Sarlat - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Le palmarès du Festival de Sarlat 2026

admin — Sat, 07 Nov 2026 22:43:54 +0000

La 35e édition du Festival de Sarlat s’est achevée ce samedi soir. Le festival était à suivre sur Le Polyester et le palmarès a été dévoilé.

La Salamandre d’or, décernée par le vote du public, est allée à En haut de la pile du Français Louis-Julien Petit. L’histoire : Arthur et Maxime rêvent d’être parents, quitte à devenir hors la loi. Leurs proches décident de s’en mêler, chacun avec ses convictions et ses idées…. Le problème, c’est qu’elles ne sont pas toutes bonnes ! En haut de la pile sortira le 6 janvier en salles.

En haut de la pile

Salamandre d’or du public : En haut de la pile, Louis-Julien Petit
Salamandre d’or des lycéens : En haut de la pile, Louis-Julien Petit
Salamandre d’or du jury jeune : Fief, Thomas Vernay
Salamandre d’or d’interprétation (décernée par le jury jeune) : Anthony Bajon pour En haut de la pile & Céleste Brunnquell pour L’Une des leurs

Prix du jury courts métrages : Les Saintes, Mélissandre Carrasco
Prix coup de cœur ESRA : La Petite école, Alice Voisin

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : L’Une des leurs

admin — Sat, 07 Nov 2026 07:37:34 +0000

À 17 ans, Audrey se sent à l’étroit à Lens et aspire à une vie plus grande, ailleurs. Sa rencontre avec un groupe d’Ultras bouleverse tout : elle découvre avec eux la ferveur du collectif autant que ses contradictions. À leur contact, elle va progressivement changer de regard sur elle-même et sur ce qui l’entoure, d’une manière qu’elle n’imaginait pas…

L’Une des leurs
France, 2026
De Marie Rosselet-Ruiz

Durée : 1h35

Sortie : prochainement

Note :

JEU DANGEREUX

Lorsque les garçons s’époumonent dans le stade de football à Lens, la sage Audrey est plutôt du genre à lire du Romain Gary à la baraque à frites. Audrey n’est pas du groupe, et n’est pas encore l’une des leurs pour citer le titre du premier long métrage de la Française Marie Rosselet-Ruiz. On a pu remarquer la cinéaste avec le plus léger Les Reines du mambo, co-réalisé avec sa sœur Hélène Rosselet-Ruiz (qui a elle aussi signé un premier long cette année en solo avec Le Triangle d’or). Dans L’Une des leurs, la cinéaste fait le portrait d’une jeune Nordiste qui vise une grande école – une école qui nécessitera de prendre le train, d’aller à Paris, et de quitter le milieu dans lequel elle vit.

Le milieu, dans le long métrage, n’est pas qu’un point sur une carte de France. Audrey a la tranquille mais solide ambition d’entrer dans un espace qui ne lui est pas réservé, Audrey a tôt fait d’être renvoyée à ses origines sociales, et le récit initiatique est ici indissociable d’un propos sur les classes. Tout est politique, a fortiori dans des régions abandonnées par le pouvoir, et où l’extrême-droite s’est implantée. L’Une des leurs examine tout un spectre qui va du racisme ordinaire le temps d’une remarque, à l’aigreur des losers qui n’ont que le racisme comme seule grille de lecture de leurs échecs, en passant carrément par le racisme pathologique et obsessionnel digne des spectateurs de Cnews.

Ado chaleureusement accueillie dans un nouveau groupe d’amis, Audrey observe jusqu’au point de bascule. Le film n’excuse pas mais explore ce qui peut mener à l’extrême – dans un registre assez voisin, Marie Rosselet-Ruiz nomme davantage les choses que le récent, tiède et timoré Jouer avec le feu des sœurs Coulin. Le point de vue de L’Une des leurs est intéressant, même si le film, dans sa confection, ne sort jamais vraiment des conventions et se limite parfois un peu trop à la dissertation. Il ouvre néanmoins une discussion d’actualité, et est incarné avec authenticité par la talentueuse Céleste Brunnquell.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Gentle Monster

admin — Sat, 07 Nov 2026 01:15:32 +0000

Lucy et Philip sont heureux, ils viennent d’emménager avec leur fils dans une maison de campagne près de Munich. Un matin, leur vie bascule lorsque la police se présente à leur domicile pour arrêter Philip et saisir ses ordinateurs. Bouleversée, Lucy cherche la vérité sur son mari. Qui est-il réellement ? Doit-elle l’éloigner de son fils ?

Gentle Monster
Autriche, 2026
De Marie Kreutzer

Durée : 1h54

Sortie : 13/01/2027

Note :

WOULD I LIE TO YOU ?

Lucy est une chanteuse et pianiste à la Tori Amos : elle joue de deux pianos en même temps sur scène, et fait des reprises d’artistes masculins auxquels elle apporte son point de vue à elle. Dans la première scène de Gentle Monster, Lucy travaille ainsi sur une reprise de Would I Lie to You ?, tube des années 90 interprété par le duo Charles & Eddie. Il peut y avoir quelque chose de trop évident, au cinéma en général et dans ce film en particulier, à utiliser une chanson dont le texte est littéralement une clef du récit. Te mentirais-je ? dit le morceau ; l’époux de Lucy lui aurait-il caché des choses ? L’utilisation de Would I Lie to You ? est néanmoins un peu troublée et pas seulement illustrative – Lucy tord la chanson, se l’approprie, en fait autre chose. Elle est très reconnaissable, un peu méconnaissable, et sème le doute.

Voilà une tension qui va être explorée dans le long métrage, et qui rappelle ce que l’Autrichienne Marie Kreutzer a pu examiner dans ses précédents films. Il est beaucoup question de dualité dans The Ground Beneath My Feet (en compétition à la Berlinale en 2019), et il y a deux Sissi dans Corsage (sorti chez nous en 2022). Il y a également deux Philip dans Gentle Monster, c’est ce que révèle l’arrivée de la police venue enquêter dans la demeure familiale (celle-ci est censée accueillir « une nouvelle vie » pour la famille, qui ne semble pas avoir vraiment débuté). Mais il y a peut-être aussi deux Lucy : celle qui croit, celle qui cherche à croire autre chose – en somme celle qui est habitée par des sentiments contradictoires jusqu’au vertige existentiel.

Philip est un mari et un père, Philip est séduisant, athlétique, a une vie sexuelle avec sa compagne – par bien des manières, Marie Kreutzer déjoue les clichés sur les prédateurs pédophiles, loin d’un imaginaire monstrueux et plus proche de la sordide réalité : des gentle monsters. La cinéaste compose avec efficacité le portrait de cette épouse qui voit le sol se dérober sous ses pieds. Comment et dans quel état se réveille t-on après avoir vécu auprès d’un total étranger qui est aussi l’homme qu’on aime ? Outre une écriture minutieuse, Gentle Monster peut largement s’appuyer sur la performance intense de Léa Seydoux. Celle-ci est plongée dans une profonde solitude, mais ce sont aussi ses interactions avec les autres qui donnent du relief au film : celle attentive et terrifiée avec son fils, celle pour le moins complexe avec son mari, mais aussi celle, authentique et nuancée en quelques touches, auprès de sa mère interprétée par Catherine Deneuve.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Entretien Sarra Ryma

admin — Fri, 06 Nov 2026 06:25:34 +0000

Dans A quoi rêvent les Maknines, la Franco-Algérienne Sarra Ryma filme une joie voilée de tristesse – et réciproquement. La cinéaste dépeint de manière chaleureuse la tendre relation et les rêves de jeunes gens à « Alger la sévère » comme le dit un rappeur dans ce court métrage dévoilé à la Semaine de la Critique et au programme cette semaine au Festival de Sarlat. C’est un lien entre amour et mélancolie sur l’endroit d’où l’on vient qui est décrit dans cet attachant court, où de grands adolescents se sentent comme en cage. Sarra Ryma est notre invitée.

La relation qui unit vos deux jeunes héros est très tendre et touchante, comment avez-vous travaillé sur leur dynamique lors de l’écriture ?

Je voulais raconter une histoire d’amour à l’algérienne. Une histoire où les sentiments passent par des détours, des silences, des gestes, des chansons, beaucoup plus que par les mots eux-mêmes. Kacim et Malek forment un duo assez atypique. Kacim est un garçon réservé, pudique, très attaché à ses oiseaux, à son quartier, à cette mélancolie algéroise qu’il porte en lui. Malek, lui, est plus incandescent. Il chante, il rêve de départ, il transforme ses colères et ses désirs en musique. Leur lien repose moins sur ce qu’ils se disent que sur le fait d’habiter ensemble un même vertige. Celui du départ, de l’amour, de la peur de perdre l’autre.

La musique occupait une place importante dès l’écriture. Dans le film, ils composent et chantent ensemble. C’était une manière de faire exister une parole plus intime, plus vulnérable. Certaines choses deviennent possibles uniquement quand elles passent par une chanson. Et puis je revenais toujours à quelque chose de très concret, très physique : deux corps sur une moto, une chaleur d’été, une errance dans Alger, une façon de se regarder sans se regarder. Je voulais que leur intimité apparaisse naturellement, sans jamais être expliquée.

Comment avez-vous abordé l’aspect visuel de votre film avec votre directeur de la photographie Sophian Belgarbi ?

Avec Sophian, on a beaucoup travaillé autour du cadrage et du mouvement. On voulait trouver une image vivante, organique, qui se cogne au réel, et montrer Alger telle qu’on la voit, telle qu’on la traverse. La ville était très importante pour nous. On voulait qu’elle soit un personnage du film. Qu’on la regarde, mais qu’elle regarde aussi les personnages. Il y avait quelque chose de très émouvant dans l’idée de filmer une ville que les personnages s’apprêtent à quitter. Comme si chaque rue, chaque lumière, chaque visage devenait déjà un souvenir. On s’est beaucoup attachés aux gestes plus qu’aux mots. Aux regards en coin, aux corps qui s’effleurent, aux silences. Je voulais que la caméra soit intrusive et pudique à la fois. Très proche des personnages, de leurs souffles, de leurs peaux, tout en laissant parfois de la distance, du hors-champ, des choses invisibles que le spectateur doit reconstruire lui-même.

Il y avait aussi toute une recherche autour de la sensation. Les chants des maknines, le bruit du marché, les motos, l’appel à la prière, la musique que les personnages composent ensemble… Tout ça devait participer à une forme de dérive sensorielle et mélancolique. J’aimais aussi l’idée de filmer des personnages qui regrettent déjà des instants qu’ils sont encore en train de vivre. Construire une esthétique de la nostalgie. Une image brûlante, pleine de vie au début, puis quelque chose qui devient plus flottant, plus fragile, à mesure qu’ils s’enfoncent dans la nuit et dans leurs adieux.

Pouvez-vous me parler de l’importance que revêtent pour vous les maknines ?

Les maknines occupent une place très particulière en Algérie. Tout le monde connaît leur chant. On croise des cages partout : aux fenêtres, dans les cafés, dans les rues, chez les hommes surtout. Leur chant évoque immédiatement le pays, particulièrement pour ceux qui l’ont quitté. Le maknine porte quelque chose de profondément contradictoire. Il est associé à la beauté, à la liberté, au chant… mais finit enfermé dans une cage à vie. Son chant si tendre le condamne presque. Dans le film, les maknines sont le reflet des personnages. Comme eux, ils vivent entre l’attachement et le désir de fuite.

Ce qui m’intéressait aussi, c’était le rapport très intime que certains hommes algériens entretiennent avec eux. Les sentiments passent rarement de manière frontale. Le maknine permet parfois de déplacer cette tendresse, cette mélancolie, ce besoin d’amour qu’on garde habituellement enfoui. Quand il parle à ses maknines, Kacim ouvre son cœur, chose rare chez les hommes algériens. Ses oiseaux sont les seuls êtres capables de combler le vide qu’il ressent. Et au-delà du symbole, le chant des maknines fait partie de mes souvenirs d’enfance, de paysages sonores très algériens. Filmer ces oiseaux, c’était aussi filmer une mémoire affective du pays.

Il y a, à un moment de votre film, un rappeur qui parle d’« Alger la sévère ». On sent une relation nuancée sur le lieu d’où viennent les protagonistes, qu’ils le quittent ou non. Pouvez-vous m’en dire plus sur cette relation presque amour-haine ?

Je crois que beaucoup de gens qui veulent partir entretiennent malgré tout un lien extrêmement fort avec l’endroit qu’ils quittent. Ce n’est jamais simple. Alger est une ville que j’aime profondément. Une ville brûlante, bruyante, pleine de vie, de contradictions, de colère aussi. Une ville où l’on peut passer d’un éclat de rire à une immense mélancolie en quelques secondes. J’avais envie de retrouver cette vibration-là dans le film. Les moteurs de moto, les chants, les insultes, le soleil, les chansons d’amour un peu kitsch, les discussions qui traînent la nuit, cette manière très algérienne d’être dans l’excès, dans la débrouille, dans le désir et l’empêchement en même temps.

Les personnages partent parce qu’ils ressentent une impasse, mais leur départ n’efface rien. Au contraire. Plus ils s’approchent du départ, plus leur regard sur Alger devient amoureux, douloureux, presque nostalgique alors même qu’ils sont encore dedans. “Alger la sévère”, c’est une ville qui nous fatigue autant qu’elle nous manque.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Je suis très inspirée par des cinéastes qui filment les corps amoureux, les marges, les errances et les mélancolies urbaines. Wong Kar-wai a beaucoup compté pour moi, particulièrement Happy Together. Claire Denis aussi, pour sa sensualité et sa manière de faire circuler le désir dans les corps et les silences. Leos Carax, Karim Aïnouz, Barry Jenkins, Tsai Ming-liang, Sofia Coppola… Ce sont des cinémas qui m’accompagnent énormément. Il y a aussi des films comme Shéhérazade, Moonlight, Madame Satã, Les Amants du Pont-Neuf ou Laurence Anyways, qui m’ont marquée par leur manière de filmer des personnages à la fois bruts, fragiles et profondément romantiques.

Mais mes inspirations ne viennent pas uniquement du cinéma. Elles viennent aussi de la musique, du raï, du rap algérien, de la mode, de certaines photographies, ou simplement de scènes de vie observées dans Alger. L’Algérie elle-même est probablement ma plus grande source d’inspiration. Les visages, les chansons, les rues, la jeunesse, cette manière très particulière qu’on a d’aimer, de désirer, de rêver d’ailleurs.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 21 mai 2026.

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Festival de Sarlat | Critique : Les Femmes de la station

admin — Fri, 06 Nov 2026 01:04:44 +0000

Au Yémen, Layal gère une station-service exclusivement réservée aux femmes, un havre de paix dans un pays déchiré par la guerre. Les règles y sont simples : pas d’hommes, pas d’armes, pas de politique. Quand son tout jeune frère est mobilisé, Layal doit renouer avec sa sœur. Ensemble, elles n’ont que quelques heures pour le sauver.

Les Femmes de la station
Yémen, 2026
De Sara Ishaq

Durée : 1h52

Sortie : 17/03/2027

Note :

ENTRE LES MURS

« Ni hommes, ni armes, ni politique » : c’est la règle dans la station service uniquement réservée aux femmes où se déroule Les Femmes de la station. Ni hommes, ni armes, ni politique, mais il est malgré tout beaucoup question d’hommes dans le long métrage, de la menace des armes et des conséquences de la politique. Comment s’extraire totalement de ce monde patriarcal ? La réalisatrice yéménite-écossaise Sara Ishaq filme cette utopie, les grands murs censés la protéger, et tous les trous au travers. Car quand une voix au haut parleur évoque le contrôle des femmes, ou lorsque le pouvoir vient chercher les jeunes frères ou fils pour les envoyer à la guerre, le mantra ni hommes, ni armes, ni politique ne pèse plus bien lourd.

Nommée à l’Oscar du meilleur court métrage documentaire pour Karama Has No Walls, Sara Ishaq signe son premier long métrage de fiction, dévoilé à la Semaine de la Critique. Elle ne filme jamais la guerre à proprement parler ; celle-ci, dans un intéressant parti-pris, demeure hors champ, mais sa présence et sa réalité imprègnent le long métrage. « Pas de bombes aujourd’hui ? », demande t-on avec une pointe d’ironie. Ici, dans ce refuge, les femmes rient, prient, chantent, racontent des histoires intimes. Ce sont elles qui assurent le maintien de la société lorsque les hommes disparaissent au front. Les hommes ? Un panneau dans la ville vante la guerre en indiquant « La gloire vous attend » et s’adresse aux hommes… de plus de 12 ans. Les affiches de martyrs, collées aux murs, ne sont pas loin.

Dehors, les garçons jouent à la guerre, puis parlent de comment faire la guerre. Le film a un sujet fort avec ses enfants aspirés par les conflits, dévorés par un ogre contre lequel les femmes sont bien désarmées. Si l’articulation du scénario nous a semblé un peu trop scolaire, Les Femmes de la station, par son regard chaleureux et nuancé, va contre les clichés déshumanisants. L’élégance colorée du long métrage est également une idée qui constitue un contrepoint efficace aux clichés attendus pour dépeindre une telle histoire. S’il y a des couleurs, celles-ci ne peuvent pas totalement recouvrir un monde terrible où tout le monde est perdant. Loin de la station-service, Sara Ishaq filme ce qui ressemble à un océan fleuri de tombes. Elle raconte l’espoir maintenu comme une flamme entre quelques murs, mais aussi, peut-être, le seul espoir qui reste : la fuite.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : No Good Men

admin — Thu, 05 Nov 2026 16:17:14 +0000

Kaboul, 2021. Naru, seule femme cameraman de la principale chaîne de télévision locale, se bat pour conserver la garde de son fils de trois ans, à la suite de sa séparation avec son mari infidèle. Persuadée qu’aucun « homme bien » n’existe dans son pays, elle se retrouve au service du journaliste star de la chaîne qui, malgré ses réticences, accepte de l’emmener en reportage. Tandis qu’ils sillonnent la capitale qui vit ses derniers jours de liberté, leur relation semble changer de nature…

No Good Men
Afghanistan, 2026
De Shahrbanoo Sadat

Durée : 1h49

Sortie : 03/02/2027

Note :

MEN ARE TRASH

« Quel désastre ce pays » se lamente un monsieur dans No Good Men. « C’est l’Afghanistan, on a l’habitude », lui répond-on, de manière à la fois sarcastique et abattue. Cette discussion a lieu entre bonshommes, et ceux-ci semblent oublier l’un des principaux problème dudit pays désastreux : les hommes eux-mêmes. C’est en tout cas ce dont Naru est persuadée. Cadreuse pour une chaîne de télévision, celle-ci, malgré ses compétences, est assignée aux émissions de cuisine ou sentimentales – et même ces dernières parviennent à être misogynes. Lors d’un micro-trottoir réalisé par l’héroïne, les expériences de misogynie racontées par différentes femmes affluent. En somme, « y a-t-il des hommes bien en Afghanistan » ?

Présenté en ouverture de la dernière Berlinale, No Good Men pourrait être un drame très sérieux – ce qu’il est, inévitablement, de temps à autre. Mais la réalisatrice d’origine afghane Shahrbanoo Sadat (découverte il y a une dizaine d’années à la Quinzaine avec Wolf and Sheep) teinte ici ses sujets sérieux de comédie et même de romance. Le générique de début de No Good Men montre l’éclosion de spectaculaires fleurs de cactus. Le contraste entre les fleurs flamboyantes et les épines de cactus est net, il y a presque quelque chose de contre-nature… presque aussi contre-nature que les relations hommes-femmes. No Good Men dépeint en effet une société ultra-patriarcale qui n’a pas attendu les talibans pour détester les femmes. « C’est l’usage, on va pas le changer », commente un protagoniste, pourtant censé être un homme élégant. Les femmes restent soumises de force à l’autorité des hommes et de la loi. Mais l’héroïne de Shahrbanoo Sadat (interprétée par la cinéaste) est, tant bien que mal, indépendante, et elle a du répondant.

No Good Men est rafraîchissant par sa liberté de ton – et de cette partie du monde, il est vrai qu’il n’y a que des drames qui nous parviennent. La gamme d’émotions dans le long métrage de Sadat est plus large, car la vie, même quand elle est invivable, n’est pas monochrome. Alors oui, il y a une possibilité de romance dans No Good Men, et oui, la romance pour toute femme ressemble à un piège. Ces questionnements intimes finissent emportés par la tornade de l’Histoire. Le film se déroule en 2021, soit l’année de l’offensive des talibans après le retrait des troupes américaines. Shahrbanoo Sadat a, elle-même, dû fuir Kaboul et vit depuis à Hambourg. Le dernier acte du long métrage est porté par un spectaculaire souffle dramatique. Et il laisse ouverte une porte humaniste pour ses personnages, même dans le chaos le plus sombre, et oui, même pour les hommes.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Le Procès

admin — Thu, 05 Nov 2026 16:11:04 +0000

Après 14 ans, Hein revient dans son village insulaire, mais la communauté ne le reconnaît pas et exige un procès pour prouver son identité.

Le Procès
Allemagne, 2026
De Kai Stänicke

Durée : 2h02

Sortie : 23/12/2026

Note :

PRÉSUMÉ COUPABLE

Après 14 ans d’absence, Hein est de retour chez lui (même si le Heimat du titre original allemand a un sens plus large que le chez soi français). Mais ce n’est visiblement pas le retour chaleureux de l’enfant prodigue : Hein est même accueilli par… un procès. C’est le point de départ kafkaïen de ce premier long métrage réalisé par l’Allemand Kai Stänicke, dévoilé en compétition Perspectives à la Berlinale : Hein doit prouver… qu’il est bien Hein. Car une dizaine d’années plus tard, même sa famille ne le reconnaît plus. Ou joue-t-elle la comédie ? Le fascinant décor de ce film ressemble à une mise en scène de Brecht, avec ses parois de maisons dont les pièces sont sans toit, ouvertes vers la nature. Un air de Dogville plane sur ce mignon hameau, indice que celui-ci n’est peut-être pas si charmant que cela.

L’allégorie du Procès se dessine assez rapidement : c’est celle d’une communauté fermée, littéralement insulaire – le genre d’endroit que des garçons « différents » quittent dès qu’ils le peuvent et en reviennent « changés ». En l’absence d’Hein, les cycles de brutalité vis-à-vis des garçons « sensibles » semblent se poursuivre. Hein est jugé, mais ne serait-ce pas les sinistres habitant.es de la communauté qui devraient l’être ? Malgré ses costumes, Le Procès est une solide métaphore du comportement des hétéroflics à l’égard des personnes queer : droits dans leurs bottes, paternalistes et d’une constante étroitesse d’esprit.

Le Procès nous semble néanmoins un peu trop guindé pour que son trouble aille aussi loin que promis. Le film prend son temps (un peu plus de deux heures) et laisse assez de place pour qu’on ait toujours un peu d’avance sur l’action. Le récit retrouve néanmoins de son sang lorsque le romanesque fait une irruption inattendue, mais aussi grâce à sa manière cinglante d’examiner les constructions parfaitement artificielles que peuvent être la famille, la maison, le doux chez-soi. Ou encore lorsqu’il insère de légères touches de comédie : « va prendre l’air ! » lance-t-on à un personnage alors que toutes les maisonnées sont à l’air libre.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Du fioul dans les artères

admin — Thu, 05 Nov 2026 15:41:36 +0000

Étienne est routier. Accroché à la route, il réduit sa vie affective à des rencontres anonymes et éphémères sur des parkings. Quand il croise Bartosz, un camionneur polonais, sa solitude est bouleversée.

Du fioul dans les artères
France, 2026
De Pierre Le Gall

Durée : 1h31

Sortie : 02/12/2026

Note :

ITINÉRAIRE BIS

Du fioul dans les artères. Si on vous dit que ce titre bouillant vient chapeauter une histoire d’amour inattendue entre deux chauffeurs routiers, vous vous attendrez peut-être à assister à des plans culs sauvages sur des aires d’autoroutes isolées. Pierre Le Gall (coscénariste du court métrage Les Belles cicatrices et qui réalise ici son premier long) a bien conscience des fantasmes et archétypes qui entourent ses personnages, mais si le film semble débuter exactement là et comment on l’attend, il ne tarde pas à prendre une sortie vers un itinéraire bis bienvenu.

Quand le sage et sérieux Etienne croise le polonais Bartosz, c’est effectivement dans une zone de cruising nocturne près d’un parking. Silhouette noire sur fond noir, Bartosz a même l’air un instant de sortir d’un film d’horreur, avant de dévoiler son visage bonhomme et inoffensif. Du fioul dans les artères dévoile lui aussi rapidement son cœur sensible. Il a beau y avoir quelques scènes de sexe, mettant en scène des mecs aux corps normaux et imparfaits (une vision très rafraichissante, à rebours des codes de beauté queer habituels), il s’agit là moins d’une histoire de fesse que d’une romance. Une romance, mais pas que.

Si la tendresse du scénario constitue sa première surprise, sa volonté de documenter avec un réalisme très détaillé les conditions de travail des routiers en est la seconde. L’alchimie entre les deux acteurs apporte une crédibilité touchante aux scènes de couple, ce qui peut rendre frustrants les longs détours faits sur les chemins bien balisés du cinéma social à la française, de désirs de grèves en injustices du capitalisme. Il plane sur le quotidien de ces protagonistes une grisaille finalement bien différente des poussées de fièvre que laissait espérer le beau titre du film.

Là où Du fioul dans les artères parvient le mieux à articuler ensemble ces deux tableaux, c’est lorsqu’il trouve les métaphores idéales pour traduire la perte de repères géographiques et temporels de ces travailleurs parcourant l’Europe à toute vitesse : quand les protagonistes se croisent sur un pont sur lequel il ne peuvent faire demi tour, ou quand la simple autoroute qui séparent leurs deux camions rend leur étreinte impossible. La route apparait alors moins comme un espace de liberté que comme un labyrinthe de désirs frustrés. Bien vu.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Sarlat | Critique : Dua

admin — Thu, 05 Nov 2026 08:50:52 +0000

Le quotidien d’une adolescente et sa famille à Pristina à la fin des années 90. Le Kosovo est au bord de la guerre avec la Serbie et Dua, 13 ans, doit choisir entre les injonctions de ses camarades de classe et ses propres envies. Mais les tensions ethniques grondent et le danger se rapproche de sa famille.

Dua
Kosovo, 2026
De Blerta Basholli

Durée : 1h40

Sortie : 10/02/2027

Note :

NEW RULES

Dua est un récit d’apprentissage et ses motifs sont familiers – à la différence près que les adolescent•es, quand iels font une boum inoffensive, quand iels dansent un slow sur un morceau cheesy, n’ont en général pas à fuir la police au moment où l’on devrait juste se demander qui embrasser. C’est pourtant ce qui se passe au début de Dua, qui se déroule dans un contexte particulièrement sensible : celui de la fin du 20e siècle en ex-Yougoslavie, celui, comme on l’entend dans le film, de la « terreur serbe au Kosovo ». Dua a 13 ans, elle a hâte de grandir comme la plupart des ados, elle a même hâte d’avoir ses règles. Mais attention à ce que Dua désire car elle risque bien de devoir grandir un peu trop vite.

Voilà ce que raconte la Kosovare Blerta Basholli dans son second long métrage, après La Ruche qui fut couronné à Sundance et est sorti dans les salles françaises en 2022. Dua est un récit initiatique archétypal, mais qui se retrouve modifié par ces circonstances dramatiques. Il y a grandir, apprivoiser son corps, regarder les garçons – et il y a faire tout cela tandis que la menace de la guerre gronde. Basholli, qui s’est inspirée de sa propre adolescence, raconte la guerre à travers son quotidien « banal ». Ce ne sont pas juste les bombardements, mais la manière dont la tension s’insinue dans la rue, dans le voisinage, à l’épicerie, à l’école, en famille. Dua pourrait simplement penser à son gloss, mais croise le cadavre d’une connaissance dans la rue. Dua se met au judo mais pas tant par loisir, plutôt pour apprendre à se défendre. Le long métrage trouve le bon espace entre ce qui est très ordinaire, et ce qui ne devrait pas être normal.

Blerta Basholli dépeint la solitude de l’adolescence dans ce qu’elle peut avoir d’universel, comme lorsque les personnages n’accordent pas suffisamment de crédit à la parole de Dua. Elle décrit également une expérience peu relatée : comment la guerre, ou l’aube de la guerre, constitue un contexte dans lequel Dua va s’affirmer. En apprenant à se battre comme on l’a mentionné, ou en réfléchissant à comment s’impliquer. Mais la brutalité de la réalité dépasse naturellement la jeune adolescente, comme une vague plus grande et plus forte que les précédentes viendrait s’abattre sur elle. Blerta Basholli filme beaucoup le visage de son héroïne, peut-être plus que son dos façon Rosetta. Même impassible, son visage traduit beaucoup de ce qui se déroule hors champ. Ce qui se passe au loin, raconté à la télé. Ou tout près, lors d’une scène glaçante où l’on ressent intensément un surgissement de violence alors que la caméra est fixée sur les yeux de Dua. Le hors champ, et ce qu’il produit de dévastateur sur les protagonistes : voilà une dynamique que Blerta Basholli explore avec dextérité et intelligence.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Les Braves

admin — Wed, 04 Nov 2026 15:29:36 +0000

Le jeune soldat Pierre veut faire ses preuves sur le front pendant la Première Guerre mondiale. Derrière les lignes, il rencontre Francis, chargé de remonter le moral des troupes.

Les Braves
Belgique, 2026
De Lukas Dhont

Durée : 2h00

Sortie : 18/11/2026

Note :

JE N’SUIS PAS UN HÉROS

Souris, souris, souris, répètent de joyeux soldats dans une chanson qu’ils entonnent. Lors de la Première Guerre Mondiale, des jeunes gars sont à bord d’un train vers le front et vers une possible mort, mais les voilà qui braillent une ritournelle enthousiaste – probablement pour se donner du courage. Le contraste qui apparaît dans cette scène sous-tend une bonne partie de Les Braves (Coward), nouveau long métrage du Belge Lukas Dhont. Dans Les Braves, les protagonistes font une différence nette entre les héros et les lâches, il y a nous et les pas comme nous, avec une ligne tracée entre les deux. Pourtant tout est plus trouble dans la réalité du jeu de massacre. Les discours bravaches explosent comme les corps, il n’y a plus lâches ni héros, juste de la chair à canon.

Pour son film, Lukas Dhont dit s’est inspiré d’une histoire méconnue de la guerre. La mémoire peut être politique, et ce que Dhont a découvert via des photos et journaux intimes d’époque n’est pas vraiment ce qui est mis en avant dans les livres d’Histoire. Pendant que les soldats saignent au combat, certains d’entre eux organisent des revues travesties pour leur divertissement. « Pas de larmes ici » reproche t-on à un soldat qui craque, tandis qu’en contrepoint d’autres garçons singent ou explorent une féminité hyperbolique à travers un jeu de rôles qui peut servir de révélation. La distinction réelle n’est pas entre les héros et les lâches. Elle est plutôt à chercher du côté de l’impérialisme viriliste dont la brutalité tue, et la tendresse des garçons sensibles qui s’aiment.

Les Braves se déroule quasi-exclusivement à la guerre et ses enchaînement sont vifs. Il y a là une efficacité narrative, entre les scènes violentes qui coupent le souffle et les parenthèses : sordides quand on ramasse les cadavres, hantées lors des attentes nocturnes. Si le récit roule, il reste néanmoins chez Dhont une propension à enrober ses films, qui disent et démontrent beaucoup, ce qui prive le long métrage de plus de profondeur et d’aspérité. Il y a néanmoins un point de vue qui fonctionne dans la manière qu’a le film d’examiner la guerre par le prisme du genre. Vraisemblablement, il faut faire ça : faire la guerre, faire une famille. La prison patriarcale n’épargne personne, jusqu’à l’absurdité, durant la guerre et même après. Dans Les Braves, on apprend à vivre avec les hurlements de douleurs, on agite les flonflons parmi les gueules cassées. Pourtant, il y a peut-être une porte de sortie, une cachette dans les marges, lorsque les soi-disant lâches laissent les bonhommes se faire mal entre eux.

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par Nicolas Bardot

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