Festival des 3 Continents - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Nuestra tierra

admin — Tue, 31 Mar 2026 04:27:53 +0000

Argentine, 2009. Trois hommes blancs tentent d’expulser les membres de la communauté autochtone Chuschagasta, revendiquant la propriété des terres. Armés, ils tuent le chef de la communauté, Javier Chocobar. Le meurtre est filmé, et en 2018, après neuf ans d’impunité et des siècles d’histoire coloniale, le procès s’ouvre.

Nuestra tierra
Argentine, 2025
De Lucrecia Martel

Durée : 1h52

Sortie : 01/04/2026

Note :

PROPRIÉTÉ PRIVÉE

La caméra de Lucrecia Martel prend souvent de la hauteur dans son documentaire Nuestra tierra. Le film débute d’ailleurs dans l’espace, la caméra s’approche petit à petit d’une terre dont la nature dessinée reste quelque peu abstraite : des grandes lignes, des touches de couleurs. Les prises de vue sont de plus en plus près, mais la caméra s’envole régulièrement au fil du long métrage. Un drone filme des chèvres qui se promènent, pour plus tard se retrouver percuté par un oiseau qui passait par là. Prendre de la hauteur : le long métrage ne raconte pas qu’un fait divers à éplucher entre les murs d’un tribunal, il fait le récit d’une terre, d’un pays et d’un continent.

Derrière le meurtre de Javier Chocobar, un représentant de la communauté indigène de Chuchagasta, il y a l’histoire de toute une population. On regarde beaucoup de photos anciennes dans Nuestra tierra, et celles-ci sont accompagnées d’amples narrations. Chacune de ces traces raconte une mémoire profonde, et reconstitue une identité. « Les Indigènes n’étaient pas aimés à l’époque », est-ce que cela a vraiment changé aujourd’hui ? Nuestra tierra raconte l’effacement de communautés, tout comme leur non-reconnaissance. Que se passe-t-il alors lorsqu’un tel cas est porté au tribunal ? Alors que Martel se penche longuement sur la place accordée aux voix racisées hors du tribunal, ce dernier se trouve rempli de paroles de personnes blanches. Comment rendre justice alors que l’esprit du colonialisme perdure ?

Aux émouvantes photos en noir et blanc s’oppose une vidéo de mauvaise qualité, remplie de pixels, sur l’exécution de Javier Chocobar. Un propriétaire terrien souhaite l’expulser lui et les siens de leurs terres ancestrales. Qui détient les documents ? Que représentent-ils ? Qui, à travers eux, détient également la narration ? Si le film se montre parfois répétitif sur ses deux heures, c’est aussi parce que ces confrontations ne sont pas aisées. Il y a de la difficulté à remuer ces fantômes et, de manière particulièrement amère, le film montre que le verdict réconfortant d’un tribunal peut vite être rendu obsolète. Mais la narration change de camp : beaucoup dans le film, plus laborieusement dans la vie. Néanmoins, comme il est scandé aux abords du tribunal, lorsque cette parole indigène est émise et entendue, Javier Chocobar, malgré sa tragique disparition, est présent.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Planètes

admin — Wed, 11 Mar 2026 06:12:29 +0000

Quatre graines de pissenlit rescapées d’explosions nucléaires qui détruisent la Terre, se trouvent projetées dans le cosmos. Après s’être échouées sur une planète inconnue, elles partent à la quête d’un sol propice à la survie de leur espèce.

Planètes
France, 2025
De Momoko Seto

Durée : 1h16

Sortie : 11/03/2026

Note :

A L’AUTRE BOUT DU CIEL

On dit souvent que seuls les cafards survivront à l’apocalypse, mais si c’était aussi le cas des pissenlits ? Inclassable et merveilleux film d’animation franco-japonais réalisé par Momoko Seto (lire notre entretien), Planètes raconte l’odyssée de quatre akènes de pissenlit, c’est-à-dire des boules blanches et duveteuses d’une élégante fragilité. Ces plantes qu’un rien pourrait abîmer se retrouvent embarquées dans le voyage le plus immense qui soit : à travers l’espace, à la recherche d’un nouvelle planète où se replanter.

Il n y a pas une seule ligne de dialogue le long de ces 76 minutes. Les fleurs sont parées de suffisamment d’anthropomorphisme pour que l’on comprenne les émotions basiques qu’elles ressentent (la peur, la tristesse, l’émerveillement…), mais elle n’ont aucun trait de visage ou aucun membre humain comme ce serait le cas dans la plupart des autres films d’animation. Elles ne ressemblent a rien d’autre que des akènes de pissenlit. Est- ce à dire que Planètes prend le parti du réalisme ? Cette fable de science fiction fait tout l’inverse, évoluant avec grâce sur un fil de funambule entre la très grande simplicité et accessibilité du récit, et l’inventivité presque expérimentale de l’image.

Si le scénario de Planètes peut évoquer le magique Flow, ses images sont radicalement plus étonnantes. La cinéaste japonaise Momoko Seto (dont le court PLANET Σ avait été prime à la Berlinale 2015) fait preuve d’une audace visuelle proprement dingo. Le film mélange dans un même plan des échelles contradictoires (volcan et escargots se retrouvent à faire la même taille inquiétante) mais aussi des styles d’animations différents. 2D, 3D, stop motion ou prise de vue réelles ? Pas toujours évident de distinguer les styles dans cette belle union contre-nature. Chaque scène devient ainsi notre propre terrain de découverte et d’émerveillement.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Le Retour du projectionniste

admin — Tue, 20 Jan 2026 16:31:19 +0000

Dans une région reculée des montagnes du Caucase, en Azerbaïdjan, Samid, réparateur de télévision, dépoussière son vieux projecteur 35mm de l’ère soviétique et rêve de rouvrir le cinéma de son village. Les obstacles se succèdent jusqu’à ce qu’il trouve un allié inattendu, Ayaz, jeune passionné de cinéma et de ses techniques. Les deux cinéphiles vont user de tous les stratagèmes pour que la lumière jaillisse de nouveau sur l’écran.

Le Retour du projectionniste
Azerbaïdjan, 2024
De Orkhan Aghazadeh

Durée : 1h27

Sortie : 21/01/2026

Note :

LA PREMIÈRE SÉANCE

Samid est un homme d’un certain âge qui vit dans un petit village au sud de l’Azerbaïdjan. Il attend impatiemment l’arrivée par le courrier (en provenance de Lituanie) d’une… ampoule. Cela pourrait ressembler à la lubie d’une comédie lunaire mais cette ampoule particulière est la clef du rêve de Samid : elle est nécessaire pour projeter des films dans la salle de cinéma de son village que le vieil homme espère rouvrir. A Sym, la vie semble en apparence douce et le réalisateur azerbaïdjanais Orkhan Aghazadeh saisit la beauté paisible du décor. Mais à Sym peut-être plus qu’ailleurs, il est parfois difficile de trouver du réseau.

Le Retour du projectionniste, dévoilé en première mondiale dans la compétition du Festival Visions du Réel, est un chaleureux récit sur le rêve d’un homme et la façon dont celui-ci rayonne sur toute une communauté. Aghazadeh dépeint la relation entre Samid et le tout jeune Ayaz qui le seconde dans cette aventure. Mais il y a tout un village qui est mis à contribution, comme les femmes qui vont coudre l’écran. C’est aussi d’une mémoire collective dont il est question : on se souvient ému d’un vieux films musical indien des années 80, et on voyage dans le temps – un voyage que ne permet pas le petit écran de la télévision. La magie dont Samid et ses amis se souviennent n’a rien d’aussi étriqué.

Quelles considérations techniques sont à prendre en compte ? Les films seront-ils, comme le suggèrent de futurs spectateurs, « hautement moraux » ? Reste t-il suffisamment de bouts du film que Samid souhaite projeter pour l’inauguration ? Voici quelques uns des facétieux questionnements abordés par le long métrage, mais Orkhan Aghazadeh parvient assez habilement à éviter la carte postale pittoresque – notamment en mettant en lumière le parcours et les blessures de son protagoniste. Le film est assez généreusement porté par sa conviction et son énergie (mais aussi sa candeur), des armes qui permettent d’affronter les échecs en tout genre et de remuer des montagnes.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Le Temps des moissons

admin — Tue, 23 Dec 2025 15:34:18 +0000

Chuang doit passer l’année de ses dix ans à la campagne, en famille mais sans ses parents, partis en ville chercher du travail. Le cycle des saisons, des mariages et des funérailles, le poids des traditions et l’attrait du progrès, rien n’échappe à l’enfant, notamment les silences de sa tante, une jeune femme qui aspire à une vie plus libre.

Le Temps des moissons
Chine, 2025
De Huo Meng

Durée : 2h12

Sortie : 24/12/2025

Note :

AU BORD DU MONDE

En voix-off, un jeune garçon s’adresse à nous et se présente. Le premier plan du Temps des moissons montre un ciel superbe de petit matin. Ton naïf, pittoresque paysager ? Le long métrage du Chinois Huo Meng déjoue rapidement les craintes : la première action dans Le Temps des moissons consiste en effet à déterrer des ossements. Grand-père est là, avec une balle à ses côtés. Son squelette rappelle une Histoire violente et malgré les tourments de celle-ci, les humains doivent être réunis comme il se doit après la mort, que cela plaise ou non à l’arrière grand-mère (« Qu’ils aillent se faire foutre, je ne veux pas être enterrée avec eux »).

Les humains, à vrai dire, sont réunis tout le temps dans le long métrage, et ce toutes générations confondues. Il est visiblement difficile d’être seul dans ce coin rural de la Chine du début des années 90. Pourtant, le jeune héros lui-même ne vit pas auprès de ses propres parents, partis gagner mieux leur vie en ville. Huo Meng raconte une mutation, un basculement, et la Chine qui change au loin se fait ressentir jusqu’ici, au bout du pays. La caméra du cinéaste privilégie des prises longues, avec des panos délicats s’approchant des personnages et de leurs discussions, sans cut ou champ/contrechamp. La mise en scène inscrit toujours les protagonistes dans un groupe mais aussi au sein de ce décor rural. Ici une prise sans coupe nous fait entrer dans le village, là un pano déroule la nature et les personnages qui s’y trouvent.

Le Temps des moissons dépeint la vie de tous les jours, avec ce qu’elle peut avoir de monotone – jusqu’à ce que la monotonie menace le film lui-même. Il y a néanmoins une force dramatique à observer ces cycles éternels – naissance, mariage, mort – comme une roue qui ne s’arrêtera jamais. La mariée est triste ? Elle n’a pas son mot à dire : personne n’a son mot à dire. Les personnages sont soumis aux éléments, mais aussi à des règles tacites qui ne laissent guère de place aux individus. Le Temps des moissons n’est nullement un récit qui idéaliserait son décor ou son époque, et ne lisse pas la brutalité du quotidien.

Le cinéaste se montre visuellement inspiré – ici, même la nuit est bleue et belle. Mais derrière cette beauté se cache peut-être quelque chose qui serait plus trouble, comme les mauvais rêves du jeune héros. La magnifique fin du film suggère le triste sort qui attend cette région : la neige a tout recouvert, le silence règne, les personnages empruntent un chemin qui ressemble à une boucle damnée d’un Bela Tarr. Un monde vivant qui, devant nos yeux et en un majestueux mouvement de caméra, devient un lieu hanté.

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par Nicolas Bardot

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Festival des 3 Continents 2025 : notre bilan

admin — Sun, 30 Nov 2025 10:41:04 +0000

Le Festival des 3 Continents s’est achevé ce samedi et était à suivre sur Le Polyester. Bilan de cette 47e édition.

Malgré la fragilisation due aux coupes budgétaires brutales (de la région, puis du département), la 47e édition du Festival des 3 Continents a atteint une fréquentation record de 23000 spectatrices et spectateurs. Parmi elleux, un jeune public nombreux venu découvrir des classiques égyptiens ou des œuvres sri-lankaises méconnues – le festival poursuit ainsi son précieux rôle de transmission et d’éducation à l’image, là où les sinistres décisions politiques continuent de considérer la culture comme non-essentielle. Les 3 Continents ont réussi à maintenir la richesse défricheuse de sa programmation : on ne peut que l’applaudir.

The World of Love

La Montgolfière d’or du meilleur long métrage est allée au beau film de la Coréenne Yoon Ga-eun, The World of Love. Ce drame sur les violences sexuelles et la libération de la parole parvient à trouver un point de vue inédit, articulé de manière à la fois subtile et généreuse. Actuel gros succès au box-office coréen, ce film qui peut s’adresser à un large public est pour le moment, à notre connaissance, sans distributeur en France. Parmi les autres temps forts de cette compétition figure le documentaire The Attachment où le Sénégalais Mamadou Khouma Gueye filme une banlieue de Dakar peu à peu effacée par le tracé d’un Train Express Régional. Ce long métrage a reçu le prix du public. Remarqué en début d’année à la Berlinale, l’élégant El Mensaje de l’Argentin Iván Fund a lui reçu une mention spéciale du jury. Ce long métrage parvient à trouver une voix singulière pour composer un surprenant portrait familial au fil d’un roadtrip.

Pushing Hands

Le festival a consacré une rétrospective au réalisateur taïwanais Ang Lee. Lee occupe une place spéciale dans le paysage du cinéma contemporain : peu de cinéastes en activité ont une filmographie aussi éclectique, allant du drame à la comédie, de l’adaptation de Jane Austen au film de super héros, du western au film d’espionnage, du wu xia pian à la science-fiction. Il est également l’un des réalisateurs les plus primés : deux Ours d’or (pour Garçon d’honneur et Raison et sentiments), deux Lion d’or (pour Brokeback Mountain et Lust, Caution), deux Oscars de la meilleure mise en scène (pour Brokeback Mountain et L’Odyssée de Pi). Si ses films sont largement identifiés par le public, le festival a été l’occasion de redécouvrir le plus rare Pushing Hands, son premier long métrage réalisé en 1991.

Ciel d’enfer

Quelques semaines avant le centenaire de sa naissance, le cinéaste égyptien Youssef Chahine a fait l’objet d’un hommage à travers huit films traversant six décennies. Parmi les œuvres sélectionnées figurait l’un de ses films les plus populaires, Gare centrale, réalisé en 1958. Youssef Chahine fait le portrait choral de laissé.es-pour-compte de la société (ouvriers exploités, filles légères, fou) dans un film à l’énergie spectaculaire. Le cinéaste y orchestre avec talent la rencontre du néo-réalisme italien et du film noir hollywoodien dans une gare du Caire. Autre merveille, réalisé quelques années auparavant, Ciel d’enfer (en compétition à Cannes en 1954) est un généreux mélodrame aux sentiments plus grands que nature, qui révèle un jeune acteur dont la présence à l’écran est incandescente : Omar Sharif.

Changement au village

Du côté des découvertes qu’on ne peut voir qu’aux 3 Continents, le festival proposait cette année un focus sur l’âge d’or du cinéma sri-lankais. Ce programme mettait notamment à l’honneur le grand cinéaste national, Lester James Peries. Décédé en 2018 à presque 100 ans, Peries reste relativement méconnu en France et avait fait l’objet d’une attention particulière lors de la sortie en 2003 de son avant-dernier film, Le Domaine. Parmi les œuvres diffusées au festival, citons le beau drame sentimental et politique Changement au village, adaptation littéraire qui est considérée comme l’un des grands classiques du cinéma sri-lankais. Signalons également la fable fantastique Le Trésor, drame intransigeant à la superbe mise en scène, dont le héros est un héritier déchu prêt à sacrifier son épouse pour retrouver la fortune. Cette redécouverte du cinéma sri-lankais était aussi l’occasion d’un autre fil rouge avec plusieurs films mettant en scène la star Malini Fonseka, disparue au printemps dernier.

Macho Dancer

Les raretés étaient aussi présentes dans les séances spéciales du festival. La redécouverte du cinéma du grand réalisateur philippin Lino Brocka se poursuit avec la version restaurée de Macho Dancer, réalisé en 1988. De la fantaisie érotique au sombre drame social en passant par le polar, Macho Dancer suit le parcours d’un travailleur du sexe à Manille. Le film est un excitant mélange de genres ; voilà du cinéma populaire ambitieux dans lequel on remarque notamment la présence d’une jeune Jaclyn José, primée il y a quelques années à Cannes pour Ma’Rosa. Ce film sera prochainement réédité en salles par Carlotta. Autre rareté : le drame costumé L’Arche, réalisé par la première femme cinéaste hongkongaise, T’ang Shushuen. Cette romance contrariée sur une veuve qui s’éprend d’un cavalier qu’elle héberge semble en apparence classique mais elle est portée par des partis-pris de mise en scène modernes et surprenants. La superbe photographie est signée de l’Indien Subrata Mitra, collaborateur régulier de Satyajit Ray.

A noter que les films primés lors de cette édition seront repris à Paris, au cinéma l’Arlequin, du 7 au 11 janvier 2026. Retrouvez notre couverture du festival.

Nicolas Bardot

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Le palmarès du Festival des 3 Continents 2025

admin — Sat, 29 Nov 2025 08:04:01 +0000

La 47e édition du Festival des 3 Continents s’achève ce week-end à Nantes. Cette manifestation est consacrée aux cinémas d’Afrique, d’Amérique Latine et d’Asie. Vous avez pu suivre le festival toute cette semaine sur Le Polyester. Le palmarès a été dévoilé.

La Montgolfière d’or du meilleur film a été décernée à The World of Love de la Coréenne Yoon Ga-eun. L’histoire : Jooin, 17 ans, déclenche le chaos avec quelques mots prononcés dans un moment de colère. Elle commence à recevoir des lettres anonymes remettant en question ses actions. Retrouvez notre critique de ce long métrage et découvrez le palmarès ci-dessous.

The World of Love

Montgolfière d’or : The World of Love, Yoon Ga-eun
Montgolfière d’argent : Hair, Paper, Water…, Truong Minh Quy et Nicolas Graux
Mention spéciale : The Message, Ivan Fund
Prix du public : The Attachment, Mamadou Khouma Gueye
Prix du jury jeune : Suçuarana, Clarissa Campolina et Sérgio Borges

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival des 3 Continents | Critique : Cactus Pears

admin — Fri, 28 Nov 2025 07:25:27 +0000

Anand, un citadin d’une trentaine d’années contraint de passer une période de deuil de 10 jours pour son père dans la campagne accidentée de l’ouest de l’Inde, se lie tendrement avec un fermier local qui lutte pour rester célibataire.

Cactus Pears
Inde, 2025
De Rohan Kanawade

Durée : 1h52

Sortie : –

Note :

COMMENT TROUVER LES MOTS

Anand vient tout juste de perdre son père, mais le poids qui s’abat alors sur ses épaules semble avoir une origine supplémentaire que ce décès. Le voilà en effet contraint de quitter la ville et de repartir dans son village natal en compagnie de sa mère pour observer une période de deuil de dix jours et malgré ses protestations, Anand ne peut échapper au respect de cette tradition. Les scènes citadines et nocturnes qui ouvrent le film laissent alors rapidement place à un décor champêtre et clair, et pourtant on ne peut pas dire que tout respire la liberté. Outre les prémices d’un non-dit familial (la mère d’Anand insiste pour qu’il fasse croire à leurs proches qu’il a une fiancée), la liste des rituels à prendre aux sérieux est cadenassée. S’il y a un âge où il faut être marié, il y a aussi des jours où il ne faut pas se laver les cheveux ou ne pas manger de riz.

Anand retombe rapidement sur Balya, un ami d’enfance lui aussi célibataire. Leurs discussions laissent entendre que le lien qui les unissait autrefois était fort, même si la nature de celui-ci n’est délibérément jamais précisé. Rien n’est dit mais tout est visible entre les lignes pourtant subtiles du scénario. Ce début de récit évoquerait presque ceux des téléfilms de Noël archétypaux, mais Cactus Pears ne cherche pas à être un conte de fées. C’est l’histoire d’un amour, peut-être passé, peut-être renaissant ou contrarié, mais c’est surtout un drame bucolique sur le deuil et sur le voile de torpeur et de tristesse que celui-ci fait planer partout.

Le mot homosexualité n’est jamais prononcé et il faut attendre une bonne heure pour que les protagonistes s’embrassent pour de bon. Une interprétation trop précipitée pourrait faire craindre que le film fasse ainsi preuve d’une pudeur trop grande et pour tout dire désuète face à l’homosexualité des personnages. Ce n’est pas le cas. Les périphrases utilisées ici (« j’ai dit à ma mère pourquoi je ne voulais pas me marier », explique Anand) traduisent en réalité moins une difficulté à vivre (la mère d’Anand s’avère compréhensive et Balya confirme qu’il mène une vie rurale épanouie) qu’une difficulté à comprendre et exprimer ses sentiments.

A l’image de All We Imagine as Light, Cactus Pears tord finement le cou aux clichés simplistes qui voudraient opposer une vie citadine difficile à une campagne idyllique. Avec ce film semi-autobiographique, le cinéaste Rohan Parashuram Kanawade fait preuve de beaucoup d’élégance pour raconter et mettre en scène le spleen de son protagoniste. Le rythme général est parfois très langoureux mais les couleurs joliment délavées et le format 4:3 aux bords arrondis apportent une poésie bienvenue. Un an pile après la présentation de Girls Will be Girls qui a lancé une année cinématographique riche en reconnaissance internationale pour le cinéma indien, Cactus Pears a remporté le Grand Prix de la section fictions internationales à Sundance.

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par Gregory Coutaut

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Festival des 3 Continents | Critique : Dear Stranger

admin — Thu, 27 Nov 2025 12:28:30 +0000

Kenji, chercheur japonais en architecture à New York, peine à obtenir un poste de professeur titulaire en lien à son travail sur les ruines. Avec Jane, marionnettiste taïwano-américaine, ils forment un couple qui semble au bord de la rupture. Mais lorsque Kai, leur fils, disparaît mystérieusement, le drame ne provoque ni union ni force renouvelée…

Dear Stranger
Japon, 2025
De Tetsuya Mariko

Durée : 2h18

Sortie : prochainement

Note :

THÉÂTRE DE MARIONNETTES

Le Japonais Tetsuya Mariko a été révélé sur la scène internationale il y a bientôt dix ans avec son furieux Destruction Babies, dans lequel le personnage principal cassait la gueule à quiconque croisait son chemin pendant pratiquement tout le film. Cette œuvre coup de poing avait fait sa première française au Festival des 3 Continents, manifestation où son nouveau long métrage Dear Stranger est également dévoilé en compétition après sa sortie japonaise à la rentrée. Tourné aux Etats-Unis, Dear Stranger s’inscrit assez vite dans des codes de drame plus traditionnel que son film le plus connu.

Kenji et Jane sont un couple comme les autres et ont des discussions portant sur la lessive comme n’importe quel de leurs voisins new-yorkais. La fenêtre de l’appartement se referme : quels secrets peuvent se cacher derrière le quotidien tranquille ? La vie de tous les jours peut basculer d’un coup comme quand la supérette de Jane est soudainement attaquée par une bande de voyous. Mais Dear Stranger ne raconte pas vraiment une rupture brutale, plutôt une usure, celle d’un couple où la répartition des rôles est source d’une tension larvée. Chacun a abandonné quelque chose de sa vie pour être là (surtout elle), tandis que le couple jongle entre les tâches au foyer, le travail alimentaire et les aspirations artistiques afin d’élever correctement leur fiston (quasi-exclusivement elle).

Des zones d’ombre se font peu à peu ressentir dans le récit. Voilà qui pourrait déployer le trouble du drame psychologique ou la tension du thriller, mais le manque d’informations, plus qu’un mystère, produit parfois un manque de clarté dans Dear Stranger. Le film, à notre sens, manque de relief pour ses 140 minutes, même si on peut reconnaître au long métrage d’explorer ambitieusement ses multiples problématiques. Dans ce couple en crise, l’écriture un peu mécanique du personnage masculin, pas vraiment aidée par le jeu assez raide du Japonais Hidetoshi Nishijima (vu entre autres dans Drive My Car ou récemment dans La Voie du serpent), retient un peu le film. Au contraire, la formidable actrice taïwanaise Gwei Lun-mei (déjà brillante dans les films de Diao Yinan) offre au film un feu et une fragilité qui éclairent chacune de ses scènes. Au cœur du long métrage, un coup d’éclat : une scène de baston particulièrement crédible, lors d’une prise sans coupe, qui nous rappelle l’énergie urgente de Destruction Babies. Dear Stranger fait preuve d’un savoir-faire plutôt efficace mais manque peut-être de ce type de folie.

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par Nicolas Bardot

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Critique : The World of Love

admin — Tue, 25 Nov 2025 07:10:47 +0000

Joo-in est une lycéenne espiègle et appréciée de tous. Un jour, un camarade de classe lance une pétition que tous les élèves signent, sauf elle. Son monde, en apparence paisible et insouciant, dissimule un passé douloureux auquel Joo-in est alors contrainte de faire face. Mais loin de se laisser enfermer, elle choisit d’avancer et de se réinventer.

The World of Love
Corée du sud, 2025
De Yoon Ga-eun

Durée : 1h59

Sortie : 06/05/2026

Note :

SI TU LE DIS

Jooin va bien, merci. A vrai dire, si on lui posait la question directement elle nous répondrait sans doute avec de grands yeux interloqués tant ses journées filent sur de sympathiques roulettes. Ce n’est pas que sa vie soit un lit de roses ou qu’elle soit naïve, c’est plutôt que cette jeune fille possède suffisamment de rebond et d’optimisme pour être à la fois l’irrésistible clown de la classe, une fille qui n’a pas besoin qu’on lui demande pour aider à la maison, une amoureuse qui sait ce qu’elle veut, une grande sœur malicieuse, une jeune fille avide de blagues de cul, une enfant et une ado à la fois.

La cinéaste coréenne Yoon Ga-eun (révélée il y a une dizaine d’années avec The World of Us), fait preuve d’un grand talent d’écriture pour bâtir une cascade de scènes dynamiques qui n’ont pas besoin de plus de quelques minutes pour mélanger les tons avec subtilité. Maman boit un peu trop ? Autant en rire, hein. Elle a encore vomi dans un coin de l’appartement ? Cette fois-ci le gag est un peu plus amer, mais on n’a pas le temps de s’appesantir. Jooin a toute une vie à vivre, elle a de l’appétit à revendre et ne manque pas de choses à dire. C’est d’ailleurs ainsi qu’arrive le scandale à son école. Aveu ou provocation ? Lors d’une discussion vive, Jooin clame (pour mieux se rétracter aussitôt) qu’elle a été victime d’une agression sexuelle dans l’enfance, et qu’elle n’en est pas spécialement traumatisée pour autant.

The World of Love n’est pas un film-à-sujet mettant en scène une héroïne seule contre tous. Il n’est pas question de conséquences extérieurs (travail de la justice, exclusion sociale, etc). Ce que raconte le film, c’est comment justement la vie continue dans toutes ses nuances après une telle déclaration. Qu’est-ce qui se passe intérieurement pour Jooin, pour sa meilleure amie, ses camarades de classe? La multiplicité des personnages vient parfois se mettre en travers de la clarté du récit, mais elle vient concrètement traduire l’idée centrale du scénario qui est que la libération de la parole est l’affaire de toutes et tous.

Sans jamais nous placer dans des situations éprouvantes, Yoon Ga-eun fait harmonieusement évoluer le film du charme à la gravité, épousant ainsi la complexité du sujet, en donnant de plus en plus de profondeur à sa protagoniste. Comme l’indique le titre du film, c’est avant tout un sentiment de chaleur qui plane au-dessus de The World of Love, mais sans aucune naïveté. Tout cela pourrait bénéficier de davantage de brièveté mais la réalisatrice fait ici preuve d’un talent flagrant de narratrice qui la distingue dans le paysage coréen contemporain.

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par Gregory Coutaut

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Festival des 3 Continents | Critique : El Mensaje

admin — Mon, 24 Nov 2025 05:11:09 +0000

Le don d’une jeune fille pour communiquer avec les animaux donne à ses tuteurs l’idée de lui proposer des consultations en tant que médium animalier afin de gagner leur vie.

El Mensaje
Argentine, 2025
De Iván Fund

Durée : 1h31

Sortie : –

Note :

MESSAGE PERSONNEL

« Snoopy se trouve dans un lieu très paisible » : Myriam emploie un ton très digne pour rassurer son interlocutrice – même s’il s’agit de commenter la place occupée par un animal de compagnie (Snoopy !) au paradis. Anika, la petite-fille de Myriam, a le pouvoir de communiquer avec les animaux (notamment disparus) et c’est ainsi que les protagonistes d’El Mensaje, présenté en première mondiale dans la compétition de la Berlinale, gagnent leur vie. Anika est-elle trimballée par des charlatans ? Est-elle l’équivalent médium d’une mini-miss ou d’une patineuse exploitées ? Est-elle montrée comme s’il s’agissait d’un cirque ambulant ?

El Mensaje ne choisit aucune de ces possibilités sensationnalistes. Anika a-t-elle vraiment un don ou est-elle chaperonnée par des marchands de tapis ? De manière assez surprenante, cette question prend de moins en moins d’importance au fil du film. Cette hésitation qui devient secondaire rappelle la dynamique déjà à l’œuvre dans le précédent long métrage de l’Argentin Ivan Fund, Piedra Noche. Dans ce dernier, le réalisme était balayé par un vent fantastique. C’était également un film sur la foi, et ce que celle-ci permet. Au sujet d’El Mensaje, Fund commente : « c’est un portrait réaliste d’un monde fantastique. A moins que ça ne soit l’inverse ».

Qu’est-ce que cette hésitation produit dans El Mensaje ? Tout d’abord, l’économie d’explications nourrit le mystère. Et plus encore : l’absence d’explication rend ce qu’on voit à la fois sérieux et absurde. Voilà qui enrichit les tonalités de ce portrait familial en apparence cassé… mais le film n’emploie pas non plus vraiment la route mélodramatique. A mesure que les protagonistes sillonnent les chemins, la mélancolie semble s’amplifier, mais on ne rencontre pas vraiment d’embûches, l’écriture est dépourvue d’événements dramatiques. Ce minimalisme en plein no man’s land s’avère de plus en plus expressif et émouvant : El Mensaje devient un film bizarrement doux, lové dans le silence et les sons étouffés de la nature. Le pouvoir d’Anika devient contagieux : on finit par ressentir et peut-être même entendre ce qui, parmi les animaux ou parmi les humains, reste indicible.

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par Nicolas Bardot

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