San Sebastian - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Sarlat | Critique : Les Braves

admin — Wed, 04 Nov 2026 15:29:36 +0000

Le jeune soldat Pierre veut faire ses preuves sur le front pendant la Première Guerre mondiale. Derrière les lignes, il rencontre Francis, chargé de remonter le moral des troupes.

Les Braves
Belgique, 2026
De Lukas Dhont

Durée : 2h00

Sortie : 18/11/2026

Note :

JE N’SUIS PAS UN HÉROS

Souris, souris, souris, répètent de joyeux soldats dans une chanson qu’ils entonnent. Lors de la Première Guerre Mondiale, des jeunes gars sont à bord d’un train vers le front et vers une possible mort, mais les voilà qui braillent une ritournelle enthousiaste – probablement pour se donner du courage. Le contraste qui apparaît dans cette scène sous-tend une bonne partie de Les Braves (Coward), nouveau long métrage du Belge Lukas Dhont. Dans Les Braves, les protagonistes font une différence nette entre les héros et les lâches, il y a nous et les pas comme nous, avec une ligne tracée entre les deux. Pourtant tout est plus trouble dans la réalité du jeu de massacre. Les discours bravaches explosent comme les corps, il n’y a plus lâches ni héros, juste de la chair à canon.

Pour son film, Lukas Dhont dit s’est inspiré d’une histoire méconnue de la guerre. La mémoire peut être politique, et ce que Dhont a découvert via des photos et journaux intimes d’époque n’est pas vraiment ce qui est mis en avant dans les livres d’Histoire. Pendant que les soldats saignent au combat, certains d’entre eux organisent des revues travesties pour leur divertissement. « Pas de larmes ici » reproche t-on à un soldat qui craque, tandis qu’en contrepoint d’autres garçons singent ou explorent une féminité hyperbolique à travers un jeu de rôles qui peut servir de révélation. La distinction réelle n’est pas entre les héros et les lâches. Elle est plutôt à chercher du côté de l’impérialisme viriliste dont la brutalité tue, et la tendresse des garçons sensibles qui s’aiment.

Les Braves se déroule quasi-exclusivement à la guerre et ses enchaînement sont vifs. Il y a là une efficacité narrative, entre les scènes violentes qui coupent le souffle et les parenthèses : sordides quand on ramasse les cadavres, hantées lors des attentes nocturnes. Si le récit roule, il reste néanmoins chez Dhont une propension à enrober ses films, qui disent et démontrent beaucoup, ce qui prive le long métrage de plus de profondeur et d’aspérité. Il y a néanmoins un point de vue qui fonctionne dans la manière qu’a le film d’examiner la guerre par le prisme du genre. Vraisemblablement, il faut faire ça : faire la guerre, faire une famille. La prison patriarcale n’épargne personne, jusqu’à l’absurdité, durant la guerre et même après. Dans Les Braves, on apprend à vivre avec les hurlements de douleurs, on agite les flonflons parmi les gueules cassées. Pourtant, il y a peut-être une porte de sortie, une cachette dans les marges, lorsque les soi-disant lâches laissent les bonhommes se faire mal entre eux.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Club Kid

admin — Wed, 04 Nov 2026 02:36:42 +0000

Peter, organisateur de soirées branchées à New York, mène une existence aussi effrénée qu’insouciante, rythmée par les nuits festives et les excès. Sa vie bascule lorsqu’Arlo, le fils de 10 ans dont il ignorait l’existence, frappe à sa porte. Dépassé par ce rôle de père qu’il n’avait jamais envisagé, il est rapidement conquis par le charme et la spontanéité de l’enfant. Au fil du temps, un lien aussi inattendu que profond se tisse entre eux, et Peter découvre enfin qu’il existe une vie au-delà de la prochaine fête.

Club Kid
États-Unis, 2026
De Jordan Firstman

Durée : 2h02

Sortie : 04/11/2026

Note :

RÉVEILLE PAS PAPA

C’est une nuit parmi d’autres dans la vie de Peter : de club en club, de soirée en soirée, de drogue en drogue, à côtoyer Kandy Muse, Shygirl ou Amanda Lepore, parmi des gays sous stéroïdes ou non selon les modes. La caméra dans le taxi est étourdissante, elle effectue un mouvement circulaire sur Peter et ses potes noctambules tandis que le chauffeur fronce les sourcils en se concentrant sur la route. Ce cercle semble symboliser à la fois la répétition et le tourbillon, tandis que le carton nous indiquant que quelques années sont passées suggère que toutes les nuits jusqu’alors ont été aussi hautes en couleur.

Sans trop en dévoiler, il arrive à Peter l’un des pires cauchemars qui puisse arriver à un gay clubber : on lui apprend qu’il est père, et qu’il doit s’occuper de son gamin. Peter père, lui qui ne se souvient même plus avoir vaguement baisé dans un état plus que second avec une meuf désormais morte – c’est dire que la fibre paternelle ne saute pas vraiment aux yeux. Club Kid (premier film de Jordan Firstman, découvert au cinéma dans Rotting in the Sun) utilise des archétypes on ne peut plus hétérosexuels avec la thématique de la réconciliation père/fils, transposée dans un milieu opposé. Ce mélange prend étonnamment bien et fonctionne sur deux points : cette réconciliation est émouvante et le film demeure malgré tout super gay.

Sur le papier, la paternité de Peter qui le ferait rentrer dans le droit chemin, loin des clubs et des substances illicites, pourrait être un point de vue assez moralisateur. Mais tout cela est rééquilibré par la lucidité (le film ne romantise pas l’usage de drogues) et surtout l’humour vache de Club Kid : le film est très drôle, ce qui permet également de ne pas tomber dans le sentimentalisme. Le long métrage n’hésite d’ailleurs pas à être méchant avec ou à se moquer de l’enfant – on vous laisse à ce sujet le plaisir de la découverte. Par ailleurs, Club Kid n’est pas dupe de ce monde qui, sous son vernis, n’a souvent rien à foutre de ses enfants. L’attachement de Peter pour son gosse ne va pas de soi, et c’est une perspective particulièrement rafraichissante à voir. Et les règles sévères qui encadrent la parentalité paraissent laisser les bien-être de l’enfant au second plan.

A vrai dire, Club Kid n’est pas tant un film sur le fait de devenir père, qu’un film sur le fait de devenir un adulte – et plus précisément un adulte queer. Les marqueurs de l’âge, pour les hétérosexuels et les homosexuels, ne sont pas les mêmes et ne sont pas accompagnés des mêmes rituels. Peter doit se soumettre aux tests comme tout le monde, ceux-ci sont censés déterminer s’il est capable d’être père, mais aussi d’être un adulte digne de ce nom. Il y a l’insouciance flamboyante des nuits mais aussi les nuits dont on sort comme une épave. Il y a les fêtes qui ne cessent jamais et les années qui s’échappent. Il y a la reprise en main, et toutes les embûches. Club Kid parvient à être chaleureux sans mièvrerie, ce qui est une prouesse avec de tels sujets. Il est également un portrait électrisant de la vie queer new-yorkaise, de ses ombres et ses lumières. Un lent mouvement en arrière est effectué lors d’un plan du film, inscrivant la petite histoire familiale derrière une fenêtre dans l’immense décor de la ville. Firstman parvient à saisir les enjeux intimes et le mouvement du monde avec maestria.

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par Nicolas Bardot

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Entretien avec Jocelyn Charles

admin — Wed, 04 Nov 2026 01:31:00 +0000

Dévoilé au Festival de Cannes (en compétition à la Semaine de la Critique) **et nommé au César du meilleur court, Dieu est timide est dès ce mercredi 4 novembre au cinéma, au programme de l’anthologie Zones troubles. Le Français Jocelyn Charles raconte l’histoire de deux jeunes gens qui, lors d’un trajet en train, échangent sur leurs plus grandes terreurs. Le cinéaste compose une captivante exploration de la peur, visuellement très inspirée et d’une réjouissante imprévisibilité. Quel niveau d’imprévisibilité ? Pensez à l’iconique Danièle Evenou plongée dans des visions glaçantes et hallucinées à la Junji Ito. Jocelyn Charles** est notre invité.

**Quel a été le point de départ de Dieu est timide ?**

Dieu est timide nait d’une envie de faire un court métrage, souvent évoquée mais jamais entamée, jusqu’à ce qu’elle soit concrétisée par Ugo et Felix les deux créateurs du studio Remembers dans lequel je travaille ; Sachant que je trouve l’inspiration sous la contrainte, ils m’ont imposé de leur fabriquer une animatique (storyboard animé) d’une minute dans les deux mois qui ont suivi notre discussion. J’ai alors, sans réfléchir, tout de suite mis à l’image mes idées, en créant par le storyboard, sans écriture au préalable. Mon seul fil rouge était que je voulais dessiner des scènes que j’aurais envie de voir en tant que spectateur.

Ce film était aussi l’opportunité de consolider et concrétiser mon univers artistique. Pendant la réalisation du clip Hématome pour le groupe L’Impératrice, j’ai développé avec ma co-réalisatrice Roxane Lumeret, le sujet de la monstruosité, qui est devenu un thème récurrent dans mon travail. Dans le clip How Do I Make You Love Me pour l’artiste The Weeknd, que j’ai réalisé et imaginé seul, j’ai poussé un degré de plus dans l’horreur, allant parfois jusqu’au « gore », avec de la décomposition, du sang, des visages horrifiques. Tout cela m’a donné des clés et des idées de scènes que je désirais mettre au service d’une histoire originale et plus personnelle.

Je suis également fasciné par les questionnements métaphysiques, l’astronomie, l’inconscient. Mon précédent court métrage, réalisé en groupe, avait pour thème la zététique, c’est à dire l’étude rationnelle opposée aux sciences occultes. Je crois que j’ai toujours aimé ces sujets, et ils sont naturellement venus à moi pendant la création de ce film, comme guidés par mon subconscient.

Il y a dans votre film une dimension horrifique hallucinée qui tend vers le grotesque, et qui m’a évoqué les mangas d’horreur comme ceux de Junji Ito par exemple. Est-ce que cela constituait une influence ou aviez-vous d’autres inspirations ?

Bien vu ! Je suis en effet assez fan du travail de Junji Ito. J’ai d’ailleurs réalisé en 2021 avec la chaîne américaine Adult Swim, qui diffusait une adaptation du manga Spirale de Junji Ito, une animation hommage à cette œuvre. Je suis très influencé par la narration visuelle japonaise, que ce soit en manga ou en animation, et il faut avouer qu’ils sont les maîtres dans les histoires à destination des adolescents / adultes. Là où en occident, l’animation ou la bd restent plutôt cantonnés à un public très jeune. J’ai aussi été très inspiré par les frères Coen pour le mélange entre burlesque et violence, et plus récemment par les frères Safdie pour leurs trips effrénés et haletants, enrobés de beaucoup de poésie.

Comment vous est venu l’idée de caster Danièle Evenou pour cette voix particulièrement importante du film, et pouvez-vous nous parler de votre collaboration ?

Pour être honnête, Danièle n’était pas la première voix à laquelle j’avais pensé. J’ai voulu une voix capable d’improviser, qui avait du caractère, qui paraissait déjà déjantée sans même voir son visage. Je voulais que la comédienne n’ait presque pas à jouer, juste à être elle-même. Avec mes producteurs, nous avions contacté Béatrice Dalle qui aurait évidemment grandement imprégné le film de sa personnalité (peut-être trop après considération ?). Finalement cela n’a pas pu se concrétiser avec Béatrice, et après des heures de visionnage de comédiennes sur internet, je suis tombé sous le charme de la personnalité de Danièle, notamment une interview dans laquelle elle parle de ses relations passées. La projection était aisée étant données les similitudes entre son récit et le thème de mon film, nous l’avons donc contactée et elle a accepté avec beaucoup de gentillesse.

Finalement, n’ayant qu’une journée d’enregistrement pour 15mn de film, je n’ai pas pu m’offrir le luxe d’essayer l’improvisation avec Danièle, j’ai senti que la singularité de l’histoire, le contexte de notre rencontre et son expérience passée ne l’avaient pas aidée pour ce type d’exercice. Mais elle a pu tout de même insuffler énormément de personnalité à mon texte, et je suis très fier du résultat.

Votre utilisation des couleurs est frappante et suit davantage les émotions qu’une représentation réaliste. Comment avez-vous approché ce surprenant usage des couleurs ?

La couleur est évidemment un curseur essentiel d’émotions. Le bleu et le violet du train amènent une froideur qui prépare l’évènement dramatique à venir, et les couleurs chaudes du paysage qui défile nous invitent dès le départ à voir la nature comme un échappatoire plus réconfortant. Les personnages, eux, sont très souvent dotés de couleurs très saturées, pour ramener de la légèreté, presque un côté enfantin à leurs apparences. Les couleurs saturées ont disparu progressivement depuis les années 60, il y a eu un déclin dans tous les domaines, mobilier, objets, vêtements, et même dans la bande dessinée et la pop culture plus généralement.

En plus de la légèreté, pour moi elles amènent aussi de l’humour, comme une façon de se prendre moins au sérieux. Je pense par exemple à la figure de Superman, dans les années 50, les couleurs étaient saturées, les poses, les décors, tout était stylisé, avec beaucoup de symbolisme. Aujourd’hui, les comics ou les films adoptent des couleurs ternes, se prennent très au sérieux, le costume de Superman est devenu presque gris : je trouve ça dommage.

Qu’est-ce qui vous a dirigé vers ce thème de la peur, pouvez-vous nous en dire davantage sur ce que vous souhaitiez explorer à travers ce film et ses récits horrifiques enchevêtrés ?

Je trouve que le genre de l’horreur est un genre « populaire » qu’on associe souvent à tort à de la sous-culture, un genre moins noble que celui du drame ou de la romance. C’est pourtant le seul qui peut réellement ajouter une nouvelle émotion à notre palette d’émotions de spectateur : la peur. Comme une nouvelle couleur, on peut l’associer à d’autres, la mélanger, l’effacer ou l’étaler.

Je suis fasciné par le travail de Ari Aster, qui a su esthétiser l’horreur par son originalité dans la mise en scène et dans les situations qu’il crée. J’aimerais insuffler de l’humour dans ces situations, comme il a pu le faire dans son dernier film Beau is Afraid, ou comme pourrait le faire Jordan Peele dans ses films. J’ai également été très touché par le chef d’œuvre coréen The Strangers, qui mélange les genres, les tons, et qui revisite les films de possession avec le chamanisme et le folklore coréen.

Se raconter des histoires d’horreur a toujours été le petit plaisir des adolescents et mêmes des plus âgés : le fantasme de l’histoire au coin du feu, qui nous fait frissonner. C’est, comme avec les couleurs, une volonté d’amener de la légèreté dans la forme, du divertissement, pour mieux jouer, par contraste, avec un fond plus poétique.

De plus, l’animation étant un medium extrêmement chronophage (animer un personnage se déplacer d’une pièce à l’autre, d’un endroit à un autre, étant si long et fastidieux à fabriquer) que l’idée de se raconter des histoires est aussi un moyen de gagner du temps, de jouer avec mon medium : elle m’autorise à me téléporter d’un décor à un autre, avoir comme une succession d’illustration, comme une suite de petits GIF. Je crois que ça me plait de fonctionner ainsi.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 7 mai 2025. Un grand merci à Andréa Goncalves.

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Critique : Wild Horse Nine

admin — Wed, 04 Nov 2026 00:49:33 +0000

Peu avant le coup d’État chilien de 1973, deux agents de la CIA, Chris et Lee, sont envoyés de Santiago vers l’île de Pâques par leur supérieur, MJ. Au milieu des statues emblématiques de l’île, tandis que ces partenaires de longue date sont confrontés à leur sombre passé et aux complots en cours, Chris noue une relation avec deux étudiantes rebelles qui menace de faire basculer dans le chaos leur séjour dans ce paradis isolé…

Wild Horse Nine
Royaume-Uni, 2026
De Martin McDonagh

Durée : 1h58

Sortie : 04/11/2026

Note :

CHEVAL DE GUERRE

Un gros con américain : voilà comment définir le héros du nouveau long métrage du Britannique Martin McDonagh, Wild Horse Nine. Un boomer avant l’heure (nous sommes au début des années 70), ravi de déblatérer devant des jeunes femmes qui le regardent pour ce qu’il est : un dinosaure à l’agonie. Ce personnage (Chris, agent de la CIA) est interprété avec un plaisir communicatif par John Malkovich, lauréat du prix d’interprétation masculine à Venise pour ce rôle. Il est vrai que l’acteur n’a probablement plus autant été mis en valeur au cinéma depuis pratiquement une vingtaine d’années, ce qui renforce la dimension méta de ce bonhomme appartenant à un autre temps.

Nous sommes en 1973 au Chili, à la veille du coup d’État qui va renverser le président Salvador Allende. Allende est élu démocratiquement, mais la mission divine de Chris, de la CIA et des États-Unis derrière lui, est de « libérer le monde » sans demander l’avis de ses opposants. Dans Wild Horse Nine, le décor paradisiaque de Rapa Nui, les Îles de Pâques, séduit l’œil mais pas vraiment celui de Chris, qui a du mal à prendre au sérieux ces statues monumentales inscrites au patrimoine mondial de l’UNESCO. Entre lui et son co-équipier Lee (Sam Rockwell, pornstache et tout en charme) se dessine un antagonisme de comédie archétypal, rehaussé par un brillant sens du dialogue. Chris délivre et attaque tandis que Lee défend et relance, comme deux joueurs de tennis aux styles complémentaires.

A l’image de 3 Billboards : Les Panneaux de la vengeance, il y a néanmoins un point de vue politique un rien mou qui rend le rire un peu jaune dans Wild Horse Nine. On peut apprécier l’humour noir et les zones grises, mais la dynamique comique de Chris est souvent celle d’un réactionnaire, avec qui on rit plus qu’on ne rit de lui. Que ce soit son but premier ou non, le film a, avec de tels protagonistes, une dimension politique, et le traitement de tels personnages est parfois un peu complaisant, un peu léger. Mais est-ce que la recette roule ? Oui, et à vive allure. Wild Horse Nine mêle comédie et tragédie comme McDonagh a déjà pu l’exécuter, et son savoir-faire est tout à fait appréciable si vous n’attendez pas un féroce pamphlet.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Fatherland

admin — Tue, 03 Nov 2026 07:01:06 +0000

En 1949, Thomas Mann, lauréat du prix Nobel de littérature, retourne pour la première fois en Allemagne depuis la fin de la guerre, accompagné de sa fille Erika, actrice, écrivain et pilote de rallye. Au volant d’une Buick noire, ils entreprennent un voyage éprouvant dans un pays qu’ils ont fui, seize ans plus tôt, lors de la prise de pouvoir du parti nazi. De Francfort, sous domination américaine, jusqu’à Weimar, contrôlée par les Soviétiques, père et fille traversent une Allemagne en ruines, coupée en deux par la guerre froide.

Fatherland
Allemagne, 2026
De Pawel Pawlikowski

Durée : 1h22

Sortie : 02/12/2026

Note :

JE REVIENS

Huit ans que l’on était sans nouvelles ou presque de Pawel Pawlikowski, depuis la présentation de Cold War en compétition à Cannes en 2018. Huit années plus tard, à nouveau dans le cadre de la compétition, le retour du cinéaste polonais était fort attendu, au point qu’on ne sait pas bien si l’on doit être surpris ou non de le retrouver… quasiment là où on l’avait laissé, comme si on l’avait quitté la veille. En effet, on pourrait extraire à l’aveugle n’importe quel plan de Fatherland et les admirateurs d’Ida et Cold War reconnaitraient sans hésitation la patte du cinéaste.

Fatherland est à nouveau un film historique en noir et blanc centré sur un couple de personnages emportés par l’Histoire. Pawlikowski remonte le temps un peu plus loin cette fois-ci, jusqu’au lendemain de la seconde guerre mondiale, son film se déroule non pas en Pologne mais en Allemagne, et la paire de protagonistes n’est pas un duo d’amoureux mais un père et sa fille. Et pas n’importe quel père, puisqu’il s’agit du célèbre auteur allemand Thomas Mann qui, au moment où nous le suivons, revient de plusieurs années d’exil et s’apprête à recevoir deux décorations honorifiques à quelques jours d’intervalle. L’une en Allemagne de l’Ouest sous présence américaine, l’autre en Allemagne de l’Est régie par les Russes.

D’hôtels chics en réceptions militaires, entre collabos et survivants, le duo voyage à travers sa mère patrie (ou plutôt sa père patrie comme l’indique le titre du film). Grand sujet, image rigoureuse, acteurs de renom, références littéraires et nombreux dialogues… les nombreux signes extérieurs de très grand sérieux dont se pare Fatherland peuvent faire craindre un moment de se retrouver face à une interro d’Histoire ou de lettres pour laquelle on aurait oublié de réviser. Le tour de magie qui vient balayer très loin cette inquiétude se trouve justement aussi dans la trousse à outils de Pawlikowski. En effet, si le cinéaste utilise ici ces codes visuels et narratifs habituels, il n’oublie certainement pas la qualité en or de ces précédents films : la concision.

Ce n’est pas qu’une question de durée totale. Le montage a beau être moins immédiatement nerveux que dans Cold War, lorsque Fatherland se termine au bout d’1h22, on s’en trouve le souffle coupé comme si l’on s’était approché trop près d’un précipice sans le réaliser. A coup de scènes brèves, où la beauté règne sur chaque plan et où les enjeux sont expertement dosés tant par le scénario que par la qualité d’interprétation de Sandra Hüller et Hanns Zischler, le film se transforme. Sans que l’on puisse pointer du doigt le moment exact où cela s’opère, le sage film en costumes devient un film de fantômes sans domiciles, à la fois poignant et incisif.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Hope

admin — Tue, 27 Oct 2026 03:21:20 +0000

Les renforts sont partis maîtriser des feux de forêt et toutes les communications sont coupées. Au poste de police de Hope, Bum-seok et Sung-ae se démènent pour défendre leur village à la population vieillissante. Pendant ce temps, Sung-ki et ses amis partent à la poursuite de la bête dans la montagne mais se retrouvent eux-mêmes pris pour cible. Le malheur émane de l’ignorance. Après des avis divergents, il se transforme en une catastrophe qui touche l’univers entier.

Hope
Corée du Sud, 2026
De Na Hong-jin

Durée : 2h40

Sortie : 28/10/2026

Note :

LA MÉTAMORPHOSE

Enfin une sélection en compétition officielle pour Na Hong-jin, qui a eu l’honneur d’être sélectionné à Cannes avec l’intégralité de ses longs métrages jusqu’ici. A chaque film, une nouvelle section, ainsi qu’une nouvelle ambition et un palier de plus franchi vers l’excellence et… vers le fantastique. Le très bon thriller The Chaser (Séance de minuit en 2008) était ainsi surpassé par The Murderer (Un certain regard en 2010) qui lui même s’est retrouvé éclipsé par The Strangers (Hors compétition en 2016) qui mariait de manière stupéfiante le film policier et la folk horror. Et après ? Les dix ans d’attente pour obtenir la réponse à cette question prennent fin, enfin.

Hope (le nom du village où se déroule l’intrigue) déboule aussi fort qu’un bœuf, tout en débutant en terrain familier. Au cours d’une séquence d’ouverture à la fois nerveuse et moqueuse, une équipe de policiers râleurs tombe sur le cadavre d’une vache ayant été visiblement tuée par un animal bien plus gros qu’elle. Peut-être un tigre? Notre ceinture de spectateur est à peine attachée que la dynamique (la dynamite ?) qui se met en place entre les différents registres rappelle les grandes heures du cinéma coréen et de sa machine à frissons. L’évocation est d’ailleurs presque un peu trop fidèle. Derrière l’eau qui nous vient à la bouche, cette mise en jambe ne brille pas non plus par une recherche d’originalité à tout prix.

Sauf que Hope ne ressemble pas tant que ça aux précédents films de Na Hong-jin. Il ne s’agit pas du film attendu en suite de l’évolution de son œuvre évoquée plus haut. Ni empesé de sérieux ni potachement réservé aux séance de minuit, Hope est avant tout spectaculaire. Appelons un chat un chat : c’est même un blockbuster. Cela signifie que chaque image est d’une générosité telle qu’elle doit se recevoir sur le plus grand écran possible. Cela signifie aussi que l’unicité quitte la place prioritaire pour laisser place à l’efficacité. Est-ce que Hope est un film original ? Pour ceux qui ne connaissent le cinéma coréen que par son versant auteur, ou n’auraient jamais vu The Host, sans doute. Et pourtant…

Alors que l’on pense avoir bien mémorisé le trajet de ce tour de grand huit et ses passages obligés, il faut bien dire que le film devant lequel on se retrouve à la fin ne ressemble plus vraiment à celui qu’on avait sous les yeux au tout début (gare à qui en révèlera trop et gâchera le plaisir du public). Hope s’est métamorphosé alors même qu’il faisait mine de ne proposer que des tours de magie dont on connait déjà le truc. Film catastrophe, comédie d’action, film de monstre, fable de science-fiction. Hope est tout cela à la fois et possède surtout une qualité en or que les blockbusters de Hollywood semblent avoir égarée depuis belle lurette : la joie. Est-ce que Hope se démarque dans la compétition cannoise comme un pétard allumé au milieu d’une bibliothèque ? Tout à fait, et pas seulement parce qu’il s’agit de toute évidence du film le plus cher de la liste. Découvrir le film dans ce contexte spécifique a d’ailleurs quelque chose de très rafraichissant.

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par Gregory Coutaut

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Le Dernier Roi du blues

admin — Fri, 16 Oct 2026 14:00:39 +0000

L’histoire du musicien de blues Al Cook, dont le monde s’effondre petit à petit. Mais dans ces ruines, un rêve oublié depuis longtemps réapparaît soudainement.

Le Dernier roi du blues
Autriche, 2026
De Tizza Covi & Rainer Frimmel

Durée : 1h26

Sortie : 03/02/2027

Note :

SEUL C’EST TOUT

Dans son fascinant documentaire Sous-sols réalisé en 2014, Ulrich Seidl descendait dans les caves (aménagées) d’Autrichiennes et d’Autrichiens comme pour explorer leur monde secret. Ce qui s’y trouvait était plus ou moins avouable, révélant volontiers la mauvaise conscience de tout un pays cachée sous le tapis. Lorsqu’on suit le personnage principal de Le Dernier roi du blues, d’abord dans la rue avec un sapin de Noël sur l’épaule, puis à descendre dans son sous-sol, on s’attend au pire : qu’est-ce qui peut se cacher d’effrayant sous la maison d’un papy autrichien ? Surprise, c’est l’inverse qui se produit : cette cave joliment décorée est un studio de musique qui ressemble à un véritable cocon. Bienvenue dans l’intimité du monde chaleureux d’Al Cook.

Le quotidien n’a, à première vue, pas l’air si chaleureux pour Al. Les cinéastes Tizza Covi et Rainer Frimmel font preuve d’une économie narrative très efficace qui nous implique et nous encourage à composer notre propre puzzle. Et contrairement à leur précédent long métrage Vera où les blocs de fiction et de documentaire étaient plus nettement séparés, il y a une plus grande homogénéité au fil de la fiction inspirée du réel dans Le Dernier roi du blues. Ici, Al semble si seul qu’il pourrait être le dernier survivant d’une apocalypse. Rien de si spectaculaire en réalité : le vieil homme est seul tout court. La chanson guillerette qu’il écoute se lamente : « I’m so tired of living all alone » – je suis si fatigué de vivre tout seul. Mais, et c’est une très rafraîchissante surprise du long métrage : la solitude n’est pas nécessairement une damnation.

Le quotidien bien réglé d’Al Cook va basculer lorsqu’il va se retrouver face à un projet immobilier l’encourageant tout simplement à dégager. Al est seul dans l’épreuve, mais accompagné par ses souvenirs. Certes, il se fait beau et se laque les cheveux pour personne en particulier, certes encore on le retrouve plus tard se recueillant devant le sanctuaire dédié à sa femme. Mais il y a de la douceur réconfortante aussi dans la solitude dépeinte par Tizza Covi et Rainer Frimmel, qui ne font jamais de la vie d’Al un spectacle pathétique. Avec ses anciens vinyles, son Nokia antique et ses VHS, Al Cook est un vieux bluesman qui semble complètement décalé dans le temps. Mais avec grand talent, Covi et Frimmel parviennent à éviter la caricature figée à la Kaurismaki. On investit le monde d’Al Cook avec sensibilité, celui de ses rêves, et ce monde-là est bel et bien vivant.

Voilà probablement l’idée la plus poignante et douée d’empathie du long métrage : la réalité rêvée d’Al Cook compte autant voire davantage que la réalité tout court. Cook a eu sa petite heure de gloire dans le passé, et celle-ci lointaine ressemble désormais à un mirage. Mais si elle est là en lui, elle est là tout court. Son utopie créative d’hier ne s’est pas fanée : Al est resté fidèle à lui-même, lové dans sa maison-musée. Il faut faire preuve d’une grande finesse de mise en scène et d’écriture pour raconter un tel récit sans condescendance ni mièvrerie. C’est le refuge rare et poignant de ce film doux-amer, plus doux qu’amer : face à la brutalité d’un quotidien laid et cynique, Tizza Covi et Rainer Frimmel nous invitent à l’abri dans un monde secret où la rêverie et ce à quoi on songe sont aussi réels que ce qu’on fait.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Seize moments de ma vie

admin — Wed, 14 Oct 2026 14:35:11 +0000

Ingrid Caven chante 16 moments de sa vie lors d’un concert unique au théâtre des Bouffes du Nord à Paris.

Seize moments de ma vie
France, 2026
D’Albert Serra

Durée : 1h25

Sortie : –

Note :

EN PRÉSENCE DE L’ARTISTE

En 2024, le cinéaste espagnol Albert Serra signait son tout premier film documentaire, Tardes de soledad. C’est à nouveau dans la galaxie documentaire qu’on le retrouve aujourd’hui avec Seize moments de ma vie, présenté en première mondiale hors compétition à Locarno. La vie dont il est question dans le titre n’est pas celle de Serra mais celle d’Ingrid Caven, protagoniste du film de la première à l’ultime minute. Actrice-icône aux collaborations incroyablement chics (Fassbinder bien sûr mais aussi Werner Schroeter, Claire Denis, Ulrike Ottinger, etc), Caven est également chanteuse, et Seize moments de ma vie est la captation d’un concert qu’elle a donné à Paris en 2025.

Utiliser le mot captation est factuel et pourtant presque insultant à la fois tant la beauté du résultat dépasse de loin celle des concerts de rock stars remplissant les rayons DVD. Techniquement il s’agit bien d’une captation puisqu’il n’y a rien d’autre à l’image que le concert en question, jamais interrompu par la moindre image de coulisse, interview ou commentaire, ni même aucun plan sur le public. Accompagné de son fidèle et talentueux chef opérateur Artur Tort, Serra propose un savant montage de différents angles de vue mais n’ajoute aucun effet de mise en scène. Pas besoin de davantage quand l’intensité de Caven suffit à faire passer les murs ocres de la scène pour une matrice ou l’antre de l’enfer.

Si Seize moments de ma vie n’est pourtant pas qu’une captation au sens traditionnel, c’est d’abord sans doute parce que le récital donné par Caven, davantage tragédienne que rock star, n’est pas un concert traditionnel, mais aussi car ce qu’elle chante ne ressemble jamais à des chansons traditionnelles. Dans un mélange particulièrement planant et homogène de rock, cabaret et trip-hop qui évoque certaines BO de Lynch, elle conte/déclame/murmure avec un charisme sans pareil des paroles tantôt en français tantôt en allemand (les paroles sont sous-titrées à l’image), des poèmes tantôt crus ou énigmatiques, toujours à la première personne. Les seize titres composant la setlist, les « moments » du titre, ne racontent peut-être pas une biographie claire de A à Z mais elle font de Caven à la fois une narratrice et un personnage de récit. C’est la toute première fois que Serra met une femme au cœur d’un de ses films, et Caven montre qu’elle a les épaules pour se hisser aux côtés des mythes qui peuplaient jusqu’ici l’œuvre du cinéaste.

Inutile de connaître la carrière de Caven pour se laisser hypnotiser par le film de Serra. Bulle coupée du reste du monde, Seize moments de ma vie donne l’impression paradoxale que tout pourrait arriver à l’écran. C’est parfois parce que Caven a l’air de presque improviser avec absurdité en toute ivresse (comme dans En nous, la lisière entre le sublime et le rire est parfois mince), mais surtout car la similarité entre les chansons qui s’enchainent avec des durées parfois improbables (le premier titre semble durer un quart d’heure) compose une perte de repères particulièrement magnétique, dans laquelle on reconnait tout à fait la patte du cinéma de Serra, qui n’a ici rien perdu de sa radicalité, son panache et sa beauté. Chapeau, les deux artistes.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Minotaure

admin — Tue, 13 Oct 2026 19:09:51 +0000

Russie, 2022. Gleb, chef d’entreprise prospère, vit avec sa femme Galina et leur fils dans une ville de province. Il se retrouve confronté à des problèmes professionnels croissants, dans un monde de plus en plus instable. L’effondrement d’une vie soigneusement construite bascule rapidement dans la violence.

Minotaure
France, 2026
De Andreï Zviaguintsev

Durée : 2h15

Sortie : 14/10/2026

Note :

SANS RETOUR

C’est la double peine pour les protagonistes de Minotaure : non seulement iels vivent dans l’enfer de la Russie, mais ce coin paumé a l’air absolument sinistre. Droits dans leurs chaussures lustrées et leurs costumes propres, des hommes probablement puissants se réunissent au bureau, sous un portrait de Poutine, afin de lister des citoyens qui devront partir à la guerre. Cela semble d’un cynisme absolu – mais à ce stade du film, on n’a encore rien vu en termes de cynisme. Neuf longues années se sont écoulées entre Faute d’amour et Minotaure. Entre temps, Andreï Zviaguintsev a contracté une forme très sévère de covid et a financé son dernier film entièrement hors de Russie – ce qui, vu la férocité du propos, n’a rien d’étonnant.

« Nique ta guerre » dit un graffiti au mur, mais cette colère ressemble à un cri anonyme dans le vide. La guerre est absente de l’écran, on ne voit ni soldat sur le front, ni mort, ni bombes. La guerre traverse pourtant tout le film, à l’image de ce convoi de tanks placés sur un train en marche. Mais papa, pour l’instant, a le sentiment d’avoir les mains propres. Papa enseigne à son fils comment on doit être un vrai homme qui se bat, soi-disant pour se défendre. Isolée dans les bois, la maison de verre suppose une forme de transparence, et pourtant rien n’est si clair au sein même de la famille.

Sans trop en dévoiler, Minotaure glisse minutieusement d’un drame social sur un pays entier à un drame conjugal. Cela pourrait être une réduction d’échelle un peu frustrante et étonnante, mais c’est au contraire ainsi que le film trouve un relief inattendu. La première partie de Minotaure fonctionne, mais elle peut avoir la pesanteur des derniers Zviaguintsev comme Leviathan ou Faute d’amour. Le glissement vers le film noir donne au long métrage une tension vénéneuse et efficace qui rappelle son excellent Elena, film dont les signes extérieurs paraissent (à tort) moins ambitieux mais qui est à nos yeux une de ses meilleures réussites. Du marécage dans lequel se débat la Russie (récit auquel on pouvait peut-être s’attendre), Minotaure passe à un marécage personnel qui semble décentrer le sujet et rebattre les cartes.

On parle pourtant de la même chose : une société pourrie, hantée par des hommes se dévorent, et dans laquelle il n’y a aucune forme d’espoir. De la lumière bleue froide qui glace le décor à la décharge à ciel ouvert, on ne sait plus où mettre le pied dans cette Russie, aussi inextricable qu’un labyrinthe. Signalons également le relief de l’habillage sonore, qui ne dit jamais exactement la même chose que l’image. Autant d’éléments qui rendent le public actif devant Minotaure, alors que les autorités dépeintes dans le film finissent par tenir des discours aussi idiots qu’infantilisants, avec un champ lexical digne d’une chanson de Bernard Minet. C’est pourtant le monde de Minotaure, notre monde, celui où la vérité n’a strictement plus aucune forme d’importance et où seuls subsistent des simulacres pathétiques. On croit avoir vu venir la parabole de Zviaguintsev, celle-ci s’avère encore plus cinglante que prévu.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Naza

admin — Tue, 13 Oct 2026 06:04:31 +0000

Filmé de nuit sur les toits de Tel Aviv, le film décrit en détail les systèmes derrière le massacre de civils palestiniens à Gaza par Israël.

Naza
Royaume-Uni, 2026
D’Yuval Abraham et Rachel Szor

Durée : 1h20

Sortie : 12/10/2026

Note :

DANS LES TÉNÈBRES

Prix du meilleur documentaire et prix du public (oui, à la fois) à la Berlinale puis Oscar du meilleur long métrage documentaire, le film No Other Land avait marqué l’année 2024. Ce documentaire aux images rares, captées au mépris du danger, était alors signé de quatre militants : deux Palestiniens (Basel Adra et Hamdan Ballal) et deux Israéliens (Yuval Abraham et Rachel Szor). Ce sont ces derniers que l’on retrouve aujourd’hui derrière Naza et immédiatement après la présentation du film à la Mostra de Venise il y a quelques semaines (où il a remporté le Prix spécial du jury), l’état israélien a menacé de les destituer de leur nationalité.

Abraham et Szor ne filment pas la Palestine, Naza est tourné en plein Tel Aviv, mais entièrement de nuit, en cachette sur les toits de la ville. Le duo recueille les confessions (que l’on devrait plutôt qualifier de simples considérations, vu leur absence de honte) de différents membres des services secrets israéliens, rendus évidemment anonymes par un travail sur l’obscurité et la modification de voix. Ces derniers expliquent comment, selon quelle stratégie et avec quelle réflexion sont mis en place les bombardements sur Gaza et le massacre des civils innocents. On devrait plutôt parler d’absence de réflexion car l’une des révélations les plus abjectes de ce documentaire est de confirmer que c’est l’IA qui décide qui sera la prochaine victime, et qui peut justifier de tuer 500 innocents juste pour éliminer un seul suspect.

Il n’y a pas beaucoup d’images choc dans Naza, dont le titre signifie « victimes collatérales ». Ce sont les récits qui sont violents, mais aussi le ton incroyablement détaché qu’emploient ces hommes et ces femmes. Exemples vivants des théories d’Hannah Arendt sur la banalité du mal, iels ne remettent jamais en question la légitimité du système qui les transforment en assassins. Iels n’ont ni doute, ni remords au moment de confirmer que le génocide est non seulement bien réel, il est surtout intentionnel. Certain.e.s vont même plus loin, comparant des étapes des bombardement à des parties de jeux vidéos, iels parlent de moment « incroyablement fun ». « Dans cette position tu finis par te prendre pour Dieu » confie l’un d’eux avec presque un sourire dans la voix.

Naza n’est pas un reportage télévisé. Si la rareté et la folie des témoignages qu’iels transmettent est d’une force rare, les cinéastes ont à cœur de créer une œuvre visuelle où la mise en scène vient également traduire les idées du film, sans prendre le dessus sur le propos. Intégralement plongée dans la nuit, comme dans les ténèbres métaphoriques qui ont recouvert la région, la caméra capte pourtant une source lumineuse récurrente : celles des appartements privés où la vie quotidienne continue et où des écrans télés géants déversent sans cesse la propagande des journaux télés d’état. A travers cette immersion sans porte de sortie, Abraham et Szor parviennent à nous faire ressentir l’aveuglement qui paralyse une nation entière.

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par Gregory Coutaut

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