Test cinéphile : savez-vous où ont eu lieu les premières françaises des films oscarisés Hamnet, A Real Pain, Call Me By Your Name et Manchester by the Sea, mais aussi de presque tous les derniers films de Yorgos Lanthimos (Bugonia, Pauvres créatures, La Favorite) et Martin McDonagh (Wild Horse Nine, Les banshees d’Inisherin, 3 Billboards – Les trois panneaux de la vengeance) ? Pas au Festival de Cannes, mais bien à celui de La Roche-sur-Yon. Savez-vous quel festival fut le premier à proposer chez nous une rétrospective Joanna Hogg, à une époque où ses films n’avaient jamais été diffusés en France, et aussi le premier à proposer dès 2013 un hommage à Kelly Reichardt, en sa présence ? Qui fut le premier festival à programmer Eva En Août, film sans distributeur signé d’un Jonas Trueba encore inconnu, qui a pourtant fini nommé aux César l’année suivante ? Qu’on se le dise (et qu’on le dise plus fort, nom d’un chien) : année après année, la tranquille ville vendéenne continue d’accueillir l’une des manifestations cinéphiles les plus précieuses et excitantes de France. Vous n’y êtes encore jamais allé ? Qu’attendez-vous ?

Savez-vous également qu’un nouveau film de Jonathan Glazer vient de faire sa première française ? Coréalisé avec la compositrice Mica Levi, le moyen métrage documentaire Joy of Joys, dans lequel des enfants ukrainiens, soudanais et palestiniens filment l’enregistrement d’un album caritatif aux studios londoniens d’Abbey Road, était diffusé cette année à La Roche-sur-Yon à peine trois semaines après sa première mondiale au festival de New York, et cinq jours seulement après sa première européenne au Festival de Londres. C’était sans doute là l’un des plus beaux « coups » de cette édition 2026, qui n’a pas manqué de qualités. Gâté, le fidèle public vendéen s’est montré une nouvelle fois curieux, remplissant les salles pour des films du Bangladesh, du Kazakhstan ou d’Indonésie, et participant activement aux nombreuses rencontres organisées avec les invités. Le prix du public est par ailleurs revenu à Naza, documentaire glaçant sur l’aveuglement irresponsable des israëlien.ne.s qui participent à l’organisation des bombardements sur Gaza.

C’est devenu une spécialité du festival que de rendre hommage à des réalisatrices étrangères encore peu ou mal connues en France. Rien que depuis 2020, année où Charlotte Serrand est devenue la nouvelle déléguée générale et directrice artistique du festival, on a pu redécouvrir en détails les œuvres de Joanna Hogg, Sally Potter, Julia Hart, Clio Barnard, Gia Coppola, Andrea Arnold et Chloé Robichaud. Cette année un focus fut proposé sur la documentariste américaine multi-oscarisée Barbara Kopple, dont le travail témoigne de plusieurs décennies de luttes sociales et syndicales aux Etats-Unis, ainsi que sur l’Argentine María Silvia Esteve, dont les films courts comme longs redonnent la parole au femmes à travers une forme unique, à cheval entre archives intimes ou collectives et surgissement fantastiques.

Le grand prix de cette édition fut remis au beau Tristan Forever, coréalisé par le Suisse Tobias Nölle et le Français Loran Bonnardot. Tourné au bout du monde sur l’île Tristan da Cunha, ce documentaire intime et rêveur possède une intrigante manière de s’approcher de la fiction. En ce sens, ce gagnant est représentatif d’un fil rouge qui a traversé de nombreux films de cette édition : les mille et une manières de brouiller la frontière entre le vrai et le faux. Documentaires contenant leur part de fiction (les fantasmes adolescents de La Belle année, les inquiétants paysages intérieurs de María Silvia Esteve, les émouvantes maquettes et marionnettes de Yo, Love is a Rebellious Bird), fictions inventées autour de personnes réelles (Le Dernier roi du blues), mises en abyme ludiques ou hypnotisantes (qui est narrateur dans le bien nommé Douglas Gordon by Douglas Gordon, ou bien quand Albert Serra filme Ingrid Caven racontant sa vie en chansons dans le fascinant Seize moments de ma vie ?) ou autres équilibres inclassables (où ranger les très intrigants Closure ou I Deserve a Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms Raging Across the Skies?)… Ce n’est pas que cette édition 2026 s’est amusée à nous mener en bateau, c’est plutôt qu’elle nous a lancé une chaleureuse invitation à repenser la hiérarchie traditionnelle entre ce qui est factuel et ce qui est imaginé ; elle est venue nous rappeler que la rêverie est un composant fondamental de nos vies, nos identités et nos quotidiens. Quand l’héroïne éponyme de l’incroyable A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra de Jacqueline Lentzou s’entend dire depuis l’au-delà « fais tes adieux à la narration que tu pensais être toi-même », c’est bien moins une menace qu’une fenêtre soudain ouverte comme par magie.

Il y a du ludisme dans la manière dont le festival nous invite également à repenser la hiérarchie des formats cinématographiques (courts et longs concourent côte-à-côte au sein de la compétition Nouvelles Vagues, tandis que l’habituelle sélection de clips contemporains est venue replacer sur le grand écran qu’elles méritent ces œuvres à la mise en scène ambitieuse) mais aussi les frontières entre les arts. Presque dix ans après Manifesto, le festival a ainsi montré le montage cinématographique d’Euphoria, nouvelle installation du vidéaste allemand Julian Rosefeldt , tandis que le jury lycéen a remis son prix Trajectoires à Takkuuk, œuvre tournée dans le grand nord, à cheval entre clip immersif et documentaire. Mais encore plus que dans ces exemples, l’invitation à abolir les frontières s’est retrouvée dans l’une des œuvres phares de cette édition : Artou, moyen métrage en VR aux compositions remarquables, mettant en scène des rituels d’enterrement sous un ciel immense, signé du cinéaste mauritanien Abderrahmanne Sissako (qui présentait par ailleurs une intégrale de son travail). Le cinéma le Concorde ayant fait l’acquisition de plusieurs dizaines de casques de VR, on espère que le plaisir vertigineux de ce voyage à 360 degrés puisse à nouveau nous être proposé dans les futures éditions.

NOS ARTICLES SUR CETTE EDITION 2026 :

Film de clôture
Fatherland

Compétition Internationale
A Day In The Life Of Jo: Chapter Phaedra
Le Dernier Roi Du Blues
The Difficult Bride
Tristan Forever
Wild Horse Nine
Yo (Love is Rebellious Bird)

Compétition Nouvelles Vagues
Atlantic Rhapsody
Closure
Heat
La Belle Année
Light Pillar

Séances Spéciales
I Deserve A Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms (critique à venir)
Making Marie Antoinette
Naza
Queen At Sea
Un peu avant minuit

Perspectives
Extra Geography
Mouse (critique à venir)
Union County (critique à venir)

Variété
Sleep No More

Music Hall
Seize moments de ma vie

Continuités
Notre Salut
Rose of Nevada

Avant-Premières
Club Kid
Everytime
Le bois de klara
Sanguine

Focus María Silvia Esteve
Mailin

Jeune Public
A Mighty Adventure (critique à venir)
Muyi, la légende du village des femmes (critique à venir)
Papaya

Entretiens
Maria Silvia Esteve
Andrea Szelesova
Sandra Wollner
Priscilla Kellen

News :
Le palmarès
La sélection

Le site officiel

Gregory Coutaut

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• Leviticus, Adrian Chiarella (7 octobre)
L’histoire : Deux adolescents doivent échapper à une entité violente qui prend la forme de la personne qu’ils désirent le plus : l’un l’autre.
Pourquoi il faut le voir : Nerveux, efficace et poignant à la fois, Leviticus est un film d’horreur queer où l’on retrouve avec plaisir l’âpreté et la dangerosité qui épice les meilleures productions horrifiques australiennes contemporaines.

• Ton animal maternel, Valentina Maurel (7 octobre)
L’histoire : De retour au Costa Rica après des études en Europe, Elsa retrouve sa petite sœur Amalia, seule dans la maison familiale. De plus en plus insaisissable, celle-ci semble enfermée dans des croyances ésotériques. Elsa essaie d’alerter leurs parents.
Pourquoi il faut le voir : Valentina Maurel filme avec nerf et écrit avec un mélange d’attachement et de férocité ce portrait familial hors des clichés. Primé à Cannes dans le cadre d’Un Certain Regard, Ton animal maternel est aussi vif que mordant.

• Minotaure, Andreï Zviaguintsev (14 octobre)
L’histoire : Russie, 2022. Gleb, chef d’entreprise prospère, vit avec sa femme Galina et leur fils dans une ville de province. Il se retrouve confronté à des problèmes professionnels croissants, dans un monde de plus en plus instable.
Pourquoi il faut le voir : Grand Prix au Festival de Cannes et choisi pour représenter la France à l’Oscar du meilleur film international, Minotaure est un retour en forme de Zviaguintsev qui signe une parabole politique particulièrement cinglante.

• Le Jour de son retour, Hong Sangsoo (14 octobre)
L’histoire : Elle vient de terminer le tournage d’un film indépendant et doit maintenant donner trois interviews à ce sujet. Ensuite, lors de son cours de théâtre, son professeur lui demande de rejouer les interviews. Mais, pour une raison quelconque, elle est incapable de s’en souvenir.
Pourquoi il faut le voir : Dans sa structure et ses prises de vue, Le Jour de son retour est l’un des films les plus épurés de Hong Sangsoo. Au fil de cet étrange jeu, son héroïne semble se déconstruire et se reconstruire : c’est la même femme, et jamais complètement la même.

• La Gradiva, Marine Atlan (21 octobre)
L’histoire : Un groupe de lycéens français part en voyage scolaire à Naples pour découvrir les ruines de Pompéi et ses corps pétrifiés par le Vésuve. C’est là que le vertige les saisit brutalement. L’un après l’autre, ils se laissent submerger par le désir et la colère jusqu’à s’y abandonner complètement.
Pourquoi il faut le voir : Révélation du dernier Festival de Cannes où il a été sélectionné à la Semaine de la Critique, La Gradiva est un premier long métrage qui constitue un sacré numéro de funambule entre rêverie et cauchemar, hyper vivant jusqu’au vertige.

• Hope, Na Hong-jin (28 octobre)
L’histoire : Au poste de police de Hope, Bum-seok et Sung-ae se démènent pour défendre leur village à la population vieillissante. Pendant ce temps, Sung-ki et ses amis partent à la poursuite de la bête dans la montagne mais se retrouvent eux-mêmes pris pour cible.
Pourquoi il faut le voir : Film catastrophe, comédie d’action, film de monstre, fable de science-fiction. Hope est tout cela à la fois et possède surtout une qualité en or que les blockbusters de Hollywood semblent avoir égarée depuis belle lurette : la joie.

• Ma nudité ne sert à rien, Marina de Van (28 octobre)
L’histoire : Paris, de nos jours. Marina de Van bataille avec ses relations sentimentales, sa propre image et sa nudité à une époque où les applis de rencontres et les échanges en ligne sont légion.
Pourquoi il faut le voir : Marina de Van pousse le réel jusqu’au romanesque dans ce mélange trouble entre documentaire et fiction. La réalisatrice puise dans le réel sans se confondre avec lui, et c’est en partie de là que vient la tension magnétique de cet ovni.

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en septembre.

Nicolas Bardot

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• Salvation, Emin Alper (2 septembre)
L’histoire : Deux villages turcs, l’un à flanc de montagne, l’autre dans la plaine. Quand les habitants du bas, exilés, décident de revenir sur leurs terres, des conflits ancestraux ressurgissent avec ceux du haut. Progressivement, croyances, paranoïa et luttes de pouvoir s’exacerbent, mettant en péril la fragile cohabitation des deux communautés.
Pourquoi il faut le voir : Le passionnant réalisateur turc Emin Alper puise son inspiration dans le western mais aussi dans l’horreur pour cette cinglante métaphore politique. Grand Prix à la dernière Berlinale, Salvation est un film tendu et inspiré, qui a dans son viseur les colons et les leaders fous du monde entier.

• Rose, Markus Schleinzer (9 septembre)
L’histoire : Au lendemain de la guerre de Trente Ans, un mystérieux soldat balafré s’installe dans un village isolé d’Allemagne. À force de labeur et de services rendus, il gagne la confiance des habitants et croit enterrer son secret.
Pourquoi il faut le voir : L’œuvre de l’Autrichien Markus Schleinzer est relativement rare (3 films en 15 ans) mais percutante à chaque fois. Prix d’interprétation à la Berlinale pour son actrice, la sensationnelle Sandra Hüller, Rose est une fable magnétique sur les réactionnaires d’hier mais aussi ceux d’aujourd’hui.

• Adieu monde cruel, Félix de Givry (9 septembre)
L’histoire : Otto Vidal, 14 ans, a disparu après avoir adressé une lettre d’adieu aux élèves de sa classe. Alors que tout le monde le croit mort, Léna, une fille de son lycée, le reconnaît une nuit en train d’errer dans les rues de la ville.
Pourquoi il faut le voir : Felix de Givry a beau partir d’un sujet particulièrement sombre (le désir de mort d’un très jeune adolescent), il compose avec grâce un anti-film de fantôme à la fois buissonnier et hors du temps. Un clin d’œil poignant à un cinéma français d’un autre âge, entre Eustache à Bresson, symbolisé par la voix off délicate de Françoise Lebrun. (critique bientôt en ligne)

• Her Private Hell, Nicolas Winding Refn (23 septembre)
L’histoire : Alors qu’une étrange brume engloutit une métropole futuriste et libère une présence mortelle insaisissable, une jeune femme troublée part à la recherche de son père. Au cours de cette quête, son destin croise celui d’un GI américain engagé dans un voyage désespéré pour arracher sa fille de l’Enfer.
Pourquoi il faut le voir : De retour dix ans après l’ensorcelant The Neon Demon, le Danois Nicolas Winding Refn délivre un nouveau tour de magie avec Her Private Hell. Ce long métrage, dévoilé à Cannes, est une splendeur vénéneuse dans laquelle le cinéaste mêle de manière fascinante l’absolu sérieux du mythe et l’absolu fun du camp.

• Les Elephants dans la brume, Abinash Bikram Shah (23 septembre)
L’histoire : Dans un village népalais niché au cœur d’une forêt peuplée d’éléphants sauvages vit une communauté kinnar aussi vénérée que crainte pour ses pouvoirs de bénédiction et de malédiction. Pirati, l’une des mères de la communauté, rêve de s’échapper avec l’homme qu’elle aime. Mais lorsqu’une de ses filles disparaît, elle se doit mener l’enquête et choisir entre son désir de liberté et ses responsabilités envers sa communauté.
Pourquoi il faut le voir : Prix du jury lors de la dernière compétition Un Certain Regard à Cannes, ce premier long métrage népalais brille par son rythme nerveux et son talentueux savoir-faire. Les Éléphants dans la brume est peuplé de personnages à la richesse réjouissante et réussit à s’adresser équitablement et généreusement à des publics très différents.

• Notre salut, Emmanuel Marre (30 septembre)
L’histoire : Septembre 1940, le régime de Pétain se met en place. Henri Marre, 49 ans, débarque à Vichy sans le sou, sans contact, loin de sa femme et ses enfants. Il voit dans la nouvelle administration l’opportunité de trouver enfin la place qu’il mérite. Dans sa valise, son traité politique édité à compte d’auteur, Notre Salut, où il défend ses convictions patriotiques et ses méthodes d’ingénieur. Son credo : « gagner en efficacité » pour relever la France de la débâcle. Mais peut-être qu’Henri cherche avant tout à fuir sa propre débâcle…
Pourquoi il faut le voir : Notre salut est un drame historique de 2h30 mais il ne pèse jamais sur lui la raideur qui guette ce type de reconstitution. Emmanuel Marre saisit de manière à la fois grinçante et grotesque une époque, mais aussi, plus profondément, ce que cette déchéance a d’humain. L’un des grands films français de l’année.

• Un hiver russe, Patric Chiha (30 septembre)
L’histoire : Entre Paris et Istanbul, Margarita, Yuri et leurs amis, un groupe de jeunes exilés russes, cherchent leur place dans un monde qui ne semble plus être le leur.
Pourquoi il faut le voir : L’Autrichien Patric Chiha adopte dans ce documentaire un point de vue rarement abordé – celui de jeunes Russes qui ont fui leur pays suite à l’invasion à grande échelle de l’Ukraine. Dévoilée lors de la dernière Berlinale, cette expérience existentielle de la solitude pose de nombreuses et bonnes questions.

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en août.

Nicolas Bardot

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• A Sweet Day | Omid Abdollahi (Iran)
L’histoire : Après une longue séparation, une jeune femme obtient enfin une visite conjugale auprès de son mari incarcéré. Elle décide alors de revivre un moment romantique dans la rude ambiance apathique de la prison.
Pourquoi on l’aime : On croit reconnaitre d’avance ici toutes les qualités narratives familières du cinéma iranien, mais derrière le savoir-faire narratif et un sens du décor notable, deux surprises contradictoires viennent nous cueillir : d’abord la sensualité qui habite la protagoniste puis un couperet cruel qui vient retransformer cette vignette carcérale en cinglant cauchemar kafkaïen.

• As A Cure | Dorothea Sing Zhang (Chine)
L’histoire : Une jeune fille fouille le désert pour retrouver sa carte d’identité afin de s’inscrire à l’académie de l’Opéra de Pékin.
Pourquoi on l’aime : Elégamment posé en équilibre sur un fil de funambule entre parabole philosophique et réalisme social, A Cure offre la vision vertigineuse d’une enfant à moitié ensevelie, sentant le poids du monde sur ses épaules face à l’immensité des dunes qui l’attendent dans le désert du monde adulte.

• Aurora Borealis | Valeriya Kim (Hongrie)
L’histoire : En suivant deux oursons polaires nés en captivité au parc animalier hongrois de Nyíregyháza, le film interroge le déracinement et la transmission de la nostalgie d’une terre natale jamais connue.
Pourquoi on l’aime : D’adorables oursons polaires barbotent dans un zoo, dans une cage dont la toile de fond reproduit un paysage de banquise, mais à quels yeux est véritablement destiné un tel artifice ? Peut-être elle-même déracinée, la réalisatrice se filme en train de regarder cet étrange et amer décalage horaire face à une terre natale inconnue, oubliée et fantasmée.

• The Bovine Comedy | Ratchapoom Boonbunchachoke (Thailande)
L’histoire : Dans un futur où les vaches ont presque disparu, Phop, un riche éleveur, possède le dernier taureau d’Asie du Sud-Est. Le vieil animal produisant peu de sperme, Phop compte sur la technique manuelle de Jon, un ouvrier pauvre. Phop se sent attiré par les mains de Jon.
Pourquoi on l’aime : Le réalisateur de Fantôme utile utilise à nouveau avec succès son mélange de sensualité tordue (un patron handicapé et louche engage un inséminateur de bœuf pour le masturber) et de futurisme pop, avec à la clé cette fois-ci une critique bien plus mordante et brutale du monde du travail et de l’exploitation des travailleurs. Le film a remporté le prix principal de la section Corti d’autore.

• Las Damas | Camille Zéhenne (France)
L’histoire : Alba, en résidence à la Casa de Velázquez, peine à trouver sa place dans le monde et dans son corps. Elle découvre au cours de ses recherches la Dama de Elche, une statue à l’origine mystérieuse, qui l’obsède.
Pourquoi on l’aime : Et si les leçons les plus utiles s’apprenaient la nuit, en cachette? A moitié larguée parmi ses colocataires d’une résidence d’artistes, une jeune femme trouve la clé de son très sérieux travail de plasticienne en pratiquant une délicieuse école buissonnière onirique, queer et sexy où les frontières n’existent plus. Cette étrange leçon d’Histoire de l’art a reçu une mention spéciale méritée.

• Melk | Filip Anthonissen (Belgique)
L’histoire : Après avoir tué le poisson préféré de sa mère, Charel s’enfuit de chez lui. Lorsqu’il revient, bien décidé à se racheter, c’est le chaos total.
Pourquoi on l’aime : Melk est un conte campagnard, candide et morbide à la fois, remixé par un traitement visuel fou situé quelques part entre anamorphoses malaisantes et bad painting hors-normes, entre cauchemar grotesque en enfantillages imprévisibles. L’un des films les plus uniques et potentiellement clivants de cette édition, et le grand gagnant de la compétition internationale.

• Obscura | Timoteus Anggawan Kusno (Indonésie)
L’histoire : Hantés par la nostalgie d’un lieu qu’ils n’ont jamais connu, les employés d’une galerie volent une toile Mooi Indië et roulent vers la mer. Le karaoké keroncong et des figures des archives coloniales font de leur fuite un rêve tissé de souvenirs de seconde main.
Pourquoi on l’aime : Un vol de tableau qui ne ressemble pourtant pas du tout à un film policier, une recette de cuisine en ligne qui parle en réalité de tout autre chose, un karaoké dont les paroles traduisent un inconscient collectif… chaque vignette qui compose Obscura ressemble à un tableau absurde et burlesque tout en décalages, mais contient l’émouvant fantôme d’une Histoire coloniale oubliée.

• Private Property | Deepak Rauniyar (Etats-Unis/Népal)
L’histoire : Une station-service américaine. Deux exclus – Maya, immigrée népalaise travaillant de nuit pour se bâtir un avenir, et Danny, vétéran noir sans domicile, en quête de chaleur et d’un abri – se disputent un petit espace. Maya saisit la loi, puis une arme, pour se faire une place.
Pourquoi on l’aime : Private Property est un polar de poche qui place ses anti-héros racisés des deux côtés d’une intervention policière dans une station service. Derrière une dramaturgie au suspens classique, le réalisateur de Pooja, Sir parvient à brosser le portrait poignant d’une immigrante de bonne volonté qui se retrouve vite contaminée par la paranoïa sécuritaire américaine. Mention spéciale du prix Pardo for Change.

• Together | NEOZOON (Allemagne)
L’histoire : Une exploration du désir humain de propriété, à travers archives et réseaux sociaux. En confrontant le vivre-ensemble à l’individualisme, le film se demande si le besoin de posséder vient d’une nécessité ou d’un récit eurocentrique et patriarcal.
Pourquoi on l’aime : Un montage de bric et de broc qui a d’abord l’air d’un zapping farfelu mais qui analyse avec beaucoup de sérieux et d’ambition une question qu’on ne s’était jamais posé : au cours de l’histoire de l’humanité, qui a eu l’idée d’inventer la propriété ? Cours de sociologie pop, subliminal et vertigineux, le résultat est à nos yeux le meilleur court de cette édition.

• Zrugg | Lars Mulle (Suisse)
L’histoire : Après que le bétail d’un éleveur a été attaqué, un garde-chasse obsessionnel est envoyé sur place pour traquer et abattre le loup problématique.
Pourquoi on l’aime : Censé mener une mystérieuse enquête en foret, un garde forestier solitaire est surtout hanté par une absence. La nature embrumée est autant un cocon qu’un mausolée autour de ce protagoniste muet au cœur brisé, qui écoute le silence alentour et envoie dans le vide des sms demeurant sans réponse.

Gregory Coutaut

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• Soudain, Ryusuke Hamaguchi (12 août)
L’histoire : Directrice d’un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d’y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l’écoute et la dignité des résidents. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire.
Pourquoi il faut le voir : Double prix d’interprétation au dernier Festival de Cannes, Soudain est un bouleversant miracle signé par un réalisateur dont la sensibilité ne s’est pas diluée en déplaçant ses intrigues du Japon à la France. Ryusuke Hamaguchi propose un stupéfiant voyage et explore tout ce qui constitue un être humain avec la profondeur qu’on lui connaît.

• Une aube nouvelle, Yoshitoshi Shinomiya (12 août)
L’histoire : L’usine de la famille Obinata, spécialisée dans les feux d’artifice, est sur le point d’être fermée administrativement. Autrefois nichée au cœur d’une forêt verdoyante, le site est désormais recouvert de panneaux solaires, et une route départementale doit bientôt traverser l’emplacement de l’usine. Depuis quatre ans, Keitaro s’est enfermé dans cette usine désaffectée, où il fabrique seul des feux d’artifice. Il est obsédé par le mystère du shuhari, un feu d’artifice fantôme censé représenter l’univers, que son père avait créé juste avant de disparaître. Avant la confiscation de l’usine, Keitaro est déterminé à lancer le shuhari de son père.
Pourquoi il faut le voir : Dévoilé en compétition à la Berlinale et primé au Festival d’Annecy, Une aube nouvelle est un flamboyant feu d’artifice dont la merveille formelle (travail sur les couleurs, dynamisme des décors, fulgurances poétiques) constitue l’un des spectacles les plus surprenants de l’année.

• Chicas tristes, Fernanda Tovar (12 août)
L’histoire : La Maestra et Paula, deux amies inséparables, sont les meilleures nageuses de leur équipe. Jusqu’à ce qu’un évènement traumatique, survenu au cours d’une soirée, les oblige à choisir entre garder le silence et prendre la parole, quitte à mettre leur amitié à rude épreuve…
Pourquoi il faut le voir : Porté par une écriture dynamique et un superbe emballage visuel, le chatoyant Chicas tristes est une réussite douce-amère et piquante, à la fois subtile et électrique, qui a remporté le Grand Prix de la section Génération de la Berlinale.

• L’Inconnue, Arthur Harari (26 août)
L’histoire : À bientôt 40 ans, David Zimmerman est photographe mais personne ne le sait. Lors d’une fête, il repère une femme dans la foule et la suit… Quelques heures plus tard, David se réveille : il est dans le corps de l’inconnue.
Pourquoi il faut le voir : Sélectionné en compétition au dernier Festival de Cannes, L’Inconnue est une ambitieuse adaptation de bande dessinée qui traite avec acuité de la solitude. Le film peut compter sur Léa Séydoux qui livre ici l’une des meilleures performances de sa carrière, aux cotés de France de Bruno Dumont et La Bête de Bertrand Bonello. 

• Memory Of Princess Mumbi, Damien Hauser (26 août)
L’histoire : En 2094, l’aspirant réalisateur Kuve filme un documentaire sur la Grande Guerre des années 2070, qui a effacé les technologies modernes et fait renaître les royaumes. S’attendant au désespoir à Umata, il y trouve des villageois vivant en paix. Il y rencontre l’actrice Mumbi, qui révèle la beauté des moments quotidiens. Le film se déroule à travers d’anciennes séquences tournées par Kuve dans les coulisses, montrant comment les gens trouvent un sens à un monde tragique et comment même les plus petits moments peuvent être d’une profonde beauté.
Pourquoi il faut le voir : Très remarqué en festivals depuis sa sélection à Giornate dans le cadre de la Mostra de Venise, Memory Of Princess Mumbi compte parmi les films les plus singuliers de l’année et se regarde avec appétit, comme si nous nous trouvions face au bric-à-brac d’un coffre à trésor cinématographique mal rangé mais rayonnant.

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en juillet.

Nicolas Bardot

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Le Festival de Karlovy Vary demeure mal connu chez nous mais c’est un des festivals les plus anciens du monde et c’est également un festival officiellement classé catégorie A (label décerné aux festivals mettant en avant des premières mondiales). Ses deux compétitions généralistes sont en effet entièrement composées de premières mondiales : la compétition internationale et la compétition Proxima (dédiée à des projets plus alternatifs ou avant-gardistes). Dans une compétition principale au niveau nettement plus relevé que l’an passé, le Cristal du meilleur long métrage a été décerné à Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe. C’est la première fois que le Myanmar remporte cette récompense. Ce drame élégamment mis en scène fait le portrait touchant de deux femmes, et de l’entente féminine face à la brutalité du capitalisme et du patriarcat. Doublement primé, The Guest du Danois Mads Mengel est un drame familial tel qu’on peut l’attendre du Danemark, mais celui-ci est efficacement mené, et transcendé par la performance de Trine Dyrholm en matriarche souffrant de troubles mentaux qui débarque lors du cérémonie où personne ne souhaite sa présence. A noter également au palmarès principal le prix d’interprétation décerné à la Suissesse Anna Schinz, convaincante dans le rôle de la mère précaire de A Happy Family, un drame inégal mais qui fait preuve d’une charmante richesse de tons.

Absent du palmarès, notre coup de cœur Cinco años, cuatro meses des Colombiens Esteban Hoyos García et Juan Miguel Gelacio Ramírez raconte le périple d’une mère à la recherche de son fils disparu sans explications et probablement assassiné. Ce long métrage épuré et émouvant fait une utilisation saisissante du réalisme magique – on parie que ce film devrait circuler dans d’autres festivals. Lauréat en 2019 avec La Saveur des coings, le duo bulgare Kristina Grozeva et Petar Valtchanov a eu moins de chance cette année mais Black Money for White Nights est néanmoins une comédie dramatique assez réussie et au féroce mauvais esprit, sur un couple de sexagénaires dont le voyage de rêve à Saint Petersbourg tourne au désastre avant même de partir.

Dans la compétition Proxima, deux fortes révélations se sont distinguées. Incinerator est réalisé par le Japonais Shuntaro Uchida (lire notre entretien). Le film fait le récit d’apprentissage d’une fillette triste et solitaire. Uchida, par la qualité remarquable de son écriture et de sa mise en scène, parvient à pénétrer le monde intérieur tumultueux d’une enfant quand tout autour d’elle ressemble à des non-événements. Incinerator, qui a reçu le Prix spécial du jury Proxima, correspond au meilleur de ce qu’on peut attendre du cinéma japonais indépendant. Absent du palmarès, l’incroyable The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb de l’Indien Yashasvi Juyal est un flamboyant premier long métrage qui fait mine de raconter la vie simple d’un couple au nord de l’Inde. Après un drame inattendu, le film dépeint la rencontre stupéfiante du monde quotidien et du monde spirituel. Yashasvi Juyal est assurément un nom à retenir.

D’autres excitantes propositions ont été mises à l’honneur dans la compétition Proxima. Remarquée avec l’intrigant documentaire Victoria en 2020, la Belge Isabelle Tollenaere signe avec Paris Paris une attachante miniature sur le sort de quelques exilés dans la capitale. Tollenaere évite les clichés des drames sociaux sans personnalité et apporte une perspective sensible, entre comédie triste et chaleureuse empathie. Dans son documentaire My Friend the Porn Star, l’Autrichienne Rosa Friedrich raconte un échec (un documentaire sur son meilleur ami souhaitant tourner un porno, avant de se rétracter) pour mieux dessiner avec ludisme le portrait d’une sororité galvanisante et décomplexée. Parmi les talents à suivre, citons enfin le Croate Mate Ugrin dont le drame Petty Thieves est imparfait mais ce portrait de petit voleur qui se fait de l’argent lors de la saison touristique chérit ses ambiguïtés de façon prometteuse et sa mise en scène est inspirée.

Outre les premières mondiales et les nombreuses avant premières, le festival a, dans son programme anniversaire ou dans sa rétrospective de classiques, remis en lumière des perles du passé. Citons notamment le néoréaliste Barravento de Glauber Rocha, film fondateur du mouvement Cinema Novo, d’une grande modernité plastique, entièrement situé dans une communauté afrodescendante du Brésil, mais aussi Les Enfants d’Hiroshima, l’un des tout premiers films du Japonais Kaneto Shindo, dans lequel une enseignante se rend l’été sur les tombes des membres de sa famille assassinés lors du bombardement atomique. Réalisé quelques années seulement après la tragédie, Les Enfants d’Hiroshima est un film d’une précision et d’une pureté bouleversantes, rappelant le talent majeur d’un cinéaste qui n’est pas célébré à sa juste valeur en France. Dans un tout autre registre, Tainted Horseplay de la Tchèque Vera Chytilova est une rareté aux contrastes particulièrement gonflés. Le film, tourné à la fin des années 80 à Karlovy Vary, raconte les nuits de trois joyeux lurons faites de baises et de picole. Le film est une comédie sexy enivrée pendant 1h45 avant d’opérer pendant sa dernière demi heure un basculement de ton d’une radicalité qui laisse bouche bée. Quasiment tourné dans les lieux mêmes du festival, ce film a offert la meilleure traduction possible de l’excitant éventail cinématographique qui se déploie chaque année devant le public chanceux du KVIFF.

Retrouvez notre couverture du Festival de Karlovy Vary, composée d’une cinquantaine d’articles.

Nicolas Bardot

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• In Waves, Phuong Mai Nguyen (1er juillet)
L’histoire : À Los Angeles, AJ, lycéen discret, rencontre Kristen. Elle est passionnée de surf, lui de skateboard et de dessin. Ils tombent follement amoureux ; un avenir heureux se profile. Mais tout bascule lorsque Kristen tombe malade. Ensemble, ils se lancent dans un combat contre l’adversité, portés par la force de leur amour, leurs amis et leur passion désormais commune pour le surf et l’océan.
Pourquoi il faut le voir : Film d’ouverture de la dernière Semaine de la Critique et tout récemment en compétition à Annecy, In Waves est l’adaptation réussie du roman graphique signé AJ Dungo. Phuong Mai Nguyen offre un ravissement pour les yeux avec ce film d’animation à la fois rayonnant et mélancolique – un doux équilibre entre cool et tristesse souligné par la bande originale composée par Oklou et Rob.

• Andre is an Idiot, Anthony Benna (1er juillet)
L’histoire : Éternel impertinent, André s’est défilé devant la coloscopie. Il va apprendre à mourir heureux et ridicule, sans jamais perdre son sens de l’humour.
Pourquoi il faut le voir : Produit par A24 et dévoilé en compétition au Festival de Sundance, André est un idiot met toutes les billes dans sa poche pour aller à rebours de son sujet sinistre et injecter beaucoup de vie là où il n’y en a plus beaucoup. Car André is an Idiot est bel et bien une généreuse comédie, qui sait également se recentrer sur la dignité de son protagoniste avec une sobriété inattendue.

• La Chaleur, Stéphane Demoustier (8 juillet)
L’histoire : Il fait anormalement chaud sur les plages des Landes et Marouane, 17 ans, passe sa dernière journée au camping avec une angoisse : le corps qu’il a enseveli la veille sur la plage va-t-il apparaitre au grand jour ?
Pourquoi il faut le voir : Adapté du roman très remarqué signé par Victor Jestin, La Chaleur est un drame efficacement mené qui, au-delà de son histoire de crime et de culpabilité, sait faire ressentir l’angoisse triste propre à l’adolescence. Stéphane Demoustier parvient à trouver la musique intérieure de son personnage principal, incarné de manière convaincante par le débutant Hadrien Hussein.

• L’Aventure rêvée, Valeska Grisebach (15 juillet)
L’histoire : À Svilengrad, une petite ville à la frontière bulgare, aux confins d’une Europe délaissée, Veska, archéologue, renoue avec Said, un ami d’enfance, dont la voiture vient d’être volée. En voulant l’aider, Veska glisse progressivement au coeur d’une société criminelle dont l’emprise règne sur la ville. Veska va devoir affronter ce monde à la fois trouble et dangereux.
Pourquoi il faut le voir : Prix du jury au dernier Festival de Cannes, L’Aventure rêvée est un film dans lequel l’Allemande Valeska Grisebach se réapproprie avec un mélange de malice et de sérieux les codes de récits considérés comme exclusivement masculins et emploie un filtre bien à elle pour les débarrasser des clichés virils. Le résultat se révèle d’un réalisme chaleureux et plein de relief.

• Nightborn, Hanna Bergholm (22 juillet)
L’histoire : Rêvant de construire une vie de famille paisible, Saga et son mari Jon s’installent dans la maison où elle a passé une grande partie de son enfance, au cœur de la forêt finlandaise. Mais dès la naissance de leur enfant, et malgré un entourage qui se veut rassurant, Saga perçoit chez son bébé quelque chose d’inexplicable et d’inquiétant…
Pourquoi il faut le voir : Révélée avec Ego, Grand Prix au Festival de Gérardmer, la Finlandaise Hanna Bergholm utilise dans Nightborn des motifs classiques du cinéma horrifique qu’elle rafraichit par un ton surprenant. Dévoilé en compétition à la Berlinale, Nightborn ne vise pas la subtilité mais a le mérite d’offrir du spectacle. Et n’oublie pas une qualité essentielle du genre : la subversion.

• Gavagai, et autres malentendus, Ulrich Köhler (22 juillet)
L’histoire : Au cours du tournage chaotique d’une adaptation de Médée au Sénégal, l’actrice allemande Maja trouve refuge dans une liaison avec son partenaire Nourou. Quelques mois plus tard, ils se retrouvent à la première du film à Berlin. Les sentiments refont surface, mais un incident raciste vient troubler leurs retrouvailles. Tandis que la tragédie antique se joue à l’écran, un drame moderne se déploie dans la vie réelle.
Pourquoi il faut le voir : A travers l’histoire d’un tournage de film, l’Allemand Ulrich Köhler (In My Room) parvient de manière convaincante à traiter des dynamiques de pouvoir, du privilège blanc, des micro-agressions racistes, du racisme ordinaire qui n’est jamais ordinaire. Porté par une brillante distribution (Maren Eggert, Jean-Christophe Folly, Nathalie Richard), Gavagai est une comédie cinglante et une satire percutante.

• Gorgonà, Evi Kalogiropoulou (22 juillet)
L’histoire : Au cœur d’une petite cité-État chaotique dominée par une gigantesque raffinerie pétrolière, les hommes, tous armés, détiennent le pouvoir. Leur chef Nikos, gravement malade, doit organiser sa succession. Des tensions s’installent lorsqu’il inclut sa protégée, Maria, parmi les prétendants au trône. Le destin de cette jeune femme va basculer avec l’arrivée d’Eleni, une chanteuse qui va enflammer le bar de la ville et bien au delà…
Pourquoi il faut le voir : Dans un monde misogyne situé quelque part entre dystopie et mythologie, digne d’un Mad Max de poche à Athènes, la cinéaste grecque Evi Kalogiropoulou (remarquée l’an passé à la Mostra de Venise) fait d’un récit d’émancipation féminine une appétissante réappropriation queer des codes traditionnels du cinéma d’exploitation, autant portée par la colère que par la joie. (critique bientôt en ligne)

• Home Stories, Eva Trobisch (29 juillet)
L’histoire : Léa a 16 ans, un petit frère, une grande amie, des parents récemment divorcés, et une tante qu’elle admire. Au cœur des forêts majestueuses de l’ex-Allemagne de l’Est, ses grands-parents gèrent un hôtel au passé glorieux aujourd’hui menacé par la faillite. Dans cette famille, chacun cherche sa place et son horizon. Léa, elle, a un talent pour le chant, et se prépare à participer à une émission de téléréalité.
Pourquoi il faut le voir : Révélée avec le brillant Comme si de rien n’était, l’Allemande Eva Trobisch signe un drame étrange, dévoilé en compétition à la dernière Berlinale. Habité par un élégant sens du malaise, ce portrait familial emprunte des chemins de traverse qui témoignent d’une richesse d’écriture et d’une sacrée personnalité. Voilà un film fort curieux, qui oscille entre l’austère, le grinçant et le vertige existentiel.

• Tommy Guns, Carlos Conceição (29 juillet)
L’histoire : 1973, en Angola. Tchissola, adolescente aide de camp, est tuée par un soldat portugais. Des années plus tard, Zé, jeune soldat, tente de fuir sa caserne encerclée d’un mur infini.
Pourquoi il faut le voir : Cinéaste portugais né en Angola, Conceição fait d’abord le récit violent de la présence de colons en Afrique. Mais la boussole de Tommy Guns ne nous est jamais réellement confiée en avance et cela participe à l’excitation procurée par le film. Peuplé de visions impressionnantes et généreuses, fantastique et politique, le long métrage de Carlos Conceição est un remarquable ovni qui raconte avec intelligence un présent hors-champ.

• The Ugly, Yeon Sang-ho (29 juillet)
L’histoire : Aveugle de naissance, un maître artisan, admiré pour la beauté des sceaux qu’il grave, vit reclus avec son fils unique. Mais cette paix vole en éclats lorsque les ossements de sa femme, disparue quarante ans plus tôt, sont découverts. Son fils entreprend alors de mener l’enquête sur ce passé. Cette quête de vérité va dévoiler de lourds secrets, de ceux qui touchent à la laideur humaine.
Pourquoi il faut le voir : Nouveau long métrage du réalisateur entre autres de Dernier train pour Busan, The Ugly est un film dont l’esprit radicalement sombre renoue avec les réjouissants excès de ses débuts. Le long métrage réussit le pari d’être un thriller efficace dont la tension réside exclusivement dans des scènes de dialogues, et touche du doigt un vertige absurde qui lui donne un relief particulier.

Nicolas Bardot

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• Adgwa-Ata, Zsuzsanna Kreif (compétition)
L’histoire : Enlevées par une tribu de la jungle pour subir une initiation brutale, trois adolescentes pénètrent dans une dimension divine où apprivoiser leurs animaux totems, des serpents géants, devient le seul moyen d’accéder à l’âge adulte.
Pourquoi il faut le voir : Êtes-vous prêt•es à partir pour le plus lointain et mystérieux des voyages ? Adgwa-Ata de la Hongroise Zsuzsanna Kreif est une expérience immersive quelque part entre la fable féministe, le film de cannibales 70s et la science-fiction futuriste. Rempli d’images fortes aux couleurs puissantes, ce court jouissif, vertigineux et au riche imaginaire promet d’être l’un des sommets de ce Festival de Cannes.

• À quoi rêvent les Maknines, Sarra Ryma (compétition)
L’histoire : À quoi rêvent les Maknines raconte l’errance existentielle de deux jeunes Algériens, qui s’apprêtent à tout quitter pour traverser la Méditerranée. Le temps d’une journée, le film invite à s’égarer avec ce couple atypique, à vivre leur solitude, à les accompagner dans leurs déambulations, à partager leurs passions et leurs peurs, et à souffrir de leurs au revoir.
Pourquoi il faut le voir : Dans A quoi rêvent les Maknines, la Franco-Algérienne Sarra Ryma filme une joie voilée de tristesse – et réciproquement. La cinéaste dépeint de manière chaleureuse la tendre relation et les rêves de jeunes gens à « Alger la sévère » comme le dit un rappeur. C’est un lien amour-haine sur l’endroit d’où l’on vient qui est décrit dans cet attachant court, où de grands adolescents se sentent comme en cage.

• City of Owls, Zhenia Kazankina (compétition)
L’histoire : Le dernier soir avant son départ, Vera couche sa petite sœur. Afin de lui cacher la véritable raison de son départ, elle lui récite un conte pour s’endormir. C’est l’histoire d’une ville engloutie par une nuit éternelle.
Pourquoi il faut le voir : C’est une histoire pour s’endormir – et pour rêver. D’origine russe et désormais établie en Italie, Zhenia Kazankina compose un conte ensorcelant au profond pouvoir métaphorique sur un monde où la nuit est tombée pour toujours. Ce rayonnant film de nuit révèle une cinéaste dont la mise en scène est inspirée, poétique et envoûtante. City of Owls est un songe triste et merveilleux dont le scintillement a un pouvoir magique.

• Class Photo, Arnas Balčiūnas (compétition)
L’histoire : Alors qu’il retourne voir son ancienne école, laissée à l’abandon, Ignas croise un ancien camarade. Errant dans ces couloirs chargés de souvenirs contradictoires, ils tentent de saisir ce qui est sur le point de disparaître.
Pourquoi il faut le voir : La salle de classe est un catalyseur de souvenirs, a fortiori quand celle-ci se trouve dans une école abandonnée depuis des lustres. Ce lieu fantôme est mis en valeur par la remarquable mise en scène du talentueux Lituanien Arnas Balčiūnas, avec un usage dynamique du cadre et de la profondeur de champ. Sens dessus dessous, l’école baignée de silence est comme une allégorie sensible de ce que ses enfants aujourd’hui adultes sont devenus.

• I Think You Should Be Here, Anna-Marija Adomaitytė & Élie Grappe (séance spéciale)
L’histoire : Non loin de Genève, sept jeunes filles, au seuil de l’âge adulte, se remémorent dans leur chambre les paroles et les danses TikTok qui ont façonné leur jeunesse. Entre mémoire intime et collective, elles déambulent de chambre en chambre et traversent en dansant cette dernière nuit hors du temps ; en quête de liens et d’identité, elles poussent leurs gestes jusqu’à l’épuisement.
Pourquoi il faut le voir : Remarqué à la Semaine avec son long Olga, le Suisse Élie Grappe s’associe à la danseuse lituanienne Anna-Marija Adomaitytė pour ce court hors normes. I Think You Should Be Here offre une perspective inédite sur le récit d’apprentissage avec ses ados réalisant des chorés sur TikTok. La danse est un langage codé entre les filles, le temps passe, et la vidéo futile devient un lien secret, une connivence envoûtante. Puis vient cette question à la fois naïve et poignante : « Si tu quittes TikTok, tu te souviendras de moi ? ».

• Love Story, Laïs Decaster (séance spéciale)
L’histoire : Un soir, mon amie Alyssa me fait une confidence : elle vient d’entamer une relation amoureuse mais l’histoire est déjà bancale ! Au fil des mois, je la retrouve pour écouter la suite de ses péripéties. Peu à peu, sa sœur et nos amies se joignent à nos conversations et donnent, tour à tour, leur avis sur la situation.
Pourquoi il faut le voir : Fraichement nommée aux César pour son court métrage Car Wash, la Française Laïs Decaster signe une charmante comédie fauchée dans l’esprit des premiers Sophie Letourneur. Ce documentaire de salon, ultra-minimaliste dans son dispositif mais qui s’étale pourtant sur des mois avec de plus en plus de protagonistes, parle d’amour, de couple, de cul. Mais entre les clopes et les bouteilles de rosé se dessinent en creux le sujet du film et son cœur battant : l’amitié féminine.

• Man’mi, Aude N’Guessan Forget (compétition)
L’histoire : Le grondement d’une rivière et le cri d’un grand calao qui résonne dans une forêt tropicale… Flora, une petite fille métisse de six ans, se raconte une histoire. Soudain la voix de sa maman, Hortense, la ramène à la réalité. À leur réalité : une vie modeste, pleine de tendresse, de moments joyeux partagés avec les tantes baoulées. Pourtant, une ombre imperceptible plane sur leur bonheur… Les souffrances d’Hortense, atteinte d’une maladie génétique, s’immiscent insidieusement dans leur quotidien.
Pourquoi il faut le voir : Au croisement de la légende immémoriale et du fait divers tragique, Man’mi se distingue par son utilisation gracieuse du réalisme magique. Ce drame qui semble d’abord sans drame dépeint finement les combats invisibles face au racisme systémique. La Française Aude N’Guessan Forget parvient avec délicatesse à se mettre à hauteur d’enfant dans un film qui examine de manière glaçante le syndrome méditerranéen.

• Nafron, Daood Alabdulaa (compétition)
L’histoire : Dans un pays en plein éveil, une femme d’âge mûr déambule dans les rues de Damas, déchirées par la guerre. Quelques semaines à peine après la chute d’Assad, ayant comme perdu la mémoire, elle se cherche. Lorsque son chemin croise celui d’Amira, les deux femmes pourraient changer la vie l’une de l’autre, chacune trouvant chez l’autre les réponses qu’elle cherche.
Pourquoi il faut le voir : Hanté et majestueux, Nafron du réalisateur d’origine syrienne Daood Alabdulaa impressionne par la force de sa mise en scène. Alabdulaa filme la mémoire blessée de la ville (immeubles éventrés, cimetière géant, murs abimés) et dépeint son peuple – quelques silhouettes, quelques fantômes. Son minimalisme inspiré (épure narrative, silence magnétique) possède un grand pouvoir suggestif dans ce stupéfiant décor post-apocalyptique.

• La Sentinelle, Ali Cherri (séance spéciale)
L’histoire : 14 juillet, jour de fête nationale. Dans une caserne rythmée par les rituels militaires, le sergent Lafleur semble écrasé par le poids silencieux du devoir. Un médecin lui accorde une nuit de liberté, à condition de revenir avant l’aube. Commence alors une errance nocturne, au cœur d’un monde qui se dérobe peu à peu au réel. Une nuit suspendue entre destin et abandon.
Pourquoi il faut le voir : Cinéaste et plasticien d’origine libanaise, Ali Cherri s’est déjà imposé comme une voix importante du cinéma contemporain avec des films tels que Le Barrage (Quinzaine 2022) et Le Guetteur (Rotterdam 2024). Les flamboyants artifices dans La Sentinelle viennent souligner de manière saisissante l’état incertain dans lequel se trouve un soldat coupé du monde et de ses émotions. Un film au propos frappant, méticuleusement composé.

• Skinny bottines, Romain F. Dubois (compétition)
L’histoire : Un pickpocket aux doigts de fée a une dernière journée pour rembourser son ex, dont il a trahi la confiance. Faute de complice, il se rabat sur son cousin Pinpin, que sa tante lui a confié jusqu’au lendemain.
Pourquoi il faut le voir : Cousin québécois contemporain des thrillers américains 70s de mauvais garçons, Skinny bottines du Canadien Romain F. Dubois est une comédie à l’impressionnant rythme échevelé. Mais ses protagonistes paumés et profondément losers ne sont pas que des clowns : derrière le rire au galop apparaît une tension angoissée. Ces tonalités contrastées offrent au film un relief attachant, intranquille et hors des formules redoutées.

• « Vaterland » or A Bule Named Yanto, Berthold Wahjudi (compétition)
L’histoire : Quand Yanto, un jeune homme germano-indonésien d’une vingtaine d’années rend visite à sa petite sœur à Yogyakarta, il s’attend à de simples retrouvailles, jusqu’à ce qu’il se rende compte qu’elle y trouve sa place bien plus facilement que lui. À mesure que jalousies et dissonances émergent entre frère et sœur, le séjour de Yantos devient une exploration douce-amère de l’identité métisse.
Pourquoi il faut le voir : « Vous venez d’où ? », demandent des flics racistes à Yanto dans un train. Mais en Allemagne où il a été élevé ou en Indonésie d’où viennent ses parents, Yanto est toujours perçu comme venant d’ailleurs. De micro-agressions racistes en délicats questionnements sur l’identité, le Germano-Indonésien Berthold Wahjudi compose un portrait doux-amer où la solitude du protagoniste est nuancée par le regard chaleureux du cinéaste.

• Visite en terre irradiée, Anne-Sophie Girault (compétition)
L’histoire : Sophie organise des visites touristiques dans la zone d’exclusion de la centrale nucléaire de Golfech, dans le Tarn-et-Garonne. À la suite de la catastrophe survenue quelques années plus tôt, elle propose aux curieux du monde entier de revêtir une combinaison, de se munir d’un masque et d’un dosimètre et de parcourir en gyropode ces terres irradiées où travaillent les décontaminateurs. Un tour mené par une guide du cru qui n’a plus grand chose à perdre et beaucoup à gagner.
Pourquoi il faut le voir : Réalisé à partir d’une technique d’animation très singulière, Visite en terre irradiée est une drôle de fable écologiste qui mêle avec culot terreur du désastre nucléaire et rire insouciant. Le parti-pris visuel de la Française Anne-Sophie Girault donne une vibration particulière à la mise en scène de l’invisible et son dépouillement guide le regard avec intelligence. Ce court d’animation est un film visuellement unique et au ton surprenant.

• What Do You Seek in the Dark ?, Tossaphon Riantong (compétition)
L’histoire : Un jeune homme décide de se rendre dans un vieux cinéma connu pour être un lieu de rencontres gay. Mais alors qu’il tente de se défaire de sa solitude et de son désir, le cinéma semble prendre vie, le regardant, le tentant et le fixant dans le noir.
Pourquoi il faut le voir : La salle de cinéma filmée comme un lieu de cruising – le lieu de cruising filmé comme une salle de cinéma : l’un et l’autre se regardent en miroir dans ce beau film au temps arrêté, quelque part entre Serbis de Brillante Mendoza, Démons de Lamberto Bava et Goodbye Dragon Inn de Tsai Ming-liang. Le Thaïlandais Tossaphon Riantongsigne une séduisante rêverie sur celles et ceux qui s’immergent délicieusement dans le noir pour s’y aimer.

Nicolas Bardot

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• The World of Love, Yoon Ga-eun (6 mai)
L’histoire : Joo-in est une lycéenne espiègle et appréciée de tous. Un jour, un camarade de classe lance une pétition que tous les élèves signent, sauf elle. Son monde, en apparence paisible et insouciant, dissimule un passé douloureux auquel Joo-in est alors contrainte de faire face. Mais loin de se laisser enfermer, elle choisit d’avancer et de se réinventer.
Pourquoi il faut le voir : La cinéaste coréenne Yoon Ga-eun fait preuve d’un grand talent d’écriture pour bâtir une cascade de scènes dynamiques qui n’ont pas besoin de plus de quelques minutes pour mélanger les tons avec subtilité. Le film examine avec finesse l’idée centrale qui est que la libération de la parole est l’affaire de toutes et tous.

• Collapse (Face à Gaza), Anat Even (6 mai)
L’histoire : Peu après le 7 octobre 2023, Anat retourne dans ce qui était autrefois sa maison. Elle erre et filme pendant plus de deux ans dans ce kibboutz incendié et sur des terres agricoles transformées en machines de destruction. Au-delà de la clôture, Gaza est anéantie.
Pourquoi il faut le voir : Dévoilé lors de la dernière Berlinale dans la section Forum, Collapse (Face à Gaza) est un documentaire exigeant qui filme un décor aussi aussi stupéfiant que glaçant. La cinéaste israélienne Anat Even véhicule une parole plus rarement entendue, celles des personnes israéliennes dissidentes, critiques envers leur pays, et qui osent manifester en public.

• Élise sous emprise, Marie Rémond (13 mai)
L’histoire : Rien ne va plus dans la vie d’Élise – engluée dans une relation toxique avec Léopold, elle se retrouve propulsée à la tête d’une troupe de théâtre, suite à la mort soudaine du metteur en scène dont elle était l’assistante. Submergée par des crises de panique, Élise vacille. Mais peut-être est-ce dans cette confusion qu’elle parviendra à se libérer de ses emprises et à reprendre le contrôle de sa propre vie ?
Pourquoi il faut le voir : La Française Marie Rémond signe une comédie malaise efficace qui, dans son attachante humilité, parvient à avoir du relief. Derrière le rire, il y a de la violence dans les rapports humains, mais aussi beaucoup de tendresse dans le regard de la cinéaste dont le point de vue chaleureux prime avant tout.

• ChaO, Yasuhiro Aoki (13 mai)
L’histoire : Dans un monde où humains et sirènes coexistent, Stephan, un employé de bureau ordinaire fait la rencontre de Chao, une princesse du royaume des sirènes. Après une demande en mariage à son insu, Stephan n’a pas le temps de comprendre ce qui lui arrive et doit partager sa vie avec cette fille adorable mais imprévisible. L’amour sincère que Chao a pour lui le pousse à tout remettre en question. Commence alors une romance inattendue et touchante entre deux êtres que tout oppose.
Pourquoi il faut le voir : ChaO est un conte qui renverse joyeusement les codes, permettant au Japonais Yasuhiro Aoki de composer une réjouissante comédie non-sensique. Très mouvementé mais toujours maîtrisé, le long métrage propose un spectacle aussi généreux que chatoyant. ChaO a reçu le prix du jury lors du dernier Festival du Film d’Animation d’Annecy

• Vanilla, Mayra Hermosillo (20 mai)
L’histoire : Sept femmes à la volonté de fer se battent pour sauver leur maison de la saisie hypothécaire. Roberta, une fillette de 8 ans, évolue dans une dynamique familiale atypique : un foyer sans père, où elle vit entourée de diverses figures féminines.
Pourquoi il faut le voir : Sélectionné à la Mostra de Venise et primé au dernier Festival Cinélatino, Vanilla est un portrait familial dont le ton à la fois vivant et émouvant rappelle le précieux cinéma de Lila Avilés. La Mexicaine Mayra Hermosillo filme le chaos avec dynamisme, empathie, et possède une énergie communicative. 

• Retrouvez notre dossier sur les films à ne pas manquer en avril.

Nicolas Bardot

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• A Chronicle of the Losts | Soumya Mukhopadhyay (Inde)
L’histoire : À partir des témoignages d’anciens ouvriers migrants, A Chronicle of the Lost retrace le parcours de l’un deux à travers des lettres imaginaires qu’il envoie à son épouse restée au village.
Pourquoi on l’aime : Ce mélange de fiction mélancolique et documentaire politique venu d’Inde pourrait souffrir de la comparaison avec Toute une nuit sans savoir (l’inclassable premier film de Payal Kapadia), mais le cinéaste Soumya Mukhopadhyay n’a pas son pareil pour créer des images éloquentes dans lesquelles on prend plaisir à se sentir désorienté entre passé et présent.

• The Deceptively Simple Need for a Home (on Other People’s Land) | Alana Hunt (Australie)
L’histoire : Une femme revisite les maisons de son enfance. Entre anecdotes et événements fondateurs, une conscience politique prend forme : ces toits se trouvent tous sur des terres aborigènes.
Pourquoi on l’aime : Un diaporama sur une maison d’enfance a-t-il des chances de passionner qui que ce soit d’autre que le ou la principale intéréssé.e ? La cinéaste Alana Hunt réussit pourtant à superposer l’échelle intime de micro-événements personnels à celle, collective et cinglante, d’une prise de conscience politique sur la part de fiction inhérente au fait que les blancs puissent se sentir propriétaires légitimes de terres volées aux communautés aborigènes.

• I Don’t Speak Dog (But I’ll Try) | Rime Tsujino (Royaume Uni)
L’histoire : Rime Tsujino se demande pourquoi Miso, son berger allemand, aime plus son amoureux qu’elle. Pourtant, c’est elle qui prend le temps de l’éduquer. Miso est-il simplement ingrat ? Elle lui pose la question dans une conversation en tête-à-tête.
Pourquoi on l’aime : C’est l’histoire d’une fille qui parle avec son chien. La cinéaste Rime Tsujino est-elle poussée par une simple jalousie ou par quelque de plus profond ? Cet autoportrait thérapeutique respecte à la fois l’absurdité presque comique de son postulat de départ et la complexité des rapports de dignité qui nous lient aux animaux de compagnie. Une sympathique pirouette mi-bouffonne mi-introspective.

• Normal Planet | Ekiem Barbier, Guilhem Causse & Quentin L’helgoualc’h (France)
L’histoire : Dans un musée virtuel en ruine, une cohorte d’avatars – grenouille de sécu, vélociraptor en goguette, pingouin romantique et tiktokeuses kawaï – commente ses œuvres avec piquant.
Pourquoi on l’aime : Dans un monde virtuel où un musée classique tombe presque en ruine, les quelques visiteurs font preuve d’un drôle de rapport à l’art. Rien de dystopique là-dedans : le trio à l’origine du long métrage Knit’s Island illustre pourtant ici d’authentiques conversations captées (avec leur autorisation) parmi les visiteurs d’un musées. Pop et mordant, le résultat offre le film le plus ludique de cette édition.

• Opera of Horror and Salvation | Anastasia Veber (Allemagne)
L’histoire : Le libretto de cet opéra conte l’histoire de D, jeune garçon appelé au service militaire. Alors qu’il cherche à échapper à son destin, il demande conseil au Lac Mystérieux. Celui-ci l’envoie chercher son salut dans les entrailles de la ville, où l’autocratie en marche finira par l’engloutir.
Pourquoi on l’aime : Lauréate de l’Ours d’or du meilleur court métrage à la Berlinale 2022 avec Trap, la cinéaste russe exilée en Allemagne Anastatsia Veber signe ici l’un des sommets de cette édition. Mélangeant opéra fantasmagorique et scènes angoissantes volées par une caméra cachée parmi les recruteurs de l’armée russe, elle met en scène avec flamboyance la descente aux enfers épique et glaçante d’une société sans porte de sortie.

• Seuls les anges | Clément Pinteaux (France)
L’histoire : Arrivé·e·s d’Ukraine, de Russie ou de Lituanie, Natalia, Igor, Serguei et Anna travaillent aux chantiers navals de Saint-Nazaire. Ils·elles racontent ce qu’ils·elles ont laissé derrière elles·eux et espèrent trouver sur leur chemin d’exil.
Pourquoi on l’aime : Monteur pour Payal Kapadia, Danielle Arbid ou encore Annie Ernaux, Clément Pinteaux a sa manière bien à lui de rappeler que les témoignages sont des choses à recueillir : dans l’envoutante obscurité d’un port désert, alors que nul autre que nous ne semble présent pour écouter, des témoignages intimes d’exilés nous parviennent en cachette comme des secrets chaleureusement murmurés.

• Singing of the Evening Stars | Iris Sang (Etats-Unis)
L’histoire : Plongé dans la nuit la plus profonde, le centre-ville commercial moderne de Los Angeles devient le décor d’un rituel sonore et d’une symphonie visuelle issus du temps où une rivière et un village autochtone existaient encore.
Pourquoi on l’aime : Seuls des lointains bruits de voiture viennent d’abord accompagner ces images nocturnes des avenues désertes de Los Angeles, filmées de très haut. Or, à mesure que chants d’oiseaux et bruits de ruisseaux viennent remplacer les klaxons, le film se transforme en étonnant voyage dans le temps, faisant remonter à la surface le souvenir inconscient d’un paysage précolonial.

• The Veil of Senses | Elisa Baccolo (Italie)
L’histoire : Dante Balbo nous invite à imaginer le monde tel que lui, né non-voyant, le ressent. Et si nous, qui pensons tout voir, ne percevions en fait qu’un grain de sable dans l’immensité du paysage infini ?
Pourquoi on l’aime : Un écran souvent noir, des formes colorées abstraites… ce documentaire qui nous invite concrètement à repenser l’acte-même de voir atteint son ambition en se positionnant à cheval entre le strict film scientifique et le geste poétique libre, entre la vaste échelle de l’expérience humaine et l’intimité de nos regards intérieurs.

Gregory Coutaut

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