sous le sceau du secret pour ne pas en gâcher la découverte, La Montagne ne s’en remet pas sans peine. Il lui faut quelque temps pour retrouver sa respiration dans la redescente. D’abord gauchement greffée, l’intrigue parallèle centrée autour d’un personnage interprété par Louise Bourgoin retombe finalement sur ses pattes à mesure que son personnage devient enfin autre chose qu’une hôtesse souriante aux services du héros. On regrette presque que le film et nous-mêmes devions ainsi redescendre sur la terre ferme, comme un réveil brusque à la fin d’un rêve, mais ces hésitations n’entament pas l’ivresse de l’ahurissant voyage effectué jusqu’alors.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Ashkal, l’enquête de Tunis

admin — Tue, 24 Jan 2023 23:30:21 +0000

Dans un des batiments des Jardins de Carthage, quartier de Tunis créé par l’ancien régime mais dont la construction a été brutalement stoppée au début de la révolution, deux flics, Fatma et Batal, découvrent un corps calciné. Alors que les chantiers reprennent peu à peu, ils commencent à se pencher sur ce cas mystérieux. Quand un incident similaire se produit, l’enquête prend un tour déconcertant.

Ashkal, l’enquête de Tunis
Tunisie, 2022
De Youssef Chebbi

Durée : 1h32

Sortie : 25/01/2023

Note :

AVANT QUE NOUS DISPARAISSIONS

Les premiers plans d’Ashkal montrent des immeubles. Cela ressemble autant à un chantier en cours qu’à des ruines abandonnées : du béton, des trous, du vide. Un panneau en début de film nous présente ce quartier, Les Jardins de Carthage, autrefois destiné à l’essor, espéré comme un lieu riche et moderne. Des constructions qui ont été stoppées après l’immolation tragique de Mohamed Bouazizi, l’un des éléments déclencheurs de la révolution tunisienne, de la chute de Ben Ali et du Printemps arabe. Ces Jardins, tels que Youssef Chebbi les filme, sont fantomatiques et fascinants. Une tension fantastique se fait rapidement ressentir. Quelle menace – ou quelle rancune – planent sur la ville ?

Le décor extrêmement cinégénique occupe une place centrale dans Ashkal. Il dresse le sous-texte politique, il renseigne également sur ses personnages : comment ceux-ci s’inscrivent-ils dans ce lieu ? Sont-ils avalés par les constructions ou bien surveillés, et par quoi ? La caméra circule mais qu’est-ce qui erre dans la pénombre ? La caméra suggère le point de vue de quelqu’un regardant depuis les constructions, mais de qui s’agit-il ? Les immeubles, à l’image de l’impressionnant documentaire libanais Taste of Cement, ont une puissante fonction expressive. Et à l’image de Black Medusa que Chebbi a co-réalisé avec ismaël, le drame politique se fraye un chemin vers le genre.

Au polar/film de vengeance de son précédent film succède l’horreur dans Ashkal. Ces immeubles désossés et abandonnés, ces traces noires au sol comme des portes vers l’au-delà : Ashkal ressemble régulièrement à un rêve mouillé de Kiyoshi Kurosawa. L’horreur lugubre telle qu’elle est racontée via les images de smartphone, comme une inquiétante légende urbaine dont les spectres enflammés se répandent, rappelle des motifs de la J-Horror, qui serait déplacée ici en Tunisie. Est-ce une histoire de démon, ou de spectre ? L’enquête nébuleuse de ce duo de flics semble également emprunter à de mystérieux épisodes de X-Files.

Les figures de pouvoir dans Ashkal ont tôt fait de vouloir rendre rationnel l’inexplicable. La vérité importe peu : les flics sont corrompus, tortionnaires, tandis qu’un tag ACAB rayonne sur un mur. C’est le portrait politique d’une violence institutionnalisée, mais le film est sans cesse davantage qu’une simple étiquette ou interprétation. Par la beauté de sa mise en scène, Youssef Chebbi ouvre différentes portes narratives et sait stimuler l’imaginaire. Il y a un formidable sens de l’étrange et de l’incongru dans Ashkal : le portraits robots y sont sans visage, les troupeaux de moutons prennent place dans les ruines, les barres d’immeubles désolées ont un quelque chose de SF. Ce passionnant long métrage par un cinéaste très doué provoque un envoûtant vertige.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Nos soleils

admin — Mon, 16 Jan 2023 21:29:36 +0000

Depuis des générations, les Solé passent leurs étés à cueillir des pêches dans leur exploitation à Alcarràs, un petit village de Catalogne. Mais la récolte de cette année pourrait bien être la dernière car ils sont menacés d’expulsion. Le propriétaire du terrain a de nouveaux projets : couper les pêchers et installer des panneaux solaires. Confrontée à un avenir incertain, la grande famille, habituellement si unie, se déchire et risque de perdre tout ce qui faisait sa force…

Nos soleils
Espagne, 2022
De Carla Simón

Durée : 2h00

Sortie : 18/01/2023

Note :

FRUITS DÉFENDUS

Avec son précédent long métrage Été 93 (prix du meilleur premier film à la Berlinale), l’Espagnole et Catalane Carla Simón racontait l’histoire d’une fillette, au déroulement épuré, centrée sur un été, et qui laissait une large place au silence. Si Nos soleils (Alcarràs en vo) s’ouvre par des jeux d’enfants, ce second film prend rapidement une autre ampleur : la cinéaste fait cette fois le portrait d’une famille, on y parle (et on s’y dispute) beaucoup plus, et on assiste au basculement d’un monde que les protagonistes croyaient aussi éternel que le rythme des saisons.

C’est un récit à plus grande échelle mais on reconnaît l’attention de Simón aux choses plus petites : les jeux de rôles des enfants et les conflits culinaires des mamies, les défis d’une fête de village ou l’amusement au bord d’une piscine. Ce sens du détail fait merveille, dans le regard que la réalisatrice porte sur les plus jeunes (on le savait avec son premier film) mais aussi sur les plus anciens. Ce sont des respirations, ce sont aussi des anecdotes qui parfois révèlent quelque chose de plus grand. Cette famille-là est vivante, ses différents membres existent à l’écran et l’écriture ne fait jamais dans la chronique pittoresque.

« On ne signait pas de contrats autrefois » se désole le clan Solé autour du patriarche, alors que cette famille de paysans est sur le point de tout perdre. Qu’est-ce qui relève des liens écrits et des liens humains ? Le film examine finement comment tout un monde menace d’éclipser un autre dans sa grande ombre. C’est une réflexion politique que la réalisatrice livre, elle qui puise ici dans sa propre expérience familiale. Avec intelligence, le film raconte comment une crise politique s’insinue dans les maisons et pèse sur les membres de la famille.

Car tout le monde est touché à son niveau dans Nos soleils : le grand-père, le père, les frères, les épouses et les mères, les ados et les enfants. Derrière la menace des champs de pêchers rasés, derrière la lutte politique, se dessine un poignant portrait familial, un lien d’abord invisible mais que la cinéaste dépeint avec profondeur. Tout le monde s’affaire à construire et détruire quelque chose en même temps dans Nos soleils. Mais lorsqu’une même chanson est chantée par différentes générations, c’est d’une émouvante transmission familiale dont il est question, mise à mal à coups de pelleteuse et d’oubli.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Les Années Super 8

admin — Tue, 13 Dec 2022 20:50:58 +0000

« En revoyant nos films super huit pris entre 1972 et 1981, il m’est apparu que ceux-ci constituaient non seulement une archive familiale mais aussi un témoignage sur les goûts, les loisirs, le style de vie et les aspirations d’une classe sociale, au cours de la décennie qui suit 1968. Ces images muettes, j’ai eu envie de les intégrer dans un récit au croisement de l’histoire, du social et aussi de l’intime, en utilisant mon journal personnel de ces années-là. » – Annie Ernaux

Les Années Super 8
France, 2022
De Annie Ernaux & David Ernaux-Briot

Durée : 1h01

Sortie : 14/12/2022

Note :

LES ANNÉES

Les Années Super 8 est le premier long métrage d’Annie Ernaux et de son fils David Ernaux-Briot, mais les fragments qui le constituent existent depuis des décennies. C’est effectivement un film de montage à partir de bobines familiales, tournées pendant 10 ans, de l’après-68 à l’aube des années 80. Les Années Super 8 est en apparence une toute petite chose – un film familial comme d’autres films familiaux, sur à peine plus d’une heure. Mais ce que les images saisissent d’un moment, ce qu’elles racontent ou omettent de raconter, et le regard aujourd’hui posé sur elles sont parfaitement passionnants.

Il y a, dans Les Années Super 8, ce qui est capté d’une époque. Ce peut être une lampe désormais vintage, un papier-peint qui ressemble à un décor, un vinyle d’Annie Cordy enfoncé dans un mange-disque, un sapin de Noël qui semble inévitablement échappé d’une photo de Diane Arbus. A plus large échelle, lorsqu’on sort du cocon familial, il y a l’essor du tourisme dans les années 70 : qu’est-ce que la caméra saisit d’un voyage au Chili, de la dimension politique qu’il revêt, d’un pays qui après le basculement politique n’existe plus de la même façon ? Qu’est-ce que la caméra peut bien montrer d’un voyage en Albanie où, dit-on, le réel est inatteignable ?

C’est en grande partie ce qu’explore le film familial devenu documentaire : on filme, certes, mais que peut-on raconter ? L’arrivée de la caméra, à l’époque « objet désirable par excellence », est un événement. Mais que peut-on en faire ? On filme les premières fois. On conserve ce qui est beau, on imprime les souvenirs. Un minigolf, des premières vacances à la neige. Mais l’image reste une création. Ernaux parle de happening théâtral lorsque la caméra se braque sur les membres de la famille. L’Ardèche est renvoyée à l’imaginaire de Jean Ferrat. L’Annie Ernaux qui commente en voix-off raconte l’Annie Ernaux à l’image parfois comme s’il s’agissait d’une autre, d’un personnage. C’est aussi ce dédoublement que le film raconte avec une grande finesse.

Quelle réalité se cache derrière les images ? Personne ne sait, en regardant cette jeune femme à l’écran, que celle-ci est en train d’écrire son premier roman. Personne ne voit, sur les films, le couple qui se disloque. Ce qui se trouve dans les ellipses, d’un film de Noël à l’autre. C’est un réservoir d’histoires par omission – une démarche à la fois cousine et inverse du formidable My Mexican Bretzel de l’Espagnole Nuria Giménez. Les Années Super 8 est poignant précisément par ce qu’il ne raconte pas, ou alors en pointillés. La caméra accompagne les débuts, mais que faire de la fin ? Que se passe-t-il quand la caméra ne cherche plus à « filmer le bonheur » ? Ces années seront déterminantes pour l’autrice Ernaux, mais tout cela reste hors du cadre.

On retrouve un certain nombre d’éléments de l’écriture d’Ernaux dans ce récit. Cette façon de dévoiler avec une simplicité confondante les mécanismes sociaux derrière les phénomènes qu’on pourrait croire seulement intimes. Ce ton factuel et doux qui accompagne des analyses perçantes. Ce sentiment d’intimité partagée, de confidence. Des confidences effectivement car une fois les films récupérés, l’autrice devient la gardienne de l’histoire familiale. Et si Les Années Super 8 ne remet pas entièrement en question son schéma (Ernaux co-réalisant d’ailleurs ce film avec son fils), il examine de manière bouleversante et profonde ce qui constitue la fiction familiale.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Rimini

admin — Tue, 22 Nov 2022 06:15:26 +0000

Vieux crooner autrichien et gigolo occasionnel, Richie Bravo survit en poussant la chansonnette pour des retraités dans des hôtels miteux de Rimini, sur la côte Adriatique. Son monde commence à vaciller quand Tessa, sa fille désormais adulte, fait irruption dans sa vie et lui demande l’argent qu’il ne lui a jamais donné.

Rimini
Autriche, 2022
De Ulrich Seidl

Durée : 1h54

Sortie : 23/11/2022

Note :

DES SPECTRES HANTENT L’EUROPE

Le nouveau film d’Ulrich Seidl se déroule bel et bien à Rimini, mais plongée dans une tristesse hors-saison, la station balnéaire ressemble ici moins à une carte postale italienne qu’à une ville fantôme lugubre. Les divers panneaux souhaitant la bienvenue ne semblent s’adresser à personne, et les hôtels n’ont nul autre à accueillir que quelques poignées de retraités et les spectacles ringards qui leurs sont réservés. Voilà justement le métier de Richie Bravo : chanteur de charme en fin de règne, Autrichien expatrié adressant ses roucoulades synthétiques aux yeux énamourés de ses admiratrices, de moins en moins nombreuses. Showman sans loge et parfois même sans scène, Richie a beau être expert dans sa manière d’utiliser ses charmes (et même de les monnayer) : une fois les spotlights éteints, il ne ressemble plus qu’à un ours polaire titubant sur un bout de banquise en train de fondre.

Rimini reprend là où s’arrêtait Import Export, avec une première scène qui reprend en miroir la chanson nostalgique des résidents d’un ehpad. Mais le cinéma de Seidl a évolué depuis ce film qui lui avait valu sa première sélection en compétition à Cannes il y a quinze ans. Les cadrages sont cette fois moins anguleux, laissant plus de place à la fois pour le spectateur qui peut respirer en ayant un peu moins peur de s’écorcher, et aux personnages pour se débattre avec un peu plus de dignité que d’habitude. Rimini est peut-être le film le plus accessible du cinéaste autrichien, mais même si celui-ci ouvre un peu plus la porte d’entrée (quand Richie demande à voix haute s’il mérite d’être aimé, c’est comme si Seidl nous livrait une clé expliquant tout son cinéma), il n’en demeure pas moins un portraitiste féroce. Dès les premières scènes, il nous fait à nouveau redescendre au sens propre dans les sous-sols de l’inconscient de ses compatriotes.

Lorsque Richie retrouve (ou plutôt lorsqu’il est retrouvé par) sa fille abandonnée il y a longtemps, il voit là le moyen de se racheter, de devenir enfin le bon père qu’il n’a jamais été. Seidl est trop malin pour ne pas tordre le coup avec un sourire cruel aux clichés des films de losers magnifiques et de rédemption facile. Ici encore l’horreur n’est jamais loin, tapie dans les caves, derrière les bonnes intentions et les portes de chambres d’hôtel, comme en témoigne une scène nocturne où les couloirs d’une résidence abandonnée semblent sortir d’un terrifiant found footage. Tels des manèges hantés, la vulgarité de des lieux en ruines contamine les personnages, englués dans une médiocrité que Seidl parvient une nouvelle fois à rendre drôle, terrible et poignante à la fois. Même et surtout dans les scènes de sexe, qui grincent fort.

A chaque fois que Richie met le pied dehors, la ville est recouverte d’une brume qui gomme tout. Impossible de distinguer la mer du ciel. Vers quel horizon se tourner quand le supposé paradis se révèle être un marécage glauque et que la terre natale n’est plus qu’un mouroir (« vous êtes en Autriche », hurle en majuscules implacables un message laissé au-dessus du lit d’hôpital du père de Richie à l’agonie) ? Prisonnier de son errance égoïste et irresponsable, Richie n’est capable d’exprimer des sentiments qu’à travers les clichés de ses ballades en toc. Il est incapable de nouer un lien réel avec sa fille, son frère, son père nostalgique du nazisme, et encore moins avec les migrants qui trainent en ville, échoués dans la rue tels des sdf et que la vieille Europe fait semblant de ne pas voir. A travers cette puissante métaphore, ce que Seidl montre alors, c’est qu’il est ne sert à rien de vouloir fuir son héritage, il n’y a nulle part où espérer se cacher du passé ou du présent.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Coma

admin — Tue, 15 Nov 2022 16:40:58 +0000

Une adolescente a un pouvoir, celui de nous faire entrer dans ses rêves. Mais aussi dans ses cauchemars. Enfermée dans sa chambre, son seul rapport au monde extérieur est virtuel. Elle navigue entre fiction et réalité, guidée par une youtubeuse inquiétante et mystérieuse, Patricia Coma.

Coma
France, 2022
De Bertrand Bonello

Durée : 1h20

Sortie : 16/11/2022

Note :

JE ZAPPE ET JE MATE

Nous avions déjà comparé Zombi Child, le précédent long métrage de Bertrand Bonello, à un portrait déguisé de la psyché adolescente. Plus précisément, nous avions dit que le cinéaste faisait « de la parole de jeunes filles la porte d’entrée et de sortie d’un inconscient collectif macabre » et la formule pourrait aujourd’hui tout aussi bien s’appliquer à Coma. Les deux films partagent par ailleurs la même actrice principale, Louise Labeque. Celle-ci interprète ici la fille du réalisateur à qui le film est dédié. Dédié de façon très littérale puisque Coma s’ouvre par la lecture d’une lettre que Bonello lui adresse.

Les mots confinement ou Covid ne sont jamais prononcés dans le film, mais ce sont les circonstances sanitaires qui sont à l’origine de ce projet de poche, et ces dernières imprègnent tout le film d’un sentiment d’étrange claustrophobie, tellement ancré dans les premiers mois de confinement qu’il rend le film presque déjà daté. Coma est en effet tourné quasiment en intérieurs et paradoxalement, les quelques scènes filmées dans un forêt censée symboliser des limbes fantasmagoriques ne sont pas les plus réussies.

Par ailleurs, si le film possède un prestigieux casting de voix off (Gaspard Ulliel, Laetita Casta…), seuls deux personnages sont régulièrement présents à l’écran, et ce sans se rencontrer pour autant : la jeune héroïne et une mystérieuse youtubeuse nommée Patricia Coma. Ce minimalisme, Bonello le rééquilibre en mélangeant des sources d’images diverses. De discours de Deleuze en extraits de L’Enfer de Clouzot, Coma ressemble à un zapping né d’un désœuvrement confiné.

Elle-même enfermée dans une maison de poupées, l’héroïne imagine ses jouets réciter des dialogues de sitcom absurdes (un clin d’œil à la série Rabbits de Lynch?). Ces scènes à l’imagination inoffensive alternent avec d’autres où plane une paranoïa plus flagrante : les rues sont scrutées par des caméras de surveillance, et le moindre apéro zoom peut voir débarquer un tueur en série. La violence et le fantastique commencent à recouvrir toutes les sources d’images, comme si un désir de fiction et de drame venait tout contaminer. Coma a du mal à se départir d’un rythme lancinant qui n’aide pas toujours à avoir foi dans la direction que veut prendre Bonello. Le film possède néanmoins un feeling bien à lui, comme un étrange cauchemar numérique au ralenti.

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par Gregory Coutaut

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