Festivals - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de San Sebastian | Critique : Seize moments de ma vie

admin — Sat, 19 Sep 2026 04:35:11 +0000

Ingrid Caven chante 16 moments de sa vie lors d’un concert unique au théâtre des Bouffes du Nord à Paris.

Seize moments de ma vie
France, 2026
D’Albert Serra

Durée : 1h25

Sortie : –

Note :

EN PRÉSENCE DE L’ARTISTE

En 2024, le cinéaste espagnol Albert Serra signait son tout premier film documentaire, Tardes de soledad. C’est à nouveau dans la galaxie documentaire qu’on le retrouve aujourd’hui avec Seize moments de ma vie, présenté en première mondiale hors compétition à Locarno. La vie dont il est question dans le titre n’est pas celle de Serra mais celle d’Ingrid Caven, protagoniste du film de la première à l’ultime minute. Actrice-icône aux collaborations incroyablement chics (Fassbinder bien sûr mais aussi Werner Schroeter, Claire Denis, Ulrike Ottinger, etc), Caven est également chanteuse, et Seize moments de ma vie est la captation d’un concert qu’elle a donné à Paris en 2025.

Utiliser le mot captation est factuel et pourtant presque insultant à la fois tant la beauté du résultat dépasse de loin celle des concerts de rock stars remplissant les rayons DVD. Techniquement il s’agit bien d’une captation puisqu’il n’y a rien d’autre à l’image que le concert en question, jamais interrompu par la moindre image de coulisse, interview ou commentaire, ni même aucun plan sur le public. Accompagné de son fidèle et talentueux chef opérateur Artur Tort, Serra propose un savant montage de différents angles de vue mais n’ajoute aucun effet de mise en scène. Pas besoin de davantage quand l’intensité de Caven suffit à faire passer les murs ocres de la scène pour une matrice ou l’antre de l’enfer.

Si Seize moments de ma vie n’est pourtant pas qu’une captation au sens traditionnel, c’est d’abord sans doute parce que le récital donné par Caven, davantage tragédienne que rock star, n’est pas un concert traditionnel, mais aussi car ce qu’elle chante ne ressemble jamais à des chansons traditionnelles. Dans un mélange particulièrement planant et homogène de rock, cabaret et trip-hop qui évoque certaines BO de Lynch, elle conte/déclame/murmure avec un charisme sans pareil des paroles tantôt en français tantôt en allemand (les paroles sont sous-titrées à l’image), des poèmes tantôt crus ou énigmatiques, toujours à la première personne. Les seize titres composant la setlist, les « moments » du titre, ne racontent peut-être pas une biographie claire de A à Z mais elle font de Caven à la fois une narratrice et un personnage de récit. C’est la toute première fois que Serra met une femme au cœur d’un de ses films, et Caven montre qu’elle a les épaules pour se hisser aux côtés des mythes qui peuplaient jusqu’ici l’œuvre du cinéaste.

Inutile de connaître la carrière de Caven pour se laisser hypnotiser par le film de Serra. Bulle coupée du reste du monde, Seize moments de ma vie donne l’impression paradoxale que tout pourrait arriver à l’écran. C’est parfois parce que Caven a l’air de presque improviser avec absurdité en toute ivresse (comme dans En nous, la lisière entre le sublime et le rire est parfois mince), mais surtout car la similarité entre les chansons qui s’enchainent avec des durées parfois improbables (le premier titre semble durer un quart d’heure) compose une perte de repères particulièrement magnétique, dans laquelle on reconnait tout à fait la patte du cinéma de Serra, qui n’a ici rien perdu de sa radicalité, son panache et sa beauté. Chapeau, les deux artistes.

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par Gregory Coutaut

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Festival de San Sebastian | Critique : Viva

admin — Sat, 19 Sep 2026 03:43:29 +0000

Après avoir échappé de peu à la mort, Nora, 40 ans, est animée par une brûlante urgence de se sentir en vie. Elle se jette à corps perdu dans deux relations amoureuses avec deux hommes que tout oppose, Tom et Max, reflets de ses propres aspirations contradictoires. Mais lorsque ni l’un ni l’autre ne parvient à combler son vide intérieur, Nora est contrainte d’affronter la vérité : elle devra faire face à la peur profonde qui alimente sa soif de vivre.

Viva
Espagne, 2026
D’Aina Clotet

Durée : 1h53

Sortie : 13/01/2027

Note :

T’ES MALADE OU QUOI ?

Viva s’ouvre sur un diagnostic qui n’a rien de joyeux : une possible rechute du cancer du sein de l’héroïne, Nora, alors que celle-ci a déjà subi une mastectomie partielle. Visiblement pas pressée de traverser cette épreuve une seconde fois, Nora jette à peine un regard à son docteur avant de prendre la poudre d’escampette, au propre comme au singulier. Nora n’en parlera pas à son conjoint, ni à ses amis, elle n’en parlera tout simplement à personne car il n’y a rien à raconter et que tout va bien, n’est ce pas ? Un tel déni n’a rien de drôle, et pourtant c’est bel et bien dans une comédie que nous plonge Viva.

Aina Clotet, qui travaille en tant qu’actrice depuis la fin des années 90 et qui interprète ici le rôle principal, réalise son tout premier long métrage avec Viva. Elle dit avoir bâti son scénario sur ses inquiétudes les plus profondes et en effet le sujet est grave – Nora ne cache aucune de ses cicatrices, qu’elles soient physiques ou mentales. Cette attachante héroïne n’est pourtant pas du genre à s’en laisser compter. Sur le chantier de sa maison de campagne, elle est aussi bien capable d’abattre les murs que de trouver une source d’eau en plein désert, ou presque.

Une telle formule pourrait laisser croire que Viva n’a d’autre ambition que d’offrir un « magnifique portrait de femme » comme le veut cette satanée formule pleine de clichés. Aina Clotet a heureusement plus d’humour que ça. Le chemin de Nora vers la liberté retrouvée va s’avérer plus dingo que prévu, à mesure que se réveille sa libido et qu’un gamin de 20 ans se met à lui envoyer des sextos. En toute honnêteté, le tour de piste que la réalisatrice nous offre à travers les situations cocasses ne cherche pas une originalité révolutionnaire. Viva provoque moins des éclats de rires choqués qu’un gros capital sympathie. Clotet sait néanmoins trouver le rythme nécessaire pour nous émouvoir de bien des manières avec cette héroïne désinvolte qui est tantôt l’instigatrice, tantôt le risible jouet du joyeux chaos sensuel qu’est sa vie.

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par Gregory Coutaut

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Festival de San Sebastian | Critique : Teenage Sex and Death at Camp Miasma

admin — Sat, 19 Sep 2026 02:43:42 +0000

Après plusieurs suites bâclées et malgré une fanbase en déclin, une jeune réalisatrice enthousiaste reprend les rennes de la franchise de slasher Camp Miasma, avec pour mission de la ressusciter. Mais alors qu’elle rend visite à la star du premier film, une actrice mystérieuse et recluse, les deux femmes s’entraînent dans un univers sanglant entremêlant désir, peur et hallucinations.

Teenage Sex And Death At Camp Miasma
États-Unis, 2026
De Jane Schoenbrun

Durée : 2h00

Sortie : –

Note :

REFLETS DANS UN DIAMANT CAMP

Comment décrire un feu d’artifice ? Par quel bout commencer pour décrire le fabuleux kaléidoscope qu’est Teenage Sex and Death at Camp Miasma, film qui réussit la tâche herculéenne d’être à la hauteur de son titre? Cinéaste trans repéré.e il y a cinq ans à Sundance (et à Entrevues Belfort pour la France) avec son étrange premier long métrage, We’re All Going to the World’s Fair, Jane Schoenbrun était bien vite passé.e à la vitesse supérieure avec le très singulier I Saw the TV Glow, l’un des sommets de 2024 hélas sorti directement en VoD chez nous. Une injustice réparée par la sélection de ce nouveau long métrage en première mondiale à Cannes, en ouverture (rien que ça) de la section Un Certain Regard.

Un regard certain, voilà précisément une qualité que possède Schoenbrun dont l’œuvre pourtant très jeune ne ressemble à aucune autre, située à la croisée des représentations queer et d’un amour pour le cinéma d’horreur, pour reprendre la formule avec laquelle se présente la protagoniste, personnage dont on peut s’amuser à deviner l’origine autobiographique. Teenage Sex and Death at Camp Miasma vient poursuivre l’exploration de ce filon, à une importante différence près. Il s’agit ici d’une comédie. Celles et ceux qui trouvaient que ses films intenses flirtaient parfois avec le risque de se prendre un peu trop au sérieux seront rassurés par un ton farceur qui vient rendre plus accessible le catalogue d’obsessions contagieuses de Schoenbrun.

Cette comédie a de l’ironie à revendre, mais il ne s’agit pas du tout d’une parodie. L’amour de Schoenbrun et de ses personnages pour le pouvoir de fascination des images interdites est particulièrement authentique. Teenage Sex and Death at Camp Miasma est camp au sens originel : un amour qui est sincère et moqueur dans le même geste, sans qu’un niveau de lecture vienne annuler l’autre. A chaque apparition de Gillian Anderson, on ressent à la fois les probables fous rires sur le plateau au moment de choisir ses robes, mais également la pureté de cet hommage ému aux actrices oubliées et sacrifiées du cinéma d’horreur. Mais surtout, on reste ici en plein cinéma fantastique, et l’on ressort de la séance avec l’impression d’avoir fait un rêve vénéneux davantage que d’avoir vu un film.

Tout débute par un diaporama de divers objets de collection à l’effigie du slasher fictif Camp Miasma. Cette introduction pourrait faire craindre que le film n’a d’autre d’autre ambition que d’être un catalogue de clins d’oeil aux sagas horrifiques des années 80, juste bons à faire du fan service. Même si, de fait, on jubile effectivement de reconnaitre telle ou telle référence obscure au long du film, le réduire à cela serait occulter l’honnêteté avec laquelle, derrière les gags, Schoenbrun ausculte aussi les zones grises qui peuplent ce carrefour entre le queer et l’horreur : la représentation érotisantes des final girls, l’ambiguïté de genre de certaines boogeymen, mais aussi la manière dont les cinéastes hommes ont (indépendamment de leur talent) juxtaposé film après film la souffrance féminine et notre jubilation de spectateur.ice. Cette déclaration d’amour n’est pas dupe.

Farfelu et délicieusement labyrinthique à la fois, le scénario de Teenage Sex and Death at Camp Miasma possède, on doit bien le dire, un ventre mou agaçant au moment, non pas de donner des explications (ce n’est clairement pas le genre de la maison), mais d’articuler une bonne fois pour toutes les différents niveaux lectures de ce cauchemar. Il y a beaucoup à analyser sur la manière dont les identités queer se construisent effectivement grâce aux images interdites et surnaturelles, miroir finalement souvent plus efficace que ceux du monde réel, mais après tout peut-être existe-t-il aussi un chaos indémêlable dans cette alchimie là. Il n’y a aucune raison de penser à Yasujirō Ozu devant Teenage Sex and Death at Camp Miasma, si ce n’est que le film semble parfaitement illustrer sa citation : « Ce sont les films qui nous regardent », et non l’inverse.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Histoires de la nuit

admin — Tue, 15 Sep 2026 01:57:00 +0000

Nora, Thomas et leur fille Ida vivent dans une ferme isolée, dans une zone marécageuse. La famille est coupée du monde, à l’exception de leur voisine Cristina, artiste italienne. Alors qu’une fête surprise est organisée pour l’anniversaire de Nora, trois hommes surgissent autour de la maison, répandant malaise et tension chez les habitants du marais.

Histoires de la nuit
France, 2026
De Léa Mysius

Durée : 1h54

Sortie : 16/09/2026

Note :

DEUX SALLES, DEUX AMBIANCES

Au jeu des sept familles du cinéma de genre, la réalisatrice française Léa Mysius troque le récit d’apprentissage surnaturel (Les Cinq diables) pour du Home Invasion, ce type de récit sans éléments surnaturels mais au suspens éprouvant, où les protagonistes se retrouvent séquestrés dans leur propre maison. Ce que Mysius perd en imagination avec ce récit plus proche du film noir que du merveilleux, elle le regagne en clarté : là où Les Cinq diables partait délibérément dans beaucoup de directions différentes, Histoires de la nuit mise sur l’économie : un récit presque en temps réel entre une poignée de personnages seulement, dans un décor unique. Ou plutôt deux décors, ce qui n’est pas anodin.

Les codes du genre sont respectés et soigneusement présentés. Une maison évidemment isolée, des personnages archétypaux (une artiste peintre forcément intuitive, un fou qui s’avère plus clairvoyant que les autres), un filtre jaune un peu moche qui, ouf, laisse progressivement la place à des beaux bleus métalliques glacés (passer du jaune au bleu mériterait d’inclure ici le gif de Meryl Streep disant « groundbreaking » mais Histoires de la vie est effectivement de plus en plus beau à mesure que la nuit tombe autour des personnages), et comme nous sommes dans un film français, il était visiblement inévitable qu’on nous parle également du monde du travail, qu’il soit agricole ou citadin. Trop rares sont encore les films de genre de chez nous à oser se défaire entièrement de cette thématique, comme s’il fallait absolument qu’un film de genre fasse mine de parler de quelque chose de sérieux.

Qualité précieuse dans ce contexte de huis clos : Mysius gère efficacement rythme et tension, sans avoir recours à des facilités de type flashbacks (et ce sur près de deux heures, il fallait le faire). Le mérite en revient aussi aux différents interprètes, mais parmi ce casting de star, presque trop à la mode pour être honnête, c’est Alane Delhaye (le rôle titre de P’tit Quinquin, devenu une sorte de version française de Franz Rogowski) qui s’en tire le mieux. Chacun y va de son numéro plus ou moins attendu, au point qu’Histoires de la nuit devient davantage un film à acteurs qu’un pur film de genre.

Le résultat se suit avec beaucoup de facilité même si Mysius semble sans cesse aller et venir entre deux films : entre le drame accessible et une nervosité angoissante, entre la dignité des personnages et la cruauté nécessaire au genre, entre les dialogues psychologiques qui expliquent tout et une inquiétante étrangeté bien plus ambigüe. Sur ce dernier point, on aurait aimé que les espaces liminaux soient directement référencés dans la mise en scène plutôt que d’être bêtement abordés pour rien au détour d’une conversation, d’autant que la direction artistique est soignée. Plutôt frustrante à la longue, cette ambivalence trouve sa traduction la plus concrète dans le fait que l’action et les personnages sont, comme on le disait, étonnamment divisés entre deux décors, deux maisons collées l’une à l’autre. Quel très curieux parti pris scénaristique, finalement révélateur. Deux salles, deux ambiances, un comble pour un huis-clos.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès de la Mostra de Venise 2026

admin — Sat, 12 Sep 2026 18:53:21 +0000

La nouvelle édition de la Mostra de Venise s’achève ce samedi soir. Nous vous en avons proposé un aperçu toute cette semaine.

Le Lion d’or est allé à Woman Unknown de la Danoise May el-Toukhy. L’histoire : Marie, une ancienne femme de ménage, prévoit un dîner extravagant pour ses fiançailles avec le patriarche de la maison. Alors que les préparatifs avancent, des aspects cachés de son passé commencent à refaire surface, menaçant de perturber la fête. Woman Unknown n’a pas encore de date de sortie française.

Woman Unknown

Compétition internationale

Lion d’or : Woman Unknown, May el-Toukhy
Grand Prix du Jury : Possible Love, Lee Chang-dong
Prix de la mise en scène : Dau, Ilya Khrzhanovsky
Prix spécial du jury : Naza, Yuval Abraham & Rachel Szor
Prix d’interprétation féminine : Mathilde Arcel, Unknown Woman
Prix d’interprétation masculine : John Malkovich, Wild Horse Nine
Prix du scénario : Un bon petit soldat, Coralie Amédéo, Stéphane Brizé & Olivier Gorce
Prix Marcello Mastroianni du meilleur espoir : Malou Khebizi, 15/18

La Maison du vent

Prix Dino de Laurentiis du meilleur premier film : La Maison du vent, Auguste Bernard Kouemo Yanghu

Prix Spotlight du public : I Matter, Alina Serban

Un détour par Diane

Compétition Orizzonti

Grand Prix : Un détour par Diane, Ann Sirot & Raphaël Balboni
Prix de la mise en scène : A Day in the life of JO : Chapter Phaedra, Jacqueline Lentzou
Prix spécial du jury : La Maison du vent, Auguste Bernard Kouemo Yanghu
Prix d’interprétation féminine : Laleh Marzban, Falling House
Prix d’interprétation masculine : Riccardo Scamarcio, I Figli della Scimmia
Prix du scénario : I Figli della Scimmia, Damiano Femfert & Tommaso Landucci
Prix du court métrage : Quelques instants de bonheur, Shaden Safieddine Tazi

Nicolas Bardot

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Le palmarès du Festival de Deauville 2026

admin — Sat, 12 Sep 2026 18:13:56 +0000

La 52e édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville s’achève ce weekend. Son palmarès a été dévoilé.

Le Grand Prix a été décerné à Club Kid de Jordan Firstman. L’histoire : Peter, organisateur de soirées branchées à New York, mène une existence aussi effrénée qu’insouciante, rythmée par les nuits festives et les excès. Sa vie bascule lorsqu’Arlo, le fils de 10 ans dont il ignorait l’existence, frappe à sa porte. Club Kid sortira le 4 novembre, retrouvez notre critique du long métrage.

Club Kid

Grand Prix : Club Kid, Jordan Firstman
Prix du jury : Méli-Mélo (Tangles), Leah Nelson & If I Go Will They Miss Me, Walter Thompson-Hernández (ex-aequo)

Prix de la révélation : Mouse, Kelly O’Sullivan & Alex Thompson
Prix de la critique : Méli-Mélo (Tangles), Leah Nelson
Prix du public : Club Kid, Jordan Firstman

Prix d’Ornano-Valenti : La Gradiva, Marine Atlan

Prix Canal+ : Test, Sam McConnell

Source

Nicolas Bardot

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Mostra de Venise | Critique : Let Us Through, Dear Ancestors

admin — Sat, 12 Sep 2026 01:45:50 +0000

1617. Le prête espagnol Padre Enciso gouverne l’une des îles des Islas Filipinas avec une rigueur implacable et une libido insatiable, « Pour dompter ces sauvages », proclame-t-il.

Let Us Through, Dear Ancestors
Philippines, 2026
De Lav Diaz

Durée : 2h31

Sortie : –

Note :

ÇA VIENT DE LA-HAUT

Après de nombreux films chronologiquement situés dans le sillage de la dictature de Marcos, Lav Diaz poursuit le voyage dans le temps dans l’Histoire des Philippines qu’il a entamé avec Magellan. Situé au 17e siècle, Let Us Through, Dear Ancestors se déroule durant le point d’orgue de l’évangélisation forcée par l’Eglise Catholique espagnole, une période vendue par l’oppresseur comme une série d’opportunités et de projets, mais vécue par les locaux comme une malédiction de déshumanisation. Métaphore de cette dualité : l’action de ce nouveau film se déroule dans un village uniquement peuplé de femmes depuis que la construction d’une immense église ordonné par un prêtre espagnol est venue a bout de tous les hommes.

Seul survivant de sexe masculin, ce prête hypocrite, violeur et raciste comme un influenceur incel, qui admet en ricanant que « ces sauvages en sont peut-être pas tous des singes après tout », règne avec terreur sur l’ensemble des villageoises. Or, un jour surgit d’on ne sait quel recoin de cette jungle labyrinthique une mystérieuse et élégante jeune femme, une guérisseuse qui serait peut-être également la déesse du hasard (interprétée par la brillante cinéaste philippine Isabel Sandoval). Dans ce coin anonyme du pays, deux fois s’affrontent alors : celle de l’envahisseur sûr de son droit, et cette directement héritée des ancêtres. Une nouvelle fois, Lav Diaz mélange les échelles et articule le politique et le mythologique avec une fluidité qui laisse coi, et ici même les divinités peuvent finir en prison.

Celles et ceux qui attendraient que Lav Diaz change de disque seront sans doute frustrés par un récit minimaliste où les personnages ne font que fuir, s’exiler, tourner en rond. Attendre du très neuf de la part du cinéaste serait peut-être voir les choses sous le mauvais angle. Selon un certain paradoxe, on a en effet bien le droit de refaire (en apparence) toujours le même film quand on fait justement œuvre de toujours sonder des pertes de repères. Plongée dans un blanc cotonneux, cette forêt luxuriante possède un relief que l’œil est invité à déchiffrer, mais l’incroyable beauté plastique du cinéma de Lav Diaz n’est pas une décoration. Son sens de la composition et de l’aveuglement (oui, dans le même geste) vient non seulement dessiner un monde sans issue de secours, mais il vient gommer la frontière entre passé et présent. Cette agonie fantomatique a-t-elle réellement pris fin ?

« Laissez nous passer, chers ancêtres » quémande le titre du film. C’est une prière récitée par des enfants, filmés en contre plongée depuis très haut au moment où ils s’apprêtent à traverser la forêt, comme si la caméra épousait le point de vue de ces ancêtres. Repris un peu plus loin, ce regard en plongée traverse même le plafond d’une prison, comme s’il était plus fort que tout, et là encore le personnage observé nous lance un regard plein d’espoir. Ces plans, parmi les plus immédiatement poignants de l’œuvre de Lav Diaz, ne sont pas qu’une porte de plus ouverte vers le surnaturel. Ces regards caméra nous sont directement adressés depuis le passé et nous appellent à regarder l’Histoire les yeux dans les yeux, depuis notre époque où nous pouvons nommer les choses telles qu’elles sont, et appeler crime contre l’humanité ce que l’on a longtemps appelé colonisation.

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par Gregory Coutaut

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Mostra de Venise | Critique : El Fin de los tiempos

admin — Fri, 11 Sep 2026 13:48:10 +0000

Salomé analyse des décennies de vidéos familiales afin de comprendre d’où vient la tristesse de sa mère.

El Fin de los tiempos
Colombie, 2026
De Bibiana Rojas Gómez et Juan David Cárdenas

Durée : 1h20

Sortie : –

Note :

VISIONS D’IRRÉEL

Tout commence par une fête. Comme si l’on sortait d’une machine à remonter le temps, on se retrouve plongé dans une grande réunion, dont on ne sait très bien s’il s’agit des préparatifs d’une manifestation, d’un show drag artisanal ou d’un simple déjeuner du dimanche pour cette famille colombienne. Montrée avec le grain flou nostalgique propre aux vhs de l’époque, cette assemblée possède quelque chose de chaotique et tendre à la fois, mais aussi quelque chose de bizarrement presque proche de la science-fiction. Cela est sans doute dû aux effets glitch qui surgissent ici et là, ou bien à cette voix off féminine qui se penche sur ce passé depuis un ailleurs (le Canada) et depuis une autre époque (aujourd’hui).

Au milieu de cette grande réunion où l’on perd le compte du nombre de cousins mais où les recettes traditionnelles sont respectées à la lettre, il y aurait un triste mystère à décortiquer, nous prévient la voix. En dépit du titre du film, celui-ci ne se trouve pas tant dans un éventuel sentiment de paranoïa apocalyptique lié à l’approche de l’an 2000 (on aurait juré que ces images dataient pourtant de vint ans plus tôt), mais plutôt derrière le sourire poli de la mère de famille. La narratrice nous l’assure : maman n’a jamais été heureuse, contrairement à ce que montre ces images joyeuses. C’est comme si le film nous demandait de ne pas croire nos yeux, et c’est là un pacte très intrigant pour un documentaire.

Signé à quatre mains par le duo colombien formé de Bibiana Rojas Gómez et Juan David Cárdenas, El Fin de los tiempos ne fait certainement pas partie de cette famille de documentaires paresseux qui, pour témoigner d’une histoire familiale, se contente d’allumer une caméra devant un ancêtre. Au bout d’un quart d’heure, El Fin de los tiempos change de langue une fois, puis deux et encore, passant de l’anglais à l’espagnol. Le film revient régulièrement aux premières images tel un récit que l’on redémarrerait depuis le début pour changer le ton ou pour insister sur des détails révélateurs.

Au fil des révélations intimes ou historiques (le petit ami de maman a-t-il été la victime collatérale d’un attentat politique ? Tonton a-t-il gâché la recette familiale en oubliant de remuer la cuillère ? ), le film devient même de plus en plus singulier, évoluant non pas vers une clarté des récits et des images mais au contraire vers un joyeux chaos visuel offrant un miroir à la folle fiesta du début. Ici s’invitent des pixels, des effets stroboscopiques, des images de synthèse et autres abstractions, culminant dans des scénarios tellement fantasmés qu’ils ne peuvent être illustrés que par de l’IA hideuse (qu’est-ce qui serait le plus fou : que Margaret Thatcher, Cléopâtre et Staline déboulent à la soirée ou que maman soit une mère parfaite ? ). Fréquente dans le court métrage mais encore rare en format long, la riche grammaire visuel du desktop movie fait de ce film une étrange rêverie entre réel et folie qui possède la plus excitante des qualités : être on ne peut plus contemporaine.

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par Gregory Coutaut

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Mostra de Venise | Critique : What Belongs to Others

admin — Fri, 11 Sep 2026 13:41:47 +0000

Kasia gagne sa vie en cambriolant des appartements avec son petit ami. Lors d’un de leurs cambriolages, elle découvre le corps d’un homme qui s’est suicidé.

What Belongs to Others
Pologne, 2026
De Grzegorz Debowski

Durée : 1h45

Sortie : –

Note :

LE GRAND BLUFF

Kasia et son mec sont un couple de cambrioleurs. Disons plutôt que c’est elle qui cambriole, pendant que lui fomente les plans en coulisses. A lui le cerveau, à elle les mains habiles ? Ce n’est pas que Kasia est trop bête pour se débrouiller seul, c’est plutôt que son partenaire a sur elle une emprise qu’elle n’a même pas l’air de réaliser. A elle de faire tous les efforts et de prendre des risques pendant que monsieur se repait du contrôle qu’il pense avoir sur tout ça. De toute façon leur butin est souvent très maigre, ils se retrouvent mis à la rue et on ne sait pas trop quelle porte de sortie ils pourraient espérer trouver dans la banlieue particulièrement grisâtre où ils font leurs méfaits, un coin perdu où « même les oiseaux ne viennent plus chier ».

La surprise arrive en deux coups consécutifs : en s’infiltrant dans un appartement supposément abandonné, Kasia découvre un cadavre. Avant même qu’elle n’en parle à son compère, ce dernier se fait arrêter. Kasia hérite donc de deux cadeaux inattendus dont elle ne sait que faire : un appartement où squatter discrètement et une liberté nouvelle. Se faisant passer pour l’amie du défunt, elle contacte les proches de ce dernier dans le but de leur soutirer des sous, mais c’est un trésor d’un tout autre style qui va progressivement s’offrir à elle.

Le réalisateur polonais Grzegorz Debowski est encore peu identifié en France mais son précédent film, Next to Nothing, avait remporté pas moins de six pris lors des Polish Awards de 2023. Si l’image de son nouveau film ne dévie jamais des codes attendus (et convenus) du cinéma social d’Europe Centrale et ne déborde pas de personnalité, le scénario opère un changement de registre bienvenu. What Belongs to Others débute presque comme un film noir où les personnages n’ont d’autre choix que d’être toujours dans l’action, mais bascule progressivement vers un portrait de personnage touchant, alors même que le récit se déroule sur seulement une poignée de journées. C’est paradoxalement en se faisant passer pour quelqu’un d’autre que Kasia va reprendre le contrôle de sa vie qui, pour rependre l’ambiguïté du titre, appartenait jusqu’ici à quelqu’un d’autre. Le résultat reste dans un entre-deux trop sage qui n’est ni un pur mélo ni un vertige radical, mais qui s’avère composé et interprété avec savoir-faire.

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par Gregory Coutaut

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Entretien avec Filip Anthonissen

admin — Fri, 11 Sep 2026 05:42:12 +0000

Couronné au Festival de Locarno, Melk du Belge Filip Anthonissen est au programme cette semaine au Festival de Toronto. Ce court métrage d’animation raconte l’histoire d’un homme qui, après avoir accidentellement tué le poisson de sa mère, s’enfuit de chez lui. Melk est un conte campagnard, candide et morbide à la fois, remixé par un traitement visuel fou situé quelques part entre anamorphoses malaisantes et bad painting hors-normes, entre cauchemar grotesque en enfantillages imprévisibles. Filip Anthonissen est notre invité et nous parle de l’un des films les plus uniques de l’année.

Le design de vos personnages est très surprenant, pouvez-vous m’en dire davantage à ce sujet ?

J’adore les visages étranges et pleins de caractère. Je me suis inspiré des anciens maîtres flamands, comme Robert Campin ou Quentin Matsys. Ils représentaient souvent des gens avec des visages « moches », surtout dans les peintures morales de ce dernier. J’ai l’impression que j’aurais pu croiser ces gens dans la petite ville où j’ai grandi. J’ai aussi joué avec les proportions des personnages, ce qui les rendait comme un mélange étrange entre réalisme et caricature.

**Il y a quelque chose de très innocent et morbide en même temps dans Melk. Pouvez-vous me dire comment vous avez navigué entre ces différentes tonalités ?**

J’aime l’idée que la tragédie soit auto-infligée, qu’elle soit la conséquence de quelque chose que le protagoniste met en marche sans le savoir. Donc, d’une certaine manière, les personnages doivent être naïfs pour que ça fonctionne. Ce comportement enfantin reflète aussi le désir du protagoniste d’être accepté, en ignorant la moralité objective de ses actes.

Comment avez-vous abordé une telle narration dépourvue de dialogues ?

Au début, je prévoyais de travailler avec des intertitres, qui ajouteraient du contexte à l’histoire. Mais pendant le processus de réécriture, je les ai supprimés. C’est devenu un défi de rendre l’histoire claire en montrant plutôt qu’en racontant, sans tomber dans le piège de trop expliquer. Travailler avec des scènes qui montrent les pensées des personnages a aidé pour ça.

Pouvez-vous m’en dire plus sur votre utilisation de l’humour noir dans une atmosphère aussi cauchemardesque ?

Je ne voulais pas faire de Melk une comédie ni y mettre de véritables « blagues », mais je voulais quand même que ce soit intéressant et amusant, à la fois pour moi et pour le public. Souvent, l’humour vient d’un élément visuel. Parfois, je l’écrivais intentionnellement dans le scénario, mais souvent cela se produisait spontanément pendant l’animation. Cela donne au film un certain sens de la conscience de soi, puisqu’il ne se prend pas trop au sérieux. Après avoir maintenant vu le film avec un public, j’ai été surpris de voir à quel point les spectateurs riaient, jusqu’à un certain moment du film où le ton change.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

J’adore le travail de Yorgos Lanthimos et de Robert Eggers. Pour Melk plus spécifiquement, j’ai été inspiré par le film Pirosmani de Gueorgui Chenguelaïa et par certains film de Sergueï Paradjanov, deux cinéastes géorgiens. Mais je suis également très inspiré par mon amour d’enfance pour l’esthétique bizarre de MTV et la série de John Kricfalusi Ren & Stimpy.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 10 septembre 2026. Merci à Luce Grosjean.

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