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Festival Black Movie | Critique : Montages of a Modern Motherhood

admin — Sat, 17 Jan 2026 15:48:14 +0000

Jing vient d’avoir un bébé. Sa vie s’en retrouve bouleversée et la jeune femme doit affronter de nombreuses difficultés.

Montages of a Modern Motherhood
Hongkong, 2024
De Oliver Siu Kuen Chan

Durée : 1h52

Sortie : –

Note :

MAMAN, RIEN N’EST PLUS COMME AVANT

Chaque geste et chaque plan au tout début de Montages of a Modern Motherhood semblent raconter un rituel quotidien. La Hongkongaise Oliver Siu Kuen Chan filme dans un premier temps des accessoires pour bébé tandis qu’on peut entendre des voix, avant que la mère et son enfant n’apparaissent enfin à l’écran. Cette attention portée aux détails se retrouve dans tout le second long métrage de la cinéaste, présenté en compétition au Festival de Busan. Oliver Siu Kuen Chan s’était auparavant distinguée avec son premier long, Still Human, qui a eu un beau succès en festivals mais est resté inédit en France.

Comme son titre l’indique, Montages of a Modern Motherhood fait le portrait d’une mère, aujourd’hui, et de ce à quoi elle doit se confronter. Celle-ci est admirablement incarnée par Hedwig Tam qui donne des nuances et une vibration épuisée à un personnage dont l’interprétation pourrait être monocorde. Montages of a Modern Motherhood dépeint la solitude de cette héroïne pourtant entourée, mais qui fait face à la fois à la pollution intrusive d’une belle-mère infecte, à la lâcheté et la paresse de son époux et aux remarques passives-agressives au travail. Si apprendre à être une mère n’est pas une sinécure, cette jeune mère, comme bien d’autres mères, subit une infernale double peine.

Montages of a Modern Motherhood, plus largement, examine la manière dont les femmes, ou les rôles considérés comme « féminins », sont considérés (sans surprise : mal). Quels sacrifices Jing doit faire, tout en n’en tirant aucun bénéfice – alors qu’aucun de ces sacrifices ne sont demandés aux hommes ? La mise en scène délicate d’Oliver Siu Kuen Chan sait trouver la bonne distance vis-à-vis de ses personnages, en privilégiant régulièrement des prises longues comme lors de cette impressionnante scène de dispute de près de 10 minutes. Ce n’est pas un tour de force qui roule des mécaniques, c’est au contraire une manière de donner, avec humilité, de l’espace à sa protagoniste, ainsi qu’au public. L’immersion dans un quotidien répétitif peut avoir comme risque de donner un film répétitif tout court, mais Oliver Siu Kuen Chan fait preuve de suffisamment de savoir-faire pour réussir ce portrait poignant.

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par Nicolas Bardot

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Critique : En garde

admin — Tue, 30 Dec 2025 22:10:30 +0000

Jie, un jeune talent prometteur de l’escrime, renoue avec son frère aîné Han, récemment libéré après sept ans de prison pour la mort accidentelle d’un adversaire lors d’une compétition. En secret, Han soutient Jie dans son entraînement, l’aidant à viser une qualification aux championnats nationaux. Mais une dispute éclate, et Jie commence à douter de l’innocence de son frère.

En garde
Singapour, 2024
De Nelicia Low

Durée : 1h49

Sortie : 31/12/2025

Note :

MASQUE POUR MASQUE

Coproduit par Taiwan, Singapour et la Pologne, En garde est le premier long métrage de la cinéaste Singapourienne Nelicia Low. Avant de se lancer dans le cinéma, cette dernière pratiquait l’escrime, et c’est justement cette discipline qu’elle impose à ses protagonistes. Ce sport à l’élégance cinégénique (tenues strictes, masques intrigants et combats aux chorégraphies brèves et intenses) donne ici lieu à de jolies séquences de captation, mais son intérêt ne s’arrête pas là. Dans le récent film chinois Brief History of a Family (également présenté à Karlovy Vary, où En garde a fait sa première), cette discipline masquée allait comme un gant à un protagoniste se faisant passer pour un autre. Low pousse la métaphore plus loin, symbolisant la relation ambivalente de deux frères cherchant à anticiper et parer chacun des mouvements de l’autre.

Han sort de prison pour avoir causé il y a des années la mort de son adversaire lors d’un combat d’escrime. Il jure qu’il s’agissait d’un accident, mais seul Jie, son petit frère, semble prêt à le croire. Il faut dire qu’Han a sauvé Jie de la noyade quand il était petit, l’admiration sans borne que celui-ci lui porte en retour ne peut donc souffrir aucune nuance. Le titre du film fait référence aux protections vestimentaires indispensables à la pratique du sport, ainsi qu’aux dangers représentant un fleuret (délibérément ?) cassé, mais on peut aussi le lire comme une référence aux doutes qui s’immiscent peu à peu dans l’amour fraternel de Jie pour Han. L’innocence clamée par celui-ci n’est elle qu’un masque de plus ?

A chaque apparition, Han a l’air d’un méchant sorti d’un film d’action. Jie au contraire, est demeuré un garçon sensible aux yeux écarquillés et au badge Naf Naf. Cette opposition pourrait enfermer En garde dans une binarité convenue, mais Low sait elle aussi esquiver nos attentes et faire d’élégants pas de côté. Elle nous fait ainsi passer avec fluidité du drame familial au film à suspens en passant par la comédie romantique gay : grâce à son bad boy hétéro de frère, Jie trouve enfin le courage de parler au garçon de ses rêves dans ce qui constitue une adorable intrigue parallèle. Han serait-il un vrai gentil?

L’ambiguïté que Low met au cœur de son scénario est entourée de beaucoup de douceur. Les angles sont ici gentiment arrondis au point d’émousser régulièrement le sentiment de potentiel danger imminent (même si là encore, le récit possède ses surprises). Si le scénario ronronne un peu par moments, l’élégance esthétique d’En garde convainc et charme sans réserve. D’une rivière brumeuse jusqu’aux néons roses de la ville, chaque décor est mis en valeur par la superbe photo du chef opérateur polonais Michal Dymek , dont le travail crevait déjà l’écran dans EO, The Silent Twins, Cold War ou plus récemment encore La Jeune femme à l’aiguille. Sans doute un peu moins lisse qu’il n’y parait tout en restant très accessible, ce drame fraternel est le plus immédiatement plaisant des films de la compétition de Karlovy Vary.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Busan 2025

admin — Sun, 28 Sep 2025 06:36:50 +0000

La 30e édition du Festival de Busan, le festival le plus important du continent asiatique, vient de s’achever. Son palmarès a été dévoilé.

Sa compétition a été remportée par Gloaming in Luomu du Chinois Zhang Lu. L’histoire : Xiao Bai reçoit une carte postale en provenance d’une petite ville, dans le sud-ouest du pays. Elle a été envoyée par son petit ami qui est parti sans dire au revoir il y a trois ans. Après beaucoup d’hésitation, elle a décidé d’aller dans ce village pour découvrir ce qui s’est passé.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Gloaming in Luomu

Prix du meilleur film : Gloaming in Luomu, Zhang Lu
Prix de la mise en scène : Girl, Shu Qi
Prix spécial du jury : Funky Freaky Freaks, Han Chang-lok
Prix d’interprétation : Takumi Kitamura, Go Ayano & Yuta Hayashi pour Baka’s Identity
Prix de la contribution artistique : Liu Qiang & Tu Nan pour les décors de Resurrection
Prix New Currents : En Route To, Yoo Jaein

L’intégralité du palmarès

Nicolas Bardot

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Busan 2025 : 1res images pour « Dear Stranger » de Tetsuya Mariko

admin — Thu, 28 Aug 2025 08:33:24 +0000

Dear Stranger est le nouveau long métrage du Japonais Tetsuya Mariko. Mariko s’est distingué notamment avec Destruction Babies qui était passé par le Festival de Locarno avant de sortir dans les salles françaises en 2022. Dear Stranger sort à la rentrée au Japon et fait sa première internationale au Festival de Busan, dont la sélection vient d’être dévoilée.

L’histoire : la vie d’un homme japonais et de sa femme taïwano-américaine est bouleversée lorsque leur fils disparaît. L’enlèvement révèle des secrets cachés, mettant à l’épreuve leurs limites émotionnelles et leurs frontières morales.

Les rôles principaux sont tenus par Hidetoshi Nishijima (Creepy, Drive My Car) et Gwei Lun-mei (Black Coal, Le Lac aux oies sauvages). Des premières images et une bande annonce ont été dévoilées, découvrez-les ci-dessous.

Source

Nicolas Bardot

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Busan 2025 : 1res images pour « Gloaming in Luomu » de Zhang Lu

admin — Wed, 27 Aug 2025 06:55:17 +0000

Gloaming in Luomu est le nouveau long métrage du Chinois Zhang Lu. Remarqué avec des films tels que Desert Dream ou La Rivière Tumen, Zhang Lu a réalisé plus récemment The Shadowless Tower qui figurait en compétition à la Berlinale 2023 avant de remporter la Montgolfière d’or au Festival des 3 Continents à Nantes. Gloaming in Luomu fera sa première mondiale au Festival de Busan, en compétition. Retrouvez notre gros plan sur la sélection.

L’histoire : Xiao Bai reçoit une carte postale en provenance d’une petite ville, dans le sud-ouest du pays. Elle a été envoyée par son petit ami qui est parti sans dire au revoir il y a trois ans. Après beaucoup d’hésitation, elle a décidé d’aller dans ce village pour découvrir ce qui s’est passé.

Le Festival de Busan aura lieu du 17 au 26 septembre. Un premier extraits et des premières images de Gloaming in Luomu ont été dévoilés, découvrez-les ci-dessous.

Source

Nicolas Bardot

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La sélection du Festival de Busan 2025

admin — Tue, 26 Aug 2025 16:11:56 +0000

La 30e édition du Festival de Busan, le festival le plus important du continent asiatique, aura lieu du 17 au 26 septembre. Sa sélection a été dévoilée.

Au cœur de cette sélection, la compétition a été remaniée. La compétition New Currents, dédiée aux jeunes cinéastes, ainsi que la récente compétition Jiseok, dédiée aux cinéastes plus confirmé.es, ne font plus qu’une seule et même compétition. Outre les découvertes, la compétition 2025 comprend entre autres Resurrection du Chinois Bi Gan, Two Seasons, Two Strangers du Japonais Sho Miyake (qui vient d’être sacré à Locarno), Girl de la Taïwanaise Shu Qi (en compétition dans quelques jours à la Mostra de Venise), Gloaming in Luomu du Chinois Zhang Lu, Funky Freaky Freaks du Coréen Han Chang-lok (remarqué avec son court Peeper) ou encore Seven O’Clock Breakfast Club for the Brokenhearted de la Coréenne Lim Sun-ae (distinguée à Busan en 2019 avec An Old Lady).

Découvrez la compétition ci-dessous et l’intégralité de la sélection sur le site officiel.

Two Seasons, Two Strangers

Compétition internationale

Another Birth, Isabelle Kalandar (Tadjikistan)
Baka’s Identity, Koto Nagata (Japon)
By Another Name, Lee Jeahan (Corée du Sud)
En Route to, Yoo Jaein (Corée du Sud)
Funky Freaky Freaks, Han Chang-lok (Corée du Sud)
Girl, Shu Qi (Taïwan)
Gloaming in Luomu, Zhang Lu (Chine)
Leave the Cat Alone, Daisuke Shigaya (Japon)
Left-Handed Girl, Tsou Shih-Ching (Taïwan)
Resurrection, Bi Gan (Chine)
Seven O’Clock Breakfast Club for the Brokenhearted, Lim Sun-ae (Corée du Sud)
Spying Stars, Vimukthi Jayasundara (Sri Lanka)
Two Seasons, Two Strangers, Sho Miyake (Japon)
Without Permission, Hassan Nazer (Iran)

Nicolas Bardot

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Critique : Super Happy Forever

admin — Tue, 15 Jul 2025 16:03:07 +0000

Sano est de retour à Izu, au bord de la mer. Il semble absent à lui-même et à ce qui l’entoure, sauf à cette casquette rouge qu’il cherche obstinément. Il est en quête d’un signe, d’une trace, de quelque chose qui pourrait attester d’un événement survenu ici, en réincarner le souvenir.

Super Happy Forever
Japon, 2024
De Kohei Igarashi

Durée : 1h34

Sortie : 16/07/2025

Note :

CONTE D’ÉTÉ ET CONTE D’AUTOMNE

Super Happy Forever s’ouvre par un plan de mer bleue et paisible. Pourtant, assez rapidement, on constate qu’il ne fait pas si beau – les protagonistes sont peut-être en vacances, mais nous sommes probablement hors saison. Ces congés pourraient et devraient être une parenthèse merveilleuse, un peu comme la nuit où le temps semble s’être arrêté dans le précédent long métrage du Japonais Kohei Igarashi (Takara, la nuit où j’ai nagé, co-réalisé avec Damien Manivel). Mais Sano, le héros du long métrage, fait sa mauvaise tête, n’a guère envie de s’amuser avec les filles du coin, trolle le chauffeur de taxi et n’a que faire de l’ami qui l’accompagne. La berceuse lancinante des vagues dissimule mal le malaise qui s’invite dans chaque plan.

Sano et Miyata ont une courte discussion dédramatisée sur la mort et le destin. Ce qui pourrait être un échange anodin suggère pourtant un deuil bien réel qui a anéanti Sano. Le chauffeur de taxi parle d’une femme fantôme qui se tiendrait sur la jetée. Le décor en apparence idyllique semble effectivement hanté, malgré la douceur de l’image : l’hôtel va fermer, le restaurant ne semble plus exister, le sento est vide. Le titre du long métrage, Super Happy Forever (super heureux pour toujours), vient d’un séminaire auquel a participé Miyata, l’ami de Sano. Mais qui peut croire de telles sornettes ? Dans ce lieu qui éveille des souvenirs douloureux, Sano est pénible avec tout le monde ; le réalisateur nous le fait ressentir jusqu’à frôler la répétition, jusqu’à rendre son personnage pénible pour nous également – comme dans cette inévitable scène de karaoké où les émotions non-articulées finissent par être surlignées.

Sans trop en dévoiler sur le déroulement du film, Super Happy Forever opère une rupture, changeant de protagoniste et de temporalité. Ce sont toujours des vacances, mais cette fois celles-ci paraissent estivales et heureuses. Igarashi dépeint avec grâce le charme spécial propre au début d’une relation amoureuse – la complicité qui se crée, les points communs, le goût pour le cinéma d’horreur ou l’absence de goût d’un plat que l’on partage. Si ce que l’on voit est idyllique, si la lumière est délicieuse, il y a pourtant un voile sombre qui se superpose de manière invisible à l’image. Grâce aux indices de la première partie du film, on sait, mais c’est le propre des tragédies : on en regarde le déroulement même en en connaissant l’issue.

Qu’est-ce que Nagi fixe avec son appareil photo ? Qu’est-ce qui reste fixé dans la mémoire de Sano ? Qu’est-ce qui rend super happy forever ? En un émouvant renversement d’échelle, l’éternité d’un bonheur peut tenir dans un simple détail, un moment précis et suspendu – ou juste la consommation de nouilles instantanées. Igarashi filme les solitudes qui se font ou se défont, et sa construction ôte toute forme de mièvrerie au récit amoureux. Il y a une grâce subtile dans l’écriture et la construction de ce mélodrame sentimental en sourdine, dont on ne filme jamais les événements mais que l’on ressent comme si on les voyait.

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par Nicolas Bardot

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Critique : A New Old Play

admin — Tue, 10 Jun 2025 08:19:46 +0000

Grand acteur-clown de l’opéra du Sichuan, Qiu Fu n’est plus. L’artiste quitte à contrecœur la vie terrestre pour le monde souterrain, où il est accueilli par Tête de Bœuf et Visage de Cheval, les deux gardiens du lieu. Alors qu’il revit une dernière fois ses souvenirs avant d’entrer dans l’Au-delà, cinquante années d’art, de lutte et d’amour défilent sur fond d’histoire tumultueuse de la Chine du XXe siècle…

A New Old Play
Chine, 2021
De Qiu Jiongjiong

Durée : 2h59

Sortie : 11/06/2025

Note :

MON VINGTIÈME SIÈCLE

Où sommes-nous ? Lors de la première scène de A New Old Play, on ne sait pas immédiatement si l’on est posé sur une scène de théâtre ou plongé dans les profondeurs de l’au-delà. Le long métrage-fleuve (3 heures) du Chinois Qiu Jiongjiong, primé à Locarno, exploite au mieux cette hésitation. Car A New Old Play raconte l’histoire d’un acteur d’opéra du Sichuan, ainsi que l’histoire d’un pays, tout cela à travers des motifs empruntés à la scène.

L’artificialité et la théâtralité sont tout à fait assumées dans le film, et ce avec une remarquable inventivité formelle. Les tableaux d’une beauté onirique se succèdent, et l’usage de toiles et de carton-pâte n’empêche nullement le long métrage d’être esthétiquement très ambitieux, moderne et visuellement généreux. Lors d’une des plus belles scènes, Qiu suggère un bombardement en filmant la maquette d’une ville au-dessus de laquelle une toile se retrouve tailladée. La frontière entre procédés cinématographiques et théâtraux, inédits ou traditionnels, devient finalement assez vite obsolète – « une pièce nouvelle raconte toujours des histoires anciennes », entend-on.

Narrativement, A New Old Play n’a à nos yeux pas le même souffle. Son récit a beau couvrir des décennies de tumultes et de troubles politiques, son déroulé est un peu statique. C’est en quelque sorte l’envers de Vivre et chanter de Johnnie Ma, sorti chez nous en 2019, où le destin d’une troupe d’opéra du Sichuan était raconté avec une ambition esthétique moindre mais l’écriture était plus chaleureuse et vivante.

A New Old Play, néanmoins, impressionne. Si le film est parfois épuisant, il est sans cesse étonnant et ne ressemble qu’à lui-même. La majestueuse dimension picturale du long métrage, ses travellings en forme de rouleaux, rappellent que Qiu Jiongjiong est peintre lui-même. Cette fusion des influences en termes de représentation et de narration par l’image est stimulante et évoque un singulier mélange, pour prendre des références plus occidentales, entre Peter Greenaway et Jean-Paul Goude. Ce surprenant voyage esthétique et politique vaut assurément le détour.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Cloud

admin — Tue, 03 Jun 2025 22:29:21 +0000

Ryosuke plaque tout pour vivre de la revente en ligne. Mais bientôt, certains clients menaçants resserrent l’étau autour de lui sans qu’il en comprenne les raisons. Son rêve d’indépendance vole en éclats. Dans un Japon hyperconnecté, fuir est impossible. Surtout quand on ignore les règles du jeu.

Cloud
Japon, 2024
De Kiyoshi Kurosawa

Durée : 2h04

Sortie : 04/06/2025

Note :

JE SERAI DANS LES NUAGES

2024 est une année faste pour Kiyoshi Kurosawa : après avoir présenté l’excellent Chime en février à la Berlinale (cf. notre dossier des meilleurs courts vus au festival), et quelques semaines avant de dévoiler le remake de son propre film Serpent’s Path à San Sebastian, le voici à la Mostra de Venise où Cloud est sélectionné hors compétition. A quel nuage de mauvais augure peut bien faire référence ce titre ? Il semble pourtant ne planer aucune ombre sur l’horizon de Ryosuke. Ce dernier a visiblement trouvé la combine parfaite pour se faire rapidement de l’argent sur Internet. Suffisamment d’argent pour pouvoir emménager dans une jolie maison au bord d’un lac avec son amoureuse qui l’épaule dans ses arnaques sur le cloud (c’était donc ça).

La mise en scène de Kurosawa se reconnait tout de suite, avec un très grand plaisir. Sa manière de styliser la lumière fait une fois de plus merveille au moment d’apporter un relief fantasmagorique et tendu à la fois au quotidien de son protagoniste. Ses décadrages inattendus viennent suggérer l’imminence d’une menace, de même que le travail sur les couleurs jaunes et ocres – comme si l’été oisif touchait bientôt à sa fin pour Ryosuke. Le temps d’un plan stupéfiant, c’est bel et bien un immense nuage qui vient recouvrir comme un monstre sa villa de rêve. On sent venir une punition méritée pour cet égoïste à mauvais caractère, on l’espère même. Pourtant le scénario prend son temps, comme s’il voulait nous aussi nous mettre en garde contre les désirs trop vite exaucés.

Sans trop en révéler, il y a bel et bien un basculement dans Cloud. Celui-ci intervient alors qu’on a déjà bien eu le temps de se se demander ce que Kurosawa souhaitait nous dire avec cette simple histoire de revendeur à la sauvette. Ce virage répond-il à la question ? Pas vraiment, car il s’avère être paradoxalement familier et surprenant à la fois. Issu de la veine des thrillers réalistes de Kurosawa, Cloud ne possède rien de fantastique, à moins d’interpréter l’ultime scène (hallucinée comme celle de Charisma) comme un clin d’œil à La Quatrième dimension, le film. Si le récit reste finalement terre-à-terre dans sa manière de comparer Internet à un territoire de western sans foi ni loi, la mise en scène offre suffisamment de ruptures stylistiques pour amener ce récit policier vers de chatoyantes hauteurs.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Black Box Diaries

admin — Tue, 11 Mar 2025 15:00:09 +0000

Depuis 2015, Shiori Itō défie les archaïsmes de la société japonaise suite à son agression par un homme puissant, proche du premier ministre. Seule contre tous et confrontée aux failles du système médiatico-judiciaire, la journaliste mène sa propre enquête, prête à tout pour briser le silence et faire éclater la vérité.

Black Box Diaries
Japon, 2024
De Shiori Itō

Durée : 1h43

Sortie : 12/03/2025

Note :

JOURNAL INFIME

« Laissez-moi vous raconter mon histoire ». La réalisatrice japonaise Shiori Itō nous adresse ces mots les yeux dans les yeux, se filmant dans l’intimité de sa chambre avec son téléphone et nous mettant d’emblée dans la position de confident. Son nom est certes déjà connu de beaucoup depuis qu’elle a pris le risque de dénoncer publiquement son agresseur sexuel, un célèbre journaliste proche de la police et de l’ancien premier ministre Shinzō Abe, mais en réalisant elle-même ce documentaire retraçant cinq années de parcours judiciaire et de scandale médiatique, Itō reprend le contrôle de son propre récit.

Jeune femme éduquée et qu’on devine d’un milieu social aisé, à la carrière internationale (elle s’adresse d’ailleurs souvent en anglais dans le film), Shiori Itō n’a aucune naïveté sur l’incapacité archaïque du système pénal judiciaire supposé répondre aux affaires de viol. Cela va du plus minable (la police ne trouve rien de mieux à lui demander que de reconstituer la scène à l’aide… d’une poupée gonflable) au plus glaçant. Jusqu’à une modification datant seulement de l’an dernier, la loi japonaise ne prenait effectivement pas en compte l’absence de consentement, ce qui autorisait donc son agresseur à dire en toute mauvaise foi qu’il n’avait enfreint aucune loi en la forçant à avoir un rapport sexuel.

La violence de cette absence de réponse pénale, associée à celle du scandale politique qui lui ont valu de nombreuses insultes, a de quoi faire froid dans le dos. La cinéaste n’a d’ailleurs pas peur de mettre les points sur les i en évoquant sa tentative de suicide ou les menaces de mort qu’elle a reçues. Malgré tout cela, il se dégage de Black Box Diaries un sentiment de paix inattendu, qui tient sans doute moins à l’accomplissement de la justice qu’au sentiment de triomphe d’avoir fait bouger les mentalités. Plusieurs séquences du film sont même baignées d’une douce bienveillance, à l’image d’un délicat message d’avertissement placé en ouverture.

Ce documentaire évoque des choses suffisamment violentes pour se permettre de les aborder avec une sorte de sourdine. Moins qu’un cinglant tableau renvoyé à la figure de la misogynie de la société japonaise, Black Box Diaries est davantage un autoportrait humble et thérapeutique. Construit en temps réel, cette mosaïque de moments captés sur le vif ne possède pas toujours le tranchant attendu mais offre un instantané vivant et très contemporain.

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par Gregory Coutaut

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