Le Caire - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Un corps sous la lave

admin — Tue, 19 Dec 2023 18:00:41 +0000

Parmi l’équipage de Christophe Colomb, trois hommes condamnés à mort ont échappé à leur sort en s’embarquant pour l’incertain voyage. Atteignant les îles Canaries, ils fuient, emportant avec eux l’une des voiles du navire. Pendant ce temps, sur le vieux continent, une femme tente de sauver sa sœur mourante en l’amenant voir une guérisseuse. Le film mêle ces deux destinés.

Un corps sous la lave
Espagne, 2021
De Helena Girón & Samuel M. Delgado

Durée : 1h15

Sortie : 20/12/2023

Note :

L’ANNÉE DE LA DÉCOUVERTE

Un corps sous la lave s’ouvre sur des images de corps submergés par des vagues et empêtrés dans un élégant tissu (qui s’avère après quelques minutes être la voile d’un navire). Des hommes entièrement immergés y sont maintenus sous la surface par la force des éléments, dans un espace où l’on ne distingue plus le bas du haut. Une fois sortis des flots, les trois protagonistes ne trouvent pas davantage leurs repères, naufragés qu’ils sont sur les rochers arides et anonymes d’une île des Canaries. Le film laisse alors toute la place à leur sidération silencieuse face à ce no man’s land. Dans un vertige à la Herzog, la mise à scène fait surgir des humains minuscules dans des paysages gigantesques, pour mieux les laisser à la merci de quelque chose qui les dépassent.

Quasiment dépourvu de dialogues (les rares qu’on entend dans le film sont en langue galicienne) ou de repères narratifs (tout juste est-il brièvement question de Christophe Colomb, sans que l’on sache très bien s’il s’agit d’autre chose que d’une blague), Un corps sous la lave travaille une perte de repère chez les spectateurs également. En parallèle de ce naufrage s’en déroule un autre, plus métaphysique : une jeune femme transporte le corps de sa sœur décédée. Les deux histoires se déroulent-elles sur la même île ? À la même époque ? Lorsque le grain de l’image évolue soudainement, quel changement de point de vue cela traduit-il ? Qui nous raconte cette histoire opaque venue du fond des âges ?

Le duo de plasticiens Helena Girón et Samuel M. Delgado (qui signent ici leur premier long métrage) préfèrent une poésie brute et énigmatique aux réponses toutes faites. Le résultat est parfois frustrant d’aridité, mais il se dégage néanmoins de l’ensemble une atmosphère remarquable de triste menace, comme la prescience de la fin d’un monde sur le point d’être englouti par la mort,la colonisation, l’oubli. D’une beauté exigeante et parfois cryptique, Un corps sous la lave rappelle le travail d’autres cinéastes radicaux espagnols tels Lois Patiño (Red Moon Tide) ou Eloy Enciso (Longa noite).

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Un corps sous la lave est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival Black Movie | Critique : Aloners

admin — Tue, 24 Jan 2023 22:32:00 +0000

Jina travaille dans un centre d’appel dédié aux cartes bancaires. Elle fait son travail consciencieusement, mais ne noue aucune relation avec ses collègues. Jina est également solitaire dans la vie. Un jour, son voisin, avec qui elle échangeait des mots quotidiens en allant ou en revenant du travail, est retrouvé mort chez lui, une semaine après son décès. Cette nouvelle bouleverse Jina…

Aloners
Corée du Sud, 2021
De Hong Sung-eun

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

SEULE AU MONDE

Jina vit dans sa bulle : lorsqu’elle est seule chez elle, lorsqu’elle met ses écouteurs dans la rue, ou quand elle prend place dans l’espace exigu de son travail. La Coréenne Hong Sung-eun (lire notre entretien) raconte avec délicatesse cette solitude choisie, la décrit comme un cocon ouaté, mais aussi comme un rempart. La jeune cinéaste, qui signe ici son premier long métrage, met en scène une tension sans cri. Le malaise est assez silencieux dans Aloners (et le travail sonore est remarquable), mais le film n’étouffe pas sous une chape de plomb pour autant.

Hong Sung-eun parvient en effet à raconter avec finesse et respirations la déshumanisation progressive, une mise en retrait vis-à-vis des autres. Elle réussit à faire ressentir l’angoisse de la sociabilisation, dans un monde où l’on encourage la distance émotionnelle – « les sentiments n’ont pas leur place » indique une supérieure hiérarchique. Les contours du réel deviennent plus flous et dans Aloners, on finit par ne plus vraiment faire la différence entre les vivants et les fantômes. L’appartement d’à côté est-il hanté ? Et pourquoi le nom de la mère décédée de l’héroïne continue de s’afficher sur son téléphone ?

On sent le film au bord d’un basculement qui ne vient peut-être pas. Mais le dernier segment plus chaleureux permet au récit de ne pas s’enfermer dans la formule. Le pari d’avoir cette héroïne pas si aimable (interprétée avec talent par Gong Seung-yeon, pour son premier rôle au cinéma) donne une aspérité bienvenue au long métrage. Déjà primé à Jeonju avant d’être sélectionné à San Sebastian, Aloners est une solide découverte par une cinéaste à suivre.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival Black Movie | Critique : Aloners est apparu en premier sur Le Polyester.

TIFF 2022 | Critique : Blue Moon

admin — Fri, 24 Jun 2022 21:22:46 +0000

Irina lutte pour recevoir une éducation supérieure et échapper à sa famille dysfonctionnelle. Une expérience sexuelle ambiguë avec un artiste va accentuer son intention de lutter contre la violence de sa famille.

Blue Moon
Roumanie, 2021
De Alina Grigore

Durée : 1h25

Sortie : –

Note :

SI TU CHERCHES LA BAGARRE

Blue Moon est le tout premier film réalisé par la Roumaine Alina Grigore, mais on a déjà pu croiser cette dernière en tant qu’actrice et scénariste auprès de son compatriote Adrian Sitaru. C’était dans Illégitime, un film féroce et tordu qui faisait déjà le portrait d’une violence familiale. Comme Illégitime, Blue Moon nous plonge en quelques secondes dans le bain bouillant d’une famille particulièrement intense. Dans la toute première scène, Irina est encore endormie que sa sœur vient s’allonger sur elle pour lui crier dessus. Même une fois dégagée de cette posture encombrante, même une fois sortie dans le couloir où c’est un cousin qui la houspille, même une fois sur la terrasse où c’est toute la famille qui a son mot à dire sur elle : Irina ne peut pas davantage respirer.

Irina a 22 ans, mais avec sa timidité et son visage caché derrière ses longues mèches, on lui en donnerait plutôt 14. La pension où elle vit avec sa famille est censée être un paradis pour touristes mais elle ressemble plutôt à un asile de fous, dans un état de nervosité pas possible. Irina rêve de partir étudier ailleurs, mais son horizon est bouché. Pour elle comme pour sa sœur comme toutes les autres femmes, il n’y a pas vraiment d’autre option que de la fermer, et il n’y a nulle part où se cacher où l’on soit à l’abri d’une éventuelle gifle. De fait, on se croirait presque moins dans un cinéma d’auteur roumain à l’élégance rigide que devant un film de baston.

Blue Moon possède ses respirations où Irina peut enfin s’exprimer et devenir la femme nuancée, crédible et ambiguë qu’elle mérite d’être, mais Alina Grigore fait preuve d’une écriture puissante où les respirations sont toujours secouées de hoquets de violence psychologique. Le film menace de virer au survoltage épuisant, et pourtant Grigore parvient à rendre ces petites explosions toujours imprévisible, nous faisant ainsi partager l’angoisse d’une jeune femme toujours aux aguets du prochain interdit. Blue Moon est un film que l’âpreté ne rend pas aisément aimable, mais il sait aussi ouvrir la fenêtre pour laisser rentrer le vent d’une folie presque grotesque (du sang se met à apparaitre un peu partout, sans qu’on l’explique ni prenne le temps de s’en étonner). Cela lui donne une respiration bien à lui : brève et intense comme un sprint.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article TIFF 2022 | Critique : Blue Moon est apparu en premier sur Le Polyester.

TIFF 2022 | Critique : Brotherhood

admin — Thu, 23 Jun 2022 15:30:50 +0000

Jabir, Usama et Useir sont trois jeunes frères bosniaques nés dans une famille de bergers. Ils ont grandi avec leur père, Ibrahim Delic, un vétéran de la guerre et prédicateur salafiste. Lorsqu’il est condamné pour terrorisme, les frères sont soudainement perdus. Leur père va être emprisonné pendant deux ans, ce qui risque de changer radicalement leur vie.

Brotherhood
République Tchèque, 2021
De Francesco Montagner

Durée : 1h37

Sortie : –

Note :

GRANDS FRÈRES

Dans un paysage bucolique, fait de pâturages en fleurs et d’après-midi calmes, trois frères grandissent. Dans la ferme où ils habitent, où les bâtiments eux-mêmes semblent attendre d’être achevés, ils passent le temps en gardant les moutons, en jouant à se battre ou en s’ennuyant. Le plus jeune est encore un enfant, le plus âgé déjà un jeune adulte. Brièvement visible à l’écran, leur père devient quant à lui rapidement absent du film et de leur quotidien. La raison est finement laissée en pointillés, mais on devine que quelque chose de grave a pu se passer quelque part, loin des trois garçons et de leur chaumière.

Brotherhood est le premier long métrage de Francesco Montagner, réalisateur italien installé en République Tchèque. Cinéaste subtil mais assuré (cela mérite des louanges adéquates : il n’y a pas un plan de Brotherhood qui ne soit pas mis en scène avec éclat), il n’est pas du genre à surligner les sous-entendus. Dans ce cadre qui pourrait ressembler à une carte postale placide de la vielle Europe, il y a de quoi être surpris d’entendre des allusions récurrentes (par le journal télévisé regardé d’un œil, par des discussions pleines de non-dits) sur la peur ultra contemporaine de l’islamisme radical. Les protagonistes appartiennent à la communauté musulmane de Bosnie, mais là n’est pas le sujet du film.

Il est beaucoup question dans Brotherhood d’accepter ou non son destin, de se rebeller face aux attentes familiales, de devoir composer avec (ou sans) un père très autoritaire. Les années passent, le père ne revient pas vraiment et les jeunes garçons grandissent. Le film prend un peu trop son temps pour capter le temps, quitte à stagner à plusieurs reprises, mais il réserve plus d’une griserie au moment d’aller toucher du doigt de brusques et émouvants changements d’échelles. Quel précipice entre les désirs personnels et les besoin de la famille, entre cette ferme et le monde entier, entre la vie quotidienne d’ados et des concepts aussi gigantesques que la foi ou la prédestination, entre les années qui passent parfois en un clin d’œil. Documentaire qui ne ressemble jamais à un documentaire, Brotherhood fait preuve de suffisamment d’acuité pour nous rendre curieux de la suite de la carrière de son auteur.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article TIFF 2022 | Critique : Brotherhood est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Le Prince

admin — Tue, 14 Jun 2022 21:22:54 +0000

Galeriste allemande de Francfort, Monika n’a rien en commun avec Joseph, diamantaire congolais en attente de régularisation, qui survit de combines plus ou moins légales dans la même ville. Tous deux pensent qu’ils sont différents, qu’ils ne sont pas le produit de leur environnement et qu’ils vont pouvoir surmonter les obstacles. Pourtant, la défiance s’immisce dans leur amour…

Le Prince
Allemagne, 2021
De Lisa Bierwirth

Durée : 2h05

Sortie : 15/06/2022

Note :

BRÈVE RENCONTRE

Curatrice dans une galerie d’art, Monika a la tête sur les épaules. Elle n’a ni l’âge, ni la naïveté de croire encore au prince charmant. Elle n’a pas la tête à chercher l’amour, mais on ne sait d’ailleurs pas trop vers où est tourné son esprit, coincé entre des œuvres tournées vers le passé (des sculptures faites de bouts d’anciens appartements) et une potentielle promotion qui tarde un peu à arriver. Comme bien des personnages du passionnant cinéma d’auteur allemand contemporain, Monika est comme laissée sur pause lorsqu’on la découvre : derrière l’ancrage social se devine une poignante difficulté à interagir avec son entourage, à s’intégrer dans un groupe.

Lorsque le hasard lui fait rencontrer Joseph, ce n’est pas vraiment sur le mode du conte de fées, puisque c’est quasiment dans une poubelle qu’ils se tombent dessus, fuyant une descente de police dans un bar. Au-delà de l’ironie de ce point de départ inattendu, Le Prince n’est pas une comédie romantique. Ce n’est d’ailleurs pas une comédie tout court. Produit par Maren Ade et réalisé par Lisa Bierwirth (qui signe ici son premier film après avoir travaillé comme assistante de de Valeska Grisebach sur Western), ce drame possède les solides qualités d’écriture de l’école allemande : réalisme, élégance, et une manière d’interroger avec magnétisme la réalité autour de soi.

Immigré venu du Congo, Joseph est peut-être lié à un trafic illégal. Le prince charmant serait-il un simple escroc ? Lisa Bierwirth a le bon goût de ne pas tisser le film autour de cette question. C’est d’ailleurs plutôt le white gaze qu’interroge le film, à savoir la curiosité un peu condescendante que l’entourage de Monika éprouve pour Joseph. Les deux personnages sont d’ailleurs traités à part égale, richement écrits avec des nuances convaincantes et un sens fin du détail, et également interprétés avec talent par Ursula Strauss et le rappeur Passi.

Lorsque Joseph disparaît un temps de la vie de Monika, l’ensemble du film se retrouve alors quelque peu déséquilibré. Ce pas de côté n’est pas malhabile, il est sans doute un peu long (aussi incisive qu’elle soit, l’écriture de Bierwirth pourrait de façon générale se permettre quelques ellipses supplémentaires) mais laisse un petit point d’interrogation sur le point de vue du film. La relation amoureuse que l’on croyait voire naitre sous nos yeux se transforme alors en un récit plus retors (et plus allemand, pourrait-on dire) : le portrait d’une femme non pas séduite et abandonnée, mais une femme qui s’arrange avec l’ambiguïté, qui accepte de participer à sa propre perte de repère. Un vaste programme, et au final une réussite inattendue.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Le Prince est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Vortex

admin — Tue, 12 Apr 2022 20:37:40 +0000

La vie est une courte fête qui sera vite oubliée.

Vortex
France, 2021
De Gaspar Noé

Durée : 2h22

Sortie : 13/04/2022

Note :

NOUS LES VIVANTS

La caméra de Gaspar Noé peut aller partout. Du ciel au dessus de Tokyo jusqu’à l’intérieur d’une vulve, aucun endroit n’est trop immense ou restreint pour elle, et aucun mouvement, aucune chorégraphie ne lui semble inaccessible. Vortex est un huis-clos situé quasi-intégralement dans un appartement parisien, mais la mise en scène une fois encore virtuose du cinéaste s’accommode à merveille de cette contrainte, et fait de cette déambulation domestique l’exploration hypnotique d’un labyrinthe mental.

Vortex raconte le quotidien de deux vieux époux, intellectuels tendance ex-anars, dans un nid d’amour où les souvenirs s’accumulent dangereusement. En dépit ou peut être à cause de l’exiguïté du lieu, il y a toujours entre eux deux une pile de bouquins, de médocs ou de bordel qui ne fait sens que pour eux. Comme pour souligner le paradoxe de ce terrier mi-cosy mi-anxiogène, où il fait doux vivre mais où l’on meurt à petit feu, Noé sépare ses protagonistes à l’aide d’un split screen implacable. L’effet pourrait être cruel, mais il se révèle paradoxalement fort émouvant.

Monsieur écrit un livre sur le cinéma tandis que madame perd peu à peu la mémoire, c’est à dire ses repères spaciaux comme mentaux. Elle commence à ne plus reconnaître les lieux où les gens autour d’elle, les pièces qui s’enchaînent sans qu’on parvienne à en comprendre la logique, s’enfonçant peu à peu dans les dédales de sa psyché. Au delà des gestes quotidiens de ces deux petits vieux, Noé filme la mort qui rôde, le temps qui détruit tout, pour reprendre la formule d’Irréversible. Vortex raconte avec réalisme une histoire banale et terrifiante, sans être pour autant un film de terreur.

Vortex ne ressemble pas à Amour d’Haneke. On n’aurait peut-être pas parié sur le fait que Noé ferait, sur un sujet similaire, un film plus chaleureux, mais c’est le cas. Au choc et à l’horreur, Vortex préfère un réalisme qui prend son temps. C’est moins une torture au ralenti qu’une façon émouvante d’accompagner ses personnages avec le plus de bienveillance (oui, bienveillance, le mot est dit) possible, quitte à ce que le film soit justement un peu trop long à force de ne vouloir lâcher la main de personne. Tel est peut être son petit défaut.

Cinéaste spécialiste des morts brutales (pour le coup), Dario Argento se révèle un acteur très convaincant, mais la star du film est indéniablement Françoise Lebrun, qui livre l’une des toutes meilleures performances de l’année dans ce rôle de souriceau tremblotant à la timidité spectrale, si effacée qu’elle en crève l’écran. C’est sans doute la meilleure performance d’acteur qu’on ait vu chez Noé, en tout cas depuis bien longtemps. C’est un signe de plus que, derrière de morbides apparences, Vortex est un film au cœur qui bat et qui tremble.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Vortex est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival Black Movie | Critique : Pebbles

admin — Wed, 26 Jan 2022 16:38:48 +0000

Ganapathy enchaîne les cigarettes et a perpétuellement l’air renfrogné. Sa femme a fui la maison et la violence domestique qu’il lui inflige, mais, accompagné de son jeune fils, Ganapathy est déterminé à la retrouver. C’est le début d’une marche de 13 km lors d’une des journées les plus chaudes de l’année…

Pebbles
Inde, 2021
De Vinothraj P.S.

Durée : 1h14

Sortie : –

Note :

MIRAGES

Pour son tout premier long métrage, le cinéaste indien Vinothraj P.S. s’est inspiré du vécu de sa propre sœur, obligée de fuir à pied et en plein désert un mari violent. L’épouse du protagoniste de Pebbles s’évade en effet d’un façon similaire mais, parti pris déjà singulier : on ne verra jamais cette dernière de tout le film. Inattendu, Pebbles est centré entièrement sur l’homme brutal et son fils, lancés ensemble à la recherche de l’absente, d’abord en bus, puis à pied.

Pebbles n’est ni un road movie (le film évite toute forme de pittoresque) ni un tendre film de réconciliation. Dans cette errance souvent sans dialogues, la tension est omniprésente, et notamment sur le visage du protagoniste, perpétuellement en colère comme s’il était sur le point de casser la gueule à tout le monde, à commencer par son fils, et même à la caméra. Une autre forme de violence est aussi présente tout autour des protagonistes, celle des conditions de vie particulièrement difficiles dans cette région pauvre et aride : douleur physique, sécheresse, alcoolisme. Mais s’il documente au passage sur ce coin d’Inde du sud rarement vu au cinéma, Vinothraj P.S. possède une plus grande ambition cinématographique.

Dans des paysages qui n’ont pas changé depuis des milliers d’années, sans repères ni frontières, père et fils errent dans un va-et-vient nerveux. Assommée par un soleil prêt à rendre fou, cette équation rappellerait presque l’Ozploitation (on entend même un discret didgeridoo). Pebbles offre des reliefs de mise en scène impromptus qui impressionnent et disparaissent aussitôt, comme des mirages : des plans furtifs filmés par drones ou en caméra subjective, un unique plan-séquence de dix minutes… Rien qu’en terme de mise en scène, on ne sait plus sur quel pied danser (tant mieux) et à quelle nouvel éclat s’attendre. La nature-même de ce voyage fou devient également plus floue: père et fils se fuient-ils l’un l’autre? Se courent-ils après? Pebbles débute par une question à laquelle il est impossible de répondre et, dans un amer dénouement, se transforme en une poignante entreprise sans fin. Comme un serpent du désert qui se mord la queue.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival Black Movie | Critique : Pebbles est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival du Caire | Critique : Sisterhood

admin — Wed, 08 Dec 2021 01:10:07 +0000

L’amitié de deux adolescentes est menacée lorsqu’elles doivent faire face aux conséquences cruelles de leur comportement manipulateur.

Sisterhood
Macédoine du Nord, 2021
De Dina Duma

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

LA TÊTE SOUS L’EAU

Jana et Maya sont meilleures amies. Toutes deux membres d’une équipe de natation, on les découvre au bord de gorges (qui ressemblent à un magnifique fjord), se mettant au défi mutuellement d’oser sauter dans la rivière en contrebas. « Arrête de faire l’enfant » jappe la plus autoritaire des deux. Mais peu importe leur décision, et peu importe qu’elles se trouvent sur terre ou dans l’eau : dans la société macédonienne comme ailleurs, les jeunes filles n’ont pas d’autre choix que de grandir la tête sous l’eau.

L’horizon de Jana et Maya est aussi restreint pour elles que pour tout le monde dans leur génération. Ce n’est pas une mère paumée ou un père lâche qui va leur arracher autre chose que des yeux levés au ciel ou un doigt d’honneur. Leur quotidien est fait de cours ennuyeux ou de soirées étudiantes (retranscrites ici via des images brut tournées directement par téléphone) où l’on se vomit à moitié dessus, et où l’on charrie lourdement ceux qui tentent de s’isoler discrètement dans la chambre. La chambre, voilà d’ailleurs leur unique horizon, mais attention sur le chemin : éviter de devenir aux yeux de tous la fille facile ou la coincée de service se révèle un parcours du combattant.

Ce combat, Jana et Maya pourraient le mener ensemble, mais leur relation contient déjà son lot de tension, de ressentiment et de fierté ravalée, à tel point qu’on ne sait plus très bien si elles s’adorent où se détestent, si elles sont amies ou bel et bien sœurs ennemies. De prime abord, Sisterhood a l’air d’un récit d’apprentissage tel qu’on en croise très régulièrement au cinéma, mais le film puise sa personnalité en plusieurs endroits : la photo superbe et chaleureuse, la qualité des interprètes (dont c’est ici pourtant le tout premier film), et surtout un ton plein de cruauté intranquille au moment de dépeindre avec finesse une émancipation féminine en forme de lutte dont aucune ne sort réellement gagnante. Derrière de sages abords, Sisterhood est un film amer qui montre les crocs, tant mieux.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival du Caire | Critique : Sisterhood est apparu en premier sur Le Polyester.

Le palmarès du Festival du Caire 2021

admin — Mon, 06 Dec 2021 07:54:57 +0000

La 43e édition du Festival du Caire s’est achevée ce weekend. Vous avez pu suivre le festival en direct sur Le Polyester. Le palmarès a été dévoilé.

C’est le Mexicain The Hole in the Fence de Joaquin del Paso qui a remporté le Grand Prix. Primé à la Mostra de Venise, ce film est une farce mordante sur des garçons recevant, dans leur prestigieuse école privée, une formation physique, morale et religieuse qui fera d’eux l’élite de demain. Retrouvez notre critique du film et notre entretien avec le réalisateur.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Pyramide d’or du meilleur film : The Hole in the Fence, Joaquin del Paso
Pyramide d’argent – prix de la mise en scène : Laura Samani pour Piccolo Corpo
Pyramide de bronze – meilleur premier ou deuxième film : Aloners, Hong Sung-eun
Prix Naguib Mahfouz – prix du scénario : Peter Kerekes & Ivan Ostrochovský, 107 Mothers
Prix d’interprétation masculine : Mohamed Mamdouh pour Abu Saddam
Prix d’interprétation féminine : Swamy Rotolo pour A Chiara
Prix Henry Barakat de la contribution artistique : José Ángel Alayón pour la photographie de They Carry Death

Le site du festival

Gregory Coutaut

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

L’article Le palmarès du Festival du Caire 2021 est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival du Caire | Critique : The Hole in the Fence

admin — Fri, 03 Dec 2021 23:00:02 +0000

Dans un camp d’été isolé au coeur de la campagne mexicaine, sous l’œil attentif de leurs tuteurs adultes, les garçons d’une prestigieuse école privée reçoivent une formation physique, morale et religieuse qui fera d’eux l’élite de demain. La découverte d’un trou dans la clôture du domaine déclenche une série d’événements de plus en plus inquiétants. L’hystérie se propage rapidement.

The Hole in the Fence
Mexique, 2021
De Joaquin del Paso

Durée : 1h40

Sortie : –

Note :

MASC FOR MASC

The Hole in the Fence se déroule dans un cadre paradisiaque. Un coin de campagne mexicaine si propre, paisible et coupé du monde qu’on se dirait en Suisse. Les arbres y sont majestueux et les couleurs si vives qu’on croirait le film tourné en technicolor. Dans cet Eden, un camp d’été religieux accueille une classe de jeunes garçons privilégiés venus apprendre la vie en communauté. Mi-enfants mi-ados, ces garçons sont la future élite de la nation : au-dessus de leurs têtes bien peignées, le ciel est toujours bleu, et rien ne semble pouvoir entraver leur glorieuse destinée.

Le réalisateur mexicain Joaquín del Paso (lire notre entretien) filme cette bulle de beauté et de confort avec une grammaire cinématographique issue du fantastique : plans symétriques, nombreux zooms et dézooms. L’écriture sème également sans tarder des graines joyeusement empoisonnées : le havre de paix en question serait bâti sur un cimetière indigène et un animal sauvage rôderait dans les bois alentours. Quand adultes et enfants découvrent un trou dans la précieuse clôture censée les protéger (des pauvres, des populations racisées, des monstres !), la tension monte encore d’un cran.

The Hole in the Fence est un film sans protagoniste, et ce n’est pas le seul pari gonflé du scénario : les différents personnages sont en effet tous d’horribles têtes à claques. Les gamins sont des petits cons racistes, classistes et homophobes, des fils-à-papa violents et sûrs de leur bon droit. Les adultes sont des prédateurs psychotiques malgré leurs belles manières. Le film s’amuse à nous mettre une eau féroce à la bouche en nous faisant miroiter leur punition et leur future souffrance à tous. Mais il est presque inutile d’attendre la venue d’un monstre à travers le trou dans la clôture: l’horreur est déjà là. En se basant sur ses souvenirs personnels, Joaquín del Paso montre le masculinisme comme le film d’horreur qu’il est vraiment. Cet entre-soi masculin, ce culte de virilité et de la cohésion fraternelle jusqu’à l’intimidation et la violence : voilà la seule non-mixité à être authentiquement dangereuse.

On peut d’ailleurs citer beaucoup de films fantastiques situés dans des pensionnats de jeunes filles, mais combien se déroulent dans un pensionnat de garçons, alors même que dans la vraie vie, la violence de ces derniers est bien plus effrayante ? La machine à perpétuer la violence masculine est une bête qui ne dort pas. La métaphore de cette mini-usine à connards devient peut-être un peu trop lisible à la longue, mais là où le film se révèle plus inattendu, c’est dans sa manière de traiter ce terrible constat avec un humour cruel et contagieux. Ce n’est plus dans les Alpes suisses qu’on se croirait alors, mais en Autriche. Jeu de massacre sans gagnants, The Hole in the Fence est à la fois un film d’horreur psychologique et une farce d’une méchanceté irrésistible. Un mélange inattendu, qui se joue lui aussi des clôtures.

| Suivez Le Polyester sur Twitter, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival du Caire | Critique : The Hole in the Fence est apparu en premier sur Le Polyester.