San Sebastian - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Romería

admin — Wed, 08 Apr 2026 14:10:57 +0000

Afin d’obtenir un document d’état civil pour ses études supérieures, Marina, adoptée depuis l’enfance, doit renouer avec une partie de sa véritable famille. Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend sur la côte atlantique et rencontre tout un pan de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas. L’arrivée de Marina va faire ressurgir le passé. En ravivant le souvenir de ses parents, elle va découvrir les secrets de cette famille, les non-dits et les hontes…

Romería
Espagne, 2025
De Carla Simón

Durée : 1h55

Sortie : 08/04/2026

Note :

PORT D’ATTACHE

Marina vient de quitter le domicile parental barcelonais pour se rendre à l’autre bout du Pays, à Vigo. Ce n’est pourtant pas une envie de vacances qui l’attire dans cette ville au bord de l’eau. Désormais majeure, elle peut enfin avoir accès à l’identité de ses parents biologiques, tous deux décédés avant son adoption. La belle baie de Vigo, où réside cette famille qu’elle s’apprête à découvrir, est remplie d’embarcations qui tanguent au soleil, mais Marina a les pieds sur terre. Son visage secret et fier à la fois ne traduit ni déracinement ni naïveté. Elle n’a tout simplement pas peur de ce qui l’attend, ni les amers secrets familiaux ni la sévérité guindée de sa nouvelle abuela qui ne trouve rien de mieux à dire en l’accueillant que « Tu en a mis du temps pour venir nous voir ».

Heureusement, tout le monde dans cette ancienne/nouvelle famille n’est pas aussi grinçant. Si les tantes n’ont que l’argent à la bouche, les hommes de la famille ont l’air plus détendus, qu’il s’agisse des cousins ados ou d’un oncle à moitié renié. Mais les vraies brebis galeuses restent les parents de Marina. Méprisés même dans leur mort, les détails de leur existence sont cachés à coups d’euphémismes (on prévient les enfants de ne pas toucher Marina si elle saigne) et d’approximation. La contradiction entre les informations que Marina recueille parcimonieusement entre deux portes pourrait presque prêter à rire, mais Carla Simón (lire notre entretien) est une scénariste trop fine pour se contenter d’enfermer son récit dans un ton unique.

Avec des métaphores finement dosées et quelques éclats poétiques, Romerìa vient confirmer avec succès le talent dont la cinéaste espagnole faisait déjà preuve dans ses précédents films, Été 93 et Nos soleils, et fait même preuve d’une ambition narrative qui grandit au fil du récit. Simón trouve un équilibre élégant et harmonieux entre chronique douce amère et questionnements philosophiques (chaque chapitre s’ouvre par un sujet de dissertation). Tout à l’écran a l’air d’un réalisme simple et pourtant Romería aborde la question de la transmission avec une richesse qui touche en plein cœur.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Le Cri des gardes

admin — Wed, 08 Apr 2026 14:06:21 +0000

Un vaste chantier de travaux publics en Afrique de l’Ouest. Horn, le patron, et Cal, un jeune ingénieur, partagent une habitation provisoire derrière les doubles grilles de l’enceinte réservée aux blancs. Leone, future épouse de Horn, arrive d’Europe le soir même où un homme qui s’est introduit par effraction surgit derrière les grilles. Il s’appelle Alboury. Il ne quittera pas les lieux tant qu’on ne lui aura pas rendu le corps de son frère, mort sur le chantier.

Le cri des gardes
France, 2025
De Claire Denis

Durée : 1h49

Sortie : 08/04/2026

Note :

AU BOUT DE LA NUIT

Le Cri des gardes est l’adaptation de la pièce Combat de nègre et de chiens de Bernard-Marie Koltès. C’est la première fois que Claire Denis adapte un texte de théâtre et les contraintes du genre ne lui ont visiblement pas fait peur. La cinéaste assume en effet sans sourciller l’unité de lieu (quelques recoins d’un chantier perdu dans le désert) et de temps (une unique nuit de A à Z) et en profite même pour pousser le minimalisme jusqu’à la radicalité.

Dans le texte d’origine comme dans le résultat filmique, seuls quatre personnages se retrouvent autour d’un grillage que nul n’ose franchir. Jamais réunis tous en même temps, leurs interactions sont réparties en duos autour d’un double axe narratif : la disparition du corps d’un ouvrier noir décédé plus tôt dans la journée dans ce qu’on s’obstine à appeler un accident, et l’arrivée de la jeune épouse du chef de chantier avec ses airs naïfs. Un corps en moins et un corps en plus, cela suffit à la réalisatrice pour faire une nouvelle fois la démonstration de son savoir-faire rare pour ce qui est de filmer les passions en voie de détonation.

L’expression slow burner a rarement semblé plus adéquate qu’ici. Fort exigeant de par son rythme et par son verbe, Le Cri des gardes est comme une lente apnée dans une nappe entre le glacé et le brûlant, où les désirs (désirs physiques, désirs de vengeance ou de brutalité) sont sans cesse sur le point d’exploser. Plongés dans une pénombre permanente pouvant évoquer Costa ou Lynch, les personnages ont l’air d’être en feu, et à 61 ans Matt Dillon n’a quasiment jamais été aussi canon. Denis a toujours su mettre en scène la présence corporelle de ses comédiens, et la manière dont elle plante Isaach de Bankolé dans son costume chic suffit à le transformer en totem vengeur et à couvrir ce huis-clos d’une dimension fantomatique.

Le pays exact où se déroule l’action n’est jamais nommé dans le texte d’origine. Cette « Afrique de l’ouest » est un terrain déjà familier pour la réalisatrice qui y a déjà situé plusieurs de ses films (Chocolat, Beau travail, White Material). Il y a un élégant paradoxe à la voir ici explorer ses motifs fétiches alors même qu’elle adapte le texte d’un autre. Si Le Cri des gardes apporte bel et bien du neuf à sa filmographie, c’est sans doute de par sa mise en scène. En effet, Denis troque ici sa caméra sensible, qui tremblote habituellement au plus proches de des comédiens, pour une caméra nettement plus fixe, aux cadrages rigoureux et souvent majestueux, qui met autant en scène les corps que l’angoissant vide autour d’eux.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Pour Klára

admin — Wed, 08 Apr 2026 12:50:23 +0000

David emmène ses deux enfants sur les rives de l’Adriatique pour tenter de ressouder leur famille fragilisée. Klára, sa fille aînée atteinte d’un trouble alimentaire, tombe amoureuse de Denis, un garçon du coin—jusqu’à ce qu’il soit accusé de meurtre et que David les ramène d’urgence chez eux. L’état de Klára s’aggrave, l’hospitalisation devient inévitable, et ses parents, désormais unis par la seule volonté de la sauver, se retrouvent face à des choix désespérés.

Pour Klára
Tchéquie, 2025
D’Olmo Omerzu

Durée : 1h50

Sortie : 08/04/2026

Note :

CRUEL SUMMER

Klara, 17 ans, est du genre à porter un pull Halloween au bord de l’eau en plein été, ou à s’enterrer dans des galets sur une plage nudiste. Comme plein d’ados, Klara aimerait simplement disparaître. Mais les maux de la jeune femme, qui souffre de troubles alimentaires, semblent plus profonds qu’un « simple » malaise adolescent. Lors de ces vacances pourtant mal parties, Klara va peut-être vivre quelque chose d’inattendu. Et d’heureux ? Pour Klára débute avec le bruit berçant des cigales, une mélodie qui invite à l’insouciance. Cet été pourrait être superbe : c’est celui du premier amour de Klara qui craque de manière évidente sur le beau gosse athlétique du coin.

Pour Klára réunit deux types d’archétypes : le récit d’apprentissage estival et l’histoire d’amour pour le mauvais garçon. Il y a un confort à suivre ces motifs connus (servis par une interprétation solide), et le film privilégie l’élégance accessible du drame plutôt qu’un malaise frontal à l’autrichienne – qui lui aurait probablement donné un relief plus marqué. Mais, peu à peu, à travers un élément narratif qu’il vaut mieux découvrir en voyant le film, le malaise s’installe. La famille est remplie de bonnes intentions vis-à-vis de l’adolescente en souffrance, et ces intentions prennent, de manière réjouissante, le chemin du mensonge et du mauvais esprit.

Comment s’arrange t-on avec sa morale ? Pour Klára pose d’intéressantes questions familiales, mais ce que le long métrage pourrait avoir de mordant nous semble parfois aplati par une confection assez sage et appliquée. On se prend à imaginer un remake de Catherine Breillat, dont le féroce L’Été dernier était une adaptation du Danois Queen of Heart. Pour Klára flirte même avec une idée très traditionnelle de famille sauvée par le père, de père prêt à tout pour sauver sa famille. Heureusement, le Slovène Olmo Omerzu et ses co-scénaristes Nebojsa Pop-Tasić et Kasha Jandáčková ont la très bonne idée d’apporter une dernière note particulièrement cinglante à Pour Klára – même si celle-ci se fait un peu attendre.

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par Nicolas Bardot

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Festival National du Film d’animation | Entretien avec Jocelyn Charles

admin — Wed, 08 Apr 2026 03:31:00 +0000

Dévoilé au dernier Festival de Cannes (en compétition à la Semaine de la Critique), sélectionné au Festival de Clermont-Ferrand et nommé au César du meilleur court, Dieu est timide est au programme du Festival National du Film d’Animation. Le Français Jocelyn Charles raconte l’histoire de deux jeunes gens qui, lors d’un trajet en train, échangent sur leurs plus grandes terreurs. Le cinéaste compose une captivante exploration de la peur, visuellement très inspirée et d’une réjouissante imprévisibilité. Quel niveau d’imprévisibilité ? Pensez à l’iconique Danièle Evenou plongée dans des visions glaçantes et hallucinées à la Junji Ito. Jocelyn Charles est notre invité.

**Quel a été le point de départ de Dieu est timide ?**

Dieu est timide nait d’une envie de faire un court métrage, souvent évoquée mais jamais entamée, jusqu’à ce qu’elle soit concrétisée par Ugo et Felix les deux créateurs du studio Remembers dans lequel je travaille ; Sachant que je trouve l’inspiration sous la contrainte, ils m’ont imposé de leur fabriquer une animatique (storyboard animé) d’une minute dans les deux mois qui ont suivi notre discussion. J’ai alors, sans réfléchir, tout de suite mis à l’image mes idées, en créant par le storyboard, sans écriture au préalable. Mon seul fil rouge était que je voulais dessiner des scènes que j’aurais envie de voir en tant que spectateur.

Ce film était aussi l’opportunité de consolider et concrétiser mon univers artistique. Pendant la réalisation du clip Hématome pour le groupe L’Impératrice, j’ai développé avec ma co-réalisatrice Roxane Lumeret, le sujet de la monstruosité, qui est devenu un thème récurrent dans mon travail. Dans le clip How Do I Make You Love Me pour l’artiste The Weeknd, que j’ai réalisé et imaginé seul, j’ai poussé un degré de plus dans l’horreur, allant parfois jusqu’au « gore », avec de la décomposition, du sang, des visages horrifiques. Tout cela m’a donné des clés et des idées de scènes que je désirais mettre au service d’une histoire originale et plus personnelle.

Je suis également fasciné par les questionnements métaphysiques, l’astronomie, l’inconscient. Mon précédent court métrage, réalisé en groupe, avait pour thème la zététique, c’est à dire l’étude rationnelle opposée aux sciences occultes. Je crois que j’ai toujours aimé ces sujets, et ils sont naturellement venus à moi pendant la création de ce film, comme guidés par mon subconscient.

Il y a dans votre film une dimension horrifique hallucinée qui tend vers le grotesque, et qui m’a évoqué les mangas d’horreur comme ceux de Junji Ito par exemple. Est-ce que cela constituait une influence ou aviez-vous d’autres inspirations ?

Bien vu ! Je suis en effet assez fan du travail de Junji Ito. J’ai d’ailleurs réalisé en 2021 avec la chaîne américaine Adult Swim, qui diffusait une adaptation du manga Spirale de Junji Ito, une animation hommage à cette œuvre. Je suis très influencé par la narration visuelle japonaise, que ce soit en manga ou en animation, et il faut avouer qu’ils sont les maîtres dans les histoires à destination des adolescents / adultes. Là où en occident, l’animation ou la bd restent plutôt cantonnés à un public très jeune. J’ai aussi été très inspiré par les frères Coen pour le mélange entre burlesque et violence, et plus récemment par les frères Safdie pour leurs trips effrénés et haletants, enrobés de beaucoup de poésie.

Comment vous est venu l’idée de caster Danièle Evenou pour cette voix particulièrement importante du film, et pouvez-vous nous parler de votre collaboration ?

Pour être honnête, Danièle n’était pas la première voix à laquelle j’avais pensé. J’ai voulu une voix capable d’improviser, qui avait du caractère, qui paraissait déjà déjantée sans même voir son visage. Je voulais que la comédienne n’ait presque pas à jouer, juste à être elle-même. Avec mes producteurs, nous avions contacté Béatrice Dalle qui aurait évidemment grandement imprégné le film de sa personnalité (peut-être trop après considération ?). Finalement cela n’a pas pu se concrétiser avec Béatrice, et après des heures de visionnage de comédiennes sur internet, je suis tombé sous le charme de la personnalité de Danièle, notamment une interview dans laquelle elle parle de ses relations passées. La projection était aisée étant données les similitudes entre son récit et le thème de mon film, nous l’avons donc contactée et elle a accepté avec beaucoup de gentillesse.

Finalement, n’ayant qu’une journée d’enregistrement pour 15mn de film, je n’ai pas pu m’offrir le luxe d’essayer l’improvisation avec Danièle, j’ai senti que la singularité de l’histoire, le contexte de notre rencontre et son expérience passée ne l’avaient pas aidée pour ce type d’exercice. Mais elle a pu tout de même insuffler énormément de personnalité à mon texte, et je suis très fier du résultat.

Votre utilisation des couleurs est frappante et suit davantage les émotions qu’une représentation réaliste. Comment avez-vous approché ce surprenant usage des couleurs ?

La couleur est évidemment un curseur essentiel d’émotions. Le bleu et le violet du train amènent une froideur qui prépare l’évènement dramatique à venir, et les couleurs chaudes du paysage qui défile nous invitent dès le départ à voir la nature comme un échappatoire plus réconfortant. Les personnages, eux, sont très souvent dotés de couleurs très saturées, pour ramener de la légèreté, presque un côté enfantin à leurs apparences. Les couleurs saturées ont disparu progressivement depuis les années 60, il y a eu un déclin dans tous les domaines, mobilier, objets, vêtements, et même dans la bande dessinée et la pop culture plus généralement.

En plus de la légèreté, pour moi elles amènent aussi de l’humour, comme une façon de se prendre moins au sérieux. Je pense par exemple à la figure de Superman, dans les années 50, les couleurs étaient saturées, les poses, les décors, tout était stylisé, avec beaucoup de symbolisme. Aujourd’hui, les comics ou les films adoptent des couleurs ternes, se prennent très au sérieux, le costume de Superman est devenu presque gris : je trouve ça dommage.

Qu’est-ce qui vous a dirigé vers ce thème de la peur, pouvez-vous nous en dire davantage sur ce que vous souhaitiez explorer à travers ce film et ses récits horrifiques enchevêtrés ?

Je trouve que le genre de l’horreur est un genre « populaire » qu’on associe souvent à tort à de la sous-culture, un genre moins noble que celui du drame ou de la romance. C’est pourtant le seul qui peut réellement ajouter une nouvelle émotion à notre palette d’émotions de spectateur : la peur. Comme une nouvelle couleur, on peut l’associer à d’autres, la mélanger, l’effacer ou l’étaler.

Je suis fasciné par le travail de Ari Aster, qui a su esthétiser l’horreur par son originalité dans la mise en scène et dans les situations qu’il crée. J’aimerais insuffler de l’humour dans ces situations, comme il a pu le faire dans son dernier film Beau is Afraid, ou comme pourrait le faire Jordan Peele dans ses films. J’ai également été très touché par le chef d’œuvre coréen The Strangers, qui mélange les genres, les tons, et qui revisite les films de possession avec le chamanisme et le folklore coréen.

Se raconter des histoires d’horreur a toujours été le petit plaisir des adolescents et mêmes des plus âgés : le fantasme de l’histoire au coin du feu, qui nous fait frissonner. C’est, comme avec les couleurs, une volonté d’amener de la légèreté dans la forme, du divertissement, pour mieux jouer, par contraste, avec un fond plus poétique.

De plus, l’animation étant un medium extrêmement chronophage (animer un personnage se déplacer d’une pièce à l’autre, d’un endroit à un autre, étant si long et fastidieux à fabriquer) que l’idée de se raconter des histoires est aussi un moyen de gagner du temps, de jouer avec mon medium : elle m’autorise à me téléporter d’un décor à un autre, avoir comme une succession d’illustration, comme une suite de petits GIF. Je crois que ça me plait de fonctionner ainsi.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 7 mai 2025. Un grand merci à Andréa Goncalves.

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Critique : Nuestra tierra

admin — Tue, 31 Mar 2026 04:27:53 +0000

Argentine, 2009. Trois hommes blancs tentent d’expulser les membres de la communauté autochtone Chuschagasta, revendiquant la propriété des terres. Armés, ils tuent le chef de la communauté, Javier Chocobar. Le meurtre est filmé, et en 2018, après neuf ans d’impunité et des siècles d’histoire coloniale, le procès s’ouvre.

Nuestra tierra
Argentine, 2025
De Lucrecia Martel

Durée : 1h52

Sortie : 01/04/2026

Note :

PROPRIÉTÉ PRIVÉE

La caméra de Lucrecia Martel prend souvent de la hauteur dans son documentaire Nuestra tierra. Le film débute d’ailleurs dans l’espace, la caméra s’approche petit à petit d’une terre dont la nature dessinée reste quelque peu abstraite : des grandes lignes, des touches de couleurs. Les prises de vue sont de plus en plus près, mais la caméra s’envole régulièrement au fil du long métrage. Un drone filme des chèvres qui se promènent, pour plus tard se retrouver percuté par un oiseau qui passait par là. Prendre de la hauteur : le long métrage ne raconte pas qu’un fait divers à éplucher entre les murs d’un tribunal, il fait le récit d’une terre, d’un pays et d’un continent.

Derrière le meurtre de Javier Chocobar, un représentant de la communauté indigène de Chuchagasta, il y a l’histoire de toute une population. On regarde beaucoup de photos anciennes dans Nuestra tierra, et celles-ci sont accompagnées d’amples narrations. Chacune de ces traces raconte une mémoire profonde, et reconstitue une identité. « Les Indigènes n’étaient pas aimés à l’époque », est-ce que cela a vraiment changé aujourd’hui ? Nuestra tierra raconte l’effacement de communautés, tout comme leur non-reconnaissance. Que se passe-t-il alors lorsqu’un tel cas est porté au tribunal ? Alors que Martel se penche longuement sur la place accordée aux voix racisées hors du tribunal, ce dernier se trouve rempli de paroles de personnes blanches. Comment rendre justice alors que l’esprit du colonialisme perdure ?

Aux émouvantes photos en noir et blanc s’oppose une vidéo de mauvaise qualité, remplie de pixels, sur l’exécution de Javier Chocobar. Un propriétaire terrien souhaite l’expulser lui et les siens de leurs terres ancestrales. Qui détient les documents ? Que représentent-ils ? Qui, à travers eux, détient également la narration ? Si le film se montre parfois répétitif sur ses deux heures, c’est aussi parce que ces confrontations ne sont pas aisées. Il y a de la difficulté à remuer ces fantômes et, de manière particulièrement amère, le film montre que le verdict réconfortant d’un tribunal peut vite être rendu obsolète. Mais la narration change de camp : beaucoup dans le film, plus laborieusement dans la vie. Néanmoins, comme il est scandé aux abords du tribunal, lorsque cette parole indigène est émise et entendue, Javier Chocobar, malgré sa tragique disparition, est présent.

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par Nicolas Bardot

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Festival Cinélatino | Critique : Hiedra

admin — Sat, 21 Mar 2026 05:38:46 +0000

Azucena, une femme de 30 ans, espionne les adolescents d’un foyer. Dans leurs jeux et leur sens de la fraternité, elle cherche des fragments de son propre passé, poussée par un événement traumatique qui a marqué son adolescence et l’a laissée suspendue dans le temps. Son intérêt se concentre particulièrement sur Julio, un garçon de 17 ans. Bien que leurs mondes sociaux soient très éloignés, leurs blessures, leurs rires partagés et la découverte de l’autre guident leur voyage œdipien vers les rochers d’un volcan. Là, loin de tout, ces deux personnages marqués par l’absence se transforment en quelque chose d’autre.

Hiedra
Equateur, 2025
D’Ana Cristina Barragan

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

QUE VEUX-TU

Azucena mate des adolescents. Campée à la sortie de leur pensionnat, elle les espionne dans leurs discussions quotidiennes et leurs éclats de rire. Poussée par on ne sait trop quel désir, elle tente même maladroitement de se joindre à leurs jeux encore enfantins. Azucena se comporte presque comme un vieux pervers, mais c’est une jeune femme pas vraiment beaucoup plus âgée que ce groupe de jeunes, et la gêne étrange qu’elle dégage rend ses motivations complètement floues à nos yeux comme à ceux des autres personnages. Est-ce une illuminée qui se prend pour une ado ? Tente-t-elle de draguer le chef de la bande ? A-t-elle un plan derrière la tête en s’approchant particulièrement de ce dernier ?

La cinéaste équatorienne Ana Cristina Barragán possède l’art de faire flotter sur ses films une étrange tension. En effet, il ne se passe a priori rien de très grave dans cette rencontre. Ces ados ont des occupations bien innocentes pour leur âge et après quelques moqueries, ils finissent même par accueillir Azucena comme l’une d’entre eux. Pourtant tout est nerveux à l’image : l’absence de tout contexte explicatif, les plans rapprochés sur les visages interloqués, et même les ralentis. Ainsi, une simple scène où elle se contente de couper les cheveux d’un garçon donne l’impression de pouvoir exploser vers n’importe quelle direction choc. Comme dans le précédent film de la réalisatrice (La Piel pulpo, également présenté à la Mostra), il n’y a pas d’explication psychologique, juste des pulsions.

Cette précieuse ambiguïté, qui transforme ce drame en suspens énigmatique, est autant l’œuvre de la réalisatrice que celle de l’actrice, particulièrement brillante. Déjà repérée dans La Région sauvage, la Mexicaine Simone Bucio apporte un mélange de fragilité et d’inquiétude avec son visage à la fois enfantin et épuisé. La deuxième moitié du film vient répondre à la plupart des questions posées par le début, d’une manière qu’on ne révèlera pas. Cette évolution vers un récit sans doute plus accessible montre que la réalisatrice sait doser mystère et non-dit sans pour autant perdre la main de ses personnages (qui deviennent de plus en plus poignants) et de son public.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Las Corrientes

admin — Wed, 18 Mar 2026 03:27:23 +0000

Lina, 34 ans est une styliste argentine au sommet de sa carrière. En Suisse pour recevoir un prix prestigieux, elle se jette sans raison apparente dans un fleuve. De retour à Buenos Aires, elle garde le silence sur cet épisode. Pourtant, de façon presque imperceptible, quelque chose en elle a changé. Une peur de l’eau s’installe, insidieuse, et finit par paralyser son quotidien. Peu à peu, ce bouleversement intérieur fait remonter à la surface un passé qu’elle croyait à jamais enfoui.

Las corrientes
Argentine/Suisse, 2025
De Milagros Mumenthaler

Durée : 1h44

Sortie : 18/03/2026

Note :

L’ÂME DANS L’EAU

Aussi rare que mystérieuse, la cinéaste suisse-argentine Milagros Mumenthaler (lire notre entretien) signe avec Las Corrientes seulement son troisième long métrage en une quinzaine d’années. Le fait que son premier long métrage, l’impressionnant Trois sœurs (dont le titre original, Abrir puertas y ventanas, avait davantage de personnalité que sa version française), ait remporté pas moins de cinq prix dont le Léopard d’or au Festival de Locarno en 2011 aurait pu et dû lancer une carrière cinématographique qui en impose, mais sa courte filmographie a eu au contraire quelque chose d’insaisissable. Son second long, l’énigmatique La Idea de un lago, n’est effectivement jamais sorti chez nous et c’est seulement aujourd’hui que le public français retrouve sa trace.

Lina, la protagoniste de Las Corrientes, est également une femme pleine de secrets. On la découvre et la suit d’abord dans une succession de scènes entièrement muettes où ses actions semblent guidées par une force mystérieuse. A peine vient-elle de se voir remettre un trophée dans la salle de réunion d’une entreprise qu’elle se réfugie aux toilettes pour le jeter à la poubelle, avant de s’enfuir à travers les rues, où l’on dirait qu’elle cherche à se jeter elle-même quelque part tel un déchet encombrant. Magnétique, cette cinglante introduction évoque celles de deux longs métrages germanophones d’il y a une quinzaine d’années : Sous toi la ville de l’Allemand Christoph Hochhäusler et Soldate Jeannette de l’Autrichien Daniel Hoesl. Ironiquement, c’est presque comme si Las Corrientes reprenait là où on avait laissé Mumenthaler en 2011 : dans une périphérie passionnante de l’Ecole de Berlin alors en plein essor, aux personnages féminins fantomatiques cherchant à retrouver le contact avec leur environnement.

Mais derrière cette apparente familiarité, Las Corrientes n’est pas que de la redite. « Rien n’est original, l’important c’est le point de vue que tu apportes » entend-on lors d’une scène. Habitée par des pulsions de mort, Lina ne sait plus comment communiquer avec son entourage et sur le papier, Las Corrientes pourrait en effet avoir l’air d’un casse-tête psychologique. Mais si le film fait effectivement preuve de radicalité, il sait aussi être généreux à sa manière. La mise en scène de Mumenthaler vient plonger ces figures reconnues dans un courant plus imprévisible : à la grisaille attendue répond ici une palette poétique où les nuances de bleu ne sont pas que celles, glacées, de la mélancolie mais les moires chaleureuses du rêve, tandis que le remarquable habillage musical transpose ce portrait psychologique vers le registre du mélo merveilleux.

L’opacité de Lina ne la rend pas aisément attachante, mais dans son sillage, Mumenthaler sème des indices oniriques : une masse de cheveux presque vivants sur un canapé, une couverture de survie aux airs de cape magique, une broderie aux femmes sans visages, etc. Dans Trois sœurs, l’écriture était rigoureuse, elle est ici plus bancale et enivrée. Las Corrientes possède un ventre mou où l’on se demande si le récit obéit bien à la moindre boussole, mais telle une respiration avant le grand plongeon, celui-ci laisse place à la meilleure séquence du film, parenthèse rêveuse où la vie de quartier se déploie autour de l’héroïne haut perchée, avec un réalisme magique pouvant rappeler Sous le ciel de Koutaïssi. Las Corrientes tangue certes avec sa propre logique imparfaite mais ne manque ni de charme ni de personnalité.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Le Mystérieux regard du flamant rose

admin — Tue, 17 Feb 2026 16:31:25 +0000

Début des années 1980, dans le désert chilien. Lidia, 11 ans, grandit au sein d’une famille flamboyante qui a trouvé refuge dans un cabaret, aux abords d’une ville minière. Quand une mystérieuse maladie mortelle commence à se propager, une rumeur affirme qu’elle se transmettrait par un simple regard. La communauté devient rapidement la cible des peurs et fantasmes collectifs. Dans ce western moderne, Lidia défend les siens.

Le Mystérieux regard du flamant rose
Chili, 2025
De Diego Céspedes

Durée : 1h44

Sortie : 18/02/2026

Note :

LA VIE AU RANCH

La jeune Lidia grandit dans un contexte qui n’a rien d’habituel. Non seulement elle réside en plein désert mais elle partage son habitation avec un groupe de femmes trans et de drag queens (des autoproclamées travestis, selon le mot espagnol qui peut justement englober les deux). Les raisons qui l’ont amenée à vivre ainsi entourée de marraines queer n’est expliqué que du bout des doigts et après tout tant mieux. C’est comme ça et pas autrement, et c’est même très bien comme ça : à peine Lidia se fait-elle emmerder par les ados débiles du coin que tout ce ranch trans se met joyeusement en branle pour aller rétablir la justice à coup de poings. Si vous cherchez la bagarre, vous l’avez trouvée.

De la castagne, il y en a régulièrement dans le quotidien de Lidia et sa famille. Ces femmes fières ne sont pas du genre à se laisser marcher sur les pieds et ce n’est pas qu’une métaphore. Des films queer qui incitent à une fière rébellion, on en a vu des tas, mais la récurrence avec laquelle ce drôle de récit nous incite à une saine colère exprimée à coups de torgnole témoigne d’un mauvais esprit réjouissant. Le Mystérieux regard du flamant rose ne ressemble pourtant pas du tout à une version queer de Shérif, fais-moi peur. S’il possède bel et bien des parenthèses humoristique, le ton général est à… oui tiens, à quoi d’ailleurs ? Comment qualifier la drôle d’atmosphère digne et rageuse à la fois qui règne sur le film ?

Une légende plane sur ce coin du Chili. L’action se déroule au début des années 80 et les vieux du coin raconte que les femmes trans et autres homosexuels seraient capable de transmettre une maladie mortelle rien que par le regard. La métaphore n’a pas besoin d’être davantage surlignée et le cinéaste Diego Céspedes trouve l’équilibre judicieux pour la manier sans lourdeur, avec poésie et recueillement. Le Mystérieux regart du flamand rose possède quelques imperfections de rythme mais son scénario n’a pas peur de virages, des variations de tons inattendues (certaines bulles oniriques méritent d’être découvertes sans spoiler) et se permet même le culot talentueux de changer de protagoniste en cours de route. Poignante et merveilleuse à la fois, voilà une histoire de transmission queer entre générations telle qu’on aimerait en croiser plus souvent.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Coutures

admin — Tue, 17 Feb 2026 16:30:41 +0000

A Paris, dans le tumulte de la Fashion Week, Maxine, une réalisatrice américaine apprend une nouvelle qui va bouleverser sa vie. Elle croise alors le chemin d’Ada, une jeune mannequin sud‐soudanaise ayant quitté son pays, et Angèle, une maquilleuse française aspirant à une autre vie. Entre ces trois femmes aux horizons pourtant si différents se tisse une solidarité insoupçonnée. Sous le vernis glamour se révèle une forme de révolte silencieuse : celle de femmes qui recousent, chacune à leur manière, les fils de leur propre histoire.

Coutures
France, 2025
D’Alice Winocour

Durée : 1h46

Sortie : 18/02/2026

Note :

J’ÉTAIS LA PLUS BELLE DES FLEURS DE TON JARDIN

Depuis sa chambre d’hôtel de luxe en face du Jardin des Tuileries, Maxine, une réalisatrice américaine venue tourner un court métrage pour la Fashion Week, entend sans y prêter attention les bruits joyeux de la fête foraine. Qu’est-ce qui se passe à l’ombre des manèges, de la grande roue et de ses lumières colorées ? Quelles mille et une vies secrètes se déploient dans le quartier, dans la ville, dans les coulisses d’un défilé de mode, dans les couloirs d’un hôpital ? Derrière son apparente frivolité (pourtant, la mode est « inutile mais essentielle » lance Maxine en un sourire), Coutures s’attache aux sentiments cachés de ses protagonistes, à ce qui ne se voit pas et à ce qui les lie.

D’une réalisatrice à un mannequin à une maquilleuse, Coutures change régulièrement de personnage et de point de vue. Grâce à une remarquable fluidité d’écriture, la cinéaste française Alice Winocour parvient à éviter les possibles gros sabots du film choral. Elle donne une finesse et une respiration à ses différentes héroïnes, toutes regardées avec une émouvante tendresse. La mode n’est pas nécessairement superficielle, la tendresse n’est pas synonyme de mièvrerie. Coutures évoque le monde du travail, les petites mains qui assemblent les sequins, les modèles qui ont fui l’Ukraine ou le Soudan pour changer de vie sous les spotlights. C’est la vie d’une maquilleuse, « mais presque », nuance Angèle (Ella Rumpf, très convaincante) au sujet du récit qu’elle est en train d’écrire. C’est la vie d’une réalisatrice (Angelina Jolie, au charisme magnétique et un rien camp), mais pas seulement. C’est la vie d’un mannequin (Anyier Anei, pour son premier rôle), mais pas seulement. Car le film se glisse subtilement derrière les rôles sociaux pour embrasser ses personnages et leurs problématiques.

Ainsi, Coutures se plonge dans les artifices (d’un tournage, d’un défilé) pour examiner les vérités d’Ada, de Maxine, d’Angèle. Ce ne sont pas forcément des portraits extrêmement approfondis mais l’écriture et les interprètes suggèrent suffisamment pour composer des personnages poignants. Ces sentiments qui débordent sont soulignés par la rigueur d’un monde fascinant où tout est codé, mesuré, minuté. Tout doit obéir aux règles, mais tout y échappe. C’est un bon moteur narratif : celui du drame hospitalier ou tout simplement ce suspens qui paraît dérisoire mais qui pourtant est particulièrement efficace – le mannequin parviendra t-il à marcher malgré sa cheville blessée ?

Sous les strass, Coutures tisse ses fils, les fils qui relient ces différentes femmes. Ce sont les coutures des corps sans paroles qu’Alice Winocour raconte, des coutures subtiles, maîtrisées, mais qui peuvent craquer. Le monde lisse et ordonné peut être plongé dans le chaos par une tempête intérieure… ou par une tempête tout court. Lors d’un segment au grand souffle dramatique (à la fois métaphorique et littéral), Coutures ouvre les vannes. Les émotions sont une tornade, rehaussée par la bande originale co-composée par la musicienne suédoise Anna Von Hausswolff. Après un film (et une vie ?) à se retenir, Coutures et ses protagonistes ne se retiennent plus. Une simple goutte de sang peut suggérer un heureux changement, dit-on dans le long métrage. Le film examine avec élégance les vies changées de ses belles héroïnes.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Les Dimanches

admin — Wed, 11 Feb 2026 07:10:27 +0000

Ainara, 17 ans, élève dans un lycée catholique, s’apprête à passer son bac et à choisir son futur parcours universitaire. A la surprise générale, cette brillante jeune fille annonce à sa famille qu’elle souhaite participer à une période d’intégration dans un couvent afin d’embrasser la vie de religieuse. La nouvelle prend tout le monde au dépourvu. Si le père semble se laisser convaincre par les aspirations de sa fille, pour Maite, la tante d’Ainara, cette vocation inattendue est la manifestation d’un mal plus profond …

Les Dimanches
Espagne, 2025
D’Alauda Ruiz de Azúa

Durée : 1h55

Sortie : 11/02/2026

Note :

J’Y CROIS/J’Y CROIS PAS

Éclairé la nuit lors d’une pyjama party, le crucifix accroché au mur suscite avant tout étonnement et ricanements parmi les jeunes filles dans la première scène des Dimanches. Plus tard, la possibilité d’avoir la foi et pire, le désir d’entrer dans les ordres sont le sujet d’un défi pas très sérieux, forcément ridicule, lors d’une partie de « J’ai jamais / j’ai déjà ». Vouloir être une bonne sœur est nécessairement une lubie saugrenue ; c’est pourtant le désir d’Ainara dans ce long métrage réalisé par l’Espagnole Alauda Ruiz de Azúa (lire notre entretien).

« Il ne faut pas croire tout ce qu’on dit aux enfants », se méfie t-on dans Les Dimanches, comme il faut semble-t-il se méfier de ce que peut dire le prêtre. Mais faut-il croire ce que disent les enfants ? La question se pose pour la famille d’Ainara, qui tombe de son siège lorsque la jeune fille fait part de sa conviction. Ainara ne souffre pas vraiment d’une crise de foi, c’est plutôt sa famille qui est en crise. A travers un glissement finement écrit, Les Dimanches n’est pas tant un film sur le mystère de la foi d’Ainara qu’un film sur la stupéfaction que celle-ci suscite dans son entourage proche.

Si le long métrage montre un certain nombre de confrontations dialoguées (de confidences en disputes), la qualité du scénario Alauda Ruiz de Azúa réside dans sa capacité à dire sans trop expliquer, à ne pas faire s’exprimer ses personnages comme s’ils articulaient un exposé. Les disputes au cinéma peuvent facilement être artificielles – la réalisatrice parvient à leur donner leur nerf incontrôlé et leur cruauté chaotique. Le film sait aussi, de manière vivante, varier ses tonalités, car malgré les tensions, malgré les rancœurs familiales, la vie peut aussi être une comédie.

Ainara (qui, dans une scène où elle semble contempler un miroir, regarde en fait… le mur) est une page blanche sur laquelle se reflètent les émotions fortes des personnages secondaires. L’intériorité de l’une (même si celle-ci se brise lors d’une scène désarmante) met en valeur l’expressivité des autres, et vice-versa. On peut souligner les interprétations remarquables et complémentaires du casting, notamment de Blanca Soroa qui trouve ici son premier rôle et Patricia López Arnaiz (remarquée notamment dans 20.000 espèces d’abeilles). La mise en scène de ce très bon drame se met au service de ses brillant.es interprètes, le tout rehaussé par un scénario qui sait allier un savoir-faire grand public et des saillies cinglantes bienvenues.

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par Nicolas Bardot

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