Festival de Séville - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Le Chasseur de baleines

admin — Wed, 28 Jan 2026 03:24:00 +0000

Leshka est un adolescent qui vit dans un village isolé sur le détroit de Béring, situé entre la Russie et l’Amérique. Comme la plupart des hommes de son village, il vit de la chasse de la baleine et mène une vie très calme à l’extrémité du monde. Avec l’arrivée récente d’internet, Leshka découvre un site érotique où officie une cam girl qui fait naître en lui un désir d’ailleurs…

Le Chasseur de baleines
Russie, 2020
De Philipp Yuryev

Durée : 1h34

Sortie : 28/01/2026

Note :

ET LÀ-BAS QUELLE HEURE EST-IL ?

Qui se trouve donc de l’autre côté de l’écran ? C’est une question qui peut se poser deux fois dans Le Chasseur de baleines, premier long métrage du Russe Philipp Yuryev – et la réponse est à chaque fois surprenante. Des camgirls, quelque part aux États-Unis, se filment, mais pour qui ? Il y a quelque chose d’incongru à constater que parmi leur public se trouvent ces pêcheurs d’un village de l’absolu bout du monde en Russie. De la même manière, ces garçons du détroit de Béring regardent les filles comme nimbées d’un curieux mystère en se demandant qui elles peuvent bien être. « Il n’y a pas de blonde comme ça au village ». Ce qui pourrait être potache voire un peu scabreux est regardé… avec une étonnante tendresse par Yuryev.

Yuryev semble filmer le plus extrême des no man’s lands, un endroit qui, plus qu’au bout du monde, semble au bord du monde. Et c’est précisément ce que le cinéaste raconte. La vie dans un lieu qui semble se dérouler comme à une autre époque tandis que nous ne sommes même pas le même jour que sur la terre d’en face. Quelle existence attend peut-être le jeune héros là-bas en Amérique ? Yuryev déploie un talent certain pour filmer les vastes étendues désolées. Visuellement majestueux, Le Chasseur de baleines décrit un décor qui est aussi un paysage onirique et sensible. Les lieux semblent emprisonner les personnages, et l’écran où apparaissent les camgirls n’est qu’une petite lucarne. Yuryev fait ressentir ce besoin de liberté en filmant certes les élans et actions de ses personnages, mais aussi en rendant les décors expressifs.

Dans ce patelin où l’électricité tombe sans arrêt en panne, on continue à chasser la baleine, comme hier. Figé dans le passé, cet endroit semble changer d’époque lorsqu’un morceau de Julee Cruise est utilisé en inattendu contrepoint. Le Chasseur de baleines raconte une situation immobile mais qui pourtant palpite. Les flammes au bord d’un feu éclairent les visages mais elles mettent aussi en lumière les émotions des personnages. Leur imaginaire les projette en avant et Yuryev décrit cela avec une vraie grâce.

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par Nicolas Bardot

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La sélection du Festival du Film de Séville 2023

admin — Mon, 20 Nov 2023 01:18:49 +0000

En dépit de rumeurs annonçant son annulation et d’une annonce tardive des organisateurs, la 20e édition du Festival de Séville aura bel et bien lieu. Cette manifestation dédiée au cinéma européen se tiendra du 23 au 29 novembre, soit un peu plus tard que les années précédentes, et en format réduit.

Le festival proposera une rétrospective de l’œuvre de Victor Erice, un panorama de la jeune création andalouse, ainsi que de nombreuses avant-premières. Parmi ces dernières, on retrouve plusieurs de nos coups de cœurs de ces derniers mois tels Samsara, Here, Slow ou encore La salle des profs.

Here

Voici les 23 films qui concourront dans la compétition officielle:
Animal i humano, d’Alessandro Pugno
Anselm (Le bruit du temps), de Wim Wenders
La bête, de Bertrand Bonello
La bête dans la jungle, de Patric Chiha
Club Zero, de Jessica Hausner
Crossing, de Jacqueline van Vugt
Débâcle, de Veerle Baetens
La estrella azul, de Javier Macipe
L’été dernier, de Catherine Breillat
Eureka, de Lisandro Alonso
Felipe, de Federico Schmukler
Hesitation Wound, de Selman Nacar
King’s Land, de Nikolaj Arcel
Le livre des solutions, de Michel Gondry
Les meutes, de Kamal Lazraq
Moi, capitaine, de Matteo Garrone
Mon ami robot, de Pablo Berger
Music, d’Angela Schanelec
La passion de Dodin Bouffant, de Tran Anh Hung
Sages femmes, de Léa Fehner
Sobre todo de noche, de Víctor Iriarte
Un silence, de Joachim Lafosse
Universal Theory, de Timm Kröger

Retrouvez tous les détails au sujet de la sélection sur le site officiel.

Gregory Coutaut

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Critique : Holy Emy

admin — Tue, 21 Mar 2023 20:54:01 +0000

Lorsque leur mère est contrainte de retourner aux Philippines, les sœurs Emy et Teresa mènent une vie tranquille au sein de leur communauté catholique soudée d’Athènes. Cependant, lorsque Teresa tombe enceinte, Emy est de plus en plus attirée par d’autres forces plus mystérieuses qui vivent en elle.

Holy Emy
Grèce, 2021
De Araceli Lemos

Durée : 1h51

Sortie : 22/03/2023

Note :

EMY MAGIQUE

Des gouttes de sang perlent dans une baignoire comme un mauvais présage au tout début de Holy Emy. Mais dans son très étonnant premier long métrage, la Grecque Araceli Lemos (lire notre entretien) déjoue régulièrement les attentes, et lorsqu’elle lance des pistes, elle sait aussi habilement en effacer les traces. Il y a dans Holy Emy un très étrange mélange de réalisme social et de… quoi donc au juste ? De mystère ? De merveilleux ? Difficile de coller une étiquette et voilà d’ores et déjà une qualité précieuse pour un premier essai.

La caméra de la cinéaste s’arrête un temps sur un poisson hors de l’eau, à la recherche d’air. L’allégorie, est ici clairement plus lisible, mais la façon qu’a Lemos de faire un récit politique sort des sentiers battus. Car même lorsque la cinéaste a recours au surnaturel, Holy Emy n’est jamais vraiment tourné comme un film fantastique. C’est un drame social, mais dont les outils ne se situent pas tant dans le réalisme que dans le surnaturel. C’est un film sur le déracinement, sur l’exploitation de personnes racisées, mais la marge ici n’est jamais regardée comme dans un poverty porn. A l’image de la jeune héroïne, traitée comme une sainte et esclave à la fois.

Ce point de vue offre au film une tension très singulière – ce sentiment que chaque scène peut basculer à tout moment. Lorsque Lida (Angeli Bayani, formidable actrice philippine vue chez Lav Diaz, Anthony Chen ou actuellement dans Onoda) parle du démon qui possède peut-être Emy, une chorale religieuse entonne à côté d’elle une chanson kitsch sur l’esprit saint qui habite les corps. Lemos est à l’aise avec ce genre de rupture. Holy Emy ne révèle pas ses secrets, ses miracles demeurent plutôt inexpliqués – on en sait assez ainsi. Mais ce n’est en rien un tour d’esbroufe, car le film n’élude pas la brutalité du sujet, il porte un regard assez unique sur ses héroïnes et sur une communauté. Si le film est constamment surprenant, ce n’est pas parce que ses choix seraient arbitraires, mais parce que la cinéaste fait preuve d’énormément de personnalité. Voilà de toute évidence un talent à suivre.

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par Nicolas Bardot

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Entretien avec Araceli Lemos

admin — Tue, 21 Mar 2023 20:50:00 +0000

C’était l’une des révélations du Festival de Locarno l’an dernier : la réalisatrice grecque Araceli Lemos signe avec Holy Emy un très singulier drame surnaturel. Ce récit mystique a pour héroïnes deux sœurs philippines vivant en Grèce. C’est un film inclassable, entre récit d’apprentissage, fable fantastique et drame social sur l’intégration. Holy Emy est constamment surprenant et révèle une cinéaste à suivre…

**Quel a été le point de départ de Holy Emy ?**

J’étais très attirée par l’idée que deux sœurs puissent être codépendantes et heureuses de l’être. J’imaginais deux sœurs capables de trouver dans l’autre tout ce dont elles avaient besoin, deux jeunes filles qui ne souhaitaient pas tant avoir une véritable identité sociale que rester dans une bulle proche du ventre maternel. Ce qui m’intéressait, c’est ce qui se passe quand ces jeunes filles-là grandissent et ont d’autres besoins. Mais il y avait également autre chose qui me tenait à cœur. J’aimais l’idée que leurs corps soient destinés à quelque chose qui est hors de leur contrôle, l’idée qu’un corps puisse être un instrument pour soigner et apporter des solutions. Ces questions-là étaient au cœur de l’histoire dès le début, et il m’a fallu beaucoup de temps pour y trouver des réponses, des années d’écriture.

Et puis bien sûr je voulais parler de la communauté philippine. La protagoniste de cette histoire était une fille qui se trouve à la marge, une minorité dans la minorité, et c’est pour cela que la communauté philippine était idéale. C’est un groupe de population qui a une grosse présence à Athènes mais qui demeure fermé sur lui-même car très introverti. Dans la génération précédente, la plupart des Philippins de Grèce étaient marins, ils étaient donc absents une grande partie de l’année. Leurs épouses travaillaient comme femmes de ménage et on ne les voyait en extérieur qu’en fin de semaine. Cela m’intriguait beaucoup. Un jour je me suis rendue dans une de leurs églises, et j’ai découvert un autre visage de la communauté : après la messe, il y avait à la fois du catéchisme et des séances de guérison. Il y avait une place laissée à la médecine alternative, des guérisseurs se situant en dehors de la médecine ou de la religion occidentales traditionnelles. C’est à ce moment-là que les pièces du puzzle se sont assemblées dans mon esprit.

Vous dites avoir voulu raconté une histoire qui soit comme un mythe, qu’est-ce que vous entendez par cette formule ?

C’est une invitation à envisager différemment des choses que nous croyons connaitre. J’aime que l’histoire débute dans de vrais lieux, une vraie ville, et surtout un vrai port qui devient une sorte de symbole. Athènes n’est pas une ville immense, je tenais à ce que les spectateurs puissent reconnaitre les lieux et les redécouvrent par la même occasion, car derrière les murs de cette ville familière, il y a une communauté qui vit une existence parallèle. C’est en allant à la rencontre de cette communauté, en voyant la ville à travers leurs yeux, que j’ai pu découvrir Athènes une seconde fois. J’aime que le film plonge les héroïnes dans quelque chose de très tangible, sans pour autant perdre de vue qu’elles demeurent des archétypes propres aux mythes : la mère forte, la fille maudite, celle qui doit se rebeller contre son destin, celle qui doit suivre un parcours initiatique.

Dans quelle mesure peut-on dire que votre film utilise le fantastique pour parler d’une situation politique ?

Je voulais parler de la seconde génération de philippins grecs parce qu’elle est très différente de la première génération. Ces derniers sont arrivés à une époque où la Grèce avait une industrie portuaire très importante. Beaucoup demandaient des visas pour travailler comme marins et venaient avec leur familles, mais d’autres étaient aussi sans papiers et vivaient dans la clandestinité. Tous gardaient profil bas. La deuxième génération est plus vibrante, et souhaite avoir une place plus visible dans la société. Ils souhaitent être régularisés mais c’est encore loin d’être évident pour tous. C’était donc important pour moi d’aider cette communauté à être vue. Je voulais prouver qu’ils font bel et bien partie de la société grecque.

Comment en êtes-vous venue à tourner avec Angeli Bayani ?

Alors que j’étais en train de terminer le scénario, on a commencé à me conseiller des actrices philippines. J’ai tout de suite répondu que pour ce rôle-là, je voulais quelqu’un dans le style d’Angeli Bayani. Je l’avais vue dans de nombreux films, à chaque fois dans des rôles très différents. C’est une actrice qui est réellement capable de se transformer. Je rêvais de travailler avec elle, alors pourquoi ne pas lui proposer directement le rôle ? Ce fut un peu compliqué d’organiser sa venue mais elle a été parfaite. Je lui expliquais que son personnage devait en quelque sorte avoir deux visages : l’un pour sa communauté et l’autre pour le reste de la société. Elle a endossé idéalement ce rôle de porte-parole de la communauté, elle en a fait quelqu’un de très sensible. C’était une très belle collaboration.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

J’adore regarder des films, et j’ai différentes phases où je regarde des choses de styles divers, mais je ne sais pas si j’ai des cinéastes préférés à proprement parler. Pendant l’écriture du scénario, je regarde des films spécialement pour me servir d’inspiration. Pour celui-ci j’ai regardé en boucle Lourdes de Jessica Hausner, dont j’adore l’ambivalence. J’ai aussi revu We Need to Talk About Kevin de Lynn Ramsay. J’apprécie particulièrement que le film nous fasse traverser différents sentiments vis-à-vis du personnage de la mère. De façon générale, j’apprécie surtout les cinéastes qui maitrisent la gestion de la tension. Je pense à des classiques comme Hitchcock ou Polanski.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent ?

La documentaire américain Dick Johnson is Dead. La réalisatrice Kristen Johnson a imaginé différents scénarios sur le déclin et la mort imminente de son père, atteint d’Alzheimer. A travers cette forme hybride de documentaire et fiction, c’est comme si elle s’entrainait à faire face à ce qui arrivera fatalement un jour ou l’autre. Elle a envisagé son film comme une série d’expériences et je trouve que c’est une très belle manière de faire du cinéma. Moi même, quand je fais un film, je souhaite que chaque étape soit comme une mini aventure. Au début du projet, je ne savais pas encore à quoi allait ressembler exactement la personnalité d’Emy. J’ignorais également si je croyais pour de bon à tout ce qui devait se passer dans le film. Mais j’aime précisément les questions ouvertes. Elles sont ma porte d’entrée dans mes propres films.

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 11 aout 2021. Un grand merci à Audrey Grimaud et Konstantinos Vassilaros.

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Critique : Retour à Séoul

admin — Tue, 24 Jan 2023 23:29:44 +0000

Sur un coup de tête, Freddie, 25 ans, retourne pour la première fois en Corée du Sud, où elle est née. La jeune femme se lance avec fougue à la recherche de ses origines dans ce pays qui lui est étranger, faisant basculer sa vie dans des directions nouvelles et inattendues.

Retour à Séoul
France, 2022
De Davy Chou

Durée : 1h59

Sortie : 25/01/2023

Note :

FREDDIE SORT DE LA NUIT

« Bienvenue » : le mot qui ouvre la première scène de Retour à Séoul est la première chose que Freddie entend en Corée du Sud, pays dont elle est originaire et où elle se rend pour la première fois de sa vie de jeune adulte. De ce pays, elle ne connaît pas grand chose, ni la musique populaire ni même la prononciation exacte de son prénom, et pourtant les amis qu’elle ne tarde pas à se faire sont formels : son visage possède les traits de la Corée ancienne et ancestrale. Retour à Séoul déjoue rapidement les archétypes sur les retrouvailles avec ses racines : Freddie est effectivement la bienvenue, accueillie avec une simplicité chaleureuse, mais une solitude retorse en elle l’empêche d’en profiter.

Il y a une double réussite à l’œuvre dans Retour à Séoul. D’une fierté adolescente mal placée qui la rend parfois difficilement aimable, Freddie est un personnage étonnant de contradictions, écrit par le réalisateur et scénariste Davy Chou avec un art de la nuance qui mérite d’être applaudi. Un succès qui trouve écho dans l’impressionnante performance de Park Ji-min. Crédible aussi bien en grande enfant godiche qu’en jeune femme fatale, cette dernière est l’une des meilleures révélations de l’année.

Si Freddie semble se forcer à avoir l’air sûre d’elle au moment de trouver son équilibre entre deux cultures, Retour à Séoul est un film qui maîtrise avec une aisance remarquable le va-et-vient entre des énergies différentes. Choyés par des gros plans colorés, les personnages sont entourés de chansons d’amour et pourtant le film évite tout sentimentalisme facile. Le scénario n’a pas peur des virages cassants, et pourtant le résultat demeure poignant de À à Z. Sans se forcer à appliquer les codes du mélo, sans jamais gommer ses aspérités, Retour à Séoul parvient à être un formidable mélo.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Cow

admin — Tue, 29 Nov 2022 10:00:44 +0000

« COW nous invite à porter un autre regard sur les vaches, à nous en rapprocher, à contempler leur beauté mais aussi la réalité de leur vie. Sans fard. Ceci est l’histoire d’une réalité, celle d’une vache laitière, et un hommage à l’immense service qu’elle nous rend. Quand je regarde Luma, notre vache, c’est notre monde que je vois à travers elle. » Andrea Arnold

Cow
Royaume-Uni, 2021
De Andrea Arnold

Durée : 1h34

Sortie : 30/11/2022

Note :

VACHE MAIGRE

Voilà une parenthèse inattendue dans la carrière d’Andrea Arnold. Premier film documentaire de la réalisatrice britannique, Cow est un long métrage au minimalisme étonnant. Pas de dialogues (hormis quelques phrases insignifiantes captées en arrière-plan), pas de voix off, pas d’intertitre, et comme unique protagoniste : une vache. Si certains plans peuvent rappeler l’étrangeté crue des Hauts de Hurlevent, il serait sans doute exagéré de dire que l’on reconnaît ici de façon flagrante le style d’Arnold. Pourtant, comme ses précédentes œuvres, Cow est un film qui n’a pas peur du mouvement, quitte à ce que la caméra se prenne plus d’un coup de boule de la part du bovin.

Arnold filme le bovidé en face à face (sans éviter ce nouveau cliché du documentaire animalier : le soi-disant mystérieux gros plan sur les yeux). Elle la filme sous toutes ses coutures, de la moins ragoûtante à la plus attachante. Cette vache d’élevage n’a d’autre destinée que de se reproduire et donner du lait. Cet horizon restreint ne permet pas au film d’avoir une variété de registres incroyables, et Cow n’a de toute façon pas l’ambition artistique du fascinant Gunda, mais au moins Arnold a-t-elle le bon goût d’éviter l’anthropomorphisme à outrance. Mais l’évite-t-elle autant qu’elle le pourrait ?

Il y a ici des choix de mise en scène, telles ces chansons pop en accompagnement, dont le sentimentalisme naïf étonne de la part d’Arnold. Une scène d’accouplement avec un taureau est montée en parallèle avec un feu d’artifice et une chanson RnB qui roucoule des mots d’amour. La pilule est un peu grosse à avaler. « Regardez comme elle sourit » dit même un agriculteur au moment de son accouchement. C’est comme si Arnold, coincée dans une stupeur émerveillée, s’attendait à ce que l’on partage sa fascination, mais cette dernière n’est pas assez contagieuse ou profonde pour sortir Cow de sa toute petite échelle, presque anecdotique. On se demande un peu ce que la cinéaste avait en tête avec un tel projet.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Séville 2022

admin — Tue, 15 Nov 2022 15:49:41 +0000

La 19e édition du Festival de Séville s’est achevée ce weekend. Saint Omer d’Alice Diop en est ressorti doublement vainqueur puisque le film a remporté à la fois le Giraldillo d’or et le prix du scénario. Retrouvez ci-dessous le palmarès ainsi que nos critiques des films primés.

Saint Omer

Compétition officielle
Giraldillo d’or : Saint Omer, d’Alice Diop
Grand prix du jury : ex aequo Close de Lukas Dhont et Feu follet de João Pedro Rodrigues
Prix de la mise en scène : L’Envol de Pietro Marcello
Prix du scénario : Alice Diop, Amrita David et Marie Ndiaye pour Saint Omer
Prix du meilleur acteur : Eden Dambrine dans Close
Prix de la meilleurs actrice : ex aequo Julie Ledru pour Rodéo et Zar Amir Ebrahimi pour Les Nuits de Mashhad
Meilleur montage : Géraldine Mangenot pour Les Enfants des autres
Meilleure photo : Mauro Herce pour Matadero

Section Nuevas Olas Fictions
Meilleur film : Aftersun, de Charlotte Wells
Prix spécial : A noiva, de Sérgio Tréfaut

Section Nuevas Olas Non-fictions
Meilleur film : Viagem ao sol, de Susana de Sousa Dias et Ansgar Schaefer

Section Revoluciones Permanentes
Prix du meilleur film : Afterwater, de Dane Komlijen

Prix du public
Section Historias Extraordinarias : Blue Jean, de Georgia Oakley
Section Europan Film Awards : Tori et Lokita de Jean-Pierre Dardenne et Luc Dardenne

Source : Le site du festival

Gregory Coutaut

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A voir en ligne | Critique : Space Dogs

admin — Thu, 03 Nov 2022 23:28:00 +0000

Laika, une chienne errante, fut le premier être vivant envoyé dans l’espace, et donc à une mort certaine. Une légende raconte que son fantôme est revenu sur terre et erre encore dans les rues de Moscou…

Space Dogs
Autriche, 2019
De Elsa Kremser & Levin Peter

Durée : 1h31

Sortie : –

Note :

LES CHIENS ERRANTS

Au moment de faire le bilan des ovnis les plus incroyables vus sur un écran cette année, Space Dogs de l’Autrichienne Elsa Kremser et l’Allemand Levin Peter (lire notre entretien) devrait être un solide prétendant à la Palme. L’histoire du film est aussi folle que poétique : Laïka, le premier être vivant envoyé dans l’espace, serait selon la légende devenu un chien fantôme après sa mort solitaire parmi les étoiles, et errerait dans les rues de Moscou. C’est le prétexte choisi par Kremser et Peter pour suivre les chiens errants de la capitale russe, dans ce film sans protagonistes humains. Un peu comme ces films animaliers du Mardi c’est permis – mais en beaucoup plus violent.

Que voyait Laïka dans l’espace ? Que ressentait-elle dans son cœur et son âme de chien ? La question, pour les cinéastes, se pose de la même manière pour les chiens abandonnés qu’ils suivent de jour comme de nuit. Régulièrement interviennent des images d’archive assez hallucinantes où l’on peut voir le sort terrible réservé à des chiens sur lesquels sont effectués des tests scientifiques. Peuvent-il aller dans l’espace ? Peuvent-ils survivre contrairement à Laïka ? Le point commun de toutes ces images, dans les rues comme les laboratoires, est au mieux une forme de violente indifférence humaine, au pire de torture active. Kremser et Peter observent comment des récits ultra-brutaux, parfois des désastres avec des fusées qui explosent, peuvent être transformés avec un cynisme cosmique en success story – un voyage inédit du sordide au cheesy.

Sans jamais que le film ne mette explicitement de mots dessus, Space Dogs porte en lui une évidente force allégorique. Ces chiens abandonnés à leur sort, ces chiens devenus sauvages et qui croquent plus faibles qu’eux, ignorés par la société, ont quelque chose de tout à fait humains. Ils dorment dans les rues, traversent des aires industrielles et commerciales loin des beaux quartiers tandis qu’en fond sonore est diffusée une pop russe dégueulasse… Le film décrit aussi la brutalité d’un cauchemar sociétal et n’est pas qu’une affaire de chiens. La façon dont un singe ici est employé pour un job grotesque et contemple la tristesse de la nuit moscovite en dit autant sur ce pauvre chimpanzé que sur les humains qui l’entourent.

C’est grotesque et c’est parfaitement sérieux. C’est un documentaire et c’est un conte de fées. C’est un film basé sur des recherches rigoureuses et des images d’archive sérieuses, mais traité de façon lyrique. Elsa Kremser et Levin Peter manient avec grand talent ces contrastes qui donnent toute sa richesse au long métrage. Qui crée un malaise, une étrange émotion, un vertige comme quand on pense à ces tortues perdues à jamais dans le cosmos. Voilà une expérience assez inouïe et probablement inoubliable.

>> Space Dogs est visible librement jusqu’au 30 novembre 2022 sur le replay d’Arte

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par Nicolas Bardot

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Entretien avec Elsa Kremser & Levin Peter

admin — Thu, 03 Nov 2022 23:27:00 +0000

C’est sans aucun doute l’un des ovnis de de ces dernières années. Space Dogs part du postulat que le fantôme de Laika, premier être vivant envoyé dans l’espace, erre désormais parmi les chiens errants des rues de Moscou. L’Autrichienne Elsa Kremser et l’Allemand Levin Peter suivent ainsi des chiens dans la capitale russe ; leur film est à la fois scientifique et lyrique, c’est un doc qui emprunte au conte de fées, il ne montre que des animaux mais parle beaucoup des humains… Le film est visible librement sur le replay d’Arte jusqu’au 30 novembre 2022. Nous avons rencontré les deux cinéastes.

**Quel a été le point de départ de Space Dogs ?**

Nous étions fascinés par l’idée de consacrer un film à la vie d’une meute de chiens errants. Nous avons pensé qu’il devait être possible de faire un long métrage dans lequel les chiens jouent le rôle principal, un film sur leur langue , depuis leur point de vue sur nous les humains. A partir du moment où nous avons découvert que Laika, le premier être vivant à avoir été envoyé dans l’espace, est née dans les rues de Moscou, nous savions quelle histoire raconter. Penser à son cadavre flottant quelque part au-dessus de nos têtes nous a donné l’idée d’inclure cette légende selon laquelle son fantôme errerait aujourd’hui dans les rues de Moscou aux côtés de ses descendants. De quoi rêvent les chiens lorsqu’ils bougent leurs pattes dans leur sommeil – que ce soit dans une capsule spatiale ou dans les rues de Moscou? A partir de cette question, nous avons commencé à travailler sur Space Dogs.

Il y a dans Space Dogs une scène qui est assez choquante. Avez-vous établi des règles avant le tournage sur ce que vous pouviez filmer ou non, et sur la façon dont vous pensiez vous comporter vis-à-vis des chiens ?

Notre but était de suivre ces chiens – et faire partie de la meute – pour être acceptés par eux. Il était très important de susciter l’intérêt des chiens. Donc notre seule règle était de ne pas les nourrir, parce que dans ce cas ils ne nous auraient plus considérés que comme source de nourriture et cela aurait altéré leur intérêt – comme c’est le cas avec beaucoup d’autres personnes qui les nourrissent. Il nous a fallu deux mois pour être acceptés par eux et être techniquement assez expérimentés pour les suivre à travers la ville. Un matin, nous les suivions depuis très longtemps dans la ville encore endormie. Soudain – tout aussi soudainement que cela arrive dans le film – cette scène de chasse brutale a eu lieu. Ce fut un moment choquant pour nous. Cinématographiquement, nous avons fait ce sur quoi on s’était entraîné pendant de nombreuses semaines, nous les avons suivis avec la caméra – sans faire de compromis.

Space Dogs se base sur des faits scientifiques mais il y a aussi un ton très lyrique, le film peut être à la fois un documentaire et un conte de fées, il y a des scènes qui peuvent être grotesques et d’autres très sérieuses… Comment avez-vous abordé ces émotions et ces éléments très différents ?

Pendant le tournage, nous étions d’abord et avant tout des collectionneurs. Dès le début, nous avions en tête un film qui oscille entre le documentaire et la mythologie. Les différents niveaux se sont ajoutés ainsi au cours de ce long processus. A Moscou, nous n’avons pas seulement accompagné les chiens, nous avons également fait des recherches dans les archives pendant plusieurs années au sujet d’images qui étaient aujourd’hui invisibles et nous avons rencontré des témoins qui, à l’époque, travaillaient avec les chiens cosmonautes. Le bon équilibre entre ces différents matériaux et niveaux, nous ne l’avons trouvé que pendant le processus de montage. La chose la plus exigeante à coup sûr, c’était de donner au film ses personnages principaux – les chiens errants dans Moscou. Nous voulions qu’ils mènent le film, que leur réalité s’entrelace avec les archives et que tout cela s’intègre dans une fable.

Quels sont vos cinéastes favoris et/ou ceux qui vous inspirent ?

Miguel Gomes est peut-être un réalisateur qui nous a le plus inspirés pour Space Dogs. Surtout son film Les Mille et une nuits, qui nous a beaucoup encouragés et nous a donné envie de raconter Space Dogs à notre manière. Nous avons aussi regardé beaucoup de films de science-fiction des années 70 et 80 qui nous ont beaucoup inspirés. Par exemple pour la conception sonore, Le Mystère Andromède de Robert Wise était une référence.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent ?

Comme nous avons passé beaucoup de temps à Moscou, nous avons également eu un bon aperçu de la création cinématographique locale. Et c’était un nouveau regard fascinant pour nous, parce que ces cinéastes sont largement inconnus en Europe occidentale et sans soutien gouvernemental, ils sont contraints de travailler de manière extrêmement indépendante. Leur énergie nous a beaucoup inspirés. Nous avons découvert en particulier le travail d’Ekaterina Selenkina et Alexey Kurbatov. Ils travaillent sur un film vraiment singulier, et ce qu’on a pu en voir était particulièrement excitant. Ce projet s’intitule Figures in the Urban Landscape et est soutenu par le Fonds Hubert Bals.

>>> Space Dogs est visible librement jusqu’au 30 novembre 2022 sur le replay d’Arte

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 17 août 2019. Un grand merci à Gloria Zerbinati.

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La sélection du Festival du Film de Séville 2022

admin — Wed, 26 Oct 2022 19:36:25 +0000

La 19e édition du Festival de Séville, dédié au cinéma européen, se tiendra du 4 au 12 novembre. Répartis dans de nombreuses sections, l’animation, le documentaire, les films expérimentaux, la jeune création espagnole et andalouse y côtoient les grands auteurs et des avant premières. Parmi ces dernières, on retrouve d’ailleurs plusieurs de nos coups de cœurs de ces derniers mois (Aftersun, Ashkal, Blue Jean, Human Flowers of Flesh, Tommy Guns…).

Voici les 18 films qui concourent dans la compétition officielle:
Les Amandiers, Valeria Bruni-Tedeschi
Close, Lukas Dhont
Les Enfants des autres, Rebecca Zlotowski
L’Envol, Pietro Marcello
Fairytale, Aleksandr Sokurov
Feu follet, João Pedro Rodrigues
Leonora addio, Paolo Taviani
Matadero, Santiago Fillol
My Love Affair With Marriage, Signe Baumane
Les Nuits de Mashhad, Ali Abbassi
Le Pharaon, le sauvage et la princesse, Michel Ocelot
Quand les vagues se retirent, Lav Diaz
Rodeo, Lola Quivoron
Saint Omer, Alice Diop
Siete Jireles, Pedro G. Romero
Sonne, Kurdwin Ayub
Un couple, Frederick Wiseman
Vera, Tizza Covi et Rainer Friel

Comme chaque année, le Festival de Séville sera à suivre en direct sur LePolyester. Retrouvez tous les détails au sujet de la sélection sur le site officiel.

Gregory Coutaut

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