Le Grand Prix a été remporté par La Reserva du Mexicain Pablo Pérez Lombardini. L’histoire : Julia, garde forestière, se rend vite compte que la réserve de Monte Virgen au Chiapas (Mexique) est illégalement déboisée par des groupes de bûcherons. Elle est alors victime de menaces qui vont entraver sa lutte contre les instigateurs du trafic.

Parmi les autres films primés, citons des coups de cœur comme Hiedra de l’Équatorienne Ana Cristina Barragan, Vanilla de la Mexicaine Mayra Hermosillo ou encore le court métrage Samba infinito du Brésilien Leonardo Martinelli. Découvrez le palmarès ci-dessous.

Grand Prix fiction : La Reserva, Pablo Pérez Lombardini
Mention spéciale : Hiedra, Ana Cristina Barragan
Grand Prix documentaire : Niñxs, Kani Lapuerta
Mentions spéciales : Mailin, Maria Silvia Esteve & Relicto, Guillermo Quintero

Prix du public fiction : Vanilla, Mayra Hermosillo
Prix du public documentaire : Niñxs, Kani Lapuerta

Prix de la critique : Vanilla, Mayra Hermosillo

Prix du court métrage : Samba infinito, Leonardo Martinelli
Mention spéciale : Petra y sol, Stefania Malacchini et Malu Furche
Prix du public court métrage : Petra y sol, Stefania Malacchini et Malu Furche

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Mailin raconte à sa fille une histoire pour s’endormir, qui révèle la quête de la protagoniste pour retrouver la mémoire d’une enfance brutalement interrompue par le traumatisme.

Mailin
Argentine, 2025
De María Silvia Esteve

Durée : 1h29

Sortie : –

Note :

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Esther et Junior, originaires d’Haïti, entreprennent un voyage vers la partie nord du continent américain avec les filles d’Esther, Flor et Aisha. La famille est à la recherche d’un avenir meilleur. Au Mexique, Esther et Junior s’installent dans une forêt reculée où l’exploitation forestière illégale influence à la fois la vie des habitants et la fragile forêt qui les entoure.

The Garden We Dreamed
Mexique, 2026
De Joaquín del Paso

Durée : 1h42

Sortie : –

Note :

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Sept femmes à la volonté de fer se battent pour sauver leur maison de la saisie hypothécaire. Roberta, une fillette de 8 ans, évolue dans une dynamique familiale atypique : un foyer sans père, où elle vit entourée de diverses figures féminines.

Vanilla
Mexique, 2025
De Mayra Hermosillo

Durée : 1h36

Sortie : 20/05/2026

Note :

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Comment est né Once in a Body (Una vez en un cuerpo) ?

Ce n’est pas un film autobiographique, mais il est sans aucun doute inspiré par des histoires que j’ai entendues ou vécues de nombreuses fois par des personnes proches de moi durant mon enfance et mon adolescence, grandissant dans un endroit où il est difficile de devenir adulte en tant que femme. Au début, j’étais attirée par l’exploration des stéréotypes construits autour du corps féminin, quelque chose dont je ne suis, bien sûr, pas intacte.

Ensuite, je voulais approfondir les situations qui, en tant que femmes, marquent un avant et un après dans nos vies, et comment tout cela se traduit dans l’image que vous avez de votre corps, qui est finalement l’image que vous avez de vous-même. Le court métrage fait allusion à un incident entre sœurs, un possible avortement accidentel causé par la narratrice. Je n’étais pas intéressée à l’idée de le raconter de manière évidente ou directe, mais plutôt de montrer comment de tels événements, subtilement, façonnent la relation que vous avez avec vous-même et, bien sûr, avec les autres et votre monde entier.

Au cours du processus, mes parents ont développé des problèmes cognitifs et neurologiques, qui, d’une certaine manière, reflètent une déconnexion encore plus marquée entre l’esprit et le corps. Tout cela s’est entremêlé dans mon esprit, me poussant à vouloir capturer la dissonance entre l’intangible et le physique. En fin de compte, je voulais raconter, d’une manière allégorique et visuelle à travers une animation expressive, comment les dynamiques sociales façonnent notre perception de nos corps, comment la vision de la société influence notre image de nous-mêmes, et comment cela affecte notre relation avec nous-mêmes et avec les autres. Au final, le corps devient le lieu de nos traumatismes personnels et collectifs, un témoin silencieux de tout ce que nous vivons.

Comment avez-vous envisagé la mise en scène de ce film au style visuel très sensoriel et dynamique ?

L’animation est la forme que j’utilise pour raconter toutes mes histoires, car elle me permet de passer de façon fluide entre la réalité et l’imagination, donnant forme à ce qui est invisible ou difficile à exprimer de manière traditionnelle. Dans ce cas, j’ai choisi un style d’animation défini par la transformation de l’image, reflétant les changements constants du corps et des formes de vie qu’il contient. J’ai adopté le processus tactile de la peinture à l’huile sur papier, une technique minutieuse et physique où chaque coup de pinceau laisse une marque visible.

Je voulais que les images aient l’air vivantes dans leur matérialité, qu’elles transmettent le poids et la présence de la texture : l’épaisseur de la peinture, les irrégularités du coup de pinceau, et la façon dont les couleurs se déplacent et se mélangent de manière imparfaite. Cette imperfection était importante pour moi – c’est ce qui rend cela humain, ce qui rend cela réel. À travers ce processus, l’animation devient non seulement une technique d’images en mouvement, mais une surface vivante où la force et la présence de l’œuvre de chaque artiste sont transmises par le processus physique lui-même.

Durant deux ans, quatre peintres – Anamaría Sáenz, Julián Arias, Juan Pablo Figueroa et Daniel Bonza – ont géré la phase la plus méticuleuse du processus, insufflant à chaque coup de pinceau le geste et l’énergie uniques de leur main alors qu’ils donnaient vie à chaque image en huile. C’était à la fois une tâche titanesque et merveilleuse. En plus du processus de peinture, l’animation a été animée par cinq animateurs talentueux – Laura Alcina, Natalia Rojas, Megumi Cardona, Gizenth Barreto et Fabián Llantén – qui lui ont infusé la fluidité délicate, le rythme subtil et l’énergie vivante de cette histoire en constante évolution.

Votre film est à la fois très psychologique et, évidemment, très physique. Comment avez-vous trouvé le ton juste entre quelque chose qui peut être très abstrait mais aussi complètement concret ?

Je dois dire que l’équilibre entre ces deux aspects a été la partie la plus exigeante du processus. J’ai beaucoup travaillé sur la voix de la narratrice du court métrage. Au départ, j’avais une version légèrement plus expérimentale, presque sans dialogue, ou avec des dialogues plus allégoriques, mais à la fin, j’ai décidé de construire une narration ancrée davantage dans des événements concrets, créant une histoire qui pourrait sembler plus proche et plus compréhensible pour le public, tout en laissant quand même de la place pour expérimenter avec les images et la dimension sensorielle de l’histoire. Mon objectif était de créer une structure qui pourrait tenir le spectateur, tout en restant suffisamment ouverte pour lui permettre de ressentir et d’interpréter au-delà du littéral.

Au-delà de tout le travail visuel et narratif qui approfondit la connexion entre le psychologique et le physique, le film a été enrichi par la conception sonore de Sinsonte Studio, qui a mis en valeur avec force et subtilité l’atmosphère psychologique et absurde de l’histoire, ainsi que par une belle composition musicale qui rehausse l’essence sensorielle et poétique de cette femme en constante transformation. La musique, composée par Daniel Jones Cozarelli, un musicien talentueux avec qui j’ai déjà collaboré, ajoute une profondeur émotionnelle à la lutte interne de cette femme et renforce un sentiment de proximité avec la narration.

Once in a Body m’a évoqué le genre du body horror. Est-ce que c’est un élément qui faisait partie de votre processus ?

Certaines personnes ont fait le même lien, et je comprends cela, c’est un genre que j’aime mais je dois avouer que ce n’était pas au centre de mes préoccupations. La vérité est que, d’une part, l’approche visuelle est née davantage des possibilités expressives de l’utilisation de l’animation comme moyen de raconter cette histoire. Avec l’animation, vous pouvez créer n’importe quoi, et pour ce court métrage, cela semblait être le moyen idéal pour explorer pleinement la transformation de l’image au service de l’histoire. Ce que j’ai trouvé le plus intéressant à propos de l’utilisation de ce type d’animation était sa capacité à refléter ou à entrer dans l’esprit de quelqu’un qui perçoit son propre corps comme étrange et monstrueux en fonction de tout ce qu’elle a vécu, une approche qui est plus psychologique que motivée par l’horreur.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

J’adore le cinéma. J’aime de nombreux cinéastes qui n’ont pas nécessairement travaillé dans l’animation, mais dans ce cas précis, j’ai trouvé beaucoup de proximité et d’inspiration dans plusieurs œuvres d’animation. Pendant le processus, j’ai regardé une rétrospective du travail de Maria Lassnig, qui a été très inspirante pour moi. En même temps, de nombreuses réalisatrices contemporaines m’ont inspirée avec leurs thèmes puissants et leurs approches visuelles ; pour n’en nommer que quelques unes, il y a Jenny Jokela et Martina Scarpelli.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 16 août 2025. Un grand merci à Luce Grosjean.

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Olga mène une vie très rangée, sans amis ni relations dans un immense immeuble résidentiel. Lorsqu’elle est, par nécessité financière, obligée de louer une chambre, un homme emménage avec elle et fait également entrer en cachette son fils de neuf ans dans l’appartement.

Moscas
Mexique, 2026
De Fernando Eimbcke

Durée : 1h39

Sortie : –

Note :

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Une famille brésilienne noire dans la ville de Belo Horizonte lutte pour reconstruire sa vie après une perte récente. Pris entre souvenirs et cauchemars, et incapables d’exprimer leurs sentiments les uns aux autres, une mère et ses enfants tentent d’échapper à la douleur du deuil en s’immergeant dans leurs routines individuelles.

Our Secret
Brésil, 2026
De Grace Passô

Durée : 1h48

Sortie : –

Note :

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Azucena, une femme de 30 ans, espionne les adolescents d’un foyer. Dans leurs jeux et leur sens de la fraternité, elle cherche des fragments de son propre passé, poussée par un événement traumatique qui a marqué son adolescence et l’a laissée suspendue dans le temps. Son intérêt se concentre particulièrement sur Julio, un garçon de 17 ans. Bien que leurs mondes sociaux soient très éloignés, leurs blessures, leurs rires partagés et la découverte de l’autre guident leur voyage œdipien vers les rochers d’un volcan. Là, loin de tout, ces deux personnages marqués par l’absence se transforment en quelque chose d’autre.

Hiedra
Equateur, 2025
D’Ana Cristina Barragan

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

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Quel a été le point de départ de Samba Infinito ?

Le point de départ a été à travers la musique. La musique écoutée seul avec des écouteurs, dans un aéroport ou dans ma chambre. Mais aussi la musique vécue en direct, avec des dizaines d’instruments et un chœur de plus de cinq mille personnes chantant ensemble pendant le Carnaval. Vivre le Carnaval de rue de Rio de Janeiro m’a donné accès à des images et des émotions puissantes que je voulais transposer au cinéma. Les détails du film ont beaucoup changé au cours des plus de trois ans nécessaires à l’écriture, mais au fond, il est resté un portrait d’une manière différente d’habiter la ville.

Pouvez-vous nous en dire plus sur la façon dont vous utilisez la ville comme un outil narratif dans Samba Infinito ?

Rio de Janeiro est une ville pleine de contradictions et de paradoxes, et ceux-ci sont toujours présents dans mes films. Je crois que Samba Infinito capture un petit fragment de cette mosaïque, surtout à travers les contrastes symboliques que nous explorons en imaginant comment les gens habitent la ville, que ce soit à travers la fantaisie ou le travail. Nous existons tous dans un contexte, et je vois cela comme une force centrale dans ma réalisation. Je suis également attiré par la façon dont les espaces urbains portent un sens, et par les possibilités de subvertir ces significations, en plaçant des gens et des actions là où on ne les attend pas, faisant ce qu’ils ne sont pas censés faire.

Vous traitez de la mémoire avec beaucoup de grâce et de sensibilité. Comment avez-vous abordé ce thème, en termes visuels ou durant le processus d’écriture ?

En portugais, nous avons un mot très spécial : saudade. Cela signifie non seulement que quelqu’un ou quelque chose nous manque, mais aussi s’accrocher à la beauté, à la mémoire, et à la présence durable de ce qui est perdu. Ce sentiment était profondément présent en moi alors que j’écrivais le scénario, et j’ai essayé de le traduire en images. L’utilisation d’une temporalité mélangée et superposée dans le film était ma façon d’atteindre cet espace intermédiaire, un monde où ceux qui nous manquent sont partis, mais sont d’une certaine manière toujours avec nous. Cela pourrait être un être cher, ou même une partie perdue de nous-mêmes. J’essaie de traduire cela en images qui créent un effet de choc, avec de forts contrastes symboliques. Des gens en costumes de carnaval flamboyants à l’intérieur d’une bibliothèque royale. Un nettoyeur de rue solennel se déplaçant à travers le moment le plus onirique de la ville. Ces juxtapositions parlent de la superposition émotionnelle que j’essaie d’évoquer dans le film.

Une fois de plus, il y a une utilisation des couleurs très frappante dans Samba infinito. Pouvez-vous parler de cet élément particulier ?

L’uniforme des agents de nettoyage dans la ville de Rio de Janeiro est un costume néon orange très distinctif avec une bande bleue. Tout comme pour les livreurs, ils portent ces vêtements fluorescents néon pour éviter d’être heurtés par des voitures. Il m’est intéressant de penser à ces personnages qui sont à la fois intrinsèques au paysage de la ville, tout en étant d’une certaine manière invisibles à l’intérieur. C’est pourquoi l’utilisation de la couleur est si importante dans cette histoire, car c’est la façon dont notre personnage se présente dans la ville. Le film est principalement tourné la nuit, et les réverbères oranges ajoutent à cet effet, bien sûr, avec les multiples couleurs du carnaval de rue. Je pense que la juxtaposition de ces éléments crée une sorte de mélancolie arc-en-ciel.

Comment avez-vous collaboré avec Gilberto Gil, quelle signification particulière revêt sa présence dans ce court métrage ?

Gilberto Gil est l’un des plus grands artistes brésiliens du siècle dernier. Sa musique a été la bande sonore de toute ma vie. Son répertoire embrasse et révèle un pays plein de contradictions, de beauté et de douleur : des émotions que j’essaie d’exprimer dans mes films. C’est pourquoi, dès que j’ai écrit le scénario, j’ai rêvé de le voir jouer ce personnage. Le diriger a été un immense honneur, un véritable rêve devenu réalité. Je suis profondément reconnaissant pour sa générosité en acceptant de faire partie de ce court métrage. Je suis passionné par la musique brésilienne : Milton Nascimento, Tom Jobim, Gal Costa, Caetano Veloso, Tom Zé, et tant d’autres… Chacun d’eux fait partie d’une riche tradition de la musique brésilienne qui a eu une si grande influence sur ma sensibilité. Et au cœur de tout cela, bien sûr, se trouve Gilberto Gil.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 7 mai 2025.

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La Maestra et Paula, deux amies inséparables, sont les meilleures nageuses de leur équipe. Jusqu’à ce qu’un terrible incident, survenu au cours d’une soirée, les oblige à choisir entre garder le silence et prendre la parole, quitte à mettre leur amitié à rude épreuve…

Chicas tristes
Mexique, 2026
De Fernanda Tovar

Durée : 1h30

Sortie : 12/08/2026

Note :

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