Festivals - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Varsovie | Critique : The Debut

admin — Fri, 09 Oct 2026 18:00:05 +0000

Une femme timide se retrouve inopinément dans une production locale d’une comédie musicale. Sous le charme d’un metteur en scène énergique et énigmatique, elle se perd dans son rôle.

The Debut
États-Unis, 2026
De Jesse Eisenberg

Durée : 1h45

Sortie : 13/01/2027

Note :

MEILLEUR ESPOIR FÉMININ

« Vous avez peut-être noté que je n’étais pas entièrement moi-même », chuchote timidement Mona au restaurant, entre son mari et un couple d’amis. Malheureusement non, personne n’a réellement noté que Mona n’était pas entièrement elle-même, et personne ne semble avoir remarqué Mona tout court. Épouse et mère de famille, l’héroïne de The Debut (incarnée par une sensationnelle Julianne Moore) n’est, dans sa propre maison, qu’un vague mélange entre une dame de cantine et une dame pipi. Moore trimballe une candeur qui rappelle son interprétation de Cookie’s Fortune (réalisé par Robert Altman en 1999). Mais derrière son apparente fraîcheur, Cora dans Cookie’s Fortune avait plus d’un tour dans son sac, et Mona dans The Debut a décidé, consciemment ou inconsciemment, de reprendre son histoire en main.

Tout n’est pas si facile puisque le troisième long métrage de l’Américain Jesse Eisenberg se déroule dans le monde du théâtre – et dans une troupe ou face à un metteur en scène, Mona peut facilement être avalée. A quel moment le masque social finit-il par aspirer celui ou celle qui le porte ? Mona n’est semble t-il pas vraiment à sa place sur scène, elle s’y retrouve d’ailleurs grâce à un demi-hasard. Est-ce bien le lieu le plus approprié pour y mener sa propre thérapie ? Eisenberg fait preuve de dextérité scénaristique pour naviguer entre la cruauté et l’empathie vis-à-vis de son héroïne décalée, mais son écriture très archétypale, un peu binaire (qui rappelle les limites du néanmoins efficace A Real Pain) limite le vertige que pourrait susciter le film.

Au moment où l’on se demande ce qui pourrait faire dérailler The Debut de sa formule bien identifiée (avec son attachante outsider en route vers le succès enfin mérité), Eisenberg sait aller – et aller complètement – dans la direction de la comédie mi-goofy, mi-cinglante. The Debut aime probablement la scène et celleux qui la font vivre, mais le film n’est pas dupe de tout le bullshit qui peut caractériser ce petit monde : celui des jeunes actrices à l’émerveillement surjoué, des metteurs en scène dont l’intégrité artistique cache mal le goût pour l’humiliation, ou des adeptes hardcore du method acting. Il y a dans The Debut une énergie très appréciable, et c’est dans ce tourbillon-là que nous sommes emmenés avec plaisir. Mona, dans la vie comme sur scène, va devoir faire craquer les coutures du rôle qu’elle joue. Qui de mieux qu’une des meilleures actrices au monde pour relever à l’écran un tel challenge ?

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par Nicolas Bardot

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Festival de Busan | Critique : Gu Shi

admin — Fri, 09 Oct 2026 10:57:23 +0000

Une famille se réfugie dans une vieille maison quelque part entre la mer et la forêt. Pendant que la sœur aînée, tourmentée par des cauchemars, sombre dans un sommeil profond, son frère cadet se blesse à la tête suite à un accident.

Gu Shi
Chine, 2026
De Amie Song

Durée : 1h23

Sortie : –

Note :

FANTÔME VIVANT

« Il était une fois » : c’est littéralement ainsi que s’ouvre Gu Shi, premier long métrage de la Chinoise Amie Song. Il était une fois, et effectivement l’histoire que l’on s’apprête à nous narrer ressemble à un conte pour s’endormir paisiblement. Ce n’est pas une façon de parler : tout le monde dort dans la voiture que l’on voit lors des premiers plans du film – conducteur compris. En quelques instants, la réalisatrice déploie le tissu onirique de Gu Shi, et trouble la frontière entre le rêve et la réalité. Une famille se rend dans une forêt mystérieuse où se trouve une maison isolée. « On n’est pas là pour les vacances » prévient la mère, mais pourtant on rouvre tout dans la maison comme si celle-ci ne servait que chaque été ensoleillé.

Des ronds dans l’eau faits par un caillou qui vient d’y être jeté, des traces colorées sur le plancher, la poignée disparue d’une porte : Song construit son décor par touches, et suggère qu’il y a eu une vie avant que ses occupant.es n’arrivent. Il y a chez la cinéaste un précieux sens de l’atmosphère, habité peu à peu par cette tension : pourquoi sont-iels là ? Ne comptez pas sur Gu Shi pour vous donner des clefs parfaitement terre-à-terre – le récit peut effectivement manquer de clarté ici ou là. Mais c’est précisément le mystère dans lequel le film nous invite : les secrets de la forêt, les secrets entre les murs, les secrets qui existent aussi entre les différents membres d’une même famille.

Gu Shi s’ouvre par un conte qui s’inscrit sur l’écran noir. Il sera souvent question de contes dans le film : des récits symboliques qui laissent de la place aux mondes intérieurs de chacun.e. Dans Gu Shi, les histoires sont une monnaie d’échange avec les fantômes des bois. Pas des spectres effrayants, mais des compagnons. Voilà une manière douce et chaleureuse d’évoquer la perte et le deuil. La mise en scène d’Amie Song (révélée avec le court Three à Cannes en 2024) est d’une grande délicatesse, offrant tout ce que peut évoquer un fondu enchainé, un lent travelling dans la forêt, une subtile variation lumineuse. Le son riche et enveloppant est également une qualité remarquable du long métrage, produit notamment par Anocha Suwichakornpong. Le film semble en effet faire la subtile synthèse entre le cinéma chinois et le cinéma thaïlandais radicaux et contemporains.

Au fil de ce récit énigmatique, il devient peu à peu vain d’essayer de tracer une ligne nette entre rêve, cauchemar et réalité – tout peut cohabiter, se superposer. Dans cet espace onirique, la famille se retrouve pour une raison que l’on découvre dans la dernière partie. Lors d’une scène absolument superbe, la réalisatrice filme, en une rupture gracieuse, l’une des protagonistes qui court au crépuscule, apercevant au loin une silhouette. Un pur surgissement poétique dans ce film qui nous envoûte. Promis, comme on l’entend dans le long métrage, « quand tu te réveilleras, tout ira mieux ».

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par Nicolas Bardot

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Festival de Busan | Critique : Filipiñana

admin — Fri, 09 Oct 2026 09:05:03 +0000

Isabel se sent étrangement attirée par le Dr Palanca, le président du country club où elle travaille, mais elle découvre une violence cachée sous les apparences immaculées.

Filipiñana
Singapour/Philippines, 2026
De Rafael Manuel

Durée : 1h40

Sortie : –

Note :

CHEZ LES HEUREUX DU MONDE

Filipiñana possède l’un des meilleurs début de film qu’on ait pu voir depuis quelque temps. Nous découvrons tranquillement des rues bondées à travers le grand pare-brise d’un bus lorsqu’une femme monte à bord, s’assied face à a caméra et se met à s’adresser à nous les yeux dans les yeux avec un grand sourire, articulant un Mabuhay de bienvenue comme si elle nous accueillait de façon méta dans le film. Un contre-champ finit par nous faire comprendre que nous sommes dans un car de tourisme (alors que les quartiers traversés n’ont rien de touristique) et que l’hôtesse s’adressait en réalité aux voyageurs blasés qui se trouvaient derrière nous.

Avec cette séquence toute en faux-semblants, le réalisateur Rafael Manuel nous a déjà tout dit : nous allons évoluer parmi les privilégiés, mais notre regard va être dirigé vers celles et ceux qui triment pour le confort de ces derniers. Filipiñana se déroule intégralement dans un coutry club, une oasis de sérénité aux couleurs pastel où la seule question qui mérite de troubler le silence est « Votre mangue est elle suffisamment sucrée ? ». Sur cet immense terrain de golf où aucun brin d’herbe ne dépasse, Isabel occupe le poste absurde de tee-girl, sorte de robot souriant servant uniquement à préparer les balles et éviter aux clients de se pencher, trop occupés que ces derniers sont à faire miroiter leur club dans le soleil couchant comme des épées.

Chez les heureux du monde tout n’est que luxe et volupté, et il n’y a pas un seul plan de Filipiñana qui ne soit d’une beauté à tomber à la renverse. Or, cette splendeur n’a rien de superficiel. A coups de tableaux à la profondeur de champ très étudiée et où le vide prend beaucoup de place, Rafael Manuel transforme ce coin de paradis verdoyant en espace liminal coupé du monde, baigné d’une inquiétante étrangeté autant que de rayons caressants. Le curseur n’est pas poussé jusqu’au fantastique mais on sent qu’il en faudrait peu pour qu’on s’imagine dans un éden post-mortem.

Il n’y a pas pourtant de quoi se repaitre dans le quotidien d’Isabel qui n’a ni le bon niveau social ni la bonne langue maternelle pour profiter des lieux. Or, ses problèmes et ses doutes sont justement laissés hors champ, hors de notre vue comme de celle des clients, à moins de savoir guetter les anomalies en arrière plan. Ici, les personnages peuvent bien tomber sur un cadavre parmi les buissons bien taillés, on ne verra rien de choquant à l’image. Cette manière de toujours évoluer sur le non-dit enferme peu à peu Filipiñana dans une répétition, elle-même soulignée par le rythme parfois exigeant ici à l’œuvre. Mais Manuel fait néanmoins preuve d’un très grand talent pour parvenir à mettre en scène la violence sans jamais la montrer frontalement, et l’univers visuel qu’il compose est si vaste et riche que la visite demeure un ravissement.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Busan | Critique : Hope

admin — Fri, 09 Oct 2026 01:21:20 +0000

Alors que les secours sont mobilisés ailleurs et que toute communication est interrompue, les habitants de Hope doivent faire face seuls à une menace grandissante. Tandis que certains tentent de protéger le village, d’autres s’aventurent dans la montagne… mais deviennent à leur tour des proies. L’ignorance et la peur déclenchent une spirale incontrôlable aux conséquences dévastatrices.

Hope
Corée du Sud, 2026
De Na Hong-jin

Durée : 2h40

Sortie : 28/10/2026

Note :

LA MÉTAMORPHOSE

Enfin une sélection en compétition officielle pour Na Hong-jin, qui a eu l’honneur d’être sélectionné à Cannes avec l’intégralité de ses longs métrages jusqu’ici. A chaque film, une nouvelle section, ainsi qu’une nouvelle ambition et un palier de plus franchi vers l’excellence et… vers le fantastique. Le très bon thriller The Chaser (Séance de minuit en 2008) était ainsi surpassé par The Murderer (Un certain regard en 2010) qui lui même s’est retrouvé éclipsé par The Strangers (Hors compétition en 2016) qui mariait de manière stupéfiante le film policier et la folk horror. Et après ? Les dix ans d’attente pour obtenir la réponse à cette question prennent fin, enfin.

Hope (le nom du village où se déroule l’intrigue) déboule aussi fort qu’un bœuf, tout en débutant en terrain familier. Au cours d’une séquence d’ouverture à la fois nerveuse et moqueuse, une équipe de policiers râleurs tombe sur le cadavre d’une vache ayant été visiblement tuée par un animal bien plus gros qu’elle. Peut-être un tigre? Notre ceinture de spectateur est à peine attachée que la dynamique (la dynamite ?) qui se met en place entre les différents registres rappelle les grandes heures du cinéma coréen et de sa machine à frissons. L’évocation est d’ailleurs presque un peu trop fidèle. Derrière l’eau qui nous vient à la bouche, cette mise en jambe ne brille pas non plus par une recherche d’originalité à tout prix.

Sauf que Hope ne ressemble pas tant que ça aux précédents films de Na Hong-jin. Il ne s’agit pas du film attendu en suite de l’évolution de son œuvre évoquée plus haut. Ni empesé de sérieux ni potachement réservé aux séance de minuit, Hope est avant tout spectaculaire. Appelons un chat un chat : c’est même un blockbuster. Cela signifie que chaque image est d’une générosité telle qu’elle doit se recevoir sur le plus grand écran possible. Cela signifie aussi que l’unicité quitte la place prioritaire pour laisser place à l’efficacité. Est-ce que Hope est un film original ? Pour ceux qui ne connaissent le cinéma coréen que par son versant auteur, ou n’auraient jamais vu The Host, sans doute. Et pourtant…

Alors que l’on pense avoir bien mémorisé le trajet de ce tour de grand huit et ses passages obligés, il faut bien dire que le film devant lequel on se retrouve à la fin ne ressemble plus vraiment à celui qu’on avait sous les yeux au tout début (gare à qui en révèlera trop et gâchera le plaisir du public). Hope s’est métamorphosé alors même qu’il faisait mine de ne proposer que des tours de magie dont on connait déjà le truc. Film catastrophe, comédie d’action, film de monstre, fable de science-fiction. Hope est tout cela à la fois et possède surtout une qualité en or que les blockbusters de Hollywood semblent avoir égarée depuis belle lurette : la joie. Est-ce que Hope se démarque dans la compétition cannoise comme un pétard allumé au milieu d’une bibliothèque ? Tout à fait, et pas seulement parce qu’il s’agit de toute évidence du film le plus cher de la liste. Découvrir le film dans ce contexte spécifique a d’ailleurs quelque chose de très rafraichissant.

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par Gregory Coutaut

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Festival des 3 Continents 2026 : premières infos

admin — Thu, 08 Oct 2026 15:45:04 +0000

La 48e édition du Festival des 3 Continents, manifestation dédiée aux cinémas d’Afrique, d’Amérique Latine et d’Asie, aura lieu du 20 au 28 novembre à Nantes. Le festival sera à suivre comme chaque année sur Le Polyester. Des premières informations sur le programme de 2026 ont été dévoilées.

Une intégrale sera dédiée au cinéaste turc Zeki Demirkubuz, la première en Europe. Doublement sélectionné à Cannes dans le cadre d’Un Certain Regard en 2022 avec Confession et Yazgı, Demirkubuz a également remporté le Grand Prix au Festival Premiers Plans d’Angers en 1998 avec Innocence.

Une rétrospective sera consacrée au cinéaste indien Kailasam Balachander, lui aussi largement méconnu en France. Il s’agira de la rétro la plus importante organisée en France et en Europe autour du réalisateur.

Un programme Passé et Présent sera dédié à des films restaurés récemment ; des raretés allant entre autres du Brésil au Japon en passant par l’Iran ou les Philippines. Le détail sera dévoilé ultérieurement. En complément, un programme scolaire intitulé La Vie des fantômes proposera un parcours parmi les esprits en 7 films.

Le reste de la sélection, avec la compétition et les avant premières hors compétition, sera annoncé le 29 octobre. L’an passé, la Montgolfière d’or du meilleur film a été décernée à The World of Love de la Coréenne Yoon Ga-eun. Ce film est sorti au printemps 2026 en salles.

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival de Busan | Critique : Possible Love

admin — Thu, 08 Oct 2026 09:21:30 +0000

Les vies entremêlées de deux couples mariés menant des existences complètement opposées. À mesure que leurs mondes se heurtent, des fissures commencent à apparaître dans leur quotidien.

Possible Love
Corée du Sud, 2026
De Lee Chang-dong

Durée : 2h44

Sortie : –

Note :

TU MÉRITES UN AMOUR

« Si tu veux pleurer, pleure » : cette réplique réconfortante, entendue au début de Possible Love et adressée par le mari à son épouse, est assez surprenante dans le cadre d’un long métrage où les sentiments peuvent être aussi entravés. C’est un peu comme si Lee Chang-dong, imperceptiblement, nous donnait l’une des clefs de son film dès les premières minutes. Grand Prix à la Mostra de Venise, Possible Love raconte les conséquences dévastatrices d’une grève importante menée par des ouvriers – avec parmi eux Ho-seok, incarné par Sul Kyung-gu, partenaire de longue date de Lee Chang-dong (Peppermint Candy, Oasis). Cette grève est un échec et certains ouvriers se suicident. Mais socialement, quelle différence y a-t-il avec ceux qui survivent ? On apprend en effet que les ouvriers qui ont perdu leur emploi sont désignés littéralement comme « morts ».

Si, concernant le commentaire sur les inégalités sociales en Corée, il pouvait y avoir quelque chose de grinçant et jouant avec malice entre les tonalités dans L’Ivresse de l’argent d’Im Sang-soo ou Parasite de Bong Joon-ho, Possible Love est plus strictement un drame. Un drame très riche, à la fois subtil et cinglant, mais pas un film qui piocherait dans différents genres. Possible Love raconte comment Ye-ji, une néo-cinéaste (Cho Yeo-jeong, vue récemment dans Parasite ou My Daughter is a Zombie), s’intéressant au couple formé par Ho-seok et Mi-ok (Jeon Do-yeon, toujours l’une des meilleures actrices au monde) et plus généralement à la classe ouvrière en souffrance, décide de leur consacrer un documentaire. Ho-seok n’a, à première vue, pas envie de s’épancher, tandis que Mi-ok a beaucoup de choses à dire.

Depuis quelle position Ye-ji filme t-elle ? La différence de classe se dessine rapidement et de plus en plus entre le couple modeste formé par Ho-seok et Mi-ok, et la bourgeoise Ye-ji mariée selon ses dires à un ultra riche (même pour elle qui a été élevée à Gangnam). Ye-ji n’a semble t-il que des bonnes intentions même si sa déconnexion est de plus en plus visible, venant filmer des prolos avec son sac à main hors de prix au bras, et déclarant avec maladresse qu’elle est cinéaste car « imaginer des choses est mon hobby ». Mi-ok est candide, car elle ne voit pas. Peu de choses, concrètement, « se passent » ou se voient dans Possible Love, mais la brutalité sociale est réelle, et la tension psychologique est puissante. Difficile de ne pas être dans les chaussures de Mi-ok lorsque, suite à un incident, le beau et riche Sang-woo lui passe presque la bague au doigt au début du film. « Rien » ne s’est passé pourtant. Lorsque Mi-ok arrive dans la luxueuse maison de vacances de Ye-ji et Sang-woo, celle-ci lui rappelle une demeure de romans – même si elle n’en lit jamais. Voilà qui ressemble à un clin d’œil à l’inoubliable scène de mandarine invisible dans Burning.

Pour le surpuissant Sang-woo, Ho-seok et Mi-ok sont dans le champ mais plus ou moins invisibles, on se marre un coup avec ou on les utilise mais ça ne va pas plus loin. Pour Ye-ji, les choses semblent différentes, mais sait-elle vraiment les regarder avec sa caméra ? Ce sont deux mondes qui, presque sur un malentendu, se côtoient – mais attention à la brûlure. Ye-ji filme les visages et les émotions de Ho-seok et Mi-ok en gros plan, mais dans ce monde bourgeois humiliant, l’exploitation doit rester invisible. Avec une finesse qui ne l’empêche pas d’être incisif, Lee Chang-dong dépeint un rapport de force déséquilibré, qui se reproduit et qui n’est pas prêt d’être renversé. Les succès des uns se suivent, les échecs des autres se succèdent. « J’étais certaine qu’on gagnerait car on avait raison », déclare t-on avec une trop grande innocence (ou trop d’idéalisme) lors du mouvement de grève.

Il n’y a, in fine, pas de naïveté dans Possible Love. Il y a des scènes acides, mais le regard du cinéaste n’est pas cruel et ses personnages complexes ne sont pas des marionnettes. Possible Love passe par une vertigineuse gamme d’émotions, et la surprenante douceur de la réplique citée au début de cet article (« Si tu veux pleurer, pleure ») trouve un écho chaleureux dans ce dénouement sous la lune, où les protagonistes paraissent tant bien que mal, et pour citer deux précédents films de Lee Chang-dong, avoir peut-être trouvé une oasis et un secret sunshine.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Busan | Critique : The World Before

admin — Thu, 08 Oct 2026 08:00:07 +0000

Jin, 17 ans, n’a jamais quitté l’île où elle est née — un endroit sans route vers le continent, où la mer dicte tranquillement le rythme de la vie quotidienne. Quand Dujae revient pour les funérailles de sa grand-mère, il reste seul dans la maison qu’elle a laissée derrière elle. Jin commence à trouver des excuses pour lui rendre visite, et petit à petit, le voir devient une partie de sa vie de tous les jours.

The World Before
Corée du Sud, 2026
De Yoon Dan-bi

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

ADIEU MONDE CRUEL

Moving On, le précédent et premier long métrage de la jeune Coréenne Yoon Dan-bi, est resté inexplicablement inédit dans les salles françaises malgré un plébiscite important en festivals (gagnant à Busan, Rotterdam et aux 3 Continents) ainsi qu’une alliance entre sa subtile réussite et sa dimension grand public. Son nouveau film, The World Before, est d’une veine assez voisine, avec sa succession de non-événements apparents et sa manière de décadrer le portrait de famille. S’il est à nouveau question de famille dans The World Before, le portrait est moins collectif et se recentre davantage sur son héroïne adolescente.

Jin a 17 ans et n’a jamais quitté sa belle île. Elle s’y promène à vélo, salue une mamie qui lui est chère, s’endort. C’est le quotidien paisible d’une ado mais celle-ci est bientôt une adulte et va quitter « le monde d’avant ». La lumière du soleil est douce, le décor est paradisiaque, mais ça n’empêchera pas la brutale sortie de l’adolescence. Jin retrouve un garçon qu’elle n’avait plus vu depuis des années, et qui est revenu sur l’île pour les funérailles de sa grand-mère. Dujae est beau, Dujae a bougé de son île. Jin est restée là, et d’ailleurs « y’a quoi de mal à vivre ici ? » dit son père. Jin et Dujae ne sont plus vraiment dans le même monde et la première est indiciblement attirée par le second.

Il existe mille et un récits d’apprentissage avec en leur cœur une désillusion amoureuse, mais il existe aussi mille et un récits familiaux comme Moving On – ce qui distinguait ce dernier film, c’était le regard et la sensibilité de Yoon Dan-bi. Si The World Before nous paraît plus fragile, il confirme néanmoins la finesse de son autrice. Il faut un talent d’écriture pour tenir le rythme des non-événements, et y convoquer non-dits et tensions larvées. Le film pourrait avoir des partis-pris formels plus forts – on a parfois le sentiment que la réalisatrice ne se laisse pas toujours assez de temps. Son portrait de lose adolescente, avec la dimension pathétique qui la caractérise, est réussi et poignant. Poignante aussi est la façon qu’a Yoon Dan-bi de nous faire ressentir ce monde d’avant qui s’éloigne de Jin. Si elle et Dujae vivent désormais des réalités différentes, que leurs trajets ont été différents, ce sont leurs chagrins qui se rejoignent.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Busan | Critique : The Day After Sunday

admin — Wed, 07 Oct 2026 16:00:25 +0000

Mai et son mari Koichi prennent quelques jours de congés dans un hôtel à la campagne. En attendant les résultats d’un dépistage prénatal, l’anxiété croissante de Mai se heurte au comportement passif-agressif de Koichi.

The Day After Sunday
Japon, 2026
De Takuya Kato

Durée : 1h22

Sortie : –

Note :

LONG WEEKEND

Comment trouver la pose idéale pour prendre un portrait de soi enceinte ? Mai, dans la première scène de The Day After Sunday, change de position, change d’attitude, le photographe propose de changer d’axe, mais rien ne semble finalement convenir. Et qu’est-ce qui peut convenir au couple formé par Mai et Koichi ? Les deux jeunes gens décident de se mettre au vert quelques jours, dans un établissement perdu au cœur des bois – mais l’attente d’un diagnostic prénatal ne va pas vraiment favoriser la détente du couple. Remarqué en France avec son second long métrage, La Mélancolie, le Japonais Takuya Kato dépeint les incertitudes et angoisses inhérentes à une grossesse, mais se resserre peu à peu sur la charge mentale de la future mère.

L’hôtel où Mai et Koichi logent est superbe, avec sa spectaculaire architecture posée comme un vaisseau extraterrestre dans la forêt. Le paysage est extrêmement paisible tandis que le bâtiment privilégie le béton dénudé. Le contraste est si fort qu’il vient traduire la déconnexion entre ces deux environnements, et vient souligner également la déconnexion familiale qui se creuse entre Mai et ses proches. Comme dans La Mélancolie, l’élégance est froide dans The Day After Sunday. Froide comme les discussions sans son environnant, sans musique. Le film est dépouillé : dans sa structure, ses événements, ses couleurs. A première vue ce lieu ressemble à un paradis, mais ne serait-ce pas un paradis étouffant ? L’hôtel, dans les conditions montrées par le long métrage, semble en effet davantage dédié au silence forcé qu’à la vraie relaxation.

« Je ne suis pas habituée à être en vacances, je ne sais pas comment faire » confesse Mai désolée. La séance ciné-détente prévue par l’hôtel ? Une projection de Cléo de 5 à 7, soit l’histoire d’une femme qui vit dans l’angoisse d’être atteinte d’un cancer. C’est un léger détail d’humour noir dans The Day After Sunday, comme dans cette scène de pédalo où, sur l’eau, tout est fluide et doux, mais où les protagonistes sont à deux doigts de se noyer les uns les autres. Kato s’approche de plus en plus de la solitude de Mai, seule avec son verre d’eau quand les autres picolent, seule même quand son compagnon est là. On peut saluer la subtile et formidable interprétation de Haru Kuroki : voit-on souvent des prestations aussi épuisées dans des scènes de disputes particulièrement tendues ?

Peu à peu, la brume gagne la forêt tandis que le torchon brûle. Il y a chez Takuya Kato, dont le film est dévoilé en compétition à Busan, une utilisation réussie du minimalisme, où la forme parvient à incarner les dynamique entre les personnages. C’est une fine mécanique : le décompte des jours suggère quelque chose d’inéluctable, certes. Oui, dans la dernière partie, on remet les choses à leur place, on les replie avec attention. Mais tout est modifié.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Busan | Critique : Satoko Always

admin — Wed, 07 Oct 2026 09:10:50 +0000

Le film suit trois femmes à différentes étapes de la vie : Satoko, collégienne de 15 ans, qui découvre la douce douleur du premier amour ; Satoko, attachée de presse de 35 ans, qui navigue dans les eaux stagnantes d’une liaison extraconjugale ; et Satoko, femme au foyer de 55 ans, qui retrouve son identité après avoir élevé ses enfants.

Satoko Always
Japon, 2026
De Shuichi Okita

Durée : 2h18

Sortie : –

Note :

ÉCRIS L’HISTOIRE

Satoko, 15 ans, a un crush. Satoko est grognonne avec ses parents, Satoko s’endort lors de la sortie scolaire pour voir du kabuki, bref Satoko est une adolescente comme les autres. Et pas de doute à en voir sa chambre encore décorée de jouets : la jeune fille sort à peine de l’enfance. Le réalisateur japonais Shuichi Okita la filme à cet âge de transition, mais il filme surtout ce moment où va peut-être naître une vocation : l’écriture. C’est le point commun des trois héroïnes de Satoko Always, dont le parcours est, à un moment ou à un autre, lié à l’écriture. Il y a Satoko 15 ans, Satoko 35 ans, Satoko 55 ans. Cela pourrait être la même femme à différents âges, cela peut être simplement une expérience commune. Voilà une dynamique qui donne un relief ludique à Satoko Always.

La durée étonnante de ce long métrage au ton assez léger (2h18) est en réalité équilibrée entre ses différents segments. Le meilleur, à notre sens, est celui consacré à sa plus jeune héroïne. L’adolescence de Satoko peut avoir ses petits drames, mais le ton est globalement chaleureux et sans épreuve insurmontable. Si la patine de Satoko Always est très mainstream, le film parvient néanmoins à dessiner finement le monde intérieur de sa protagoniste, et comment une jeune fille apprend à s’inférioriser. S’il y a une émancipation chez Satoko, celle-ci ne passe pas non plus par des clichés – en témoigne le personnage de mentor littéraire qui échappe avec bonheur aux poncifs les plus paresseux.

La partie adulte, à nos yeux, manque de consistance en comparaison, tandis que le segment dédié à la Satoko la plus âgée est plus attendu et un peu plus mièvre. Dévoilé en première mondiale dans la compétition du Festival de Busan, Satoko Always est un crowdpleaser élégant, dont la photo a été signée par l’excellente Akiko Ashizawa (collaboratrice régulière, entre autres, de Kiyoshi Kurosawa). Le long métrage est habité par une fraîcheur touchante et porte sur ses personnages féminins de tous âges un regard généreux.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Ton animal maternel

admin — Wed, 07 Oct 2026 01:35:05 +0000

De retour au Costa Rica après des études en Europe, Elsa retrouve sa petite sœur Amalia, seule dans la maison familiale. De plus en plus insaisissable, celle-ci semble enfermée dans des croyances ésotériques. Elsa essaie d’alerter leurs parents, mais ni le père, trop occupé par ses nouvelles conquêtes, ni la mère, absorbée par la réédition des poèmes érotiques de sa jeunesse, ne semblent prendre la mesure de la situation. Le retour d’Elsa engage les trois femmes à interroger leur lien indéfectible.

Ton animal maternel
Costa Rica, 2026
De Valentina Maurel

Durée : 1h45

Sortie : 07/10/2026

Note :

ROYAUME ANIMAL

De passage dans son pays de naissance, le Costa Rica, alors qu’elle s’est établie en Belgique, Elsa se retrouve enfermée dehors. C’est-à-dire que la serrure de la maison habitée par sa sœur Amalia a été changée, et à vrai dire Amalia semble également enfermée mais à l’intérieur. Tout le monde a l’air prisonnier d’une situation aliénante dans Ton animal maternel, l’évier lui-même est bouché et la petite sœur surenchérit : « tout est bouché ».

La maison d’Amalia est un capharnaüm, des losers complotistes y squattent, et il y a un gros tag « Puta » qui est inscrit au mur. Bref, rien ne va chez elle qui semble perdre le contact avec le réel et est persuadée de protéger la maison des fantômes. D’ailleurs, qui regarde lors de ces plans répétés en plongée ? Des esprits perchés au sommet de la ville ? La caméra vive de Valentina Maurel, qui filme ses héroïnes dans la foule, est attentive au pouls de la cité. Il y a quelque chose de poreux et qui circule entre l’électricité de la ville et l’électricité du clan familial. Le concert de klaxons se transforme d’ailleurs en mélopée de cuivres et les murs ne semblent protéger de rien.

Ton animal maternel compose un portrait de famille particulièrement orageux, avec des parents semi-démissionnaires. La mère veut plus de temps pour elle – ce qui semble être une manière polie de dire qu’elle ne pense qu’à sa gueule. Ironie dans ce contexte brutal : elle est une autrice… de poésie. Maurel filme avec nerf et écrit avec un mélange d’attachement et de férocité des relations familiales contraintes, où les individus sont à la fois des intimes et des étrangers. On juge et on mord ; Elsa revenue dans sa famille se retrouve victime de gaslighting : « Ne dis pas que c’est ta sœur la folle, tu es un hot mess aussi ». Il y a peut-être quelque chose de vrai dans cette affirmation : la famille, à l’opposé des clichés mièvres, est vue ici comme un organisation mutante dont personne ne peut sortir intact, et dont les membres sont incapables de ne pas se faire du mal.

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par Nicolas Bardot

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