Sarlat - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Romería

admin — Wed, 08 Apr 2026 14:10:57 +0000

Afin d’obtenir un document d’état civil pour ses études supérieures, Marina, adoptée depuis l’enfance, doit renouer avec une partie de sa véritable famille. Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend sur la côte atlantique et rencontre tout un pan de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas. L’arrivée de Marina va faire ressurgir le passé. En ravivant le souvenir de ses parents, elle va découvrir les secrets de cette famille, les non-dits et les hontes…

Romería
Espagne, 2025
De Carla Simón

Durée : 1h55

Sortie : 08/04/2026

Note :

PORT D’ATTACHE

Marina vient de quitter le domicile parental barcelonais pour se rendre à l’autre bout du Pays, à Vigo. Ce n’est pourtant pas une envie de vacances qui l’attire dans cette ville au bord de l’eau. Désormais majeure, elle peut enfin avoir accès à l’identité de ses parents biologiques, tous deux décédés avant son adoption. La belle baie de Vigo, où réside cette famille qu’elle s’apprête à découvrir, est remplie d’embarcations qui tanguent au soleil, mais Marina a les pieds sur terre. Son visage secret et fier à la fois ne traduit ni déracinement ni naïveté. Elle n’a tout simplement pas peur de ce qui l’attend, ni les amers secrets familiaux ni la sévérité guindée de sa nouvelle abuela qui ne trouve rien de mieux à dire en l’accueillant que « Tu en a mis du temps pour venir nous voir ».

Heureusement, tout le monde dans cette ancienne/nouvelle famille n’est pas aussi grinçant. Si les tantes n’ont que l’argent à la bouche, les hommes de la famille ont l’air plus détendus, qu’il s’agisse des cousins ados ou d’un oncle à moitié renié. Mais les vraies brebis galeuses restent les parents de Marina. Méprisés même dans leur mort, les détails de leur existence sont cachés à coups d’euphémismes (on prévient les enfants de ne pas toucher Marina si elle saigne) et d’approximation. La contradiction entre les informations que Marina recueille parcimonieusement entre deux portes pourrait presque prêter à rire, mais Carla Simón (lire notre entretien) est une scénariste trop fine pour se contenter d’enfermer son récit dans un ton unique.

Avec des métaphores finement dosées et quelques éclats poétiques, Romerìa vient confirmer avec succès le talent dont la cinéaste espagnole faisait déjà preuve dans ses précédents films, Été 93 et Nos soleils, et fait même preuve d’une ambition narrative qui grandit au fil du récit. Simón trouve un équilibre élégant et harmonieux entre chronique douce amère et questionnements philosophiques (chaque chapitre s’ouvre par un sujet de dissertation). Tout à l’écran a l’air d’un réalisme simple et pourtant Romería aborde la question de la transmission avec une richesse qui touche en plein cœur.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Silent Friend

admin — Tue, 31 Mar 2026 06:22:40 +0000

Dans un jardin botanique, un arbre veille et observe, témoin patient des siècles. En 1908, il suit Grete, qui lutte pour exister dans un milieu qui l’ignore. Dans les années 70, il voit Hannes s’éveiller à l’amour et au monde des plantes. Aujourd’hui, le vieil arbre parle avec Tony dans son langage secret. Autour de lui, certains se cherchent, d’autres se rencontrent. Lui demeure, ami silencieux, dans un temps plus vaste que le leur.

Silent Friend
Hongrie, 2025
De Ildiko Enyedi

Durée : 2h26

Sortie : 01/04/2026

Note :

BIOPHILIA

Cela fait plus de 35 ans que la filmographie de la cinéaste hongroise Ildikó Enyedi (lire notre entretien) papillonne à cheval sur les pays, les genres et les langues. Ce n’est pas seulement que celle-ci est imprévisible, c’est qu’elle voyage avec la logique des rêves, passant de la fable à la comédie, du film en costumes au film scientifique. Or, les songes d’Enyedi ne sont pas que douceur, ils possèdent leur aspérité et ont des choses anguleuses à nous murmurer. Excellent résumé de son œuvre tout en s’en imposant déjà comme un point d’orgue, Silent Friend passe justement d’une époque et d’une langue à l’autre, entremêlant trois récits situés à des époques différentes dans une université des sciences en Suisse.

De l’agent secret de Mole au capitaine de L’Histoire de ma femme, les personnages d’Enyedi se retrouvent toujours en position d’observer secrètement un monde parallèle à travers une sorte de paroi invisible. Les protagonistes de Silent Friend sont des scientifiques partageant un appétit de connaissances pour le monde végétal, mais aucun d’entre eux ne ressemble vraiment à ce qu’on attendrait d’une personne de science. En dépit de leur expertise, ils sont frappés de doute, de mélancolie ou de frustration. « Face à un jardin botanique, je ne vois que des âmes solitaires qui s’ennuient probablement à mourir », se lamente poétiquement une chercheuse interprétée par Léa Seydoux.

Les trois parties de Silent Friend, où l’on évoque les âmes et le sexe des plantes, racontent des quêtes émerveillées de savoir mais il s’agit aussi de trois récits de solitude et de rejet. Enyedi se penche sur différentes époques, différentes étapes du savoir scientifique, et différentes étapes de la place laissée aux femmes et aux minorités dans cette course à la connaissance ultime. L’autre point commun entre ces explorateurs solitaires, c’est un arbre centenaire (sans doute l’ami silencieux évoqué par le titre du film) planté majestueusement en plein milieu du campus. Ce dernier a beau être considéré comme un temple du savoir, le film nous parle ausis beaucoup de tout ce qui n’est pas encore su, ce qui est tu ou qui n’est pas compris.

« Et si les plantes nous observaient, tout comme nous les observons ? » se demande un autre personnage. Ces récits nous sont racontés comme en sourdine, reliés par une série d’échos singuliers et de visions poétiques parfois abstraites qui finissent par prendre autant d’importance que le scénario en lui-même. Ildikó Enyedi ne fait pas que miroiter un langage naturel (sa mise en scène laisse énormément de place à la nature, ses bruits, son silence, son rythme et son mystère), et en nous invitant à réinventer notre place dans le monde qui nous entoure, elle retrouve ici la puissance de la métaphore onirique et politique de ce qui était jusqu’à aujourd’hui son meilleur film, Corps et âme.

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par Gregory Coutaut

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Entretien avec Ildikó Enyedi

admin — Tue, 31 Mar 2026 06:20:00 +0000

Caméra d’or à Cannes pour Mon XXe siècle, Ours d’or à la Berlinale pour Corps et âme, la grande réalisatrice hongroise Ildikó Enyedi a réalisé un nouveau film, Silent Friend. Primé il y a quelques mois à la Mostra de Venise, Silent Friend est un film qui nous invite à réinventer notre place dans le monde qui nous entoure, avec une puissance à la fois onirique et politique. Ce film sort en salles le 1er avril. Ildikó Enyedi est notre invitée.

Au cours de votre carrière, vous avez réalisé des films de registres très différents dans des langues diverses avec des acteurs de nationalités très différentes. Cette fois, toutes ces variations se retrouvent à l’intérieur d’un même film.

Je vois bien ce que vous voulez dire. Avoir une sorte de style, avoir un langage cinématographique très défini, c’est à mon sens un moyen de défense, un peu comme porter une armure. Moi je travaille sans armure. Il y a bien des fois où je sens que je ça me met face à un certain danger, et c’est sûr que ce n’est pas toujours très pratique, mais je souhaite que chaque film soit une découverte. Je veux entrer dans des territoires inconnus à chaque fois et je pense qu’en faisant ainsi je m’accorde le plus grand luxe possible.

Silent Friend

**Quel est le territoire inconnu que vous avez souhaité explorer avec Silent Friend ?**

Il s’agit de la toute première fois, et pour tout dire sans doute la dernière, que je ne me trouve pas à l’origine d’un de mes films. Reinhard Brundig, fantastique producteur allemand, connaissait mon travail et c’est lui qui m’a proposé de faire un film sur les plantes. Dans Simon le mage, il était déjà question d’une plante qui permet de résoudre une enquête policière, et dans Magic Hunter il était déjà question d’un chêne centenaire. C’est suite à son impulsion que je me suis mise à écrire le scénario de Silent Friend.

Je ressens de façon très aiguë les sentiments de séparation ainsi que le désir de se sentir reconnectée, telle est mon expérience personnelle de la vie. J’ai l’impression que beaucoup d’entre nous vivons dans une sorte de grande solitude. Je voulais explorer un désir de connexion pas seulement entre humains, mais entre les humains et la nature. Je voulais montrer les essais, les tentatives humaines pour approfondir ce lien avec la nature.

Je me suis aussi tout simplement posé la question « Qu’est-ce qui se passe dans la vie d’un arbre ? ». D’ailleurs j’ai choisi un arbre plutôt qu’une plante plus petite, même si ces dernières sont tout aussi intéressantes, justement pour traduire un point de vue humain. Nous, les humains, sommes les seules animaux à raconter des histoires et à écouter des histoires. Ce sont par elles que nous comprenons qui nous sommes. Or, pour faire une histoire, il faut un héros, et c’est facile d’imaginer un arbre pour héros. Tout est donc parti de cette image d’un arbre solitaire qui se retrouve loin de chez lui et de son milieu naturel. Ce qui est d’ailleurs le cas de toutes les plantes d’un jardin botanique : elles ne se trouvent pas là pour des raisons naturelles mais bien par volonté humaine.

Silent Friend

Qu’est-ce qui vous a amenée à choisir cette structure narrative qui passe d’une époque, d’un protagoniste et d’une langue à l’autre ?

Pour la communication, nous utilisons la langue. Ca m’intéressait de savoir qu’est-ce qui se passe quand on a un désir de communiquer mais qu’on fait face à une impossibilité ou un empêchement de verbaliser. La structure narrative provient bien sûr du constat que le temps de vie d’un arbre est bien plus large que le temps humain. Une siècle, c’est beaucoup pour les humains qui étudient la science mais ce n’est rien pour un arbre. Il est clair que quand se déroule le récit le plus récent du film, les protagonistes du premier récit ne sont plus vivants. C’est justement cette fragilité qui définit et délimite nos vies, c’est elle que je souhaitait montrer.

L’Histoire de ma femme

De l’agent secret de Mole au capitaine de L’Histoire de ma femme, les personnages de vos films se retrouvent toujours en position d’observer secrètement un monde parallèle à travers une sorte de paroi invisible. Est-ce à cela que vous faites référence quand vous évoquez un désir de connexion?

Tout à fait. Le personnage incarné par Tony Leung est un neurologue qui étudie le comportement des bébés avant que ces derniers ne puissent commencer à parler. Il doit donc mener une enquête et tenter de deviner ce qui se passe dans l’âme et le cerveau de bébé. J’ai fait énormément de recherches pour ce film mais en réalité c’est un sujet qui m’intéresse et sur lequel je me renseigne depuis des années. Or, quand au moment du Covid ce personnage se retrouve seul sur le campus avec une seule autre personne qui ne partage pas sa langue, il doit tenter de trouver les moyens de surpasser la barrières de la langue. C’est la même chose avec les plantes et il faut accepter que même si on passe des barrières, on ne peut pas arriver à une compréhension totale.

C’est même chose que dans L’Histoire de ma femme, que je m’amuse à qualifier rétrospectivement de film bouddhiste. Le protagoniste est un homme solide, éduqué de façon traditionnelle, qui croit en la logique et qui pense qu’il est indispensable d’opérer une sorte de contrôle sur les choses. Or, cette homme apprend à perdre un peu le contrôle. Il se rend compte que la compréhension et la maîtrise totale sont des illusions, et que perdre cette illusion n’est ni grave ni douloureux. Il accepte de ne pas tout comprendre. Je suis très reconnaissante envers tous les spectateurs qui ont vu cet aspect-là du film parce qu’il s’agissait à mes yeux de sa dimension la plus importante.

C’est une très agréable surprise que vous ayez pu voir certains de mes anciens films, car plusieurs d’entre eux sont devenus presque invisibles. Vous avez raison en ce qui concerne Mole. Je n’y avais jamais pensé jusqu’à présent mais c’est vrai que dans tous mes films il y a une sorte de glace, une séparation entre mes personnages et le reste du monde. Ce n’est pas un mystère : cela vient de moi et de mon enfance. Je suis une enfant unique et ai toujours éprouvé de la difficulté à m’intégrer dans un groupe, même à l’adolescence. J’ai passé une bonne partie de ma jeunesse assise aux terrasses des cafés à regarder passer les gens et c’était d’une beauté et d’une richesse énormes. J’ai toujours ressenti cette distance et je crois même que j’en ai eu besoin. Le seul moment où cette distance se dissout, c’est quand je fais un film. Dans ces cas là, mon équipe et moi avons un but commun, tout devient instinctif, fluide et très chaleureux.

Silent Friend

À travers les frustrations de ses personnages de scientifiques, Silent Friend parle aussi à sa manière de ce qui se passe quand on se confronte aux limites du savoir. Qualifieriez-vous également ce nouveau film de bouddhiste ?

Je suppose, mais en tout cas je ne voudrais pas le souligner par peur que cela enferme le film dans une sorte de boîte new age. Lors de la projection de presse du film la Mostra de Venise, on m’a dit qu’il y avait eu beaucoup de rires et c’était un immense soulagement pour moi. D’une part car ce film ne veut pas du tout, du tout, être prétentieux, et d’autre part car le rire, c’est toujours une sorte de court-circuit, un moment où le cerveau dérape de son rôle de pure compréhension. C’était indispensable pour moi de conserver cette part d’humour, tout en sachant que le rire c’est quelque chose qu’on ne peut pas provoquer à coup sûr, on ne peut que l’espérer.

**La partie la plus contemporaine de Silent Friend est traversée de visions colorées un peu abstraites. Qu’est-ce qui vous a amenée à les inclure dans le film ?**

Ce sont de véritables images microscopiques. Quand nous sommes face au récit le plus ancien du film, nous découvrons un univers très structuré, aux règles rigides. Quand le récit passe aux années 70, ce n’est pas un hasard si on passe au 16 mm, si des taches de couleurs commencent à éclore à l’image. Après tout, il s’agit d’une époque qui a beaucoup expérimenté avec toutes sortes de sensations. Quant à notre époque actuelle, nous possédons les moyens techniques d’entrer dans les structures invisibles de notre corps ou de tout autre être vivant, et je tenais à ce que cela se traduise par l’image. Nous avons fait des expériences avec un microscope électronique très puissant et ces visions en sont le résultat.

La scène d’ouverture provient en revanche d’un film scientifique japonais préexistant. On peut assister à quelque chose d’extrêmement rare, qui n’est pas exactement de l’ordre de la pollinisation traditionnelle puisqu’il ne s’agit pas de fleurs. Le sperme de l’arbre, pour ainsi dire, reste dans une petite poche végétale pendant quatre ou cinq mois à attendre l’automne, car c’est la saison où non seulement les fruits tombent à terre mais aussi où arrive la pluie. Dans les flaques qui se forment alors telles de petits océans, ces petits spermes commencent leur itinéraire, selon un processus très proche de notre sexualité humaine. C’est un phénomène très compliqué à filmer. Ce à quoi on assiste dans cette scène, c’est une sorte d’orgasme, le premier orgasme d’un arbre. Je ne voulais pas faire un film qui se déroule uniquement sur le plan du récit. Bien sûr, je conserve des points de repère narratifs pour que cela demeure une expérience agréable pour le spectateur, mais je voulais avant tout faire un film sensuel, faire un film sur le désir.

Silent Friend

Les personnages de scientifiques solitaires auxquels vous vous attachez ici sont des femmes, un homme racisé… Était ce un moyen de commenter la place qui a été laissée aux femmes et aux minorités dans cette course au savoir scientifique ?

Non, le but était de montrer une large palette de différentes manières de percevoir le monde. Ce que l’on nomme réalité, on pense souvent qu’il s’agit de quelque chose d’immuable alors que c’est en réalité très mouvant, fragile et éphémère. J’ai bien sûr voulu montrer que les règles de la société évoluent, mais pour cela j’ai souhaité privilégier des moyens bien plus simples, par exemple la manière de filmer la pelouse du campus. Pour la partie située au siècle dernier, nous avons rasé la pelouse de façon minutieuse car personne n’était supposé marcher dessus. Pour la première scène de la partie située dans les années 70, j’ai au contraire non seulement laissé pousser l’herbe librement mais j’ai même posé la caméra directement entre les jeunes avachis parmi les fleurs sauvages. Quant aux personnages féminins, c’est vrai que selon les époques, ils ne bénéficient pas de la même liberté de mouvement, ne serait-ce que dans leurs vêtements. La première héroïne est très dominante, résolue et dynamique mais elle sait qu’elle doit lutter pour qu’on la prenne au sérieux. A l’inverse, le personnage d’Alice dans la partie contemporaine est certes plus jeune que son collègue scientifique, mais ils échangent d’égal à égal. On pourrait même la voir comme le mentor de ce dernier. C’est elle qui va lui faire réaliser en quelque sortes que ce que l’on nomme la réalité, cela n’existe pas vraiment.

Corps et âme

**Cette phrase pourrait servir de clé d’interprétation à tous vos films. Elle m’évoque la manière dont les protagonistes de Corps et âme ne parviennent à se retrouver qu’en rêve.**

C’est vrai. Au tout début du scénario de Silent Friend, j’avais d’ailleurs prévu d’inclure une citation du scientifique anglais Anil Seth à laquelle je pense souvent, et qui dit à peu près ceci : « Nous hallucinons tous tout le temps ; lorsque nous nous mettons d’accord sur nos hallucinations, nous appelons cela réalité« .

Pour finir, comment avez-vous choisi cet arbre idéal pour ce film, et pourquoi vous avez attendu la toute fin pour nous le montrer en entier dans toute sa beauté?

C’est très difficile de montrer un arbre. Ça n’a pas un visage, ça n’a pas d’avant ou d’arrière. Ça n’obéit à aucune des structures qui régissent habituellement les humains et les animaux. Et puis nous, nous sommes collés à la terre, il y a des parties importantes de l’arbre qui ne nous sont pas accessibles, ou bien difficilement. Alors, avant de montrer cet arbre, un peu blessé et qui possède visiblement un passé, je voulais préparer un peu le public afin qu’il puisse vraiment pouvoir apprécier ce qu’il va voir. Connaissez-vous le concept de cécité botanique ? Quand on croise un petit animal, on l’aperçoit tout de suite, mais on a tendance à oublier presque totalement les plantes qui sont autour de nous. En faisant ce film, j’ai souhaité travailler sur cette sorte de sensibilité.

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 17 octobre 2025. Un grand merci à Estelle Lacaud, Vanessa Fröchen et Laurence Granec. Crédit portrait : Hanna Csata.

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Critique : Orwell: 2+2=5

admin — Wed, 25 Feb 2026 02:16:36 +0000

1949. George Orwell termine ce qui sera son dernier mais plus important roman, 1984. ORWELL : 2+2=5 plonge dans les derniers mois de la vie d’Orwell et dans son œuvre visionnaire pour explorer les racines des concepts troublants qu’il a révélés au monde dans son chef-d’œuvre dystopique : le double discours, le crime par la pensée, la novlangue, le spectre omniprésent de Big Brother… des vérités sociopolitiques qui résonnent encore plus puissamment aujourd’hui.

Orwell : 2+2=5
États-Unis, 2025
De Raoul Peck

Durée : 2h00

Sortie : 25/02/2026

Note :

MAIS RIEN N’A DE SENS, ET RIEN NE VA

« 2+2=5 » : c’est un sophisme que le Britannique George Orwell a utilisé dans son roman phare 1984, c’est une formule qu’il avait en fait déjà utilisée des années auparavant, et celle-ci donne son titre au nouveau documentaire réalisé par l’Haïtien Raoul Peck. « 2+2=5 », ce sera une vérité lorsque le leader le décidera : voilà qui était un avertissement en 1949, et qui est parfaitement à l’ordre du jour en 2025. S’il explore la riche existence de George Orwell, le long métrage de Raoul Peck se penche davantage sur ses écrits prophétiques, qu’il s’agisse évidemment de 1984 mais aussi de ses mémoires et pensées transmises à l’écran par la voix de l’acteur Damian Lewis.

Orwell a lui-même appartenu à un système oppressif en intégrant dans les années 20 la police impériale en Birmanie. La famille d’Owell venait de la moyenne bourgeoisie anglaise et l’auteur a pu être témoin lui-même d’une lutte des classes qui ressemble à une guerre. Mais sa lucidité vient aussi de son imagination, avec un ultime roman sur les totalitarismes, la manipulation de la vérité, le négationnisme, le matraquage de la propagande. Orwell est devenu un adjectif, orwellien était un futur craint, il semble désormais être un lamentable présent. Orwell : 2+2=5 est un kaléidoscope d’horreurs dont la démarche tentaculaire rappelle celle d’Irradiés, du Franco-Cambodgien Rithy Panh. On peut parfois se perdre dans ce gigantesque labyrinthe qui parcourt le monde et les décennies, mais c’est aussi le pari d’un film qui n’est pas scolaire et didactique ; Peck garde ici le public actif par son travail sur le montage et ses analogies.

De multiples sources sont utilisées pour illustrer la pertinence future des écrits d’Orwell : littéralement, des adaptations cinématographiques de l’auteur, ou des films qui, en apparence seulement, n’ont rien à voir avec lui (de… M3GAN à Poetic Justice), mais aussi des images d’archives documentaires ou des reportages contemporains. Orwell « expose un mensonge, attire l’attention sur ». L’autoritarisme peut faire dire ce qu’il veut au passé et au présent : falsification de l’Histoire, disparition de la vérité objective, mots entièrement vidés de leur sens. Les armes en Irak pour justifier la guerre de Bush Jr, l’absence de Rohingyas au Miyanmar prétendue par un représentant du pouvoir pour justifier qu’il n’y a aucun problème, chrétiens victimes de génocide comme martelé par Meloni, n’importe quel mensonge sortant de la bouche de Trump : ce langage est celui du totalitarisme, qui fonctionne comme une théocratie.

C’est un langage absurde dans 1984, glaçant de réel de nos jours : « la guerre c’est la paix, la liberté c’est l’esclavage, l’ignorance c’est la force ». Raoul Peck dépeint comment tous les porcs de la Terre, comme s’ils avaient été imaginés par Orwell, corrompent la pensée par le langage, maintiennent un statu quo puisqu’ils détiennent tout (et de plus en plus). Ce n’est pas seulement l’affaire de politiques en place ou de milliardaires fascistes : Peck à travers Orwell raconte la média-ocratie, le relai de la parole officielle par des présentateurs-robots (qui peuvent, ad nauseam, répéter la même phrase sur une chaîne d’extrême-droite). Orwell le suggérait hier, Bourdieu ajoute sa pièce dès 1988, aujourd’hui la Prix Nobel de la Paix philippine Maria Ressa avertit contre la merdification accélérée d’Internet et des informations qui y circulent librement.

Voilà qui, de guerre en guerre, au moment où l’extrême-droite américaine rêve de brûler des livres qu’elle a interdits, où le faux langage est devenu images générées par IA, pourrait déprimer le plus jovial des spectateurs. Mais au-delà de la confiance que Peck accorde au public en l’impliquant dans sa narration, le cinéaste laisse aussi une porte ouverte : celle de la décence et des valeurs morales comme salut, celle surtout du pouvoir politique puissant de la masse prolétaire.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Le Mystérieux regard du flamant rose

admin — Tue, 17 Feb 2026 16:31:25 +0000

Début des années 1980, dans le désert chilien. Lidia, 11 ans, grandit au sein d’une famille flamboyante qui a trouvé refuge dans un cabaret, aux abords d’une ville minière. Quand une mystérieuse maladie mortelle commence à se propager, une rumeur affirme qu’elle se transmettrait par un simple regard. La communauté devient rapidement la cible des peurs et fantasmes collectifs. Dans ce western moderne, Lidia défend les siens.

Le Mystérieux regard du flamant rose
Chili, 2025
De Diego Céspedes

Durée : 1h44

Sortie : 18/02/2026

Note :

LA VIE AU RANCH

La jeune Lidia grandit dans un contexte qui n’a rien d’habituel. Non seulement elle réside en plein désert mais elle partage son habitation avec un groupe de femmes trans et de drag queens (des autoproclamées travestis, selon le mot espagnol qui peut justement englober les deux). Les raisons qui l’ont amenée à vivre ainsi entourée de marraines queer n’est expliqué que du bout des doigts et après tout tant mieux. C’est comme ça et pas autrement, et c’est même très bien comme ça : à peine Lidia se fait-elle emmerder par les ados débiles du coin que tout ce ranch trans se met joyeusement en branle pour aller rétablir la justice à coup de poings. Si vous cherchez la bagarre, vous l’avez trouvée.

De la castagne, il y en a régulièrement dans le quotidien de Lidia et sa famille. Ces femmes fières ne sont pas du genre à se laisser marcher sur les pieds et ce n’est pas qu’une métaphore. Des films queer qui incitent à une fière rébellion, on en a vu des tas, mais la récurrence avec laquelle ce drôle de récit nous incite à une saine colère exprimée à coups de torgnole témoigne d’un mauvais esprit réjouissant. Le Mystérieux regard du flamant rose ne ressemble pourtant pas du tout à une version queer de Shérif, fais-moi peur. S’il possède bel et bien des parenthèses humoristique, le ton général est à… oui tiens, à quoi d’ailleurs ? Comment qualifier la drôle d’atmosphère digne et rageuse à la fois qui règne sur le film ?

Une légende plane sur ce coin du Chili. L’action se déroule au début des années 80 et les vieux du coin raconte que les femmes trans et autres homosexuels seraient capable de transmettre une maladie mortelle rien que par le regard. La métaphore n’a pas besoin d’être davantage surlignée et le cinéaste Diego Céspedes trouve l’équilibre judicieux pour la manier sans lourdeur, avec poésie et recueillement. Le Mystérieux regart du flamand rose possède quelques imperfections de rythme mais son scénario n’a pas peur de virages, des variations de tons inattendues (certaines bulles oniriques méritent d’être découvertes sans spoiler) et se permet même le culot talentueux de changer de protagoniste en cours de route. Poignante et merveilleuse à la fois, voilà une histoire de transmission queer entre générations telle qu’on aimerait en croiser plus souvent.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Les Dimanches

admin — Wed, 11 Feb 2026 07:10:27 +0000

Ainara, 17 ans, élève dans un lycée catholique, s’apprête à passer son bac et à choisir son futur parcours universitaire. A la surprise générale, cette brillante jeune fille annonce à sa famille qu’elle souhaite participer à une période d’intégration dans un couvent afin d’embrasser la vie de religieuse. La nouvelle prend tout le monde au dépourvu. Si le père semble se laisser convaincre par les aspirations de sa fille, pour Maite, la tante d’Ainara, cette vocation inattendue est la manifestation d’un mal plus profond …

Les Dimanches
Espagne, 2025
D’Alauda Ruiz de Azúa

Durée : 1h55

Sortie : 11/02/2026

Note :

J’Y CROIS/J’Y CROIS PAS

Éclairé la nuit lors d’une pyjama party, le crucifix accroché au mur suscite avant tout étonnement et ricanements parmi les jeunes filles dans la première scène des Dimanches. Plus tard, la possibilité d’avoir la foi et pire, le désir d’entrer dans les ordres sont le sujet d’un défi pas très sérieux, forcément ridicule, lors d’une partie de « J’ai jamais / j’ai déjà ». Vouloir être une bonne sœur est nécessairement une lubie saugrenue ; c’est pourtant le désir d’Ainara dans ce long métrage réalisé par l’Espagnole Alauda Ruiz de Azúa (lire notre entretien).

« Il ne faut pas croire tout ce qu’on dit aux enfants », se méfie t-on dans Les Dimanches, comme il faut semble-t-il se méfier de ce que peut dire le prêtre. Mais faut-il croire ce que disent les enfants ? La question se pose pour la famille d’Ainara, qui tombe de son siège lorsque la jeune fille fait part de sa conviction. Ainara ne souffre pas vraiment d’une crise de foi, c’est plutôt sa famille qui est en crise. A travers un glissement finement écrit, Les Dimanches n’est pas tant un film sur le mystère de la foi d’Ainara qu’un film sur la stupéfaction que celle-ci suscite dans son entourage proche.

Si le long métrage montre un certain nombre de confrontations dialoguées (de confidences en disputes), la qualité du scénario Alauda Ruiz de Azúa réside dans sa capacité à dire sans trop expliquer, à ne pas faire s’exprimer ses personnages comme s’ils articulaient un exposé. Les disputes au cinéma peuvent facilement être artificielles – la réalisatrice parvient à leur donner leur nerf incontrôlé et leur cruauté chaotique. Le film sait aussi, de manière vivante, varier ses tonalités, car malgré les tensions, malgré les rancœurs familiales, la vie peut aussi être une comédie.

Ainara (qui, dans une scène où elle semble contempler un miroir, regarde en fait… le mur) est une page blanche sur laquelle se reflètent les émotions fortes des personnages secondaires. L’intériorité de l’une (même si celle-ci se brise lors d’une scène désarmante) met en valeur l’expressivité des autres, et vice-versa. On peut souligner les interprétations remarquables et complémentaires du casting, notamment de Blanca Soroa qui trouve ici son premier rôle et Patricia López Arnaiz (remarquée notamment dans 20.000 espèces d’abeilles). La mise en scène de ce très bon drame se met au service de ses brillant.es interprètes, le tout rehaussé par un scénario qui sait allier un savoir-faire grand public et des saillies cinglantes bienvenues.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Le Gâteau du président

admin — Wed, 04 Feb 2026 07:00:44 +0000

Dans l’Irak de Saddam Hussein, Lamia, 9 ans, se voit confier la lourde tâche de confectionner un gâteau pour célébrer l’anniversaire du président. Sa quête d’ingrédients, accompagnée de son ami Saeed, bouleverse son quotidien.

Le Gâteau du Président
Irak, 2025
De Hasan Hadi

Durée : 1h45

Sortie : 04/02/2026

Note :

MA PART DU GÂTEAU

Dans un coin de campagne, une adorable enfant se retrouve à devoir cuisiner un gâteau en cachette pour l’école. Si l’on ne se fiait qu’à son résumé le plus simple, il serait tentant de réduire Le Gâteau du président à une vignette pleine de bons sentiments, une carte postale pittoresque à la formule si convenue qu’elle pourrait venir de n’importe quel coin du globe. Or, ne pas dépasser cet a priori serait ne pas rendre justice à ce premier film irakien, certes familier mais pas prévisible pour autant, qui a valu à son réalisateur la Caméra d’or au dernier Festival de Cannes.

Premièrement, les paysages irakiens que l’on découvre dès les premiers plans du film ne ressemblent pas du tout à ce à quoi on s’attend. Cette grande étendue d’eau, où chaque habitat de fortune est posé sur son propre petit ilot artificiel, est presque aussi dépaysante qu’une lagune tropicale. Lamia, 9 ans, vit ici avec sa grand mère dans des conditions très modestes et prend chaque matin sa propre embarcation pour se rendre à l’école.

Lamia a beau toujours trimballer dans ses bras un hilarant coq domestique comme si elle était un personnage de Disney, l’action du film se déroule dans les années 90, le président en question est Saddam Hussein et la salle de classe ressemble à une école militaire acide d’endoctrinement, où les enfants sont tenus de crier à l’unisson « Saddam nous souffrons pour toi » plutôt que de chanter des chansons. Quant à la mission pâtissière, c’est moins une honorable preuve de confiance qu’une menace à peine déguisée, et la recherche des ingrédients nécessaire va mener Lamia autant à des quiproquos cocasses qu’à des cellules de prison.

Voilà le mélange dans lequel évolue cette comédie dramatique très accessible mais jamais niaise. Le plus étonnant dans tout cela est sans doute que ces variations n’empêchent jamais le film d’être harmonieusement fluide et de rester à la hauteur de sa jeune protagoniste.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Baise-en-ville

admin — Wed, 28 Jan 2026 06:01:18 +0000

Sprite, 25 ans, doit absolument trouver un job. Mais pour travailler , il faut le permis et pour se payer le permis, il faut un emploi… Finalement, il se fait engager par une start-up spécialisée dans le nettoyage d’appartements après des fêtes ; mais comment aller travailler tard la nuit sans moyen de transport dans une banlieue mal desservie ? Sur les conseils de sa monitrice d’auto-école , il s’inscrit alors sur une application pour séduire des jeunes femmes habitant près de ses lieux de travail. Un seul problème : Sprite n’est pas vraiment un séducteur…

Baise-en-ville
France, 2025
De Martin Jauvat

Durée : 1h34

Sortie : 28/01/2026

Note :

TENDRE BANLIEUE

L’immensité vertigineuse de l’univers : c’est par des telles images de l’espace que débute Baise-en-ville réalisé par Martin Jauvat. En un contraste farceur, le long métrage revient vite sur Terre, et sur le centre du monde de Corentin : la bonde de sa baignoire. Tout est une question d’échelle : l’histoire de Corentin est une aventure de poche, mais quiconque a déjà vécu dans certains coins de la banlieue parisienne sait que la Seine-et-Marne peut être presque aussi vaste que le cosmos – en tout cas si l’on doit enchaîner trajets de RER et marche à pied.

Corentin (surnommé Sprite), 25 ans, vit encore chez ses parents au Boulevard Espérance à Chelles – pas nécessairement l’endroit le plus rayonnant d’espoir au monde. Mais dans son second long métrage après Grand Paris (remarqué en 2022 à l’ACID), Martin Jauvat porte un regard rafraîchissant sur la banlieue, hors des représentations clichés et sans nuances. Il y a un voile de lose mais aussi un regard tendre sur ce décor, il en va d’ailleurs de même avec les personnages. Corentin est un gentil loser, les protagonistes qui l’entourent sont hauts en couleur et le film se distingue par la tendresse de son écriture. Jauvat livre, dans le rôle principal, une interprétation attachante, hors des codes habituels de la masculinité, et est entouré d’un casting remarquable.

Dévoilé lors de la dernière Semaine de la Critique, Baise-en-ville est une comédie populaire réussie, ce qui n’arrive pas chaque mercredi au cinéma. C’est une fantaisie rose et jaune fluo, violette et turquoise, avec tant de cœur que même sa déprime est colorée. Voilà différentes teintes dans un même film, comme, en creux, ce portrait politique absurde qui se dessine, de start-up à la con en boulots non-payés. Martin Jauvat emballe tout cela en trouvant le bon esprit, ni gras ni mièvre, avec humour et générosité.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Promis le ciel

admin — Wed, 28 Jan 2026 04:03:41 +0000

Marie, pasteure ivoirienne et ancienne journaliste, vit à Tunis. Elle héberge Naney, une jeune mère en quête d’un avenir meilleur, et Jolie, une étudiante déterminée qui porte les espoirs de sa famille restée au pays. Quand les trois femmes recueillent Kenza, 4 ans, rescapée d’un naufrage, leur refuge se transforme en famille recomposée tendre mais intranquille dans un climat social de plus en plus préoccupant.

Promis le ciel
Tunisie, 2025
D’Erige Sehiri

Durée : 1h32

Sortie : 28/01/2026

Note :

ON AURA LE CIEL

Cela débute comme un conte de fées : une fillette, telle une princesse, est baignée non pas par sa maman mais par trois femmes qui ici ressemblent à trois marraines. Très vite, la Franco-Tunisienne Erige Sehiri (très remarquée avec sa première fiction Sous les figues sélectionnée à la Quinzaine 2022) déjoue une facilité : ce n’est pas l’enfant qui interroge pour que les adultes nous expliquent tout de manière scolaire. Les adultes, en fait, n’ont pas vraiment de réponse tandis que l’enfant a traversé des épreuves dramatiques. Voilà qui donne un aperçu de la complexité chérie par la réalisatrice dans ce film montré en première mondiale au Festival de Cannes, en ouverture à Un Certain Regard.

Promis le ciel traite d’un sujet encore peu abordé par le cinéma : ici, les tensions entre les Tunisiens et les populations migrantes subsahariennes. Les héroïnes du long métrage (dont Aïssa Maïga et Laetitia Ky, remarquée notamment dans Disco Boy) sont éloignées de tout : à la fois de leur pays d’origine mais aussi de la ville où elles habitent désormais. Ici, on observe un bateau au loin, là, on voit un avion trop haut dans le ciel : tout semble hors de portée. C’est leur monde à elles, à l’horizon étriqué, mais qui suggère tout un monde se déployant autour. Cela rejoint le dispositif de Sous les figues, mais la plus grande radicalité de ce dernier lui donnait à la fois plus de force et plus de caractère.

A la fois dur et lumineux, Promis le ciel se distingue par son écriture nuancée, à la hauteur des enjeux complexes ici racontés. Le film d’Erige Sehiri évoque quelque peu le cinéma de l’Autrichienne Sudabeh Mortezai, elle aussi « venue » du documentaire et dont les drames politiques (parmi lesquels le brillant Joy) sont rehaussés par des protagonistes qui ont différentes dimensions. Erige Sehiri dit avoir voulu « rendre visibles les invisibles ». Dans Promis le ciel, il est effectivement question de la difficulté à trouver sa place, ici et là dans l’espace d’abord, mais aussi vis-à-vis des lois et vis-à-vis des règles. A l’église, la pasteure encourage à chanter la persévérance – mais est-il encore humainement possible de persévérer ?

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par Nicolas Bardot

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Critique : Grand ciel

admin — Tue, 20 Jan 2026 17:58:35 +0000

Vincent travaille au sein d’une équipe de nuit sur le chantier de Grand Ciel, un nouveau quartier futuriste. Lorsqu’un ouvrier disparaît, Vincent et ses collègues suspectent leur hiérarchie d’avoir dissimulé son accident. Mais bientôt un autre ouvrier disparait.

Grand ciel
France, 2025
De Akihiro Hata

Durée : 1h31

Sortie : 21/01/2026

Note :

ENTRE LE CIEL ET L’ENFER

Grand ciel désigne un « quartier intelligent » qui n’est encore qu’un projet en construction. Grand ciel est une cité du futur, cela pourrait presque être une vision de science-fiction, en tout cas ce quartier n’est visible que si l’on enfile un casque de VR sur la tête. Voilà le futur idéal déjà dessiné, mais en attendant, les protagonistes du premier long métrage réalisé par le Japonais Akihiro Hata doivent descendre profondément sous terre, comme des mineurs d’un temps révolu. Le film débute sur un chantier où s’affairent des ouvriers, on en entend les sons avant de distinguer des silhouettes ou des visages.

Ce monde glacial de béton et de néons pourrait être un décor de clubbing, mais c’est le monde du travail dans tout ce qu’il peut avoir de plus ingrat et épuisant. Cette nuit à la fois noire et lumineuse est saisie avec un minimalisme efficace par Akihiro Hata et son directeur de la photographie David Chizallet (qui a entre autres collaboré avec le Chinois Bi Gan). L’atmosphère industrielle et fantomatique a quelque chose de Kiyoshi Kurosawa, qui ne renierait pas cette idée selon laquelle l’inquiétude peut venir de simples fissures dans le ciment. L’épure laisse aller et venir doutes et suspicions dans ce slowburner qui sait prendre son temps.

« Si ils sont pas contents, ils rentrent chez eux » : c’est en ces termes fleuris que sont accueillies les réserves d’ouvriers sur leurs conditions de travail. Akihiro Hata signe un drame social à la fois très concret et à l’efficace pouvoir allégorique sur une main d’oeuvre méprisée, exploitée et avalée. Cette perspective fantastique donne une singularité à Grand ciel mais c’est bel et bien la brutalité réelle du monde du travail et du libéralisme qui sont dépeints. L’histoire de sans papiers, de sans noms, des invisibles, remplaçables à volonté sur de grands chantiers et dans ce monde perpétuellement nocturne. Dévoilé à la Mostra de Venise dans la section Orizzonti, Grand ciel, porté par un très bon casting, est une découverte à la fois humble et prometteuse.

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par Nicolas Bardot

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