Festivals - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

La sélection du Festival des 3 Continents 2026

admin — Thu, 29 Oct 2026 10:14:42 +0000

La 48e édition du Festival des 3 Continents, manifestation dédiée aux cinémas d’Afrique, d’Amérique Latine et d’Asie, aura lieu du 20 au 28 novembre à Nantes. Sa sélection a été dévoilée.

Parmi les films en compétition, citons des longs métrages évoqués avec enthousiasme sur Le Polyester ces derniers mois comme Hearing du Vietnamien Le Bao ou The World Before de la Coréenne Yoon Dan-bi. Du côté des films hors compétition, citons notamment le documentaire Whispers in May de la Chinoise Dongnan Chen, The Difficult Bride de la Bangladaise Rubaiyat Hossain ou encore le tout dernier film du Coréen Hong Sangsoo, Nowhere to Lay My Eyes.

Comme annoncé précédemment le festival proposera également une intégrale dédiée au cinéaste turc Zeki Demirkubuz, une rétrospective consacrée au cinéaste indien Kailasam Balachander et un programme Passé et Présent dédié à des films restaurés récemment.

Le festival sera à suivre comme chaque année sur Le Polyester. Découvrez la sélection ci-dessous.

Hearing

Compétition internationale

Djeliya, mémoire du Mandé, Boubacar Sangaré (Burkina Faso)
Hearing, Le Bao (Vietnam)
Iluminada, Niucolas Rincon Gille (Colombie)
Les Nuits et les jours de Miguel Burnier, Joao Dumans (Brésil)
Rehmat, Gurvinder Singh, (Inde)
Sometimes Sadness, Sometimes Rebellion, Maria Aparicio (Argentine)
The Burning Giants, Phuttiphong Aroonpheng (Thaïlande)
The Illusion of an Everlasting Summer, Alessandra Sanguinetti (Argentine)
The World Before, Yoon Dan-bi (Corée du Sud)
Trop c’est trop, Elisé Sawasawa (République Démocratique du Congo)

The Difficult Bride

Séances spéciales

Alea jacarandas, Hassen Ferhani (Algérie) – ouverture
All You Need to Make a Movie Is a Gun, Santiago Sein (Argentine)
Everything Else is Noise, Nicolás Pereda (Mexique)
Indépendance Tey, Abdou Lahat Fall (Sénégal)
La Libertad Doble, Lisandro Alonso (Chili)
Le Sabre des gardiens, Yuen Woo-ping (Chine)
Nowhere to Lay My Eyes, Hong Sangsoo (Corée du Sud)
Revolutionaries Never Die, Mohanad Yaqubi (Palestine)
The Difficult Bride, Rubaiyat Hossain (Bangladesh)
The Glimmering, Lee Weon-young (Corée du Sud)
Whispers in May, Dongnan Chen (Hong Kong)

La sélection complète

Nicolas Bardot

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Critique : Ma nudité ne sert à rien

admin — Tue, 27 Oct 2026 05:25:54 +0000

Paris, de nos jours. Marina de Van bataille avec ses relations sentimentales, sa propre image et sa nudité à une époque où les applis de rencontres et les échanges en ligne sont légion. Dans cet autoportrait cru d’une femme approchant la cinquantaine et ce qu’on appelle « l’ère de la transparence des femmes qu’on ne désire plus », la réalisatrice s’affranchit des limites, avec humour et sincérité.

Ma nudité ne sert à rien
France, 2019
De Marina de Van

Durée : 1h25

Sortie : 28/10/2026

Note :

CORPS ET ÂME

« Je sais que c’est une histoire » entend-on assez vite dans Ma nudité ne sert à rien, le nouveau long métrage de Marina de Van qui pourtant, à première vue, tient davantage du documentaire que de la fiction. Et il y a dès les premiers instants de Ma nudité ne sert à rien un sentiment d’authenticité totale de la part de sa réalisatrice. C’est elle qui parle à la première personne, son corps est nu et elle semble se livrer entièrement. Il y a cette froideur et cet aspect direct auxquels on a été familiarisé dans ses écrits tels que le bien nommé Stéréoscopie qui puise dans sa propre expérience et dont on reconnait la langue. Une lucidité brutale que l’on retrouve ici mais dont l’honnêteté évite la provocation. « Je suis comme morte mais mon corps reste chaud » : le film, lui-même, est porté par cette tension.

Dans Ma nudité ne sert à rien, Marina de Van se tire la peau, la masse et la malaxe. Les plans sur la chair de poule, sur les marques, sur les plis et les grains de beauté se succèdent ; et l’on se souvient bien sûr que le premier (impressionnant) long métrage de la réalisatrice s’appelle Dans ma peau. Le regard ici est à la fois mécanique (on manipule le corps comme une machine) et charnel (la nudité totale semble parfaitement naturelle) et le film intrigue par cette valse-hésitation. Car si, dans ce journal intime, la cinéaste se livre entièrement, il est aussi beaucoup question de rôle à jouer. De l’effort pour interagir ou du jeu de séduction. Il y a une angoisse, et une résignation. « Je suis à l’âge de la transparence » dit-elle, tandis que son corps occupe tout l’écran.

On nous prévient dans le long métrage : l’artiste puise dans le réel sans se confondre avec lui. Certaines scènes de Ma nudité ne sert à rien sont jouées (mais jouées pour incarner le réel), et lorsque la réalisatrice porte un masque de beauté, cela sonne comme une mise en garde : est-ce bien elle qu’on regarde ou porte t-elle littéralement un masque ? Doit-elle (doit-on) porter un masque pour vivre, séduire ou se confronter aux autres ? Les couples ici semblent venir d’une autre planète tandis que Marina de Van, scrollant sur les applis de drague, nous assure qu’elle ne convoite rien. Du trivial le plus absolu (Marina de Van qui mange un Yes), le film pousse le réel jusqu’au romanesque dans un dénouement qui a des airs de clin d’oeil au Rayon vert. Et qui confirme que ces confessions brutes sont drapées depuis le début d’un étrange trouble.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Hope

admin — Tue, 27 Oct 2026 03:21:20 +0000

Les renforts sont partis maîtriser des feux de forêt et toutes les communications sont coupées. Au poste de police de Hope, Bum-seok et Sung-ae se démènent pour défendre leur village à la population vieillissante. Pendant ce temps, Sung-ki et ses amis partent à la poursuite de la bête dans la montagne mais se retrouvent eux-mêmes pris pour cible. Le malheur émane de l’ignorance. Après des avis divergents, il se transforme en une catastrophe qui touche l’univers entier.

Hope
Corée du Sud, 2026
De Na Hong-jin

Durée : 2h40

Sortie : 28/10/2026

Note :

LA MÉTAMORPHOSE

Enfin une sélection en compétition officielle pour Na Hong-jin, qui a eu l’honneur d’être sélectionné à Cannes avec l’intégralité de ses longs métrages jusqu’ici. A chaque film, une nouvelle section, ainsi qu’une nouvelle ambition et un palier de plus franchi vers l’excellence et… vers le fantastique. Le très bon thriller The Chaser (Séance de minuit en 2008) était ainsi surpassé par The Murderer (Un certain regard en 2010) qui lui même s’est retrouvé éclipsé par The Strangers (Hors compétition en 2016) qui mariait de manière stupéfiante le film policier et la folk horror. Et après ? Les dix ans d’attente pour obtenir la réponse à cette question prennent fin, enfin.

Hope (le nom du village où se déroule l’intrigue) déboule aussi fort qu’un bœuf, tout en débutant en terrain familier. Au cours d’une séquence d’ouverture à la fois nerveuse et moqueuse, une équipe de policiers râleurs tombe sur le cadavre d’une vache ayant été visiblement tuée par un animal bien plus gros qu’elle. Peut-être un tigre? Notre ceinture de spectateur est à peine attachée que la dynamique (la dynamite ?) qui se met en place entre les différents registres rappelle les grandes heures du cinéma coréen et de sa machine à frissons. L’évocation est d’ailleurs presque un peu trop fidèle. Derrière l’eau qui nous vient à la bouche, cette mise en jambe ne brille pas non plus par une recherche d’originalité à tout prix.

Sauf que Hope ne ressemble pas tant que ça aux précédents films de Na Hong-jin. Il ne s’agit pas du film attendu en suite de l’évolution de son œuvre évoquée plus haut. Ni empesé de sérieux ni potachement réservé aux séance de minuit, Hope est avant tout spectaculaire. Appelons un chat un chat : c’est même un blockbuster. Cela signifie que chaque image est d’une générosité telle qu’elle doit se recevoir sur le plus grand écran possible. Cela signifie aussi que l’unicité quitte la place prioritaire pour laisser place à l’efficacité. Est-ce que Hope est un film original ? Pour ceux qui ne connaissent le cinéma coréen que par son versant auteur, ou n’auraient jamais vu The Host, sans doute. Et pourtant…

Alors que l’on pense avoir bien mémorisé le trajet de ce tour de grand huit et ses passages obligés, il faut bien dire que le film devant lequel on se retrouve à la fin ne ressemble plus vraiment à celui qu’on avait sous les yeux au tout début (gare à qui en révèlera trop et gâchera le plaisir du public). Hope s’est métamorphosé alors même qu’il faisait mine de ne proposer que des tours de magie dont on connait déjà le truc. Film catastrophe, comédie d’action, film de monstre, fable de science-fiction. Hope est tout cela à la fois et possède surtout une qualité en or que les blockbusters de Hollywood semblent avoir égarée depuis belle lurette : la joie. Est-ce que Hope se démarque dans la compétition cannoise comme un pétard allumé au milieu d’une bibliothèque ? Tout à fait, et pas seulement parce qu’il s’agit de toute évidence du film le plus cher de la liste. Découvrir le film dans ce contexte spécifique a d’ailleurs quelque chose de très rafraichissant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Sanguine

admin — Tue, 27 Oct 2026 01:32:09 +0000

Margot débute son internat aux urgences, où elle peine à s’adapter. Très vite, elle fait face à des patients de son âge aux symptômes inexpliqués. La récurrence de ces cas exceptionnels l’interroge, d’autant qu’elle observe, sur son propre corps, des manifestations de plus en plus inquiétantes…

Sanguine
France, 2026
De Marion Le Corroller

Durée : 1h43

Sortie : 28/10/2026

Note :

J’AI MAL AU TRAVAIL

On ne juge pas un livre par sa couverture mais peut-on juger un film à sa séquence d’ouverture ? Celle de Sanguine n’y va pas de main morte avec ses couleurs pop criardes, son humour vachard qui tache et son surgissement de violence fun sortie d’un cartoon. Puis hop, comme pour coller à l’ambiance de rentrée des classes de l’héroïne qui vient juste d’être engagée dans un service d’urgences, le film revient illico à des choses plus sérieuses. L’horreur ne provient plus d’un jet de sang furieux et grossier mais de quelque chose de bien plus réel et sinistre : le monde du travail. Margot veut être la meilleure, veut être à la hauteur des attentes de sa garce de supérieure, quitte à ce que le stress la dévore presque au sens propre.

Il y a une particularité récurrente du cinéma de genre français à vouloir accompagner ses récits horrifiques d’un commentaire social bien visible. Parfois superflue, cette précaution peut même donner la désagréable impression d’un mot d’excuse venu négocier le droit d’être pris au sérieux, venu confirmer que le film a bien « des choses à dire ». Une fois passé sa séquence d’ouverture, Sanguine semble se réveiller dans ce cas de figure, et la présence au casting de Karin Viard, si inattendue dans ce registre fantastique, ferait presque craindre le miscast. Si certaines scènes évoquent davantage un thriller hospitalier réaliste, Marion Le Coroller n’oublie pas de faire bel et bien du body horror qui gratte. Le cinéma coréen aussi a pour habitude de pousser ses thrillers sociaux jusqu’à un curseur terrifiant, peut-être que l’équilibre de Sanguine est à chercher dans une formule similaire.

Difficile de ne pas penser à Grave de Julia Ducournau devant se récit de jeune fille plongée en pleine horreur hospitalière. Mais pourquoi punir un film de genre pour ressembler un peu à un autre quand 95% des drames ou films policiers du monde se ressemblent déjà entre eux ? On tient trop souvent l’horreur, et sans doute encore plus les réalisatrices d’horreur, à l’impossible double tâche d’être à la fois impeccable et inventive. Sanguine ne possède pas l’unicité de Grave mais s’en sort sans chercher à réinventer la roue et rééquilibre ses grands écarts imparfaits avec un sympathique emballage : une musique nerveuse de Rob, une direction artistique tout en contrepieds (contrairement aux clichés attendus, l’hôpital est bondé et ses murs sont rouge sang), et des touches d’humour inattendues, comme ce plan filmé en vue subjective depuis l’intérieur d’une vulve.

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par Gregory Coutaut

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La sélection du Festival Entrevues Belfort 2026

admin — Thu, 22 Oct 2026 09:45:39 +0000

La 41e édition du Festival Entrevues Belfort aura lieu du 16 au 22 novembre. Sa sélection a été dévoilée.

En compétition internationale, on retrouve des coups de cœur évoqués sur Le Polyester comme Incinerator du Japonais Shuntaro Uchida (lire notre entretien) ou encore I Plant My Hand in the Garden de l’Iranienne Hoda Taheri et le Serbo-Monténégrain Boris Hadžija. Découvrez les films en lice ci-dessous.

I Plant My Hand in the Garden

AT NIGHT de Béatrice Gibson
CHICKEN SOUP de Caroline Milcent
COME IN FROM THE COLD d’Abe Callard
ÉLÉGIE POUR LES LILAS d’Alain Kassanda
EL ESPEJISMO de Bingham Bryant
I HEARD THAT THEY ARE NOT GOING TO SEE EACH OTHER ANYMORE de Ka-Ki Wong
I PLANT MY HAND IN THE GARDEN de Boris Hadžija et Hoda Taheri
INCINERATOR de Shuntaro Uchida
NOS PAS BRÛLENT LA NUIT de Manon Ott et Grégory Cohen
TEAR GAS d’Uta Beria

Également au menu : des rétrospectives consacrées à Françoise Lebrun et à Samir Guesmi en leur présence, un focus dédié aux joueuses et joueurs au cinéma, ou encore un programme intitulé Cinéma & Histoire : 1996, année queer et féministe.

Retrouvez tous les détails sur le site officiel.

Nicolas Bardot

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Critique : La Gradiva

admin — Wed, 21 Oct 2026 04:16:13 +0000

Un groupe de lycéens français part en voyage scolaire à Naples pour découvrir les ruines de Pompéi et ses corps pétrifiés par le Vésuve. C’est là que le vertige les saisit brutalement. L’un après l’autre, ils se laissent submerger par le désir et la colère jusqu’à s’y abandonner complètement.

La Gradiva
France, 2026
De Marine Atlan

Durée : 2h25

Sortie : 21/10/2026

Note :

C’EST COMME UN TREMBLEMENT DE TERRE

« Il ne s’agit pas de comprendre, il s’agit de perdre connaissance ». Voilà un conseil qui semble passer loin au dessus de la tête des élèves de cette classe que nous suivons en voyage scolaire à Pompei. L’histoire locale et la science des volcans n’intéressent qu’une poignée d’entre eux, les autres ayant surtout à l’esprit une camaraderie chahuteuse, des premiers désirs à assouvir ou encore une colère intérieure à tenter d’assoupir. Le cinéma français ne manque certainement pas de films sur l’école mais, par son atmosphère et par l’ambition de sa mise en scène, l’imprévisible La Gradiva vise et atterrit bien au-dessus des archétypes du genre.

La Gradiva est certes un film réaliste, mais de la même manière que certains films de Bonello ou Noé sont également réalistes. Le film se compose de nombreuses discussions aux enjeux a priori banals, qu’il s’agisse des cours dispensés ou des moqueries méchantes que s’échangent les élèves, et pourtant on sent que sous ce quotidien ensoleillé, les plaques tectoniques grondent fort. C’est d’ailleurs ce que sous-entend la sublime séquence d’ouverture, filmée à bord d’un train où les élèves à moitié endormis paraissent plongés en état d’hypnose et où se réveille alors un inconscient à la fois voyeur et morbide, dans une formule qui évoque le court métrage Dieu est timide.

Brillante chef opératrice pour de nombreux jeunes cinéastes français ou francophones (L’Engloutie, Les Reines du drame, Le Ravissement, Foudre, Nos cérémonies…) Marine Atlan réalise ici son premier long métrage et cette poignée de plans d’ouverture suffisent à asseoir son talent rare. Et il en faut du talent, pour faire passer aussi vite ces 2h25 en compagnie de cette bande de petits cons. Le travail de montage n’est pas seulement sensationnel par sa gestion du rythme, et chaque séquence prise indépendamment possède ses propres variations d’intensité. Hyper vivant jusqu’au vertige, La Gradiva est perpétuellement rêveur et nerveux dans le même geste.

Il est interdit de révéler la direction dans laquelle se dirige le film, mais il y a une parabole politique flagrante dans le portrait de cette incapacité des uns et des autres à s’écouter, mais aussi à regarder le passé dans les yeux, résultant en un poignant sentiment d’échec collectif. Mais le titre du film, inspiré de l’héroïne éponyme fantomatique d’une nouvelle historique ayant beaucoup inspiré Freud, nous rappelle que La Gradiva est moins un exposé qu’un sacré numéro de funambule entre rêverie et cauchemar. Le résultat est si puissant que lorsque l’un des protagonistes dit à son pote « Raconte mieux, frère », on jurerait entendre Marine Atlan mettre au défi quiconque d’atteindre les mêmes sommets qu’elle.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Marie Madeleine

admin — Wed, 21 Oct 2026 01:13:00 +0000

À Jacmel, en Haïti, la mer, les églises et les esprits façonnent la vie. Marie Madeleine est une femme libre. Elle vit de la prostitution et traverse les nuits sans se soumettre aux règles de ceux qui sauvent les âmes. Sa route croise celle de Joseph, un jeune évangéliste. Une relation se noue entre ces deux êtres que tout oppose. Alors que Joseph vacille dans sa foi, Marie Madeleine l’entraîne vers un monde dans lequel désir et quête de liberté ouvrent un espace où tout peut être réinventé.

Marie Madeleine
Haïti, 2026
De Gessica Geneus

Durée : 1h44

Sortie : 21/10/2026

Note :

SAINTE COLÈRE

C’est au Festival de Cannes, à Un Certain Regard, que la réalisatrice haïtienne Gessica Geneus (lire notre entretien) a été révélée sur la scène internationale avec Freda. Le film a ensuite effectué un remarquable parcours en festivals avant de sortir chez nous à l’automne 2021. Et c’est à Cannes que la cinéaste fait son retour, cette fois à Cannes Première, avec son nouveau film Marie Madeleine. Le long métrage s’ouvre par un geste d’empathie : Joseph, jeune évangéliste, vient en aide à Marie Madeleine, prostituée. Gessica Geneus emploie des figures bibliques pour mieux les déplacer dans ce récit attaché aux personnes les plus marginalisées de la société.

Jésus le roi des rois, Vive le sang de Jésus, Cœur de Jésus entre autres : la ville de Jacmel en Haïti semble recouverte par des messages religieux. La voix de radio Jésus est partout, comme si les individus étaient continuellement sous surveillance. Quelle place reste t-il pour celles et ceux qui ne se conforment pas à l’autorité religieuse ? Le joli Joseph est un garçon sage et candide dont on devine assez vite la sensibilité, tandis que les pratiques de Marie Madeleine (aussi fière que l’héroïne de Freda) ne sont évidemment pas du goût des hommes de Dieu. Lorsque l’église et le bordel se font face dans Marie Madeleine, séparés par une rue, c’est presque à un antagonisme de comédie qu’on assiste.

Si Gessica Geneus dépeint la cruauté des faux prophètes, le film trouve un contrepoint visuel en mettant en valeur les chaleureuses couleurs des rues et des chambres dans ce dur quotidien. « C’est l’église qui décide pour nous ? » : cette interrogation outrée sur l’ordre établi sonne comme une mise au défi. La cinéaste, qui interprète également le rôle-titre, examine la liberté possible mais entravée de ses protagonistes, soumis.es à l’hypocrisie religieuse. Le film, à nos yeux, finit par manquer de relief d’un point de vue narratif, mais son élégance formelle ainsi que son propos humaniste sont notables.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-Sur-Yon 2026 : notre bilan

admin — Tue, 20 Oct 2026 13:56:28 +0000

La 17e édition du Festival de La Roche-Sur-Yon, que vous avez pu suivre en direct comme chaque année sur Le Polyester, s’est achevée ce weekend. Revenons sur les temps forts de cette édition.

Wild Horse Nine

Test cinéphile : savez-vous où ont eu lieu les premières françaises des films oscarisés Hamnet, A Real Pain, Call Me By Your Name et Manchester by the Sea, mais aussi de presque tous les derniers films de Yorgos Lanthimos (Bugonia, Pauvres créatures, La Favorite) et Martin McDonagh (Wild Horse Nine, Les banshees d’Inisherin, 3 Billboards – Les trois panneaux de la vengeance) ? Pas au Festival de Cannes, mais bien à celui de La Roche-sur-Yon. Savez-vous quel festival fut le premier à proposer chez nous une rétrospective Joanna Hogg, à une époque où ses films n’avaient jamais été diffusés en France, et aussi le premier à proposer dès 2013 un hommage à Kelly Reichardt, en sa présence ? Qui fut le premier festival à programmer Eva En Août, film sans distributeur signé d’un Jonas Trueba encore inconnu, qui a pourtant fini nommé aux César l’année suivante ? Qu’on se le dise (et qu’on le dise plus fort, nom d’un chien) : année après année, la tranquille ville vendéenne continue d’accueillir l’une des manifestations cinéphiles les plus précieuses et excitantes de France. Vous n’y êtes encore jamais allé ? Qu’attendez-vous ?

Naza

Savez-vous également qu’un nouveau film de Jonathan Glazer vient de faire sa première française ? Coréalisé avec la compositrice Mica Levi, le moyen métrage documentaire Joy of Joys, dans lequel des enfants ukrainiens, soudanais et palestiniens filment l’enregistrement d’un album caritatif aux studios londoniens d’Abbey Road, était diffusé cette année à La Roche-sur-Yon à peine trois semaines après sa première mondiale au festival de New York, et cinq jours seulement après sa première européenne au Festival de Londres. C’était sans doute là l’un des plus beaux « coups » de cette édition 2026, qui n’a pas manqué de qualités. Gâté, le fidèle public vendéen s’est montré une nouvelle fois curieux, remplissant les salles pour des films du Bangladesh, du Kazakhstan ou d’Indonésie, et participant activement aux nombreuses rencontres organisées avec les invités. Le prix du public est par ailleurs revenu à Naza, documentaire glaçant sur l’aveuglement irresponsable des israëlien.ne.s qui participent à l’organisation des bombardements sur Gaza.

Mailin, de María Silvia Esteve

C’est devenu une spécialité du festival que de rendre hommage à des réalisatrices étrangères encore peu ou mal connues en France. Rien que depuis 2020, année où Charlotte Serrand est devenue la nouvelle déléguée générale et directrice artistique du festival, on a pu redécouvrir en détails les œuvres de Joanna Hogg, Sally Potter, Julia Hart, Clio Barnard, Gia Coppola, Andrea Arnold et Chloé Robichaud. Cette année un focus fut proposé sur la documentariste américaine multi-oscarisée Barbara Kopple, dont le travail témoigne de plusieurs décennies de luttes sociales et syndicales aux Etats-Unis, ainsi que sur l’Argentine María Silvia Esteve, dont les films courts comme longs redonnent la parole au femmes à travers une forme unique, à cheval entre archives intimes ou collectives et surgissement fantastiques.

Tristan Forever

Le grand prix de cette édition fut remis au beau Tristan Forever, coréalisé par le Suisse Tobias Nölle et le Français Loran Bonnardot. Tourné au bout du monde sur l’île Tristan da Cunha, ce documentaire intime et rêveur possède une intrigante manière de s’approcher de la fiction. En ce sens, ce gagnant est représentatif d’un fil rouge qui a traversé de nombreux films de cette édition : les mille et une manières de brouiller la frontière entre le vrai et le faux. Documentaires contenant leur part de fiction (les fantasmes adolescents de La Belle année, les inquiétants paysages intérieurs de María Silvia Esteve, les émouvantes maquettes et marionnettes de Yo, Love is a Rebellious Bird), fictions inventées autour de personnes réelles (Le Dernier roi du blues), mises en abyme ludiques ou hypnotisantes (qui est narrateur dans le bien nommé Douglas Gordon by Douglas Gordon, ou bien quand Albert Serra filme Ingrid Caven racontant sa vie en chansons dans le fascinant Seize moments de ma vie ?) ou autres équilibres inclassables (où ranger les très intrigants Closure ou I Deserve a Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms Raging Across the Skies?)… Ce n’est pas que cette édition 2026 s’est amusée à nous mener en bateau, c’est plutôt qu’elle nous a lancé une chaleureuse invitation à repenser la hiérarchie traditionnelle entre ce qui est factuel et ce qui est imaginé ; elle est venue nous rappeler que la rêverie est un composant fondamental de nos vies, nos identités et nos quotidiens. Quand l’héroïne éponyme de l’incroyable A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra de Jacqueline Lentzou s’entend dire depuis l’au-delà « fais tes adieux à la narration que tu pensais être toi-même », c’est bien moins une menace qu’une fenêtre soudain ouverte comme par magie.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra

Il y a du ludisme dans la manière dont le festival nous invite également à repenser la hiérarchie des formats cinématographiques (courts et longs concourent côte-à-côte au sein de la compétition Nouvelles Vagues, tandis que l’habituelle sélection de clips contemporains est venue replacer sur le grand écran qu’elles méritent ces œuvres à la mise en scène ambitieuse) mais aussi les frontières entre les arts. Presque dix ans après Manifesto, le festival a ainsi montré le montage cinématographique d’Euphoria, nouvelle installation du vidéaste allemand Julian Rosefeldt , tandis que le jury lycéen a remis son prix Trajectoires à Takkuuk, œuvre tournée dans le grand nord, à cheval entre clip immersif et documentaire. Mais encore plus que dans ces exemples, l’invitation à abolir les frontières s’est retrouvée dans l’une des œuvres phares de cette édition : Artou, moyen métrage en VR aux compositions remarquables, mettant en scène des rituels d’enterrement sous un ciel immense, signé du cinéaste mauritanien Abderrahmanne Sissako (qui présentait par ailleurs une intégrale de son travail). Le cinéma le Concorde ayant fait l’acquisition de plusieurs dizaines de casques de VR, on espère que le plaisir vertigineux de ce voyage à 360 degrés puisse à nouveau nous être proposé dans les futures éditions.

Artou

NOS ARTICLES SUR CETTE EDITION 2026 :

Film de clôture
Fatherland

Compétition Internationale
A Day In The Life Of Jo: Chapter Phaedra
Le Dernier Roi Du Blues
The Difficult Bride
Tristan Forever
Wild Horse Nine
Yo (Love is Rebellious Bird)

Compétition Nouvelles Vagues
Atlantic Rhapsody
Closure
Heat
La Belle Année
Light Pillar

Séances Spéciales
I Deserve A Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms (critique à venir)
Making Marie Antoinette
Naza
Queen At Sea
Un peu avant minuit

Perspectives
Extra Geography
Mouse (critique à venir)
Union County (critique à venir)

Variété
Sleep No More

Music Hall
Seize moments de ma vie

Continuités
Notre Salut
Rose of Nevada

Avant-Premières
Club Kid
Everytime
Le bois de klara
Sanguine

Focus María Silvia Esteve
Mailin

Jeune Public
A Mighty Adventure (critique à venir)
Muyi, la légende du village des femmes (critique à venir)
Papaya

Entretiens
Maria Silvia Esteve
Andrea Szelesova
Sandra Wollner
Priscilla Kellen

News :
Le palmarès
La sélection

Le site officiel

Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Varsovie 2026

admin — Mon, 19 Oct 2026 09:50:57 +0000

La 42e édition du Festival de Varsovie, que vous avez pu suive en direct sur LePolyester, vient de s’achever ce week-end, et le palmarès vient d’en être dévoilé. Le grand prix a été attribué à What Belongs to Others, solide drame polonais au ton acide sur une voleuse découvrant un cadavre dans un appartement qu’elle cambriole. Notre grand coup de cœur de cette édition, le stupéfiant film chinois Suzhou Quartet, repart quant à lui avec un prix de la mise en scène mérité. Retrouvez l’intégralité du palmarès ci-dessous :

What Belongs to Others

COMPETITION INTERNATIONALE
Grand prix : What Belongs to Others, de Grzegorz Dębowski
prix de la mise en scène : Suzhou Quartet, de Cai Chengjie
Prix spécial du jury : Maria Dębska pour sa performance dans Through the Wall de Maciej Sobieszczański.
Mention spéciale : Bloody Men, de Jens Sjögren

COMPETITION 1-2
Prix 1-2 : Aiga, de Lorin Terezi
Mention spéciale : Everything That’s Wrong with You, de by Urša Menart

COMPETITION DOCUMENTAIRE
Prix du meilleur documentaire : Meanwhile in Namibia, de Jonas Spriestersbach
Mention spéciale : Like Any Other Mortal, de María Molina Peiró.

COMPETITION COURTS METRAGES
Grand prix : Meteorit, d’Elisabeth Werchosin
Meilleur court en prises de vue réelles : Meteorit, d’Elisabeth Werchosin
Meilleur court d’animation : Knowing Gaze, de Dylan Glynn
Meilleur court documentaire : A Letter to Home, de Sina Aghazadeh

PRIX DU PUBLIC
Fiction : Josephine, de Beth de Araujo
Documentaire ex aequo : Meanwhile in Namibia, de Jonas Spriestersbach et Tede. Forever RAP de Krystian Kuczkowski

Le site du festiv al

Gregory Coutaut

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Festival de Varsovie | Critique : Mentor

admin — Sun, 18 Oct 2026 11:24:50 +0000

Adolescents, Ryunosuke et Takumi ont provoqué un incendie qui a détruit l’appartement d’à côté et coûté la vie à la femme et à l’enfant de Nomoto. Quinze ans plus tard, Ryunosuke essaie de mener une vie « normale » tout en réprimant sa culpabilité, tandis que Takumi reste émotionnellement prisonnier du passé. Quand Nomoto réapparaît soudainement, le face-à-face attendu n’a jamais lieu. À la place, il montre une gentillesse déconcertante. Bientôt, la vie des trois commence à changer de manière à modifier irrémédiablement leur avenir.

Mentor
Japon, 2026
De Keisuke Yoshida

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

TOUTES MES EXCUSES

Il n’y a pas de quoi rire. Tout débute par un incendie accidentellement provoqué par deux gamins jouant dans le jardin avec des feux d’artifice. Quelques secondes à peine suffissent à embraser l’immeuble du voisin, et les images du corps noirci et brûlé de ce dernier lorsqu’il sort de chez lui, sa femme décédée dans les bras, sont prêtes à durablement traumatiser les deux garçonnets. C’est en tout cas le cas d’un d’entre eux, Takumi. Bien des années plus tard, le culpabilité le condamne à une vie de marginal incapable de tourner la page. L’autre garçon, Ryunosuke, est en revanche devenu un jeune homme qui va bien, merci pour lui, mais leur amitié n’a pas survécu à la tragédie.

Lorsque Takumi recroise par hasard la route du voisin, au visage désormais couvert de cicatrices, il se recroqueville de peur de que celui-ci le frappe mais c’est au contraire un câlin qu’il reçoit. Voilà presque la métaphore inverse de ce que propose Mentor. Le public occidental a tôt fait de classer tous les drames japonais sur les enfants et adolescents comme des miniatures inoffensives toutes en douces réconciliations, mais le cinéaste Keisuke Yoshida (dont les précédents longs métrages ont été présenté à Kinotayo sans connaître de sorties salle chez nous) a de la personnalité à revendre. Sans se diriger non plus vers l’excès inverse d’un éventuel film de vengeance, Mentor propose une singulière histoire de pardon impossible.

Entre l’un qui fait de la culpabilité toute sa personnalité (« Je ne suis bon qu’à une chose : présenter mes excuses »), l’autre qui s’en lave les mains, et le voisin qui se découvre mentor généreux en leçons de sagesse creuse, le triangle de protagonistes soudain inséparables vire à la thérapie zinzin, jusqu’à ce qu’une révélation cruelle et particulièrement farfelue en même temps (la meilleure scène du film) vienne rendre l’affaire encore plus maboule. Si la caméra de Yoshida ne cherche pas à inventer ou magnifier quoi que ce soit, sa plume possède en revanche une réjouissante imprévisibilité.

Mentor est un drame, possède un sujet sérieux, et pourtant le public du Festival de Varsovie (où le film vient de faire sa première mondiale) n’a pas caché son plaisir rigolard devant les nombreuses scènes psychologiquement absurdes et les coups de théâtres gentiment moqueurs face à ses personnages incapables de présenter ou d’accepter des excuses normalement et de se laisser mutuellement en paix. Si le résultat ne déborde pas d’ambition artistique, il a pour mérite de venir jusqu’au bout tordre joyeusement le cou aux clichés sur la supposément sacrée politesse japonaise.

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par Gregory Coutaut

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