San Sebastian - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de San Sebastian | Critique : The World Before

admin — Sat, 26 Sep 2026 08:00:07 +0000

Jin, 17 ans, n’a jamais quitté l’île où elle est née — un endroit sans route vers le continent, où la mer dicte tranquillement le rythme de la vie quotidienne. Quand Dujae revient pour les funérailles de sa grand-mère, il reste seul dans la maison qu’elle a laissée derrière elle. Jin commence à trouver des excuses pour lui rendre visite, et petit à petit, le voir devient une partie de sa vie de tous les jours.

The World Before
Corée du Sud, 2026
De Yoon Dan-bi

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

ADIEU MONDE CRUEL

Moving On, le précédent et premier long métrage de la jeune Coréenne Yoon Dan-bi, est resté inexplicablement inédit dans les salles françaises malgré un plébiscite important en festivals (gagnant à Busan, Rotterdam et aux 3 Continents) ainsi qu’une alliance entre sa subtile réussite et sa dimension grand public. Son nouveau film, The World Before, est d’une veine assez voisine, avec sa succession de non-événements apparents et sa manière de décadrer le portrait de famille. S’il est à nouveau question de famille dans The World Before, le portrait est moins collectif et se recentre davantage sur son héroïne adolescente.

Jin a 17 ans et n’a jamais quitté sa belle île. Elle s’y promène à vélo, salue une mamie qui lui est chère, s’endort. C’est le quotidien paisible d’une ado mais celle-ci est bientôt une adulte et va quitter « le monde d’avant ». La lumière du soleil est douce, le décor est paradisiaque, mais ça n’empêchera pas la brutale sortie de l’adolescence. Jin retrouve un garçon qu’elle n’avait plus vu depuis des années, et qui est revenu sur l’île pour les funérailles de sa grand-mère. Dujae est beau, Dujae a bougé de son île. Jin est restée là, et d’ailleurs « y’a quoi de mal à vivre ici ? » dit son père. Jin et Dujae ne sont plus vraiment dans le même monde et la première est indiciblement attirée par le second.

Il existe mille et un récits d’apprentissage avec en leur cœur une désillusion amoureuse, mais il existe aussi mille et un récits familiaux comme Moving On – ce qui distinguait ce dernier film, c’était le regard et la sensibilité de Yoon Dan-bi. Si The World Before nous paraît plus fragile, il confirme néanmoins la finesse de son autrice. Il faut un talent d’écriture pour tenir le rythme des non-événements, et y convoquer non-dits et tensions larvées. Le film pourrait avoir des partis-pris formels plus forts – on a parfois le sentiment que la réalisatrice ne se laisse pas toujours assez de temps. Son portrait de lose adolescente, avec la dimension pathétique qui la caractérise, est réussi et poignant. Poignante aussi est la façon qu’a Yoon Dan-bi de nous faire ressentir ce monde d’avant qui s’éloigne de Jin. Si elle et Dujae vivent désormais des réalités différentes, que leurs trajets ont été différents, ce sont leurs chagrins qui se rejoignent.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Sants

admin — Sat, 26 Sep 2026 07:22:49 +0000

Alors qu’elle fait face à la mort imminente de sa mère, Lali rejoint un gang spécialisé dans le vol d’artefacts religieux.

Sants
Espagne, 2026
De Mikel Gurrea

Durée : 1h43

Sortie : –

Note :

ALL SAINTS

Révélé il y a quatre ans au Festival de San Sebastian avec son premier long métrage Suro (sorti chez nous durant l’été 2023), l’Espagnol Mikel Gurrea fait son retour dans la compétition du festival avec son second long, intitulé Sants. Une jeune femme (Victoria Luengo, très en vue cette année à la fois chez Pedro Almodovar et Rodrigo Sorogoyen) s’occupe de sa mère très gravement malade et fait la rencontre d’un gang spécialisé dans le vol d’artefacts religieux. Les affaires nocturnes sont souvent nimbées de mystère dans Sants – voilà de quoi nourrir la tension de ce singulier récit.

Histoire religieuse de suppliciée, mention de fantômes de la putréfaction : les choses spirituelles pourraient occuper une large place dans Sants, mais les protagonistes n’ont pas beaucoup de difficultés à se défaire de l’idée du sacré. C’est une piste intéressante du long métrage : à l’heure où les églises vides ressemblent à des morgues, qu’est-ce que le sacré ? Où met-on celui-ci ? Les questionnements moraux de Sants ont du potentiel mais le film manque, à nos yeux un peu, de relief formel comme de ressource narrative.

Une longue séquence de vol dans la dernière partie du long métrage vient néanmoins récompenser les spectatrices et spectateurs les plus patient.es au bout de ce slowburner. Ces voleuses et voleurs constituent-iels une famille, une secte, un simple groupe de guignols ? Au fil du récit, Mikel Gurrea apporte un soin appréciable à redéfinir ce que chacune et chacun tient comme certain.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Josephine

admin — Sat, 26 Sep 2026 02:28:54 +0000

Après avoir été accidentellement témoin d’un crime dans un parc, Joséphine, huit ans, est traumatisée.

Josephine
États-Unis, 2026
De Beth de Araújo

Durée : 1h59

Sortie : –

Note :

ÂGE TENDRE ET TÊTE DE BOIS

« Tu es prête ? » sont les premiers mots qu’on entend dans Josephine, second long métrage réalisé par l’Américaine Beth de Araújo. Josephine est prête pour aller courir avec son papa sportif (incarné par Channing Tatum), comme pour plein de choses adaptées à une fillette de son âge, mais elle n’est certainement pas prête pour ce dont elle va être témoin dans des bois ce matin-là. Son père, paniqué comme n’importe qui le serait, ne laisse aucun espace à sa fille en voulant la protéger : ne dis rien, ne fais rien, non tu n’as pas peur. Dans ce drame psychologique incisif, Beth de Araújo raconte une réalité bien plus complexe que de simples consignes parentales à suivre.

Témoin d’un viol, la jeune Joséphine tendre et joufflue n’a même pas vraiment de mot pour qualifier ce qu’elle a vu. Elle est pourtant la principale témoin de ce crime, mais comment une fillette peut-elle témoigner auprès de policiers ou à la barre d’un tribunal quand elle est comme sidérée par le choc ? Avec une grande intelligence d’écriture, la cinéaste examine ce qui est inexplicable. Les parents (maman sage, papa muscles, chacun son rôle) passent d’ailleurs beaucoup de temps à expliquer qu’ils n’arrivent pas à expliquer. Le fonctionnement des adultes tout comme les procédures mises en place sont incompréhensibles pour une jeune enfant amenée à grandir trop vite. Particulièrement bien croqué et loin des fréquents clichés, le personnage de Josephine ne ressemble d’ailleurs jamais à une gosse qui parlerait comme une adulte.

Moins évident et là aussi particulièrement bien cerné, Josephine raconte également la solitude enfantine face à des parents ou même des adultes en général qui ne peuvent la comprendre, a fortiori dans une situation aussi particulière. Josephine est seule avec son trauma, hantée par l’agresseur. Josephine attend dans la voiture, assise aux côtés de la victime, comme invisibilisée. Le point de vue de la fillette est parcellaire, mais la société est-elle organisée, malgré tous ses protocoles, pour bien l’écouter et la comprendre ? « Nos cerveaux sont des choses délicates » dit-on dans Josephine, et de fait les interactions dans le long métrage ressemblent souvent à des parties de Mikado.

Si les adultes, malgré leur bonne volonté, peinent à trouver la bonne place pour Josephine, Beth de Araújo parvient à se mettre à sa hauteur et à son service. Par l’écriture on l’a dit, mais aussi par sa mise en scène, par l’utilisation d’une caméra subjective, également par des prises longues qui donnent suffisamment d’espace aux interprètes et, à travers elleux, aux personnages qu’iels incarnent. Lors du dernier segment de Josephine, la tension est à couper au couteau, mais celle-ci n’est jamais construite au détriment de l’émotion. Grand Prix au tout récent Festival de Sundance avant d’être présenté en compétition à la Berlinale, Josephine est un drame puissant et d’une grande honnêteté sur l’enfance blessée, la parole des enfants, l’écoute dont sont capables les adultes – et sur tout ce qui peut leur échapper.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Entretien avec Karla Condado

admin — Sat, 26 Sep 2026 01:37:00 +0000

Miriam est une lettre filmée, dédiée à la tante de Karla Condado qui a été assassinée par son compagnon. Celle-ci est devenue une silhouette fantôme sur quelques photos – et la réalisatrice lui adresse ses pensées dans ce court métrage dévoilé à la Berlinale et au programme cette semaine à San Sebastian. Miriam est un film intime mais qui traite plus largement des féminicides, où les mots pudiques inscrits à l’écran prennent le relais quand la voix vacille. Tandis que sa mémoire pâlit, la cinéaste brise le silence dans cet exercice cathartique à la mise en scène poétique. Karla Condado est notre invitée.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de raconter l’histoire de votre tante ?

Ma peur. J’ai grandi avec beaucoup de peur simplement parce que je suis une femme dans mon pays ; et maintenant je comprends pourquoi. Alors j’ai décidé de réaliser ce film, pour dire à voix haute ce que cela a été de grandir dans ce contexte de féminicides.

Comment avez-vous abordé le traitement visuel d’un tel projet ?

Eh bien c’était très intuitif. La seule chose qui était assez claire, c’est que je voulais que ce soit comme un journal intime, que ma tante puisse voir ma vie quotidienne, alors je portais toujours avec moi mon petit Bolex pour filmer ma famille, mes ami.es, mon travail, ma vie de tous les jours. Et après cette première règle, León et moi avons commencé à expérimenter avec l’image. León est un artiste visuel qui aime expérimenter avec les nouvelles technologies et moi je viens de l’équipe analogique, donc nous avons mélangé les deux, nous avons essayé des doubles expositions directement sur le film, et des doubles expositions numériques avec Touch Designer.

Nous aimons aussi pousser la caméra à son maximum, la dernière séquence était presque dans le noir total, nous cherchions des lucioles dans les bois donc nous n’avions pas de lumière artificielle, alors nous avons pris la caméra numérique, ouvert le plus possible l’obturateur, le plus haut ISO possible et l’objectif complètement ouvert, pour essayer de voir quelque chose, et cela a donné un très bon résultat ; maintenant j’ai une belle image d’une petite fille avec son père dans les bois et pour le films ça a beaucoup de sens.

Comment avez-vous choisi ce qui serait dit à haute voix et ce qui serait plutôt écrit à l’écran dans votre film ?

Au début c’était difficile, parce que nous avons essayé juste le texte écrit, puis juste la version avec voix-off. Mais pour moi, ce n’était pas suffisant, alors nous avons pensé que nous pourrions les mélanger, mais nous devions trouver un rythme, ça ne pouvait pas être juste les deux langages en même temps. Alors un de mes amis m’a dit « écoute cette chanson » (une chanson ranchera) et j’ai dit, c’est ça, je dois les mélanger pour qu’elles se complètent. De plus, certaines choses écrites sont des choses que je ne peux pas encore dire à voix haute, des choses qui font encore mal.

Dans quelle mesure diriez-vous que ce court métrage dédié à la mémoire de Miriam était aussi pour vous une expérience cathartique ?

C’était complètement cathartique. Quand j’ai commencé à travailler sur ce projet, je n’arrivais pas à finir d’écrire la lettre parce que je pleurais beaucoup. Mais ensuite j’ai commencé une thérapie spécialement pour ça et j’ai pu vraiment travailler dessus. Et puis il y a eu toute l’histoire avec ma famille, bien sûr j’avais peur de leur dire que je faisais ce film parce que j’ai toujours pensé que je n’avais pas le droit d’en parler car j’étais juste un enfant quand tout cela s’est passé, mais j’en avais vraiment besoin. (Et tout s’est très bien passé avec eux, donc je suis contente).

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Jonas Mekas, Wong Kar Wai, Alexandre Larose, Chris Marker, Chantal Akerman.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 26 février 2026.

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Festival de San Sebastian | Critique : On Behalf of My Son

admin — Fri, 25 Sep 2026 20:59:37 +0000

Quand un bus conduit par son fils tombe d’un pont, tuant des dizaines de personnes, Vicentina va voir les familles des victimes pour s’excuser, tout en découvrant les limites du pardon.

On Behalf of My Son
Brésil, 2026
De Gabriel Martins

Durée : 2h28

Sortie : –

Note :

TOUTES MES EXCUSES

Sélectionné à la Quinzaine en 2017 avec son court métrage Nada, le Brésilien Gabriel Martins a été plus particulièrement remarqué en France avec son long Au cœur du monde sorti chez nous en 2019. L’héroïne de son nouveau long métrage est plutôt mise au ban du monde lorsque toustes les occupant.es d’un bus conduit par son fils trouvent la mort suite à un terrible accident. C’est un trajet de bus du matin, comme tous les trajets de bus, et la caméra s’attarde sur chacune des personnes qui ont pris place dans le véhicule avant le drame. Le titre original, moins sentencieux et plus factuel, est Vicentina pede desculpas – Vicentina présente ses excuses.

Vicentina (incarnée avec talent par Rejane Faria, vue récemment dans Temporada, Levante ou The Best Mother in the World) vit un deuil personnel mais l’affaire est aussi collective. C’est son deuil mais aussi celui des autres, aussi comment traverser cette épreuve ensemble ? Le dispositif de On Behalf of My Son est simple et ample à la fois, il permet d’aborder une multitude d’histoires, avec un examen minutieux et contrasté qui ne tombe jamais dans la mièvrerie ou la manipulation émotionnelle. La qualité de l’écriture et de l’interprétation générale donne au long métrage une grâce et une humanité sans naïveté.

Présenter ses excuses, c’est écouter les autres, et le monde. Il y a une attention remarquable accordée au son dans On Behalf of My Son, comme lorsque les discussions ont lieu avec les bruits de la rue, d’un concert de rock ou de l’usine en accompagnement sonore. Cela a un effet immersif, c’est aussi une manière de dessiner un portrait de la ville autant visuel qu’auditif. Le long métrage raconte la responsabilité que Vicentina ressent en tant que mère, il dépeint aussi le mystère que peut représenter son fils, s’interrogeant finement sur les rôles familiaux et leurs ambiguïtés. « Tout a changé » entend-on dans On Behalf of My Son et ce serait « mieux de ne pas y penser ». Au contraire, Gabriel Martins montre le caractère précieux des mots et des étreintes.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Tender Loving Care

admin — Fri, 25 Sep 2026 20:25:08 +0000

Amy est une travailleuse sociale dévouée qui met tout son cœur et son énergie dans son travail pour prendre soin de ceux dans le besoin. À la maison, cependant, elle se retrouve face à de nouveaux défis alors que son père bien-aimé commence à avoir des problèmes. Sa mère et elle doivent apprendre à accepter leur nouvelle réalité.

Tender Loving Care
Royaume-Uni, 2026
De Mike Leigh

Durée : 1h47

Sortie : –

Note :

PRENEZ SOIN DE VOUS

« Ca va aller » est une phrase que l’on entend régulièrement dans Tender Loving Care. Les quatre principaux personnages du film, tous protagonistes à égalité grâce à une élégante structure narrative, s’échangent cette phrase ou l’accordent à des inconnus, selon les circonstances. Ca va aller : plus facile à dire qu’à faire quand une assistante sociale voit s’amoindrir les moyens nécessaires pour bien mener son travail d’accompagnement, ou quand la maladie vient assombrir la complicité d’un vieux couple. Malgré la dureté des sujets abordés, le nouveau (et peut-être dernier, d’après le principal intéressé) film de Mike Leigh n’est pas un plombant nuage noir. Associé à l’épure qui faisait déjà merveille dans Deux sœurs, le perpétuel mélange entre rires et larmes est d’une dextérité si gracieuse, si miraculeuse par moments, qu’il dépasse le simple slogan.

Ca va aller. Les personnages de Tendre Loving Care (non, ce titre n’est pas l’acronyme du groupe TLC) ont beau être des gens de tous les jours et non des super héros, ils ne se mentent pas à eux-mêmes en utilisant cette formule. En la disant, ils font plutôt entre les lignes un pacte les uns envers les autres, celui de prendre mutuellement soin d’eux, dans la mesure de leur capacité, de leurs peurs, de leur talent à raconter la bonne blague rassurante au bon moment. Cela qu’il s’agisse de leur métier, de leur rôle de parent ou d’ami, ou simplement de leur désir. Ca n’a rien d’une formule magique et Mike Leigh n’a certainement pas gagné en naïveté. Tender Loving Care est rempli d’échecs familiaux et de verres de vin blancs enchainés pour mieux digérer les micro humiliations quotidiennes. Mais, le temps d’un basculement saisissant, le cinéaste sait quitter les visages de ses interprètes (tous et toutes méritant les plus grands prix d’interprétation) pour soudain saisir la bouleversante intimité d’un geste affectueux de la main.

Ca va aller. Une tâche sans doute plus facile à accomplir en privé qu’en public. Plus fin scénariste que jamais, Mike Leigh a beau réaliser ici un film de salon (littéralement : la quasi intégralité du film se déroule sur des canapés cosy où l’on se confie et se remémore le passé), il n’oublie pas la réalité de la rue. Ses protagonistes ont beau appartenir à des générations ayant connu des économies bien différentes, tous s’accordent sur le désastre de l’époque actuelle. Selon un équilibre doux amer rappelant Another Year, Tender Loving Care possède à la fois suffisamment d’espoir pour galvaniser, et des angles suffisamment aigus pour briser le cœur. Vivre a un coût, prendre soin de soi-même et des autres aussi, telle est la leçon de ce film, parmi les plus poignants et chaleureux de l’année.

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par Gregory Coutaut

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Festival de San Sebastian | Critique : Lovers Sleep Alone

admin — Fri, 25 Sep 2026 20:06:38 +0000

Iman a construit sa vie à Berlin autour de l’absence. De sa famille, de l’Iran, du fait d’être connu. Il remplit le silence avec le travail, des histoires inventées, et des nuits avec un homme qu’il rencontre pour du sexe dans le parc. Quand sa cousine, qu’il connaît à peine, arrive de Téhéran pour une brève visite, ce qu’il a laissé derrière lui revient silencieusement.

Lovers Sleep Alone
Allemagne, 2026
De Massih Parsaei

Durée : 1h25

Sortie : –

Note :

JE MARCHE SEUL

Le temps d’un raccord délicat mais saisissant entre deux des premiers plans du film, un vertige nous prend : sommes-nous à l’intérieur d’un dortoir ou dans une forêt par une nuit glacée ? Les hommes allongés aux yeux clos que nous voyons sont ils endormis ou bien déjà décédés ? Iman passe certes pas mal de temps allongé au quotidien (sur son canapé solitaire ou bien au pied d’un arbre sur une aire de cruising glacial), mais il est bien vivant. Une fois debout, il marche même beaucoup. Les longs travelling latéraux l’accompagnant de profil dans les rues de Berlin sont là pour nous le prouver.

Les messages vocaux, en farsi, qu’il écoute lors de ces déambulations laissent imaginer un hors champ familial qui n’a rien de très évident. D’ailleurs Iman semble à peine connaitre cette cousine qui traverse pourtant le continent pour venir le voir. Mais qui connait Iman? Autour de lui, la grisaille du ciel et des rues de la capitale n’ont rien d’accueillant. Il marche mais ne parait jamais arriver à destination. Nul ne l’attend et même quand il a un partenaire sexuel, il a effectivement l’air seul. Les jours se suivent, les actions et les silences se répètent et une étrange tension se bâtit peu à peu.

Composé de plans délibérément longs où les actions ne sont pas légion, Lover Sleep Alone pourrait avoir l’air de charger un peu trop la mule. Il y a pourtant quelque chose d’intrigant à voir le jeune réalisateur Massih Parsaei choisir, pour son premier long métrage, de remonter le temps jusqu’aux premiers films de l’Ecole de Berlin (on pense à Fantômes de Petzold ou aux premiers Schanelec). Il manque sans doute au résultat quelque chose de plus unique ou immédiatement contemporain à offrir pour ne pas rester pleinement dans l’ombre de ces belles références, mais tout austère qu’il soit, Lover Sleep Alone fait pourtant preuve d’un intrigant mystère dans sa mise en scène et ses cadrages, ainsi qu’une dimension paradoxalement attachante, sans doute due à la performance vulnérable de l’acteur principal.

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par Gregory Coutaut

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Festival de San Sebastian | Critique : 7h40 ce matin-là

admin — Fri, 25 Sep 2026 13:07:33 +0000

Alice s’installe dans une petite ville du sud de la France où elle se fait engager comme serveuse dans une cafétéria. Elle semble sans attache. Mais c’est pour Milo qu’elle est là, un jeune homme qui travaille dans un garage près de là , et semble ignorer tout d’elle. Sans lui dire qui elle est, Alice veut l’approcher, lui parler, le connaître… Le reconnaître.

7h40 ce matin-là
France, 2026
De Nicole Garcia

Durée : 1h54

Sortie : 20/01/2027

Note :

ENCORE UN MATIN

7h40 ce matin-là débute sur une route nocturne. Puis vient le petit matin et un hôtel anonyme. Nous sommes dans une zone périurbaine où rien ne semble se passer, et où pourtant toute la dense intrigue de ce long métrage va se dérouler. « C’est un nouveau départ ? » demande t-on au personnage incarné par Marion Cotillard, et on n’en saura pas beaucoup plus dans l’immédiat. La mise en scène froide et la rétention d’informations installent une tension efficace dans le long métrage.

Sélectionné en compétition au Festival de San Sebastian, le nouveau film de la Française Nicole Garcia peut s’appuyer sur l’excellence de ses interprètes. Déjà brillante tout récemment dans des registres aussi différents que La Tour de glace et Roma Elastica, Marion Cotillard change à nouveau de tonalité avec cette héroïne quotidienne et abîmée. Elle parvient de manière très convaincante à donner une intériorité à un personnage dont on ne sait longtemps que peu de choses. Face à elle, Théodore Pellerin apporte une candeur et une profondeur qui nourrissent son personnage – et c’est un plaisir de voir Cotillard et Pellerin interagir. Autour d’elleux, Garcia a réuni une distribution convaincante, allant de Laura Calamy à Anne Brochet.

Que devient-on lorsque les idéaux de jeunesse se sont éteints ? Il y a différentes dynamiques dans 7h40 ce matin-là (sociales, familiales), mais celle-ci occupe une place singulière dans le long métrage. Garcia dessine des rapports de classe, des illusions et des échecs, et le bleu déçu prédomine dans ce monde où il ne suffit vraiment pas de vouloir pour pouvoir. Avec un élégant sens de l’ellipse, le film évite les grandes scènes dramatiques et démonstratives. Il y a en creux quelques émotions qui passent et, in fine, un subtil récit de transmission.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Krux

admin — Fri, 25 Sep 2026 06:55:30 +0000

Dans un village tranquille en Allemagne, alors que la Seconde Guerre mondiale touche à sa fin et que le pays traverse ses heures les plus sombres. Tandis que les hommes sont partis au front, Greta, Anni et les villageois restés sur place tentent de préserver un semblant de vie. Mais la découverte de cadavres inconnus le long de la rivière marque le début de l’effondrement de leur monde.

Krux
Allemagne, 2026
De Tony Vahl

Durée : 1h32

Sortie : –

Note :

NUIT NOIRE

Cela ressemble à un conte de Grimm : on apporte un cœur soigneusement enveloppé à un personnage ; peu de temps après une jeune mariée porte un voile virginal lors de sa cérémonie. Mais c’est tout l’inverse d’un conte de fées – même le plus sombre des contes de fées – que l’Allemande Tony Vahl raconte dans Krux. Dévoilé dans la compétition du Festival de San Sebastian, ce premier long métrage s’inspire de faits réels et relate la vague de suicides que l’Allemagne a connue à la fin de la Seconde Guerre Mondiale. Si l’on apporte un cœur à l’une des héroïnes du film, c’est que son bien-aimé, celui à qui ce cœur appartenait, est mort. Elle est ensuite mariée à un mort, et c’est en réalité tout le monde dans le village qui va être invité à épouser l’au-delà.

On a souvent pu observer une dimension fantomatique dans le cinéma allemand, mais plus rarement un traitement aussi gothique que dans Krux. Tony Vahl n’a pas le mauvais goût de créer du suspens horrifique ou un manège à sensations à partir d’une telle histoire. Mais elle embrasse la noirceur absolue d’une telle manière que le récit s’inscrit dans une veine de cinéma d’horreur. La lumière et la composition des cadres, surtout en intérieurs, sont lugubres. Le jour ne semble plus vraiment se lever, de nuit hantées au noir épais en matins bleus sur les vaches. Les découvertes sont macabres et la rivière ramène les morts. Il y a dans Krux quelque chose de glaçant et saisissant qui tient à la mise en scène de ce crépuscule, cette fin de règne parmi les monstres.

Mais de quels monstres parlons-nous ? Il y a ceux qui, allemands, prennent conscience à leur ultime souffle des horreurs qu’ils ont commises pendant la guerre. Il y a l’endoctrinement acharné qui désigne au contraire l’Armée rouge comme de terrifiants barbares. Entre les deux, il y a des femmes et des enfants désarmés qui, au village, se trouvent du mauvais côté de l’Histoire. Pas de chance pour elleux : comme le dépeint le passé, comme le raconte cette histoire, l’extrême-droite tue ses propres enfants. La guerre demeure toujours hors champ, mais ses dynamiques imprègnent entièrement le cadre, jusqu’à l’imaginaire paniqué des protagonistes.

Il y a trop de métaphores animalières dans Krux, mais l’une d’entre elles est fascinante, lorsque Tony Vahl filme un serpent qui s’introduit et s’enroule autour d’une maquette stylisée du village. Lors d’un plan assez long, on observe des reflets déformés dans l’eau – suffisamment longtemps pour que cette vision soit assez abstraite. La réalité est certes insensée dans Krux, mais c’est la réalité. La bande originale remarquable de Lorenz Dangel vient souligner l’étrangeté de ce vertige. C’est la réalité difforme des âmes les plus noires, sur les cendres d’une guerre perdue, sans lumière après l’orage. « La peur crée les monstres » dit une femme âgée dans Krux. Tony Vahl narre de manière puissante la perte totale d’espoir, et comment les monstres peuvent se retourner contre les leurs.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Moscas

admin — Fri, 25 Sep 2026 05:14:51 +0000

Olga mène une vie très rangée, sans amis ni relations dans un immense immeuble résidentiel. Lorsqu’elle est, par nécessité financière, obligée de louer une chambre, un homme emménage avec elle et fait également entrer en cachette son fils de neuf ans dans l’appartement.

Moscas
Mexique, 2026
De Fernando Eimbcke

Durée : 1h39

Sortie : –

Note :

FINE MOUCHE

Le bourdonnement des mouches, les gémissements de la voisine qui baise, les bip-bips du sudoku sur son ordinateur et la télévision : le quotidien d’Olga est si solitaire que ce sont les seuls bruits que l’on peut entendre dans son appartement. Celui-ci se situe en hauteur, dans un immeuble, mais le fait qu’elle vive au-dessus de la ville ne signifie pas qu’elle mène une existence très différente des gens d’en bas. Olga n’est pas protégée des difficultés financières (elle doit sous-louer une chambre de son appart pour se financer une opération du pied) et, comme tout le monde, elle est emmerdée par le bourdonnement des mouches.

Restons avec ces mouches, qui donnent son titre au long métrage. Moscas s’ouvre par une scène de comédie absurde, avec Olga qui essaie tant bien que mal de se débarrasser de mouches qui se sont incrustées chez elle. C’est insupportable pour la sexagénaire, mais toute situation, selon le point de vue, recèle en elle une part de comédie. C’est ce que le Mexicain Fernando Eimbcke a bien compris avec ce nouveau long métrage, un projet mis de côté il y a 20 ans après son premier long Temporada de patos et qui est dévoilé en compétition à la Berlinale. Moscas traite de sujets graves, mais la vie même dans ses dures épreuves peut être une comédie.

D’abord exclusivement centré sur Olga (interprétée par la formidable Teresita Sánchez, vue récemment dans La Camarista, Dos estaciones ou Totem), le film effectue de réguliers glissements de protagonistes, d’elle au père à qui elle loue sa chambre puis au jeune fils de celui-ci. Tout cela s’opère avec une fluidité d’écriture particulièrement efficace. Fernando Eimbcke et sa co-scénariste Vanesa Garnica trouvent un équilibre assez miraculeux entre les différentes tonalités du film : Moscas est mignon sans être mièvre, chaleureux sans être convenu. Le film dit d’ « enfant innocent dans un monde de brutes » présente bien des pièges larmoyants : Moscas les évite tous.

Dans Moscas, par touches, on suggère l’impossibilité pour les plus pauvres de se soigner correctement. Plus frontalement, on parle de maladie touchant les membres les plus proches de la famille (ici, la mère du garçonnet). Pas des motifs particulièrement réjouissants mais, à hauteur d’enfant, le film parvient très habilement à éviter le pathos. Comment, néanmoins, se confronte t-on à de tels drames en étant trop jeune ? Moscas filme régulièrement les parties de jeu vidéo du jeune héros comme un refuge, certes fragile et futile, mais un refuge quand même. On s’y plonge littéralement, dans la scène la plus belle et émouvante du film. Il y a beaucoup de tendresse dans ce beau long métrage, même dans sa fin un peu abrupte – celle-ci a l’intelligence de ne pas verser dans un sentimentalisme superflu.

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par Nicolas Bardot

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