Un collectif d’athlètes queer se rend dans le stade olymypique d’Athènes afin de rendre hommage à toutes celles et ceux qui dans l’Histoire ont été exclu.e.s des podiums à cause de leur genre.

Life is Not a Competition, But I’m Winning
Allemagne, 2023
De Julia Fuhr Mann

Durée : 1h19

Sortie :  29/07/2024 (sur Mubi)

Note :

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Douces ou rudes, blondes ou rasées, cis ou trans, détenues de longue durée ou nouvellement admises, des femmes rejouent leur vie dans une prison de Buenos Aires.

Prisonnières
Argentine, 2024
De Lola Arias

Durée : 1h22

Sortie : –

Note :

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Éléonore roule vers l’ouest. Elle tombe en panne en plein milieu de la Bretagne. Elle y loue un bungalow, dans un terrain de camping avec vue sur le lac, dans lequel, dit-on, vit une bête légendaire.Contrainte à la flânerie dans ces lieux isolés, elle découvre ses habitants, puis les touristes qui s’installent avec la canicule. De mobil-home en mobil-home, elle observe le présent, convoque le passé et se laisse envahir par la fiction.

Camping du lac
Belgique, 2023
De Eléonore Saintagnan

Durée : 1h10

Sortie : 26/06/2024

Note :

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Le Grand Prix fiction est allé à Kalak de la Suédoise Isabella Eklöf. L’histoire : après avoir été abusé sexuellement par son père, Jan a refait sa vie au Groenland avec sa petite famille. Il aspire à devenir un Kalak, un « sale Groenlandais ». Retrouvez notre critique et la bande annonce du long métrage.

Le Grand Prix documentaire a été décerné à Reas de l’Argentine Lola Arias. L’histoire : douces ou rudes, blondes ou rasées, cis ou trans, détenues de longue durée ou nouvellement admises, des femmes rejouent leur vie dans une prison de Buenos Aires. Retrouvez notre critique et la bande annonce du long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Longs métrages

Grand Prix long métrage de fiction : Kalak, Isabella Eklöf
Grand Prix long métrage documentaire : Reas, Lola Arias
Mention spéciale : Le Spectre de Boko Haram, Cyrielle Raingou (lire notre entretien)

Prix jeune public : Sweet Dreams, Ena Sendijarević
Prix du public fiction : Sweet Dreams, Ena Sendijarević
Prix du public documentaire : Reas, Lola Arias
Prix de la critique : Kalak, Isabella Eklöf
Prix du premier long métrage : La Vie acrobate, Coline Confort

Courts métrages

Prix du public court international : Places I’ve Called My Own, Sushma Khadepaun
Prix du public court français : Coach, Alix Lafosse
Prix Upec : Places I’ve Called My Own, Sushma Khadepaun
Prix Ina : Les Abeilles d’eau douce, Emma Kanouté

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Falta, Ibrahim et Mohamed, trois enfants vont à l’école dans le village de Kolofata, à la frontière avec le Nigéria ; sous la menace de Boko Haram. C’est l’histoire d’une seconde chance, d’une zone de conflit, du point de vue des enfants, des enfants qui eux ne cessent jamais de vivre.

Le Spectre de Boko Haram
Cameroun, 2023
De Cyrielle Raingou

Durée : 1h20

Sortie : –

Note :

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Quel a été le point de départ du Spectre de Boko Haram ?

En 2015-2016, je suis allée travailler dans la région du grand Nord Cameroun avec le Cinéma Numérique Ambulant. Mon équipe et moi procédions à des projections des films à thème, suivies des débats avec la population. C’était également à cette même époque que Boko Haram avait commencé à attaquer certains villages au Cameroun. La rencontre avec cet espace, ces personnes qui avaient décidé de rester dans leurs villages respectifs en signe de résistance à cette entité qui voulait les priver de leur liberté, m’avaient inspirée pour raconter leur histoire. Par la suite, je suis descendue plusieurs fois sur le terrain pour approfondir mes recherches. La rencontre avec les deux frères Mohamed et Ibrahim a influencé l’orientation que j’ai finalement donnée au film.

Pouvez-vous nous en dire davantage sur la place que vous avez accordée aux enfants dans votre film ?

Au départ, j’étais partie sur une idée de faire un documentaire avec les adultes. Mais au bout d’un certain temps – trois années de recherches – je me suis rendu compte que mon film manquait de quelque chose. Les adultes avaient tendance à toujours me raconter des histoires qu’ils croient «vendables» aux médias et ONG, en adoptant toujours une posture misérabiliste. Ce qui est complètement différent de ce que je voyais et vivais quand j’y étais. La réalité étant un peu plus complexe. Avec les enfants, il y avait ce grain de folie, cette innocence, cette envie de réussir, cette lumière qui me permettaient d’approcher une situation très dramatique avec légèreté. Se mettre au niveau des enfants permet d’apporter un autre regard sur une situation critique dans un espace-temps donné.

Comment avez-vous abordé la mise en scène de ce qui reste invisible dans le long métrage, de cette menace qui par exemple peut s’exprimer par le son ?

Effectivement, la présence des terroristes n’est jamais explicitement montrée, à l’exception d’une scène où on voit leurs redditions. Je voulais faire un film sur les habitants de cette région et leur résilience et non pas sur Boko Haram. Ainsi je n’ai jamais cherché à rencontrer des gens de l’organisation terroriste ni à les filmer.

Cependant, leur présence est ressentie à travers divers éléments, dont un travail plus avancé de la bande son était un élément clé. Dès le départ, j’ai voulu opposer la beauté de cet espace à la dangerosité qu’il représente avec les terroristes qui se cachent dans les montagnes. Ce qui progressivement donnait une impression d’étouffement dans cet endroit. Ce que ressentait la population. L’incertitude était accentuée par la présence des militaires qui patrouillent dans le village, armes de guerre à la main au milieu des habitants vacant à leurs occupations. Un autre point à soulever reste la psychologie des enfants qui, que ce soit à travers leurs conversations, leurs jeux, le modelage, les dessins ou leurs chants, montre combien de fois ils sont impactés par ce qui se passe autour d’eux.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Oh là, j’en ai tellement ! J’aurais un penchant pour l’un ou l’autre en fonction du sujet sur lequel je travaille et de l’approche artistique que je désire aborder. J’aime beaucoup les travaux de Djibril Diop Mambeti (Touki Bouki), Jean Pierre Bekolo dans sa décennie 1990 (Quartier Mozart, Le Complot d’Aristote) ou encore Andrei Tarkovski (Le Miroir, Le Sacrifice, Stalker) et enfin Alain Resnais (L’Année dernière à Marienbad). Pour ce documentaire, j’étais partie sur Être et Avoir de Nicolas Philibert pour aborder les séquences de l’école ; pour ensuite basculer sur Les Bêtes du Sud sauvage de Benh Zeitlin. Je m’en suis inspirée pour mettre en avant la perception de la réalité par les enfants.

Quelle est la dernière fois que vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran ?

A mon retour de Rotterdam, j’ai eu l’immense plaisir de regarder dans l’avion Everything, Everywhere all at Once de Dan Kwan et Daniel Scheinert. J’ai été transportée par sa créativité, les univers et thématiques explorées. A la fin, j’étais absolument dans un état émotionnel que démontre le titre du film. Mon seul regret est que je n’ai pas pu le regarder au cinéma à cause de mon agenda très serré.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 22 avril 2023. Un grand merci à Gloria Zerbinati. Source portrait.

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Sasha est une jeune vampire avec un grave problème – elle est trop humaniste pour mordre ! Lorsque ses parents, exaspérés, décident de lui couper les vivres, sa survie est menacée. Heureusement pour elle, Sasha fait la rencontre de Paul, un adolescent solitaire aux comportements suicidaires qui consent à lui offrir sa vie. Ce qui devait être un échange de bons procédés se transforme alors en épopée nocturne durant laquelle les deux nouveaux amis chercheront à réaliser les dernières volontés de Paul avant le lever du soleil.

Vampire humaniste cherche suicidaire consentant
Canada, 2023
De Ariane Louis-Seize

Durée : 1h32

Sortie : 20/03/2024

Note :

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Née au début du XIXe siècle au Royaume du Congo, Muanza a été vendue comme esclave au Brésil. Elle se réveille un jour dans notre époque actuelle, errant dans les rues de la région portuaire de Rio connue sous le nom de Petite Afrique.

Praia Formosa
Brésil, 2024
De Julia de Simone

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

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Quel a été le point de départ de Praia Formosa ?

Praia Formosa est le dernier film de ma trilogie sur la région portuaire de Rio de Janeiro. Depuis 12 ans, je filme les transformations urbaines qui s’opèrent et j’étudie les processus de formation de la ville. C’est un territoire qui est contesté depuis aussi longtemps qu’on le connait, et qui met en évidence dans son tissu urbain les bases coloniales sur lesquelles la société s’organise encore aujourd’hui. Cette recherche a commencé par une démarche historique et documentaire, et peu à peu, elle a pris un tournant fictionnel fondé sur des rencontres, des contributions et des imaginaires collectifs. Le film naît d’une volonté de comprendre la ville au-delà de son imagerie touristique vendue comme un produit d’exportation. Il fallait regarder ce que la ville cherche constamment à cacher, ses blessures et ses complexités qui font l’objet d’un effacement constant. Et le principal, ce sont les conséquences de l’esclavage qui persistent encore aujourd’hui.

Pouvez-vous nous en dire davantage sur votre mise en scène et plus particulièrement votre utilisation remarquable de la lumière dans Praia Formosa ?

Nous étions en pleine pré-production lorsque la pandémie a suspendu le tournage pour une durée indéterminée. Nous avons donc décidé de poursuivre le travail dans un format plus lent et plus étendu. Nous nous sommes rencontré.e.s virtuellement, une fois par semaine, pendant une année entière. Moi, Flávio Rebouças, directeur de la photographie, Ana Paula Cardoso, directrice artistique, Diana Moreira, costumière, et Marianne Macedo, assistante à la mise en scène. Lors de ces rencontres, nous lisions et discutions du scénario scène par scène, en apportant des références d’images, de textes, de peintures, d’arts visuels. Nous avons regardé des films ensemble et discuté longuement. Nous avons créé des moodboards pour chaque département, en trouvant ensemble la composition visuelle du film. Ce travail de fond réalisé entre la mise en scène, la photographie, les décors et les costumes a été fondamental pour le résultat que l’on voit dans le film.

En ce qui concerne l’utilisation de la lumière, Flávio a réalisé un travail fantastique qui sculpte les textures du temps dans l’image. Tant à l’intérieur qu’à l’extérieur, des profondeurs narratives se construisent dans le jeu entre ombre et lumière. Les fréquences émotionnelles se matérialisent dans les couleurs et dans l’échelle entre le corps et l’espace. Mais tout cela s’effectue en faisant attention aux teintes, aux tons moyens, etc. Comprendre l’intérieur et l’extérieur, le passé et le présent, comme quelque chose d’intégré, en évitant une dualité réductrice.

Comment avez-vous travaillé pour rendre floues les limites entre le présent et le passé dans votre film ?

Muanza est une femme d’origine bantoue et sa langue est le kikongo. Les Bantous sont un élément fondamental de la culture de Rio, influençant fortement notre langue, notre musique, notre nourriture, notre religiosité et la façon dont nous percevons le monde. Les Bantous ont été les premières personnes à être emmenées de force à Rio de Janeiro, et environ 1 million d’esclaves Bakongos sont passé.e.s par le quai de Valongo. La perception du temps dans le film s’inspire donc de l’idée du temps en spirale, base de la cosmogonie bantoue.

Contrairement à la conception blanche et eurocentrée, dont le temps linéaire est une succession d’événements consécutifs qui suivent une ligne évolutive et pointent toujours vers l’avant, le temps qui se meut en spirale contient une série de temporalités coexistantes, en relation constante. Tout est simultané – passé, présent et futur – et se situe dans un processus continu de transformation. Cette perception a guidé les choix narratifs et esthétiques. Par exemple, la récurrence des espaces fragmentés mais toujours connectés est marquée par les courbes du temps non-linéaire. Ainsi que les rencontres de Muanza avec des personnages de différentes époques qui habitent les mêmes espaces.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Cette liste pourrait être interminable, mais je m’en tiendrai à celles et ceux qui ont participé à nos conversations sur Praia Formosa : Agnès Varda, Julie Dash, Chantal Akerman, Tsai Ming-liang, Pedro Costa, Manoel de Oliveira, Raquel Gerber, Clarissa Campolina, Everlane Moraes, Renée Nader et João Salaviza, Lucrécia Martel, Apichatpong Weerasethakul, Maya Da-rin…

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran ?

Cela arrive tout le temps ! Un nouveau cinéma s’ouvre devant nous à chaque nouveau film d’André Novais, par exemple. La collaboration de Renée Nader et João Salaviza, les films d’Everlane Moraes, Ana Pi, Grace Passô, Adirley Queiróz. Chaque jour, un nouveau cinéma possible voit le jour.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 7 mars 2024.

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Lorsque Jan, un patriarche néerlandais propriétaire d’une plantation, meurt brusquement en Indonésie, son fils arrive d’Europe avec des projets de changement radical. Mais lorsque le testament de Jan place sa concubine indonésienne, Siti, à la tête de la propriété familiale, les idéaux s’avèrent vains et le sang plus épais que l’eau.

Sweet Dreams
Pays-Bas, 2023
De Ena Sendijarević

Durée : 1h42

Sortie : –

Note :

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