• Adgwa-Ata, Zsuzsanna Kreif (compétition)
L’histoire : Enlevées par une tribu de la jungle pour subir une initiation brutale, trois adolescentes pénètrent dans une dimension divine où apprivoiser leurs animaux totems, des serpents géants, devient le seul moyen d’accéder à l’âge adulte.
Pourquoi il faut le voir : Êtes-vous prêt•es à partir pour le plus lointain et mystérieux des voyages ? Adgwa-Ata de la Hongroise Zsuzsanna Kreif est une expérience immersive quelque part entre la fable féministe, le film de cannibales 70s et la science-fiction futuriste. Rempli d’images fortes aux couleurs puissantes, ce court jouissif, vertigineux et au riche imaginaire promet d’être l’un des sommets de ce Festival de Cannes.

• À quoi rêvent les Maknines, Sarra Ryma (compétition)
L’histoire : À quoi rêvent les Maknines raconte l’errance existentielle de deux jeunes Algériens, qui s’apprêtent à tout quitter pour traverser la Méditerranée. Le temps d’une journée, le film invite à s’égarer avec ce couple atypique, à vivre leur solitude, à les accompagner dans leurs déambulations, à partager leurs passions et leurs peurs, et à souffrir de leurs au revoir.
Pourquoi il faut le voir : Dans A quoi rêvent les Maknines, la Franco-Algérienne Sarra Ryma filme une joie voilée de tristesse – et réciproquement. La cinéaste dépeint de manière chaleureuse la tendre relation et les rêves de jeunes gens à « Alger la sévère » comme le dit un rappeur. C’est un lien amour-haine sur l’endroit d’où l’on vient qui est décrit dans cet attachant court, où de grands adolescents se sentent comme en cage.

• City of Owls, Zhenia Kazankina (compétition)
L’histoire : Le dernier soir avant son départ, Vera couche sa petite sœur. Afin de lui cacher la véritable raison de son départ, elle lui récite un conte pour s’endormir. C’est l’histoire d’une ville engloutie par une nuit éternelle.
Pourquoi il faut le voir : C’est une histoire pour s’endormir – et pour rêver. D’origine russe et désormais établie en Italie, Zhenia Kazankina compose un conte ensorcelant au profond pouvoir métaphorique sur un monde où la nuit est tombée pour toujours. Ce rayonnant film de nuit révèle une cinéaste dont la mise en scène est inspirée, poétique et envoûtante. City of Owls est un songe triste et merveilleux dont le scintillement a un pouvoir magique.

• Class Photo, Arnas Balčiūnas (compétition)
L’histoire : Alors qu’il retourne voir son ancienne école, laissée à l’abandon, Ignas croise un ancien camarade. Errant dans ces couloirs chargés de souvenirs contradictoires, ils tentent de saisir ce qui est sur le point de disparaître.
Pourquoi il faut le voir : La salle de classe est un catalyseur de souvenirs, a fortiori quand celle-ci se trouve dans une école abandonnée depuis des lustres. Ce lieu fantôme est mis en valeur par la remarquable mise en scène du talentueux Lituanien Arnas Balčiūnas, avec un usage dynamique du cadre et de la profondeur de champ. Sens dessus dessous, l’école baignée de silence est comme une allégorie sensible de ce que ses enfants aujourd’hui adultes sont devenus.

• I Think You Should Be Here, Anna-Marija Adomaitytė & Élie Grappe (séance spéciale)
L’histoire : Non loin de Genève, sept jeunes filles, au seuil de l’âge adulte, se remémorent dans leur chambre les paroles et les danses TikTok qui ont façonné leur jeunesse. Entre mémoire intime et collective, elles déambulent de chambre en chambre et traversent en dansant cette dernière nuit hors du temps ; en quête de liens et d’identité, elles poussent leurs gestes jusqu’à l’épuisement.
Pourquoi il faut le voir : Remarqué à la Semaine avec son long Olga, le Suisse Élie Grappe s’associe à la danseuse lituanienne Anna-Marija Adomaitytė pour ce court hors normes. I Think You Should Be Here offre une perspective inédite sur le récit d’apprentissage avec ses ados réalisant des chorés sur TikTok. La danse est un langage codé entre les filles, le temps passe, et la vidéo futile devient un lien secret, une connivence envoûtante. Puis vient cette question à la fois naïve et poignante : « Si tu quittes TikTok, tu te souviendras de moi ? ».

• Love Story, Laïs Decaster (séance spéciale)
L’histoire : Un soir, mon amie Alyssa me fait une confidence : elle vient d’entamer une relation amoureuse mais l’histoire est déjà bancale ! Au fil des mois, je la retrouve pour écouter la suite de ses péripéties. Peu à peu, sa sœur et nos amies se joignent à nos conversations et donnent, tour à tour, leur avis sur la situation.
Pourquoi il faut le voir : Fraichement nommée aux César pour son court métrage Car Wash, la Française Laïs Decaster signe une charmante comédie fauchée dans l’esprit des premiers Sophie Letourneur. Ce documentaire de salon, ultra-minimaliste dans son dispositif mais qui s’étale pourtant sur des mois avec de plus en plus de protagonistes, parle d’amour, de couple, de cul. Mais entre les clopes et les bouteilles de rosé se dessinent en creux le sujet du film et son cœur battant : l’amitié féminine.

• Man’mi, Aude N’Guessan Forget (compétition)
L’histoire : Le grondement d’une rivière et le cri d’un grand calao qui résonne dans une forêt tropicale… Flora, une petite fille métisse de six ans, se raconte une histoire. Soudain la voix de sa maman, Hortense, la ramène à la réalité. À leur réalité : une vie modeste, pleine de tendresse, de moments joyeux partagés avec les tantes baoulées. Pourtant, une ombre imperceptible plane sur leur bonheur… Les souffrances d’Hortense, atteinte d’une maladie génétique, s’immiscent insidieusement dans leur quotidien.
Pourquoi il faut le voir : Au croisement de la légende immémoriale et du fait divers tragique, Man’mi se distingue par son utilisation gracieuse du réalisme magique. Ce drame qui semble d’abord sans drame dépeint finement les combats invisibles face au racisme systémique. La Française Aude N’Guessan Forget parvient avec délicatesse à se mettre à hauteur d’enfant dans un film qui examine de manière glaçante le syndrome méditerranéen.

• Nafron, Daood Alabdulaa (compétition)
L’histoire : Dans un pays en plein éveil, une femme d’âge mûr déambule dans les rues de Damas, déchirées par la guerre. Quelques semaines à peine après la chute d’Assad, ayant comme perdu la mémoire, elle se cherche. Lorsque son chemin croise celui d’Amira, les deux femmes pourraient changer la vie l’une de l’autre, chacune trouvant chez l’autre les réponses qu’elle cherche.
Pourquoi il faut le voir : Hanté et majestueux, Nafron du réalisateur d’origine syrienne Daood Alabdulaa impressionne par la force de sa mise en scène. Alabdulaa filme la mémoire blessée de la ville (immeubles éventrés, cimetière géant, murs abimés) et dépeint son peuple – quelques silhouettes, quelques fantômes. Son minimalisme inspiré (épure narrative, silence magnétique) possède un grand pouvoir suggestif dans ce stupéfiant décor post-apocalyptique.

• La Sentinelle, Ali Cherri (séance spéciale)
L’histoire : 14 juillet, jour de fête nationale. Dans une caserne rythmée par les rituels militaires, le sergent Lafleur semble écrasé par le poids silencieux du devoir. Un médecin lui accorde une nuit de liberté, à condition de revenir avant l’aube. Commence alors une errance nocturne, au cœur d’un monde qui se dérobe peu à peu au réel. Une nuit suspendue entre destin et abandon.
Pourquoi il faut le voir : Cinéaste et plasticien d’origine libanaise, Ali Cherri s’est déjà imposé comme une voix importante du cinéma contemporain avec des films tels que Le Barrage (Quinzaine 2022) et Le Guetteur (Rotterdam 2024). Les flamboyants artifices dans La Sentinelle viennent souligner de manière saisissante l’état incertain dans lequel se trouve un soldat coupé du monde et de ses émotions. Un film au propos frappant, méticuleusement composé.

• Skinny bottines, Romain F. Dubois (compétition)
L’histoire : Un pickpocket aux doigts de fée a une dernière journée pour rembourser son ex, dont il a trahi la confiance. Faute de complice, il se rabat sur son cousin Pinpin, que sa tante lui a confié jusqu’au lendemain.
Pourquoi il faut le voir : Cousin québécois contemporain des thrillers américains 70s de mauvais garçons, Skinny bottines du Canadien Romain F. Dubois est une comédie à l’impressionnant rythme échevelé. Mais ses protagonistes paumés et profondément losers ne sont pas que des clowns : derrière le rire au galop apparaît une tension angoissée. Ces tonalités contrastées offrent au film un relief attachant, intranquille et hors des formules redoutées.

• « Vaterland » or A Bule Named Yanto, Berthold Wahjudi (compétition)
L’histoire : Quand Yanto, un jeune homme germano-indonésien d’une vingtaine d’années rend visite à sa petite sœur à Yogyakarta, il s’attend à de simples retrouvailles, jusqu’à ce qu’il se rende compte qu’elle y trouve sa place bien plus facilement que lui. À mesure que jalousies et dissonances émergent entre frère et sœur, le séjour de Yantos devient une exploration douce-amère de l’identité métisse.
Pourquoi il faut le voir : « Vous venez d’où ? », demandent des flics racistes à Yanto dans un train. Mais en Allemagne où il a été élevé ou en Indonésie d’où viennent ses parents, Yanto est toujours perçu comme venant d’ailleurs. De micro-agressions racistes en délicats questionnements sur l’identité, le Germano-Indonésien Berthold Wahjudi compose un portrait doux-amer où la solitude du protagoniste est nuancée par le regard chaleureux du cinéaste.

• Visite en terre irradiée, Anne-Sophie Girault (compétition)
L’histoire : Sophie organise des visites touristiques dans la zone d’exclusion de la centrale nucléaire de Golfech, dans le Tarn-et-Garonne. À la suite de la catastrophe survenue quelques années plus tôt, elle propose aux curieux du monde entier de revêtir une combinaison, de se munir d’un masque et d’un dosimètre et de parcourir en gyropode ces terres irradiées où travaillent les décontaminateurs. Un tour mené par une guide du cru qui n’a plus grand chose à perdre et beaucoup à gagner.
Pourquoi il faut le voir : Réalisé à partir d’une technique d’animation très singulière, Visite en terre irradiée est une drôle de fable écologiste qui mêle avec culot terreur du désastre nucléaire et rire insouciant. Le parti-pris visuel de la Française Anne-Sophie Girault donne une vibration particulière à la mise en scène de l’invisible et son dépouillement guide le regard avec intelligence. Ce court d’animation est un film visuellement unique et au ton surprenant.

• What Do You Seek in the Dark ?, Tossaphon Riantong (compétition)
L’histoire : Un jeune homme décide de se rendre dans un vieux cinéma connu pour être un lieu de rencontres gay. Mais alors qu’il tente de se défaire de sa solitude et de son désir, le cinéma semble prendre vie, le regardant, le tentant et le fixant dans le noir.
Pourquoi il faut le voir : La salle de cinéma filmée comme un lieu de cruising – le lieu de cruising filmé comme une salle de cinéma : l’un et l’autre se regardent en miroir dans ce beau film au temps arrêté, quelque part entre Serbis de Brillante Mendoza, Démons de Lamberto Bava et Goodbye Dragon Inn de Tsai Ming-liang. Le Thaïlandais Tossaphon Riantongsigne une séduisante rêverie sur celles et ceux qui s’immergent délicieusement dans le noir pour s’y aimer.

Nicolas Bardot

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• The World of Love, Yoon Ga-eun (6 mai)
L’histoire : Joo-in est une lycéenne espiègle et appréciée de tous. Un jour, un camarade de classe lance une pétition que tous les élèves signent, sauf elle. Son monde, en apparence paisible et insouciant, dissimule un passé douloureux auquel Joo-in est alors contrainte de faire face. Mais loin de se laisser enfermer, elle choisit d’avancer et de se réinventer.
Pourquoi il faut le voir : La cinéaste coréenne Yoon Ga-eun fait preuve d’un grand talent d’écriture pour bâtir une cascade de scènes dynamiques qui n’ont pas besoin de plus de quelques minutes pour mélanger les tons avec subtilité. Le film examine avec finesse l’idée centrale qui est que la libération de la parole est l’affaire de toutes et tous.

• Collapse (Face à Gaza), Anat Even (6 mai)
L’histoire : Peu après le 7 octobre 2023, Anat retourne dans ce qui était autrefois sa maison. Elle erre et filme pendant plus de deux ans dans ce kibboutz incendié et sur des terres agricoles transformées en machines de destruction. Au-delà de la clôture, Gaza est anéantie.
Pourquoi il faut le voir : Dévoilé lors de la dernière Berlinale dans la section Forum, Collapse (Face à Gaza) est un documentaire exigeant qui filme un décor aussi aussi stupéfiant que glaçant. La cinéaste israélienne Anat Even véhicule une parole plus rarement entendue, celles des personnes israéliennes dissidentes, critiques envers leur pays, et qui osent manifester en public.

• Élise sous emprise, Marie Rémond (13 mai)
L’histoire : Rien ne va plus dans la vie d’Élise – engluée dans une relation toxique avec Léopold, elle se retrouve propulsée à la tête d’une troupe de théâtre, suite à la mort soudaine du metteur en scène dont elle était l’assistante. Submergée par des crises de panique, Élise vacille. Mais peut-être est-ce dans cette confusion qu’elle parviendra à se libérer de ses emprises et à reprendre le contrôle de sa propre vie ?
Pourquoi il faut le voir : La Française Marie Rémond signe une comédie malaise efficace qui, dans son attachante humilité, parvient à avoir du relief. Derrière le rire, il y a de la violence dans les rapports humains, mais aussi beaucoup de tendresse dans le regard de la cinéaste dont le point de vue chaleureux prime avant tout.

• ChaO, Yasuhiro Aoki (13 mai)
L’histoire : Dans un monde où humains et sirènes coexistent, Stephan, un employé de bureau ordinaire fait la rencontre de Chao, une princesse du royaume des sirènes. Après une demande en mariage à son insu, Stephan n’a pas le temps de comprendre ce qui lui arrive et doit partager sa vie avec cette fille adorable mais imprévisible. L’amour sincère que Chao a pour lui le pousse à tout remettre en question. Commence alors une romance inattendue et touchante entre deux êtres que tout oppose.
Pourquoi il faut le voir : ChaO est un conte qui renverse joyeusement les codes, permettant au Japonais Yasuhiro Aoki de composer une réjouissante comédie non-sensique. Très mouvementé mais toujours maîtrisé, le long métrage propose un spectacle aussi généreux que chatoyant. ChaO a reçu le prix du jury lors du dernier Festival du Film d’Animation d’Annecy

• Vanilla, Mayra Hermosillo (20 mai)
L’histoire : Sept femmes à la volonté de fer se battent pour sauver leur maison de la saisie hypothécaire. Roberta, une fillette de 8 ans, évolue dans une dynamique familiale atypique : un foyer sans père, où elle vit entourée de diverses figures féminines.
Pourquoi il faut le voir : Sélectionné à la Mostra de Venise et primé au dernier Festival Cinélatino, Vanilla est un portrait familial dont le ton à la fois vivant et émouvant rappelle le précieux cinéma de Lila Avilés. La Mexicaine Mayra Hermosillo filme le chaos avec dynamisme, empathie, et possède une énergie communicative. 

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en avril.

Nicolas Bardot

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• A Chronicle of the Losts | Soumya Mukhopadhyay (Inde)
L’histoire : À partir des témoignages d’anciens ouvriers migrants, A Chronicle of the Lost retrace le parcours de l’un deux à travers des lettres imaginaires qu’il envoie à son épouse restée au village.
Pourquoi on l’aime : Ce mélange de fiction mélancolique et documentaire politique venu d’Inde pourrait souffrir de la comparaison avec Toute une nuit sans savoir (l’inclassable premier film de Payal Kapadia), mais le cinéaste Soumya Mukhopadhyay n’a pas son pareil pour créer des images éloquentes dans lesquelles on prend plaisir à se sentir désorienté entre passé et présent.

• The Deceptively Simple Need for a Home (on Other People’s Land) | Alana Hunt (Australie)
L’histoire : Une femme revisite les maisons de son enfance. Entre anecdotes et événements fondateurs, une conscience politique prend forme : ces toits se trouvent tous sur des terres aborigènes.
Pourquoi on l’aime : Un diaporama sur une maison d’enfance a-t-il des chances de passionner qui que ce soit d’autre que le ou la principale intéréssé.e ? La cinéaste Alana Hunt réussit pourtant à superposer l’échelle intime de micro-événements personnels à celle, collective et cinglante, d’une prise de conscience politique sur la part de fiction inhérente au fait que les blancs puissent se sentir propriétaires légitimes de terres volées aux communautés aborigènes.

• I Don’t Speak Dog (But I’ll Try) | Rime Tsujino (Royaume Uni)
L’histoire : Rime Tsujino se demande pourquoi Miso, son berger allemand, aime plus son amoureux qu’elle. Pourtant, c’est elle qui prend le temps de l’éduquer. Miso est-il simplement ingrat ? Elle lui pose la question dans une conversation en tête-à-tête.
Pourquoi on l’aime : C’est l’histoire d’une fille qui parle avec son chien. La cinéaste Rime Tsujino est-elle poussée par une simple jalousie ou par quelque de plus profond ? Cet autoportrait thérapeutique respecte à la fois l’absurdité presque comique de son postulat de départ et la complexité des rapports de dignité qui nous lient aux animaux de compagnie. Une sympathique pirouette mi-bouffonne mi-introspective.

• Normal Planet | Ekiem Barbier, Guilhem Causse & Quentin L’helgoualc’h (France)
L’histoire : Dans un musée virtuel en ruine, une cohorte d’avatars – grenouille de sécu, vélociraptor en goguette, pingouin romantique et tiktokeuses kawaï – commente ses œuvres avec piquant.
Pourquoi on l’aime : Dans un monde virtuel où un musée classique tombe presque en ruine, les quelques visiteurs font preuve d’un drôle de rapport à l’art. Rien de dystopique là-dedans : le trio à l’origine du long métrage Knit’s Island illustre pourtant ici d’authentiques conversations captées (avec leur autorisation) parmi les visiteurs d’un musées. Pop et mordant, le résultat offre le film le plus ludique de cette édition.

• Opera of Horror and Salvation | Anastasia Veber (Allemagne)
L’histoire : Le libretto de cet opéra conte l’histoire de D, jeune garçon appelé au service militaire. Alors qu’il cherche à échapper à son destin, il demande conseil au Lac Mystérieux. Celui-ci l’envoie chercher son salut dans les entrailles de la ville, où l’autocratie en marche finira par l’engloutir.
Pourquoi on l’aime : Lauréate de l’Ours d’or du meilleur court métrage à la Berlinale 2022 avec Trap, la cinéaste russe exilée en Allemagne Anastatsia Veber signe ici l’un des sommets de cette édition. Mélangeant opéra fantasmagorique et scènes angoissantes volées par une caméra cachée parmi les recruteurs de l’armée russe, elle met en scène avec flamboyance la descente aux enfers épique et glaçante d’une société sans porte de sortie.

• Seuls les anges | Clément Pinteaux (France)
L’histoire : Arrivé·e·s d’Ukraine, de Russie ou de Lituanie, Natalia, Igor, Serguei et Anna travaillent aux chantiers navals de Saint-Nazaire. Ils·elles racontent ce qu’ils·elles ont laissé derrière elles·eux et espèrent trouver sur leur chemin d’exil.
Pourquoi on l’aime : Monteur pour Payal Kapadia, Danielle Arbid ou encore Annie Ernaux, Clément Pinteaux a sa manière bien à lui de rappeler que les témoignages sont des choses à recueillir : dans l’envoutante obscurité d’un port désert, alors que nul autre que nous ne semble présent pour écouter, des témoignages intimes d’exilés nous parviennent en cachette comme des secrets chaleureusement murmurés.

• Singing of the Evening Stars | Iris Sang (Etats-Unis)
L’histoire : Plongé dans la nuit la plus profonde, le centre-ville commercial moderne de Los Angeles devient le décor d’un rituel sonore et d’une symphonie visuelle issus du temps où une rivière et un village autochtone existaient encore.
Pourquoi on l’aime : Seuls des lointains bruits de voiture viennent d’abord accompagner ces images nocturnes des avenues désertes de Los Angeles, filmées de très haut. Or, à mesure que chants d’oiseaux et bruits de ruisseaux viennent remplacer les klaxons, le film se transforme en étonnant voyage dans le temps, faisant remonter à la surface le souvenir inconscient d’un paysage précolonial.

• The Veil of Senses | Elisa Baccolo (Italie)
L’histoire : Dante Balbo nous invite à imaginer le monde tel que lui, né non-voyant, le ressent. Et si nous, qui pensons tout voir, ne percevions en fait qu’un grain de sable dans l’immensité du paysage infini ?
Pourquoi on l’aime : Un écran souvent noir, des formes colorées abstraites… ce documentaire qui nous invite concrètement à repenser l’acte-même de voir atteint son ambition en se positionnant à cheval entre le strict film scientifique et le geste poétique libre, entre la vaste échelle de l’expérience humaine et l’intimité de nos regards intérieurs.

Gregory Coutaut

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• Balconada, Iva Tokmakchieva
L’histoire : Par une chaude journée d’été, plusieurs voisins se retrouvent sur leur balcon. Alors qu’une averse salvatrice vient les sortir de leur torpeur, l’un d’entre eux va trouver le moyen de tous les reconnecter aux autres et à l’instant présent.
Pourquoi on l’aime : La réalisatrice bulgare Iva Tokmakchieva met en scène un lieu et les inconnu•es qui l’habitent. Variations de bleus et touches de rose, ombres et silhouettes, attention délicate apportée au son : la cinéaste crée tout un univers avec sa propre patte. Et dessine, sans dialogue, entre torpeur estivale et averse tempétueuse, le lien tendre qui unit ses personnages.

• Bonne nuit Bergère, Liz Ronzon
L’histoire : Bergère n’arrive pas à dormir, elle a trop de moutons qui encombrent son jardin.
Pourquoi on l’aime : Doux comme une comptine, Bonne nuit Bergère fait un usage vivant de son cadre minimaliste pour dépeindre le sommeil de son héroïne. Au cœur de cette image à la fois fixe et dynamique, il y a toute une douceur de trait, de couleurs, d’atmosphère, de son. Une rêverie délicatement expressive par une cinéaste prometteuse.

• Du monde au balcon, Elya Ehni
L’histoire : Les seins poussent, les regards changent et dans le miroir, mon reflet est déformé. Du monde au balcon est le témoignage d’un ressenti face à une poitrine et des jugements trop lourds.
Pourquoi on l’aime : Derrière son titre façon comique troupier, Elya Ehni compose un témoignage dont le point de vue est à la fois simple et rare. Les commentaires sur le corps et les regards portés sur celui-ci contrastent intelligemment avec le visuel printanier, ses fines et fragiles porcelaines, ses violets et ses verts. Une manière habile et subtile de guider l’écoute.

• La Fille à la recherche de la cabane, Phane Montet
L’histoire : Durant l’hiver 2011, le jeune artiste de rue Bilal Berreni se rend dans l’extrême nord de la Suède et s’enferme dans une cabane en bois, pour vivre en ermite. Il écrit et dessine Le Carnet de la cabane. Dix ans plus tard, après la mort de Bilal, la réalisatrice part sur ses traces, à la recherche de sa cabane, à la recherche du monde qu’il a dépeint. Et peut-être aussi de lui.
Pourquoi on l’aime : Dans ce film qui mêle prise de vue réelle et animation, Phane Montet mène une enquête secrète jusqu’au bord du monde. Elle transmet une œuvre à la fois inachevée et éphémère ; et elle la transmet avec intelligence via l’animation. Dans cette recherche précieuse et émouvante, les temporalités se superposent et les fantômes reprennent vie.

• Il fait chaud aujourd’hui, Liv Ronzon
L’histoire : Lors de vacances d’été à la campagne, Dori recherche l’amitié d’une autre enfant qu’elle admire, Ori.
Pourquoi on l’aime : Second film de Liv Ronzon (lire notre entretien) sélectionné cette année avec Bonne nuit Bergère, Il fait chaud aujourd’hui prend la forme d’une promenade. Là encore on note une exquise douceur, avec une stimulante proximité entre animation et photographie. Un pouvoir atmosphérique au charme subtil.

• Putains de droits, Sélène Durantou, Léa Reyes-Lovio, Léonie Roclin-Bouyer, Orane Tibout
L’histoire : « Rose », travailleuse du sexe, nous livre sa voix pour combattre clichés et méconnaissances afin de dresser un portrait réaliste des conditions de vies des personnes travailleur/euses du sexe en France.
Pourquoi on l’aime : « C’est des voix qu’on entend pas bcp » comme il est dit dans ce court métrage, et qui cette fois occupent l’espace. Putains de droits fait preuve d’inventivité formelle pour rendre compte des expériences de travailleur.euses du sexe (sur les clichés, la réalité quotidienne, le cadre légal…), à travers un chœur de voix vivant et puissant.

• Quelqu’un de spécial, Alice Gervat
L’histoire : Via une appli, Lisa a matché avec Xuân et doit enfin la rencontrer. Problème : pour lui plaire, elle lui a affirmé parler vietnamien, sa langue d’origine, dont elle ne comprend pourtant pas un mot. S’enfonçant dans le mensonge, il lui reste 1 semaine avant le date pour réellement apprendre le vietnamien, ou bien Xuân va se rendre compte de la supercherie.
Pourquoi on l’aime : Lauréate du prix du public, Alice Gervat (lire notre entretien) signe une comédie dynamique et fantaisiste qui déjoue les clichés en termes de représentations et qui examine finement les questions d’identité et de transmission, ici autour d’une jeune lesbienne asio-descendante. Derrière le rire, la cinéaste aborde avec légèreté des questions profondes et encore rarement abordées.

• Soixante-sept millisecondes, Fleuryfontaine
L’histoire : À la recherche d’un projectile dont la trace a été capturée par les images d’une caméra de surveillance, le film suit sa trajectoire et celles de ses protagonistes.
Pourquoi on l’aime : Déjà très largement remarqué en festivals, Soixante-sept millisecondes est un puissant récit politique qui rend compte de l’état des violences policières en France. A travers son brillant dispositif et ses images de natures différentes, le film questionne de manière incisive et pourtant sans didactisme ce qui est désigné comme le « maintien de l’ordre ».

• Stargazing Bus, Munkhkhuslen Bayarbat
L’histoire : Une autre journée chaotique commence pour le chauffeur de bus. Coincé dans les embouteillages de l’heure de pointe, le bus avance à peine. Les passagers frustrés s’impatientent et lui demandent l’impossible. Épuisé, dépassé et à bout de forces, il se met à pleurer. Puis, un miracle soudain et inexplicable emporte le bus – rempli d’inconnus et son chauffeur – vers les étoiles.
Pourquoi on l’aime : Munkhkhuslen Bayarbat (lire notre entretien) plante son décor avec efficacité, celui d’un bus façon cocotte-minute au bord de l’explosion. Trognes, rictus et grimaces : le design a une aspérité qui nourrit cette clownerie à la fois chaotique et aérienne. Une fantaisie au sympathique mauvais esprit qui fait mouche.

• Tourists, Maria Kralovic
L’histoire : Kornel et Hana, un couple marié, réparent les balises d’un sentier de randonnée dans les bois. Il ne faut pas longtemps pour que le couple se perde, aucun des deux n’étant capable de retrouver le sentier de randonnée. Effrayés, seuls et impuissants, Kornel et Hana doivent apprendre à survivre.
Pourquoi on l’aime : A la fois tendre et féroce, cette fable humoristique signée par la Slovaque Maria Kralovic dépeint l’émancipation de son héroïne là où celle-ci ne la cherche pas. Un chaos rond et une noirceur colorée caractérisent ce film au ton surprenant et dont on suit le chemin sinueux, aussi absurde qu’existentiel.

Nicolas Bardot

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• Silent Friend, Ildiko Enyedi (1er avril)
L’histoire : Dans un jardin botanique, un arbre veille et observe, témoin patient des siècles. En 1908, il suit Grete, qui lutte pour exister dans un milieu qui l’ignore. Dans les années 70, il voit Hannes s’éveiller à l’amour et au monde des plantes. Aujourd’hui, le vieil arbre parle avec Tony dans son langage secret.
Pourquoi il faut le voir : Primé il y a quelques mois à la Mostra de Venise, Silent Friend de la grande réalisatrice hongroise Ildiko Enyedi (lire notre entretien) est un film surprenant et merveilleux qui nous invite à réinventer notre place dans le monde qui nous entoure, avec une puissance à la fois onirique et politique.

• Yellow Letters, İlker Çatak (1er avril)
L’histoire : Professeur à la faculté d’Ankara, Aziz reçoit la « lettre jaune » qui lui signifie arbitrairement sa révocation. Quand sa femme Derya, célèbre comédienne au théâtre national, la reçoit à son tour, c’est le coup de grâce pour le couple.
Pourquoi il faut le voir : Après le succès surprise de La Salle des profs, l’Allemand İlker Çatak (lire notre entretien) signe un film réussi à la croisée du thriller politique et du drame conjugal. Ours d’or à la Berlinale, Yellow Letters a l’honnêteté intellectuelle de ne pas donner de réponse trop simple et de respecter la dignité complexe de son couple d’artistes au pied du mur.

• Derrière les palmiers, Meryem Benm’Barek (1er avril)
L’histoire : A Tanger, Mehdi voit sa relation avec Selma bouleversée lorsqu’il rencontre Marie, une riche Française dont les parents ont acheté une luxueuse villa dans la kasbah. Attiré par sa vie mondaine, il délaisse Selma, feignant d’ignorer que ses choix le rattraperont.
Pourquoi il faut le voir : Remarquée il y a quelques années avec Sofia, la Marocaine Meryem Benm’Barek fait preuve d’un solide savoir-faire narratif dans ce film qui examine intelligemment la façon dont les rapports de classe s’invitent dans les relations sentimentales. Derrière les palmiers se distingue également par la qualité de son casting.

• Nuestra tierra, Lucrecia Martel (1er avril)
L’histoire : Argentine, 2009. Trois hommes blancs tentent d’expulser les membres de la communauté autochtone Chuschagasta, revendiquant la propriété des terres. Armés, ils tuent le chef de la communauté, Javier Chocobar. Le meurtre est filmé, et en 2018, après neuf ans d’impunité et des siècles d’histoire coloniale, le procès s’ouvre.
Pourquoi il faut le voir : La réalisatrice argentine de La Cienaga ou de Zama signe un documentaire qui prend de la hauteur – Nuestra tierra  ne raconte pas qu’un fait divers à éplucher entre les murs d’un tribunal, il fait le récit d’une terre, d’un pays et d’un continent. Un récit politique et complexe qui remue de nombreux fantômes.

• Hélène Trésore Transnationale, Judith Abitbol (1er avril)
L’histoire : C’est dans un geste d’amitié et d’admiration que Judith Abitbol réalise ce portrait d’Hélène Hazera, figure flamboyante des contre-cultures des années 70-90, en France. Membre des Gazolines, courant situationniste du F.H.A.R. (Front Homosexuel d’Action Révolutionnaire), activiste LGBTQ, journaliste à Libération, Hélène Hazera a créé la commission Trans et SIDA au sein d’Act Up, une de ses grandes fiertés.
Pourquoi il faut le voir : Les brèches qui s’ouvrent et la lutte qui continue – voilà ce qui se dessine au cours d’Hélène Trésore Transnationale, un film attachant centré d’une part sur la mémoire queer qu’Hélène Hazera nous transmet, mais qui constitue également un témoignage sur une voix qui compte.

• Holding Liat, Brandon Kramer (1er avril)
L’histoire : Le 07 octobre 2023, Liat Beinin Atzili, une institutrice, est enlevée avec son mari Aviv dans le Kibboutz de Nir Oz. Passée la sidération, commence alors pour sa famille, une angoissante course contre la montre entre Israël et les Etats-Unis, pour la faire libérer.
Pourquoi il faut le voir : Prix du meilleur documentaire lors de la Berlinale 2025, Holding Liat est un film qui laisse une place importante à la parole contestataire. Brandon Kramer ne fait pas l’impasse sur la violence supplémentaire qui consiste à voir cet enlèvement récupéré à des fins électorales. Le long métrage examine finement la prise de conscience politique qui découle de ce drame.

• Romería, Carla Simón (8 avril)
L’histoire : Afin d’obtenir un document d’état civil pour ses études supérieures, Marina, adoptée depuis l’enfance, doit renouer avec une partie de sa véritable famille. Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend sur la côte atlantique et rencontre tout un pan de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas.
Pourquoi il faut le voir : Révélée à la Berlinale avec Été 93 et Nos soleils (respectivement prix du meilleur premier film puis Ours d’or), l’Espagnole Carla Simón signe un récit familial qui, par l’excellence de son écriture, parvient à déjouer les clichés. Romería aborde la question de la transmission avec une richesse et une élégance qui touchent en plein cœur. (entretien à venir)

• Le Cri des gardes, Claire Denis (8 avril)
L’histoire : Un vaste chantier de travaux publics en Afrique de l’Ouest. Horn, le patron, et Cal, un jeune ingénieur, partagent une habitation provisoire derrière les doubles grilles de l’enceinte réservée aux blancs. Leone, future épouse de Horn, arrive d’Europe le soir même où un homme qui s’est introduit par effraction surgit derrière les grilles. Il s’appelle Alboury. Il ne quittera pas les lieux tant qu’on ne lui aura pas rendu le corps de son frère, mort sur le chantier.
Pourquoi il faut le voir : Dévoilé en compétition lors du dernier Festival de San Sebastian, Le Cri des gardes est une adaptation radicale de Bernard-Marie Koltès où brille la mise en scène magnétique de Claire Denis. Aussi rigoureuse que majestueuse, celle-ci met autant en scène les corps que l’angoissant vide autour d’eux.

• The World is Full of Secrets, Graham Swon (8 avril)
L’histoire : La voix d’une vieille femme se souvient d’un terrible événement de son passé. Par une chaude soirée de l’été 1996, cinq adolescentes se retrouvent dans une maison de banlieue, en l’absence de leurs parents. Pour passer le temps, elles se racontent des histoires inquiétantes essayant de se surpasser les unes les autres dans l’horreur.
Pourquoi il faut le voir : The World is Full of Secrets de l’Américain Graham Swon (lire notre entretien) a une façon enthousiasmante de célébrer la puissance de l’imagination féminine, et cela passe également pas une réappropriation féministe d’un courant du cinéma contemporain pourtant presque exclusivement masculin – la nostalgie pour l’horreur des années 80 et 90. Une poésie vénéneuse qui laisse coi.

• An Evening Song (for three voices), Graham Swon (8 avril)
L’histoire : 1939, quelque part dans le Midwest américain : Barbara Fowler, ancienne enfant prodige de la littérature et son mari, Richard, auteur de romans pulp, s’installent à la campagne, où ils se retrouvent pris dans un triangle amoureux avec leur servante profondément religieuse, dans cet examen envoûtant d’un monde voué à disparaître.
Pourquoi il faut le voir : Rébus romanesque et fantomatique, An Evening Song (for three voices) est une rareté à la fois cérébrale et sensorielle. Ce récit de triangle amoureux ressemble à un rêve étrange, et la double sortie de ce film aux côtés de The World is Full of Secrets permet de découvrir l’un des secrets les mieux gardés du cinéma américain actuel : l’œuvre hypnotique et séduisante de Graham Swon.

• Truly Naked, Muriel d’Ansembourg (15 avril)
L’histoire : Pour Alec, qui vit seul une relation toxique avec son père Dylan, acteur X, le désir se confond avec le porno. Son quotidien devient de plus en plus difficile à dissimuler lorsqu’il se rapproche de Nina, une camarade de classe. Pour s’ouvrir à ses sentiments, Alec devra se libérer et accepter de se mettre à nu.
Pourquoi il faut le voir : Tout récemment sélectionnée à la Berlinale, cette comédie dramatique sur le sexe (avec des touches de rafraichissante comédie romantique) fait preuve d’un certain talent pour articuler ses idées sans didactisme et sans trancher à la place de ses personnages.

• Soumsoum, la nuit des astres, Mahamat-Saleh Haroun (22 avril)
L’histoire : Dans un village isolé du Tchad, Kellou est traversée par des visions qu’elle ne comprend pas. Grâce à sa rencontre avec Aya, une exilée aux secrets douloureux, elle va découvrir une autre façon de regarder son passé, ses rêves et son village. Mais en prenant la défense d’Aya, que le chef du village tente de chasser, elle se heurte à la peur et à la colère des habitants, et devra se battre pour garder sa liberté.
Pourquoi il faut le voir : Le cinéaste tchadien Mahamat-Saleh Haroun laisse de côté le réalisme social dont la fine observation avait fait le sel de ses meilleurs films, pour un ton qui surprend au sein de son œuvre en proie au réel. En compétition à la Berlinale, Soumsoum, la nuit des astres est en effet un conte qui assume autant la candeur propre au genre que sa volonté de laisser de la place au merveilleux et à l’invisible.

• Drunken Noodles, Lucio Castro (22 avril)
L’histoire : Adnan, un jeune étudiant en art, arrive à New York pour y passer l’été. Il effectue un stage dans une galerie où est exposé un artiste atypique et plus âgé qu’il a croisé par le passé. Alors que des moments de son passé et de son présent s’entrelacent, une série de rencontres — à la fois artistiques et érotiques — ouvrent des brèches dans sa réalité quotidienne.
Pourquoi il faut le voir : Sélectionné au Festival de Cannes dans le cadre de l’ACID, Drunken Noodles de l’Argentin Lucio Castro est une comédie sexy et mélancolique qui vagabonde d’un registre à l’autre. En abandonnant peu à peu le strict réalisme pour une forme poétique plus libre, le film parvient à retranscrire chaleureusement des expériences communes à beaucoup d’hommes queer.

• Die My Love, Lynne Ramsay (29 avril)
L’histoire : Grace et Jackson fuient New York et décident de fonder une famille dans l’immensité sauvage du Montana. Mais quand leur fils naît, lasse et en proie à une solitude grandissante, Grace sent sa réalité lui échapper. Peu à peu, elle perd pied, fragilisée par une maternité qu’elle affronte presque seule.
Pourquoi il faut le voir : En compétition lors du dernier Festival de Cannes, Die My Love est un drame féroce et intense qui est porté par la performance remarquable de Jennifer Lawrence. La Britannique Lynne Ramsay signe une parabole grinçante et fait le saisissant portrait métaphorique d’une jeune femme qui refuse de se laisser domestiquer.

• Sorda, Eva Libertad (29 avril)
L’histoire : Angela est sourde, Hector est entendant. Ils forment un couple épanoui et heureux malgré leur différence. Mais la naissance de leur premier enfant inquiète Angela : saura-t-elle créer un lien avec sa fille ? Comment apprendre à devenir mère dans un monde qui oublie si souvent d’inclure ceux qui n’entendent pas ?
Pourquoi il faut le voir : Auteur d’un brillant parcours en festivals, Sorda de l’Espagnole Eva Libertad examine avec finesse la place prise au quotidien par la surdité de son héroïne. Adoptant la perspective de sa protagoniste, ce drame à la fois tendre et amer souligne les épreuves imposées par une société validiste. (entretien à venir)

• Dao, Alain Gomis (29 avril)
L’histoire : Aujourd’hui Gloria marie sa fille en banlieue parisienne. Il y a peu, en Guinée Bissau, elle assistait à la cérémonie qui consacre son père décédé en ancêtre. D’une cérémonie à l’autre, entre passé et présent, vie et mort, réalité et fiction, Gloria se réconcilie avec son histoire, trouve sa place et connaît un moment de paix.
Pourquoi il faut le voir : L’un des sommets de la récente compétition de la Berlinale, le passionnant Dao du Franco-Sénégalais Alain Gomis est une ronde chaleureuse qui unit gravité et douceur sur un air free jazz mélancolique. Articuler tant d’ambition avec une telle simplicité : voilà sans doute la marque des très grands cinéastes.

• Un balcon à Limoges, Jérôme Reybaud (29 avril)
L’histoire : Gladys Choseille, une femme d’une cinquantaine d’années, vit à l’écart de la société, sans logement, sans carte Vitale, sans banque. Rien ne compte pour elle, même pas le sexe, l’alcool et la danse qu’elle pratique pourtant avec une frénésie joyeuse. Un matin, elle rencontre par hasard une amie de lycée, Eugénie Flan, qui va tenter de l’aider contre sa volonté.
Pourquoi il faut le voir : Dans Un balcon à Limoges, tout est simple et clair, et pourtant tout est plus trouble qu’en apparence. Imprévisible et lunaire, porté par la formidable performance de Fabienne Babe, le long métrage du Français Jérôme Reybaud (sélectionné au Festival de Locarno) trouve son charme personnel dans ses pics et ses creux qui composent 1h10 de vies.

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en mars.

Nicolas Bardot

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• Pillion, Harry Lighton (4 mars)
L’histoire : Colin, un jeune homme introverti, rencontre Ray, le séduisant et charismatique leader d’un club de motards. Ray l’introduit dans sa communauté et fait de lui son soumis.
Pourquoi il faut le voir : Primé au dernier Festival de Cannes dans la section Un Certain Regard, ce premier film se distingue par un habile glissement de tonalités entre drame et comédie. Porté par un efficace sens du casting, Pillion est un récit d’apprentissage sentimental pas comme les autres qui évite plutôt bien les pièges de son sujet casse-gueule.

• Pédale rurale, Antoine Vasquez (4 mars)
L’histoire : Benoît vit en Dordogne, à quelques kilomètres du village où il a grandi. Il a construit son paradis à l’abri des regards, s’est émancipé à sa manière, seul, dans la nature, avec ses couleurs. Sur le chemin qu’il est parvenu à ouvrir, il reste des ronces qui continuent à le blesser.
Pourquoi il faut le voir : Dans cet attachant documentaire qui pose de bonnes questions, le Français Antoine Vazquez décentre les habituelles représentations queer urbaines. Derrière ce titre impertinent se cache un portrait sensible et politique, où le jardin secret n’est jamais très loin du monde et de ses mécanismes de domination homophobes.

• Le Testament d’Ann Lee, Mona Fastvold (11 mars)
L’histoire : La fascinante et incroyable histoire vraie d’Ann Lee, fondatrice du culte religieux connu sous le nom de Shakers. Cette prophétesse passionnée, qui prêchait l’égalité entre les genres et la justice sociale et était adorée par ses fidèles.
Pourquoi il faut le voir : Film hors normes, Le Testament d’Ann Lee est un drame historique et musical adapté d’une histoire vraie. Dévoilé à la Mostra de Venise, le long métrage s’offre le culot de répandre des points de suspension entre camp et gravité. Sa métaphore de doux fanatiques sûrs de leurs bonnes intentions au moment de conquérir un nouveau pays ne manque pas de modernité.

• Planètes, Momoko Seto (11 mars)
L’histoire : Quatre graines de pissenlit rescapées d’explosions nucléaires qui détruisent la Terre, se trouvent projetées dans le cosmos. Après s’être échouées sur une planète inconnue, elles partent à la quête d’un sol propice à la survie de leur espèce.
Pourquoi il faut le voir : Découvert lors de la dernière Semaine de la Critique, ce très ambitieux films d’animation déploie tout un monde séduisant. La brillante réalisatrice japonaise Momoko Seto (lire notre entretien) signe une odyssée muette où chaque scène devient notre propre terrain de découverte et d’émerveillement.

• Scarlet et l’éternité, Mamoru Hosoda (11 mars)
L’histoire : Scarlet, une princesse médiévale experte en combat à l’épée se lance dans une périlleuse quête pour venger la mort de son père. Son plan échoue et grièvement blessée elle se retrouve projetée dans un autre monde, le Pays des Morts.
Pourquoi il faut le voir : Sélectionné à la Mostra de Venise, Scarlet et l’éternité a pour singularité de se dérouler dans un univers particulièrement original, articulé entre drame historique en costumes à la cour du Danemark et survival post-apocalyptique. Le film est poussé par un souffle très spectaculaire, qui n’a pas peur d’une grandiose emphase ni d’en mettre plein la vue.

• Little Trouble Girls, Urška Djukić (11 mars)
L’histoire : Lucia, une jeune fille introvertie, rejoint la chorale de son école et se lie d’amitié avec Ana-Maria, populaire et séduisante. Confrontée à un environnement inconnu et à l’éveil de sa sexualité, Lucia commence à remettre en question ses croyances, perturbant l’harmonie du chœur.
Pourquoi il faut le voir : Auteur d’un brillant parcours en festivals depuis sa découverte l’an passé à la Berlinale, ce récit initiatique slovène se distingue par l’attention et le soin que sa jeune réalisatrice apporte à une écriture subtile et à une mise en image éclatante. A partir de motifs familiers, Little Trouble Girls emporte la mise grâce à son énergie visuelle. 

• Prénoms, Nurith Aviv (11 mars)
L’histoire : Nurith Aviv a demandé à treize de ses amies et amis de se raconter à travers leur prénom. Si elles et ils s’expriment en français, leurs prénoms viennent souvent d’ailleurs mêlant leur histoire personnelle et la grande Histoire, notamment la colonisation, la Shoah, le communisme, mai 1968, la répression de Tian’anmen en 1989 ainsi que la révolution islamique. Bien que ces histoires soient singulières et très différentes les unes des autres, elles résonnent entre elles, suscitant des liens inédits.
Pourquoi il faut le voir : Dévoilé tout récemment à la Berlinale dans la section Forum, Prénoms est un documentaire qui se repose sur un principe est aussi ludique que passionnant et dynamique. Si le concept de Prénoms est épuré, son potentiel est infini. Raconter un prénom constitue un inépuisable réservoir d’histoires, qu’elles soient intimes, collectives – et souvent les deux en même temps.

• La Gifle, Frédéric Hambalek (18 mars)
L’histoire : Julia et Tobias semblent être le couple parfait. Mais derrière les apparences, un trouble gronde. L’équilibre fragile entre les deux est brisé lorsque leur fille Marielle développe soudainement des capacités télépathiques, lui accordant le pouvoir de voir et d’entendre tout ce que ses parents font, jour et nuit.
Pourquoi il faut le voir : La Gifle était l’une des surprises de la compétition de la Berlinale l’an passé. Cette comédie mordante suggère quelque chose d’assez cinglant : et si les enfants n’étaient pas dupes des échecs de leurs parents, de leur échec à être parent ? Servi par ses solides interprètes, le long métrage de l’Allemand Frédéric Hambalek s’ouvre habilement aux interprétations.

• Las Corrientes, Milagros Mumenthaler (18 mars)
L’histoire : Lina, 34 ans est une styliste argentine au sommet de sa carrière. En Suisse pour recevoir un prix prestigieux, elle se jette sans raison apparente dans un fleuve. De retour à Buenos Aires, elle garde le silence sur cet épisode. Pourtant, de façon presque imperceptible, quelque chose en elle a changé.
Pourquoi il faut le voir : Dévoilé en compétition à San Sebastian, ce drame psychologique troublant signe le retour de la cinéaste suisse-argentine Milagros Mumenthaler, absente des écrans depuis 10 ans. La réalisatrice n’a rien perdu de son élégance et de son sens de l’énigme avec ce portrait qui ne manque ni de charme ni de personnalité.

• Une jeunesse indienne – Homebound, Neeraj Ghaywan (25 mars)
L’histoire : Dans un village du nord de l’Inde, deux amis d’enfance tentent de passer le concours de police d’État, un métier qui pourrait leur offrir la dignité qu’ils n’osent espérer. Alors qu’ils touchent du doigt leur rêve, le lien précieux qui les unit est menacé par leurs désillusions…
Pourquoi il faut le voir : Remarqué avec Masaan il y a une dizaine d’années, l’Indien Neeraj Ghaywan a fait son retour à Cannes 2025 avec ce nouveau long métrage. Une jeunesse indienne – Homebound est une chaleureuse et dynamique chronique d’une amitié qui appartient au versant le plus réaliste du cinéma indien contemporain, et dont le scénario évite intelligemment les clichés. (critique bientôt en ligne)

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en février.

Nicolas Bardot & Gregory Coutaut

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« Le cinéma doit rester en dehors de la politique ». Cette étrange phrase, prononcée par le président du jury Wim Wenders lors du tout premier jour de la Berlinale, a provoqué un orage médiatique que ni lui ni l’équipe du Festival n’avait semble-t-il suffisamment anticipé. L’invitation du cinéaste allemand à « faire le travail des gens, pas celui des politiciens » n’a eu besoin que de quelques jours à peine pour générer une polémique internationale, des actions locales (la cinéaste et militante indienne Arundhati Roy a décidé d’annuler sa venue et l’équipe du film grec Uchronia a déboulé sur scène avec une banderole disant « Fuck off Wenders ») et une lettre ouverte signée par plus de 80 artistes dont Tilda Swinton, Adèle Haenel ou Nan Goldin. Tout ça pour une seule phrase ? Non bien sûr. Si la Berlinale a toujours pu se vanter, à raison, d’être un festival plus politique que les autres grandes manifestations cinématographiques de son acabit, le Festival n’arrive pas à se dépêtrer du terrain miné dans lequel le place le positionnement du gouvernement allemand face au génocide palestinien. La phrase maladroite et embarrassante de Wenders est ainsi venue rallumer un feu né il y a deux ans pile, lors de la cérémonie de clôture de la 74e édition.

Le prix du meilleur documentaire était alors remis au film No Other Land, coréalisé par quatre cinéastes israéliens et palestiniens. L’appel public au cessez-le-feu, que ces derniers avaient alors lancé dans un cérémonie retransmise en direct, avait suscité beaucoup de réprimandes publiques de la part de la classe politique allemande, mais aussi des réprimandes en privé de la part de l’équipe du Festival. Les crispations s’étaient accentuées en coulisses lors de l’édition 2025 lorsque Jun Li, réalisateur du film hongkongais Queerpanorama avait carrément été visé par une enquête de police après avoir lu un discours dénonçant l’implication de l’occident dans la politique colonialiste conduite par Israël. Arrivée l’an dernier à la tête de l’équipe de programmation, l’Américaine Tricia Tuttle hérite d’une situation épineuse. Si la lettre ouverte qu’elle a à son tour publiée (lisible sur le site de la Berlinale) fait preuve de recul et d’élégance diplomatique, rappelant l’énorme travail que la Berlinale fait pour la diffusion de voix diverses et dissidentes, difficile de ne pas y remarquer l’absence des mots Israël et Palestine.

Heureusement, ces deux mots ont été non seulement dits mais carrément criés à plusieurs reprises par les lauréats et par le public, lors de la cérémonie de clôture de cette édition. La Berlinale a peut-être essayé de balayer le sujet sous le tapis, mais celui-ci est revenu sur le devant de la scène avec éclat. Lauréat de l’excellente section Perspectives avec son film Chronicles From the Siege, le cinéaste palestinien Abdallah Alkhatib a ainsi déployé le drapeau de son pays sur scène en dénonçant concrètement l’implication du gouvernement allemand dans le génocide. La réalisatrice libanaise Marie-Rose Osta, lauréate de l’Ours d’or pour son court métrage Someday a Child où un garçon survit aux attaques israéliennes grâce à des pouvoirs magiques, a également mis les points nécessaires sur les i en rappelant que « les enfants de Palestine ou du Liban ne devraient pas avoir besoin de superpouvoirs pour survivre à un génocide ». Les deux cinéastes ont d’ailleurs souligné l’importance que leur film soit spécifiquement sélectionné dans un festival politique tel que la Berlinale.

Alors, la Berlinale n’est plus politique ? Ce serait là un raccourci grossier. Certains films auréolés par le jury de Wenders n’avaient effectivement pas de portée politique directe (des films qui « font de la politique avec un p minuscule », comme le dit Tuttle dans sa lettre ouverte), mais les deux plus hautes marches du podium ont été attribuées à des films abordant au contraire des questions urgentes de façon très concrète. L’ours d’argent remis à Emin Alper pour sa parabole Salvation vient saluer une carrière brève mais déjà puissante et courageuse dont la portée a d’ailleurs valu à Alper un procès dans son pays. Ironie artistique : ce procès a d’ailleurs servi d’inspiration directe pour Yellow Letters du cinéaste allemand d’origine turque İlker Çatak (révélé avec La Salle des profs). Ce drame nerveux et brillamment interprété suit en effet un couple d’artistes de théâtre engagé subissant les pressions de leur gouvernement conservateur. Si l’on ajoute l’Ours d’or du court métrage et le prix de la section Perspectives, la politique était bien sur les plus hautes marches du festival. C’est bien sûr grâce aux jurys, mais aussi tout simplement parce que les équipes de sélections ont fait du bon travail.

Réduire la Berlinale à sa compétition officielle est une injustice frustrante, souvent commise par les observateurs pressés, mais prenons le temps de nous pencher dessus. Celle-ci nous a paru équilibrée et de bonne tenue, passant avec éclectisme de l’animation flamboyante (Une aube nouvelle) au documentaire ludique (Yo Love is a Rebellious Bird) et mettant au premier plan des cinéastes aux carrières encore jeunes et excitantes. Il y avait certes des tiédeurs à signaler et à nos yeux celles-ci se trouvaient plutôt du coté des films aux casting les plus prestigieux. On peut heureusement toujours compter sur la brillante singularité du cinéma d’auteur autrichien (The Loneliest Man in Town et surtout Rose, prix d’interprétation mérité pour Sandra Hüller toujours parfaite) et allemand (Angela Schanelec prouve qu’elle n’a toujours pas froid aux yeux avec My Wife Cries) pour redresser la barre avec brio. La France était quasi absente de cette compétition, mais représentée tout de même par l’un de ses sommets : Dao. La bouleversante fresque d’Alain Gomis tournée entre la France et Guinée Bissau fut l’un des trois longs métrages africains sélectionnés en compétition, une présence record qu’on aurait aimé voir traduite au palmarès.

Mais, de la même manière que le Festival de Cannes ne peut pas être réduit uniquement à la vingtaine de films choisis par Thierry Frémaux pour la compétition, la Berlinale offre souvent ses plus rafraichissants feux d’artifices dans ses sections parallèles à commencer par Perspectives qu’on pourrait citer intégralement tant tous les films nous y ont plu, en particulier le Français Forêt Ivre et l’Américain A Prayer for the Dying. 2026 fut un cru très riche en documentaires passionnants, aussi bien du côté des longs (aux cotés d’If Pigeons Turned to Gold, prix du meilleur documentaire, citons Prénoms, Wax & Gold ou L’Autre côté du soleil) que des courts (Les Juifs riches de Yolande Zauberman, mais aussi Chuura, Miriam ou L’Uomo più bello del mondo et son utilisation critique et fascinante de logiciels d’IA). Quant aux représentations queer, elles étaient encore une fois plus diverses qu’ailleurs. Outre les Teddy Awards très mérités remis au cinéaste espagnol trans Ian de la Rosa pour Ivan & Hadoum côté longs métrages et au cinéaste d’origine rwandaise Gaël Kamilindi pour Taxi Moto côté courts (deux œuvres dont la douceur n’entrave pas la dimension politique), on a ainsi pu passer du documentaire poignant sur la jeune communauté transmasculine What Will I Become ? au film de sorcier ado et emo Stallion y la bola de cristal en passant bien sûr par le flamboyant sommet camp de cette édition : The Blood Countess. Isabelle Huppert en vampire lesbienne aux côtés de Conchita Wurst sous la caméra farceuse et punk de l’icone Ulrike Ottinger : comme souvenir de cette édition secouée, comment rêver d’un cadeau plus malicieux et généreux que ce grand écart lunaire entre show drag et hommage cinéphile?

ENTRETIENS

• « J’ai senti que les bébés et les enfants méritaient d’être en contact avec des représentations graphiques moins littérales, plus abstraites, laissant plus de place à leur perception visuelle » : Priscilla Kellen (Papaya)
• « Je voulais créer un flux ininterrompu, et suivre le mouvement du corps était ce qui permettait au film de se développer librement, de se transformer et de passer d’un état à un autre » : Dane Komljen (Desire Lines)
• « Se reconnaître aussi grotesques que nos ancêtres me semble plus beau que désespérant. J’admire nos danses qui ne riment à rien ; puissent-elles durer encore longtemps ! » : Dorian Jespers (Loynes)
• « Une image qui appartient aux paysages de mon enfance, assez commune, que j’ai beaucoup observée à Marseille, et pourtant largement absente des représentations » : Margaux Fournier (Au bain des dames)
Plus d’autres à venir

CRITIQUES

COMPETITION

A voix basse, Leyla Bouzid
At the Sea, Kornel Mundruczo
Dao, Alain Gomis
Dust, Anke Blondé
Everybody Digs Bill Evans, Grant Gee
Flies, Fernando Eimbcke
Home Stories, Eva Trobisch
Josephine, Beth de Araujo
The Loneliest Man in Town, Tizza Covi & Rainer Frimmel
My Wife Cries, Angela Schanelec
Nightborn, Hanna Bergholm
Nina Roza, Geneviève Dulude-de Celles
Queen at Sea, Lance Hammer
Rose, Markus Schleinzer
Rosebush Pruning, Karim Aïnouz
Salvation, Emin Alper
Soumsoum, la nuit des astres, Mahamat Saleh-Haroun
Une aube nouvelle, Yoshitoshi Shinomiya
We are All Strangers, Anthony Chen
Wolfram, Warwick Thornton
Yellow Letters, Ilker Catak
Yo Love is a Rebellious Bird, Anna Fitch & Banker White

BERLINALE SPECIAL

The Blood Countess, Ulrike Ottinger
Saccharine, Natalie Erika James
Sleep No More, Edwin
The Testament of Ann Lee, Mona Fastvold
Wax & Gold, Ruth Beckermann
Who Killed Alex Odeh ?, Jason Osder et William Lafi Youmans

PERSPECTIVES

17, Kosara Mitic
A Prayer for the Dying, Dara Van Dusen
Chronicles From the Siege, Abdallah Alkhatib
El Tren Fluvial, Lorenzo Ferro, Lucas A. Vignale
Filipiñana, Rafael Manuel
Forêt Ivre, Manon Coubia
Hangar rojo , Juan Pablo Sallato
Light Pillar, Xu Zao
Take Me Home, Liz Sargent
Trial of Hein, Kai Stänicke
Truly Naked, Muriel d’Ansembourg
Where To ?, Assaf Machnes
Our Secret, Grace Passô

PANORAMA

L’Autre côté du soleil, Tawfik Sabouni
The Day she Returns, Hong Sangsoo
Four Minus Three, Adrian Goiginger
I Understand Your Displeasure, Kilian Armando Friedrich
Ivan & Hadoum, Ian de la Rosa
Lady, Olive Nous
Prosecution, Faraz Shariat
Un hiver russe, Patric Chiha
Traces, Alisa Kovalenko & Marysia Nikitiuk

FORUM

AnyMart, Yusuke Iwasaki
Barbara Forever, Brydie O’Connor
Effondrement, Anat Even
Foreign Travel, Ted Fendt
If Pigeons Turned to Gold, Pepa Lubojacki
Lust, Ralitza Petrova
Prénoms, Nurith Aviv

GENERATION

Chicas tristes, Fernanda Tovar
Papaya, Priscilla Kellen
What Will I Become ?, Lexie Bean et Logan Rozos

SEMAINE DE LA CRITIQUE

Desire Lines, Dane Komljen
Justa, Teresa Villaverde
Turgaud, Adilkhan Yerzhanov

DOSSIER

Les 12 meilleurs courts métrages

NEWS

Le palmarès
Le palmarès de la rédaction
Le palmarès du Teddy Award
Les films en compétition pour le teddy Award

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Gregory Coutaut

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• A Woman’s Place is Everywhere | Fanny Texier (États-Unis)
L’histoire : Après la mort de leur mère, deux sœurs jumelles risquent d’être expulsées du loft qui est leur foyer depuis plus de trente ans. Ce lieu est comme une capsule temporelle, rempli de strates de souvenirs.
Pourquoi on l’aime : Dans ce magistral travail documentaire, la Française Fanny Texier parvient en quelques scènes à faire un portrait de famille ample, ambitieux et passionnant. Ce chaleureux et élégant récit de sororité se heurte à la violence sociale – ici celle d’une gentrification qui balaie la mémoire. La cinéaste porte un regard extrêmement émouvant et précieux, à la fois sur les vies humaines malmenées et sur un lieu chargé d’histoires qui est amené à disparaître.

• Chuuraa | Evgenia Arbugaeva (Royaume-Uni)
L’histoire : Dans une région reculée de Sibérie, un scientifique autochtone sakha descend dans les profondeurs du pergélisol en train de fondre.
Pourquoi on l’aime : Nommée aux Oscar pour son précédent court documentaire Haulout (déjà sélectionné à la Berlinale), Evgenia Arbugaeva donne à voir des paysages uniques. Dans un coin de forêt du cercle arctique, une grotte est littéralement en train de fondre, prête à révéler ses secrets prisonniers de la glace. Les inquiétantes légendes locales et l’urgence climatique se confondent dans cette superbe descente aux enfers claustrophobe où la nature est filmée de manière stupéfiante et incarnée à la fois.

• Eeny, Meeny, Miny, Moe ! | Andrea Szelesová (Slovaquie/Tchéquie)
L’histoire : Yios, un garçon solitaire dont la tête brille comme un soleil, peine à se faire des amis parmi les autres habitants mythologiques des nuages.
Pourquoi on l’aime : Remarquée notamment avec son court Sisters (passé par Annecy et Clermont-Ferrand), la Slovaque Andrea Szelesová signe un film chaleureux dont les couleurs et la rondeur du design possèdent un charme irrésistible. Derrière de flamboyants emprunts à la mythologie grecque se cache la fable au pouvoir intelligemment allégorique d’un garçonnet qui rayonne trop pour les autres. Une réussite qui peut s’adresser à tous les publics.

• Les Juifs riches | Yolande Zauberman (France)
L’histoire : En Anglais, on dit « Rich, richer, the richest »… En Yiddish, on dit « Rach (ce qui veut dire riche), Miè Guizoukt (ce qui veut dire : pourvu que ça m’arrive à moi), A Ganèf (mais quel voleur !) ». Un film qui vous rendra presque juif…
Pourquoi on l’aime : Derrière ce sacré titre et ce résumé qui en révèle peu se trouve en réalité un portait collectif d’une grande amplitude et surtout d’un grand sérieux ,ou presque. Sur un montage de réceptions chics et de grandes fêtes privées, à la patine déjà fantomatique, la voix pleine de nuances de Zauberman raconte factuellement l’antisémitisme meurtrier qui a frappé les membres de sa famille. Passionnant et d’un ton insaisissable, le film s’offre par exemple le culot d’entrecouper cette litanie glaçante mais sans pathos de… quelques blagues juives.

• Kleptomania | Jungkai Qu (Chine)
L’histoire : Un vent violent souffle entre les immeubles mornes. Dans ce monde d’adultes, un garçon rebelle cherche sa voie et se heurte à la violence à chaque tournant.
Pourquoi on l’aime : Primé samedi soir à la Berlinale, Kleptomania est une énième preuve du talent visuel supérieur des jeunes cinéastes chinois. Jingkai Qu fait le récit initiatique d’un jeune garçon qui, inspiré par les dinosaures, les oiseaux et surtout les adultes autour de lui, apprend la violence qui régit les rapports à autrui. Une narration elliptique rehaussée par un point de vue formel très prometteur.

• Kontrewers | Zuza Banasińska (Pays-Bas/Pologne)
L’histoire : Le fantôme d’une jeune fille possédée, prisonnière d’une pierre depuis des siècles, rencontre la grand-mère de Zuza Banasińska âgée de 102 ans. Ce qui commence comme une apparition fantomatique se mue en un dialogue poignant.
Pourquoi on l’aime : Zuza Banasińska avait déjà réalisé l’un des films les plus surprenants de la Berlinale 2024 avec le génial Grandmamauntsistercat. Kontrewers est à peu près aussi étrange, et pioche dans le folklore merveilleux polonais pour ce récit dont la dimension est à la fois philosophique (sur la transmission de la mémoire entre générations) et physique (a-t-on déjà vu un corps, des mains et des bras filmés ainsi?).

• Miriam | Karla Condado (Mexique)
L’histoire : Une lettre filmée, adressée par la réalisatrice à sa tante, assassinée par son compagnon.
Pourquoi on l’aime : C’est une silhouette devenue fantôme sur quelques photos – la Mexicaine Karla Condado évoque l’assassinat de sa tante dans cette émouvante lettre filmée. Miriam est un film intime mais qui traite plus largement des féminicides, où les mots pudiques inscrits à l’écran prennent le relais quand la voix vacille. Tandis que sa mémoire pâlit, la réalisatrice brise le silence dans cet exercice cathartique à la mise en scène poétique.

• Plan contraplan | Radu Jude & Adrian Cioflâncă (Roumanie)
L’histoire : Dans les années 80, un journaliste américain documente les dures réalités de la vie en Roumanie socialiste. Les services secrets l’accompagnent clandestinement. Ce montage photo associe enfin ces deux points de vue opposés.
Pourquoi on l’aime : Le génial réalisateur roumain Radu Jude (Ours d’or avec Bad Luck Banging or Loony Porn) fait équipe avec son compatriote Adrian Cioflâncă pour ce court métrage qui explore avec esprit l’Histoire et sa mise en scène. Ces différentes perspectives suggèrent les récits cachés derrière des images frappantes, avec un silence magnétique qui développe un puissant sentiment d’intimité.

• Someday a Child | Marie-Rose Osta (Liban/France)
L’histoire : Dans un village libanais, un garçon doté de pouvoirs extraordinaires vit avec son oncle. Tandis que ce dernier tente de lui apprendre à avoir l’air « normal », le don du garçon devient impossible à contenir.
Pourquoi on l’aime : Lauréate de l’Ours d’or, cette fable à la mise en scène inspirée traite de la brutalité de la guerre qui envahit le monde de l’enfance. La Libanaise Marie-Rose Osta use d’une science-fiction minimaliste où un gamin découvre ses pouvoirs extraordinaires – mais comme l’a déclaré la cinéaste dans son poignant discours : « les enfants de Palestine ou du Liban ne devraient pas avoir besoin de superpouvoirs pour survivre à un génocide ».

• Stallion y la bola de cristal | Christian Avilés (Espagne)
L’histoire : Dans sa chambre sombre et silencieuse, un adolescent isolé, malade d’un désir brûlant, lance un sort. Alors que les hallucinations déforment sa réalité, une bulle menace d’éclater – quelque chose doit céder.
Pourquoi on l’aime : Déjà présent dans nos articles sur les meilleurs courts de la Berlinale 2023 avec La Herida luminosa, Christian Avilés atteint une nouvelle fois des sommets en formant des alliances inattendues. Superposant la banalité d’une chambre d’ado solitaire à une monde de sorciers gay, le film chevauche son balais et s’envole en équilibre entre cœur brisé et visions galvanisantes. Du cinéma queer magique et inventif.

• Taxi Moto | Gaël Kamilindi (Suisse/France)
L’histoire : Un réalisateur voit le tournage de son film annulé et part à la recherche de ce qu’il en reste, ailleurs, avec un autre acteur. Ce qu’ils cherchent ensemble n’est plus seulement un film, mais une réflexion sur les récits qu’on interdit et ceux qu’on se réapproprie.
Pourquoi on l’aime : Lauréat très mérité du Teddy Award (récompense décernée au meilleur film queer de la Berlinale), Taxi Moto démarre juste au coin de la rue, à la Flèche d’or, pour filer droit vers des horizons aussi inattendus qu’ambitieux. A la fois poignante esquisse d’un amour naissant et témoignage original sur la force du cinéma et l’importance des représentations pour se construire quand on est à la marge, Taxi Moto fut l’un des films les plus touchants de cette édition.

• L’Uomo più bello del mondo | Paolo Baiguera (Italie)
L’histoire : D’un homme décédé du sida, il ne reste aujourd’hui que 25 photos et un tabou familial. Afin d’en savoir plus, son neveu interroge deux sources radicalement différentes : sa mère, et le logiciel d’intelligence artificielle Google Vision Api.
Pourquoi on l’aime : Présenté dans le cadre du programme spécial de la section Forum nommé « AI REALISMS » mettant en valeur des œuvres courtes utilisant l’IA de façon critique, ce documentaire italien produit par Andrea Gatopoulos fut l’un des sommets de cette Berlinale. Face à une même poignée de photos, la mère du cinéaste évoque des souvenirs chaleureux tandis que la voix du logiciel de Google enchaine les interprétations cyniques et suggestions publicitaires les plus grossières. Un portrait impossible et pourtant émouvant, qui jongle entre vertige et grotesque.

Nicolas Bardot et Gregory Coutaut

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• A Flock of Rotations, Jung An Tagen (Autriche)
L’histoire : Les motifs chromatiques scintillent et se multiplient, rétrécissant jusqu’à paradoxalement redevenir énormes. Les spirales synesthésiques plongent d’abord puis s’élèvent à l’infini, du moins en apparence.
Pourquoi on l’aime : Collaborateur de ses compatriotes Johann Lurf ou Rainer Kohlberger, le compositeur autrichien Jung An Tagen compose ici une animation expérimentale, abstraite et musicale. Dans un mouvement diagonal perpétuel, des pixels fous changent d’échelle et de couleur, créant un vertige chatoyant évoquant les illusions de l’Op art et les glitchs dun jeu vidéo vintage.

• Acid City, Jack Wedge et Will Freudenheim (Etats-Unis)
L’histoire : Dans un futur dystopique toujours plus proche, Acid City flotte dans des eaux toxiques, livrée à elle-même. Mais sous le soleil brûlant, la ville tisse son propre tissu social.
Pourquoi on l’aime : L’étourdissant Acid City propose une science-fiction à l’imaginaire romanesque, qui investit l’espace vertigineux d’une ville. Le film jouit d’une énergie immersive tandis que la voix-off d’Ann Towney crée un contraste doux et enveloppant. Nocturne et rayonnant à la fois, Acid City se distingue également par le design de ses personnages à l’inventivité hétéroclite.
Retrouvez notre entretien avec Jack Wedge

• The Apple Doesn’t Fall…, Dean Wei (Chine)
Lauréat du Tiger Short Award du meilleur court métrage
L’histoire : Le père, la mère et la fille jouent leurs rôles sans sourciller dans une chorégraphie qui ne laisse aucune place à la spontanéité, à l’affect ou à la rébellion. Chacun suit son propre script en désaccord et sans véritable interaction.
Pourquoi on l’aime : Déjà remarqué avec le brillant Extracurricular Activity (co-réalisé avec Xu Yidan et qui était l’un des merveilles de la Berlinale 2025), le Chinois Dean Wei signe le meilleur court de cette édition avec ce portrait familial chorégraphié comme une danse à la fois absurde et angoissée. Les rôles familiaux font partie d’une comédie grinçante où clownerie et violence se rencontrent – comme si des personnages des Sims étaient mis en scène par Bunuel.

• Ashes and Echoes, Koraphat Cheeradit (Thaïlande)
L’histoire : Un jeune garçon se prépare avec son père tandis qu’ailleurs, deux soldats se languissent l’un de l’autre au bord d’une rivière.
Pourquoi on l’aime : Dans ce coin de jungle thaïlandaise, le temps passe différemment et les fantômes ne sont jamais loin. En mêlant minutieusement trois récits (deux fictions plus une partie documentaire où le cinéaste interviewe ses propres parents), tous hantés par la violence de l’histoire militaire du pays, ce collage sans frontière compose un cours d’histoire à la fois mélancolique et sensoriel, porté par une très belle photo.

• El Cuerpo de Cristo, Bea Lema (Espagne)
L’histoire : Adela est convaincue que quelqu’un, ou quelque chose, la surveille constamment. Se sentant incomprise et ignorée par sa famille et le monde médical, elle cherche des solutions dans la religion et la spiritualité.
Pourquoi on l’aime : El Cuerpo de Cristo est l’un des films qui nous a le plus fait écarquiller les yeux lors de cette édition de Rotterdam. La réalisatrice espagnole Bea Lema signe en effet un fascinant tour-de-force avec cette animation qui mêle 2D et… broderie. Le résultat, entre douceur et malaise, est à couper souffle, traduisant de manière inspirée la terreur qui peut se cacher dans l’espace domestique ou public pour les femmes. 
Retrouvez notre entretien avec Bea Lema

• Cul-de-sac!, Clyde Gates et Gabriel Sanson (Belgique/France)
Lauréat du prix qualifiant aux European Short Film Awards
L’histoire : Une foule innombrable d’anges ouvriers, invisibles à l’œil humain, travaille sans relâche sur terre pour alimenter nos machines.. Un jour, lorsque certains d’entre eux tentent de s’échapper, une panne massive survient et le monde tel que nous le connaissons est plongé dans le chaos.
Pourquoi on l’aime : Cul-de-sac ! est co-produit par Scum Pictures qui était aussi à l’origine d’un des meilleurs courts de 2025 : Loynes du Belge Dorian Jespers. Le film de Clyde Gates et Gabriel Sanson est traversé par un même vent de folie étrange ; c’est un cauchemar triste, à la fois drôle et angoissant, qui se déroule dans un monde sans issue où même les anges sont perdus. L’un des sommets esthétiques de cette édition.

• Domestic Demon, Anahid Yahjian (États-Unis/Portugal)
L’histoire : Un poème visuel sur l’aliénation due au post-partum.
Pourquoi on l’aime : A partir d’un dispositif très épuré, l’Américaine Anahid Yahjian compose un journal intime très étrange dont le vocabulaire visuel se situe aux portes du film d’horreur. A travers une succession de superbes plans fixes, Domestic Demon ne donne jamais une vision d’ensemble et explore avant tout le ressenti de son héroïne. Ombres, silhouettes, détails domestiques anodins nous font partager une indicible inquiétude dans ce court minimaliste mais avec beaucoup de ressource narrative.

• Happy Eyescream, Shiika Okada (Japon)
L’histoire : Quand Tsumire était jeune, elle idolâtrait son frère aîné, qui était toujours entouré d’autres filles, mais son affection était accueillie avec mépris. En grandissant, les traces de son comportement persistent.
Pourquoi on l’aime : Rappelant le style brut de Tulip-Chan réalisé par sa compatriote Saki Watanabe et sélectionné l’an passé à Rotterdam, Happy Eyescream de Shiika Okada utilise une animation techniquement « limitée » pour déployer en contraste son ambitieux récit. Cette fable sur les injonctions à la beauté est portée par le dynamisme de son trait vibrant, et son imagination WTF parvient sans cesse à surprendre.

• Home is Where the Heart is, Timothée Engasser (France)
L’histoire : Alliant réalité virtuelle, photos de famille et conversations en studio, Home is Where the Heart is explore le passé de sa protagoniste, exposant la violence de l’inceste ainsi que l’énorme force nécessaire pour y survivre.
Pourquoi on l’aime : Dans cette sensible exploration du trauma, le Français Timothée Engasser use d’un langage inventif, tant formel que narratif, pour se mettre à l’écoute de sa protagoniste victime d’inceste. Celle-ci redessine la maison familiale – c’est un espace émotionnellement chargé, mais qu’elle se réapproprie tout en déambulant parmi les souvenirs. Que faire de ce passé hanté ? Dans son dénouement, Home is Where the Heart is suggère une possibilité aussi poétique que bouleversante.

• Le mouvement tragique des sphères, Simon Rieth (France)
L’histoire : Le Mouvement tragique des sphères est un objet mystérieux dont la magie réside dans sa manière de révéler – à travers des images simples mais hypnotiques – le cycle de la vie, rien de moins.
Pourquoi on l’aime : Déjà remarqué à Rotterdam en 2024 avec le poignant court métrage 6000 mensonges, le Français Simon Rieth compose une vertigineuse allégorie sur le passage du temps à travers des images à la fois personnelles et communes à toustes : des photos de classe. S’ensuit un troublant voyage de science-fiction dans ce fascinant film qui, avec virtuosité et originalité, peut bien aller où il le désire.

• The Next World, Grau Del Grau (Etats-Unis)
L’histoire : Une mère écrit à son enfant perdu de vue depuis longtemps, mais à chaque tentative les détails deviennent flous, des fils se perdent et le sens s’érode.
Pourquoi on l’aime : Un défilé de photos, une voix off, et une myriade de nuances traversées en une dizaine de minutes. Le message téléphonique d’une mère à son enfant semble d’abord sans rancune alors qu’il devient de plus en plus passif agressif sans qu’aucun mot ne change. Ce qui est communiqué et ce qui demeure incommunicable se mêlent en un mystère, aussi mystérieux que ces images qui reviennent, de plus en plus abimées, de plus en plus épuisées.

• Orla, Marie Lukáčová (Tchéquie/Slovaquie)
L’histoire : Il était une fois, dans un royaume bordé de terres sauvages et enchantées, une fille vive d’esprit nommée Jasna qui combattit le terrible tyran Volk, avec l’aide inattendue de l’Aigle, le gardien de la forêt.
Pourquoi on l’aime : Imaginez une Caverne de la rose d’or musicale, et débarrassée de son kitsch – vous n’aurez qu’un petit aperçu de ce à quoi cet ovni tchèque peut ressembler. Orla est un conte chanté (rap, folk, eurodance, il y en a pour tous les goûts) et une fable féministe, à la fois en prises de vues réelles et en animation, qui utilise toutes les couleurs de son pot à crayons. Un film dont le gros appétit est particulièrement communicatif.

• This is Your Captain Speaking, Nienke Deutz et Digna van der Put (Pays-Bas)
L’histoire : Voler tel un oiseau est l’un des plus anciens fantasmes de l’âme humaine. Un groupe de résident.es du même immeuble à Delfshaven explore les implications personnelles d’un tel rêve.
Pourquoi on l’aime : On a pu déjà beaucoup apprécier le travail de la Néerlandaise Nienke Deutz avec Bloeistraat 11 (couronné à Annecy) et The Miracle ; la voici associée à Digna van der Put pour ce film visuellement très différent. This is Your Captain Speaking est un film très doux, qu’il s’agisse de son design ou de sa musique. Une envolée onirique, enveloppante et esthétiquement inspirée : on s’élève en même temps que ses protagonistes.

• Venezia Diorama, Nicolas Piret (Belgique)
L’histoire : Dans une série de planches animées, la ville de Venise prend vie. Elle lutte, s’effrite et se détériore lentement – un développement qui s’est silencieusement déroulé au fil du temps. Avec son style singulier et méticuleux, entièrement dessiné à la main et tirant pleinement parti des matériaux avec lesquels il travaille, Nicolas Piret parvient à capturer le processus d’érosion et la fragilité de nos villes.
Pourquoi on l’aime : Crayonnés sur des papiers délibérément froissés, les films de Nicolas Piret ont des faux airs de brouillons repêchés d’une corbeille. Or, il y a justement quelque chose d’émouvant dans ces animations minutieuses où un monde immense et fragile à la fois semble naître en direct sous nos yeux. Naître ou plutôt disparaître, car ici la technique d’animation fait s’effriter les vieilles pierres de Venise comme d’éphémères pissenlits, au fil d’un carnet de voyage fantomatique.

• Wind Beneath the Wings, Sonja Tarokić (Croatie/Slovénie/Monténégro)
L’histoire : Anica, 60 ans, est en conflit avec sa fille et repousse tant qu’elle peut sa chimiothérapie en cours, tandis que son ex Vlatko (également 60 ans) erre dans la vie en buveur solitaire.
Pourquoi on l’aime : Dans ce court métrage explosif, porté par la tension d’un réjouissant chaos, la Croate Sonja Tarokić compose des portraits dont le relief malpoli est particulièrement précieux. Anica et Vlatko (impeccablement interprété.es) sont deux inadapté.es ? Mais comment s’adapter à ce monde là ? Wind Beneath the Wings est une comédie méchante à l’écriture sans condescendance, aussi mordante qu’intelligente.

Nicolas Bardot et Gregory Coutaut

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• Birdie, Praise Odigie Paige (Etats-Unis)
L’histoire : En 1970, dans l’état de Virginie, une réfugiée nigériane de 16 ans tente de maintenir sa famille unie lorsqu’un inconnu se lie à sa sœur.
Pourquoi on l’aime : La réalisatrice nigériane Praise Odigie Paige fait preuve d’un talent de composition remarquable dans cette fiction à la fois délicate et énigmatique. Chaque tableau qui compose ce court élégant dévoile une espace domestique où le vide prend une place étonnante, où les élans des personnages féminins semblent assombris par une menace laissée hors-champ. Birdie parvient à suggérer beaucoup en faisant preuve d’une économie gracieuse.

• Crisis Actor, Lily Platt (Etats-Unis)
L’histoire : Fraîchement licenciée, une actrice impulsive s’incruste dans un groupe de soutien et plonge dans une nuit chaotique qui la pousse à affronter son addiction au chaos.
Pourquoi on l’aime : Une protagoniste-tornade sert de moteur (à explosions) dans cette comédie chaotique qui bondit et tangue à la fois. La réalisatrice Lily Platt sait trouver le juste dosage pour que la folie de son héroïne soit tantôt une amusante source de démission sociale, tantôt la poignante confession d’une solitude sans remède.

• Faux bijoux, Jessy Moussallem (France/Liban)
L’histoire : Mireille promet à Johnny le grand écran, l’entraînant à une audition dont elle seule connaît vraiment les règles.
Pourquoi on l’aime : La réalisatrice libanaise Jessy Moussallem compose une fine vignette familiale où la chaleur humaine et la violence sociale cohabitent avec relief le temps d’une rencontre entre parents et enfants. Ce jeu de rôles où les liens familiaux ne sont jamais ce dont ils ont l’air dévoile progressivement des enjeux poignants et incisifs.

• Going Sane: The Rise and Fall of the Center For Feeling Therapy, Joey Izzo (Etats-Unis)
L’histoire : Dans les années 1970 à Los Angeles, un nouveau groupe de thérapie est lancé sur une promesse utopique avant de se transformer en une secte orientée vers les affaires, fondée sur le contrôle et les abus.
Pourquoi on l’aime : Difficile de distinguer l’utopie thérapeutique de l’attrape-gogo dans ce fait divers d’un gourou escroc. Ce court documentaire s’empare de cette ambiguïté et choisit d’alterner avec ludisme le vrai et le faux. Ainsi, aux archives vidéos publiques et privées répondent d’étonnantes scènes où des comédiens rejouent en playback les confessions d’anciens malades anonymes.

•Homemade Gatorade, Carter Amelia Davis (Etats-Unis)
L’histoire : Une femme prend la route pour aller livrer sa boisson maison à un mystérieux acheteur en ligne.
Pourquoi on l’aime : La réalisatrice Carter Amelia Davis dit vouloir faire des films qui donnent au spectateur l’envie immédiate de prendre une douche. Un fascinant malaise et un humour méchant se chevauchent effectivement dans cette animation délicieusement cauchemardesque faite de collages numériques. Une atmosphère poisseuse et risible à la fois qui évoque l’œuvre du vidéaste Ryan Trecartin.

• How Brief, Kelly McCormack (Etats-Unis)
L’histoire : Une nuit en 1962, une femme agitée retourne pour la dernière fois dans la maison de son enfance.
Pourquoi on l’aime : En s’inspirant des paroles de la chanteuse folk Connie Converse, Kelly McCormack (repérée comme interprète dans Sorry Baby, entre autres) compose un étrange instantané de paranoïa domestique. Dans un décor au minimalisme de sitcom, une poigné de personnages se livre à une chrographie ivre et nerveuse, et le foyer familial traditionnel devient un enfer à fuir de toute urgence.

• Los Mentirosos, Eduardo Braun Costa (Argentine)
L’histoire : Matías et Jaime essaient de comprendre le monde des adultes. Un jour, Jaime est arrêté par un agent de sécurité dans un centre commercial et Matías doit demander à un inconnu de faire semblant d’être leur père pour le libérer.
Pourquoi on l’aime : Les enfants ont-ils forcément besoin d’un père ? Cette vignette enfantine filmée à la volée passe avec une élégante fluidité de la comédie d’aventure de poche dans un cinéma où tout est possible à une vague d’inquiétude mélancolique face à une figure masculine imprévue. L’une des grandes réussites de cette édition. Retrouvez notre entretien avec Eduardo Braun Costa.

• Um, Nieto (France)
L’histoire : Le peuple des oiseaux est entré dans un chaos violent, en proie à un phénomène inquiétant : leurs œufs semblent hantés par des visages démoniaques. Leur éclosion semble annonciatrice d’une imminente catastrophe…
Pourquoi on l’aime : Seul film de cette liste à ne pas avoir été présenté en première mondiale (il était d’abord passé par le Carrefour de l’animation il y a quelques mois), cette collaboration entre le vidéaste franco-colombien Nieto et le dessinateur japonais Daīchi Mori offre un cocktail de visions surréalistes, un film de baston poétique où dieux et oiseaux se rencontrent dans des couleurs néon.

Source images Courtesy of Sundance Institute

Gregory Coutaut

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