Antalya - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Nuit noire en Anatolie

admin — Tue, 13 Feb 2024 19:56:31 +0000

Ishak est un homme qui vit seul dans la province d’Anatolie et gagne sa vie en jouant du luth dans une boîte de nuit. Une nuit, il reçoit un appel téléphonique urgent de son village, où il ne s’est pas rendu depuis longtemps. Sa mère est malade et souhaite le voir avant de mourir. Parce qu’il avait été forcé de quitter le village il y a sept ans, İshak revient avec toutes sortes de soucis et de questions en tête. Le retour d’İshak au village n’est pas bien accueilli – ni son ancienne compagne, ni le chef du village, ni les amis d’enfance d’İshak n’en sont particulièrement heureux. Il existe un secret que tout le monde veut taire. Ils espèrent qu’İshak quittera bientôt le village…

Nuit noire en Anatolie
Turquie, 2022
De Özcan Alper

Durée : 1h54

Sortie : 14/02/2023

Note :

LE LIEU DU CRIME

Ishak revient dans son village après une longue absence, et retrouve les visages familiers qu’il avait quittés précipitamment. Le spectateur aussi retrouve ici des visages familiers. Au sens propre : puisque Cem Yigit Üzümoglü interprétait déjà un garçon sensible dans RSVP (Please Respond) également en compétition à Antalya. Au sens figuré surtout, tant Nuit noire en Anatolie peut être qualifié de maison témoin du cinéma d’auteur turc avec ses symboles (un gouffre, un animal en voie de disparition, des pièges à ours), ses dilemmes moraux et ses paraboles sur la nature humaine.

Ishak avait quitté son village, pris de remords après avoir participé au lynchage d’un jeune étranger « différent ». On craint un moment que Nuit noire en Anatolie fasse le choix maladroit de nous demander plus d’empathie pour l’hétérosexuel tueur que pour sa victime, mais grâce à une structure en flashbacks (dont les effets de miroirs et d’échos sont plutôt réussis), le film met sur un même plan la dignité des deux personnages. Comme dans la très grande majorité de la production turque, la différence sous-entendue ici ne dépasse cependant pas le stade de l’euphémisme (tout juste la victime est elle traitée de « rossignol »).

La violence propre à une masculinité qui rejette la différence, avec tout ce qu’elle peut représenter et symboliser de politique, est au cœur de Nuit noire en Anatolie. Pas un hasard du calendrier, c’est un programme très similaire à celui de Burning Days, également en compétition à Antalya. Et ironiquement, les deux cinéaste partagent le même patronyme. Là où Emin Alper adapte la forme au fond en twistant les archétypes d’un cinéma viriliste et traditionnel (western, film noir), Özcan Alper demeure un peu trop dans les cases convenues du drame digne où l’on soupire en silence dans les chaumières et où les symboles sont presque accompagnés d’un panneau clignotant à l’écran. Nuit noire en Anatolie manque sans doute de quelque chose de plus unique, en revanche il ne manque pas de savoir-faire et ses deux heures passent comme un charme.

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par Gregory Coutaut

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TIFF 2023 | Critique : Bread and Salt

admin — Sun, 11 Jun 2023 04:57:13 +0000

Tymoteusz, pianiste et étudiant à l’Académie de musique de Varsovie, retourne dans sa ville natale pour les vacances. Il retrouve ses amis et son frère Jacek, également pianiste mais qui n’a pas été admis au conservatoire. Il leur apprend qu’il a reçu une bourse d’études pour continuer d’étudier à l’étranger.

Bread and Salt
Pologne, 2022
De Damian Kocur

Durée : 1h38

Sortie : –

Note :

LA DÉSINTÉGRATION

C’est les vacances mais ça ne saute pas aux yeux. Non pas qu’il fasse moche, mais le coin de banlieue où se déroule Bread and Salt ressemble au genre d’endroit frappé en permanence par une telle chappe d’ennui qu’on n’y distingue pas vraiment les jours ouvrés des autres. L’horizon y est bouché par les immenses immeubles à l’aride architecture post-communiste, comme une cité-dortoir sans porte de sortie. Tymoteusz a pourtant réussi à aller voir ailleurs, son talent de pianiste lui ayant valu une admission au conservatoire dans ce qu’on devine être une ville plus grande et plus cosmopolite. Au moment où débute le film, il retrouve son frère et leur bande d’amis, qui n’ont pas eu beaucoup d’autres choix que de continuer à trainer dans les rues et les kebabs.

Leur indolente adolescence, l’ennui qui se transforme en provocation, cette mentalité de caïds des parkings, tout cela est partout pareil et on se demande un temps si Bread and Salt, inspiré d’événements réels et interprétés par des non-professionnels, va nous montrer autre chose que du déjà vu. La réponse ne se fait pas attendre mais elle ne vient pas tant du récit que de la mise en image. Le travail conjoint de la mise en scène de Damian Kocur (dont c’est le premier long métrage) et du chef opérateur Tomasz Wozniczka (Essential Killing, Bruegel, le moulin et la croix…) offre à la photo de Bread and Salt un relief remarquable. Le format presque carré de l’image donne l’impression que les bords de l’image se rapprochent progressivement, créant une prison autour du protagoniste, et la manière discrète mais puissante qu’a la film de jouer avec le flou au premier ou au second plan vient intégrer ou « désintégrer » les personnages de leur environnement, de leurs interlocuteurs.

Il est beaucoup question d’intégration dans Bread and Salt (celle du protagoniste, mais aussi celle des immigrés arabes gérant le kebab où trainent sa bande de potes), et cette question est ici liée à celle de la fraternité. Les gamins improvisent des raps en s’appelant « bro », en se vantant d’apprendre la vie à son petit frère dans une posture d’orgueil en toc, mais dans la vraie vie, les frères ne possèdent pas plus de mode d’emploi que les autres. Ceux qui devraient servir de modèle sont démissionnaires ou absents (dans la scène qui ouvre le film, « c’est pour mon frère » est même une excuse qui ne trompe personne).

Dans ce décor qui pourrait se situer partout en Europe, cette métaphore fraternelle est ouvertement politique. La mélodie symbole de l’Union Européenne (L’Hymne à la joie) y est d’ailleurs péniblement balbutiée au piano. Dans ce qui est le contraire de la fraternité, c’est au contraire une masculinité sans ouverture qui s’impose péniblement dans l’espace publique. Outre la photo, c’est alors la place laissée au silence qui vient redonner de la singularité à ce constat. Le silence de Tymoteusz est ambigu : tantôt complice face à sa bande de potes racistes, tantôt plein d’espoir dans les sous-entendus qui le lient à son petit frère ou, plus encore, à l’un des immigrés victime d’agressions. Doté de ses qualités propre, Bread and Salt devient alors également un bon compagnon de visionnage à Burning Days d’Emin Alper, car les deux films font le portrait amer de la violence propre à un trop grand respect d’une masculinité traditionnelle, et offrent des portes de sortie.

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par Gregory Coutaut

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Critique : War Pony

admin — Tue, 09 May 2023 06:31:30 +0000

Deux jeunes hommes de la tribu Oglala Lakota vivent dans la réserve de Pine Ridge, dans le Dakota du Sud. Bill 23 ans, cherche à joindre les deux bouts à tout prix. Matho, 12 ans, est quant à lui impatient de devenir un homme. Liés par leur quête d’appartenance à une société qui leur est hostile, ils tentent de tracer leur propre voie vers l’âge adulte.

War Pony
Etats-Unis, 2022
De Gina Gammell & Riley Keough

Durée : 1h55

Sortie : 10/05/2023

Note :

PETITS PONEYS

Avant de s’appeler War Pony, le premier long métrage des Américaines Riley Keough et Gina Gammell portait le titre de travail de Beast. Qu’ils soient domestiqués ou mythologiques, les animaux sauvages occupent en effet une place remarquée, presque incongrue, dans ce récit d’apprentissage. Quand les jeune protagonistes croisent des chevaux blancs ou un majestueux bison littéralement au coin de leur rue, on ne sait plus très bien ce qui relève du symbole rêveur ou du simple réalisme. La nature sauvage est à la porte, mais celle-ci possède les cadenas des réserves où les populations amérindiennes vivent avec la conscience quotidienne de l’horizon restreint autour d’eux.

Bill a beau être le père de Matho, tous deux sont des gamins à leur manière, des poneys de guerre pour reprendre l’expression du titre : des désirs d’évasion plein la tête mais avec encore beaucoup de leçons à apprendre sur le chemin. Outres qu’elle se répètent pour le père comme pour le fils, ces leçons de vie risquent d’autant plus de donner une impression de déjà vu au spectateur ayant dépassé l’âge des protagonistes, tant on les a observées, entendues, vécues dans d’autre films, sous d’autres horizons. Il n’y a pas que pour les protagonistes que les possibilités semblent étriquées. War Pony ne cherche certes pas à réinventer la roue, et vise avant tout à faire le portrait d’une communauté rarement vue au cinéma. Paradoxalement, le scénario de War Pony est si prévisible qu’il pourrait être décalqué tel quel et se dérouler absolument n’importe où, et finit par ne rien dire de particulier sur ceux qu’il filme.

War Pony fait aujourd’hui sa première à Cannes et, pour l’anecdote, c’est dans un autre film cannois que le projet trouve son origine. C’est sur le tournage d’American Honey d’Andrea Arnold que Riley Keough a fait la connaissance de Bill Reddy et Franklin Sioux Bob, qui faisaient également partie du casting d’adolescents lâchés sur les routes de l’ouest. Coscénaristes de War Pony, ces derniers ont d’ailleurs directement grandi dans la réserve montrée à l’écran. Si le film a le cœur sur la main, son galop est encore trop modeste pour fuir suffisamment loin des clichés des films indé à la Sundance. Prêt à ronronner très sagement d’Un Certain Regard au Festival de Deauville, War Pony fait partie de ces films dont l’originalité de carte postale réside bien plus dans leur décor que dans leur écriture.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Burning Days

admin — Wed, 26 Apr 2023 06:42:36 +0000

Emre, un jeune procureur déterminé et inflexible, vient d’être nommé dans une petite ville reculée de Turquie. À peine arrivé, il se heurte aux notables locaux bien décidés à défendre leurs privilèges par tous les moyens, même les plus extrêmes.

Burning Days
Turquie, 2022
De Emin Alper

Durée : 2h08

Sortie : 26/04/2023

Note :

IL EST DES NÔTRES

Burning Days s’ouvre sur l’image puissante de deux personnages au bord d’un gouffre immense dans le désert. On l’apprend peu après : l’assèchement du terrain ayant conduit à cet effondrement et plusieurs autres du même type est dû à la régulation laxiste de l’accès aux nappes d’eau souterraines. Jeune procureur idéaliste venu de la ville, Emre débarque dans cette région asséchée pour régler ce problème qui tient moins de l’écologie que de la corruption locale. De Derrière la colline a A Tale of Three Sisters, le cinéma d’Emin Alper (lire notre entretien) est traversé par la question des limites du repli sur soi, et le cinéaste turc fait à nouveau preuve d’un talent certain pour traduire cela par l’utilisation des décors (les paysages sont ici ceux d’un western, un no man’s land rocailleux et claustrophobe au pied des montagnes). Film noir en forme de métaphore du néo-fascisme et des ravages de la pensée conservatrice, Burning Days est son film le plus ouvertement politique à ce jour.

Quand Emre rencontre pour la première fois les élus locaux, ce n’est pourtant pas un gouffre qui l’attend. Il est au contraire reçu avec une connivence masculine au zèle excessif. En ce sens, la séquence la plus cinglante du film ne se trouve pas dans son dénouement mais dans sa mise en place : une longue scène de dîner arrosé de raki où les codes de la fraternité masculine passent progressivement de l’humour au malaise à la terreur. Une variation de registre virtuose, portée par des comédiens excellents (peu d’acteurs peuvent se vanter de jouer si justement l’ivresse contre laquelle on lutte). Au festival d’Antalya où le film était présenté en compétition, le public turc n’était pas avare de réactions positives face à ce mélange de tons.

L’élégance et l’intransigeance morale d’Emre le rendraient presque hautain, mais ses allures de grand garçon sensible sont déjà suffisantes pour le rendre louche aux yeux des rustres locaux. Dans ce coin de Turquie comme dans plein d’autres régions du monde, pour être intégré à la communauté des gaillards (Emre demande même à un moment « mais il n’y a pas de jeunes filles dans cette ville? »), il vaut encore mieux être accusé de viol que d’être soupçonné d’« immoralité ». Alors que la tension continue de monter, Emre est autant prié d’accepter les pots-de-vin pour oublier cette histoire de gouffre que de prouver sa virilité en démentant les rumeurs qui courent déjà sur lui, comme par exemple celle d’être « la coqueluche des lieux de perditions » selon l’euphémisme cinglant employé par l’un des personnages (et traduit par « le chouchou des soirées raki » dans les sous-titres anglais, quitte à perdre en violence insidieuse).

Le mot homosexualité n’est pas prononcé une seule fois dans le film. Il y a pourtant une tension homoérotique flagrante qui nappe les face à face (pourtant filmés comme dans un western, voilà un décalage queer à la malice appréciable) entre Emre et l’un de ses interlocuteurs, mais le film ne confirme ou ne concrétise délibérément pas cette piste. Lors de la première mondiale du film au Festival de Cannes, certains observateurs occidentaux s’interrogeaient justement sur ce qu’ils interprétaient comme une trop grande pudeur, mais c’est prendre le film sous le mauvais angle. Burning days n’est pas un film sur l’homosexualité, Emin Alper utilise plutôt l’homophobie comme l’une des expressions de la haine de la différence. Il fait de la masculinité forceuse (celle qui s’impose dans les espaces publics et privés, celle qui transforme l’angoissant parcours d’Emre en vraie chasse aux sorcières ) le symbole d’une pensée fascisante qui se cache derrière le respect des traditions. Un gouffre prêt à avaler des villes entières.

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par Gregory Coutaut

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Entretien avec Emin Alper

admin — Wed, 26 Apr 2023 06:41:23 +0000

Dévoilé l’an passé à Cannes, Burning Days est à ce jour le film le plus ouvertement politique du cinéaste turc Emin Alper. Ce drame raconte les mésaventures d’un jeune procureur nommé dans une petite ville de Turquie. Emin Alper nous en dit davantage sur cette remarquable réussite, à découvrir dès le 26 avril.

Burning Days est riche en métaphores et en symboles ; le plus fort d’entre eux symbolise l’énorme gouffre qui existe entre ceux qui veulent la liberté et le changement, et ceux qui désirent s’en tenir à la tradition. Ce fossé-là est-il si gigantesque dans la société turque contemporaine?

Ce gouffre symbolise toutes les catastrophes dans lesquelles les personnes autoritaires et les populistes finiront tous par nous entraîner, qu’il s’agisse d’une guerre comme Poutine ou d’une crise économique comme Erdogan. Si vous regardez ce qui s’est passé à travers l’Histoire, vous verrez que ce genre de manipulateurs parvient à obtenir le soutien du peuple mais que leur autoritarisme et leur manipulation de la population mènent toujours leur pays au désastre. D’une certaine manière, Burning Days est un film catastrophe.

L’une des manières dont vous traduisez l’affrontement entre lutte pour la démocratie et corruption conservatrice est la manière dont sont traitées les minorités.

Les régimes totalitaires ont une aversion pour les minorités, les immigrants, les femmes, les personnes LGBTQ. Ils manipulent les sentiments de la majorité en créant des ennemis, et ces groupes sont des cibles faciles. C’est une stratégie fiable et éprouvée. Dans mon film, tous ces éléments sont liés et mènent à un personnage : le maire qui veut se faire élire et qui manipule les gens afin que ceux-ci voient ces « autres » comme des cibles. J’ai toujours été politique, j’ai toujours été militant. Cela a continué quand je suis passé au cinéma et j’ai toujours eu des projets et des histoires qui étaient comme ça, mais mon pays n’autorise pas les histoires non-culturelles.

En Turquie, vous n’allez heureusement pas en prison pour avoir tourné des films, mais cela reste risqué. Il est difficile d’obtenir du financement et de la distribution. Après ce film par exemple, il sera difficile pour moi de trouver de l’argent pour mon prochain. Je ne pense pas que j’irai en prison car le système oppressif est plutôt arbitraire et leurs cibles sont les personnalités les plus populaires, pas les réalisateurs d’art et essai.

A propos de financement, avec l’arrivée en Turquie de plateformes de streaming comme Netflix, Amazon et MUBI, il est devenu plus facile d’obtenir des financements, mais cela nuit en revanche aux cinémas. Quel est votre point de vue sur la situation ?

La Covid a tout changé. Netflix et MUBI sont arrivés en Turquie ces dernières années, et leur entrée a créé des difficultés. En dépit de quelques rumeurs, Netflix n’a pas vraiment d’intérêt pour le cinéma d’art et essai, mais certains films d’auteurs que le public attendait avec impatience sont sortis directement sur MUBI. Et maintenant, Disney + est également entré dans le paysage. Cela peut servir de source de financement, c’est sûr, mais ce ne sera pas bon pour les cinémas. L’année dernière, les chiffres du box-office pour les films d’art et d’essai étaient horribles, et ce n’était pas seulement à cause du Covid. MUBI est une très bonne plate-forme pour regarder l’art et essai, et son effet sur les cinémas d’art et essai sera ambigu : comme il s’agit d’une plateforme plus petite, ils ne peuvent bien sûr pas être une source de financement.

Vous tournez justement en ce moment une série pour Disney+. Pouvez-vous nous en dire un peu plus à ce sujet ?

Mon objectif est de réunir du financement pour mes prochains films. Je fais cette série pour pouvoir faire mes films. La société de production pour laquelle je tourne est la même société qui a investi dans Burning Days, donc je ne travaille pas directement pour Disney et je ne suis certainement pas payé par eux. C’est l’histoire d’une femme entrant dans une sorte de secte moderne qui vit sur une île. Nous venons de terminer le tournage et nous travaillons maintenant sur le montage et la post-production.

Sur la scène internationale, vous êtes aujourd’hui considéré comme l’un des fers de lance du nouveau cinéma turc. Que pensez-vous de la jeune génération de réalisateurs ? Ressentez-vous une connexion?

Je ne me considérais pas plus âgé que mes amis, et je ne me voyais pas comme faisant partie d’une génération jusqu’à ce que je vienne à ce festival. Peut-être devrions-nous nous parler davantage (rires). Les conditions nous poussent quelque part, et peut-être devrions-nous discuter de ces conditions plus consciemment les uns avec les autres. Stylistiquement et thématiquement, surtout par rapport au cinéma iranien ou au cinéma roumain, le cinéma turc est plus hétérogène. Parmi les dix titres en compétition ici, vous avez toutes sortes de genres.

Il y a quinze à vingt ans, à cause de la forte influence de Nuri Bilge Ceylan, il y avait plus d’homogénéité, mais cela a changé tout à coup. Au cours des dix dernières années, une nouvelle génération de réalisateurs s’est manifestée, chacun ayant sa propre façon de faire des films. Cela devient presque un inconvénient dans les festivals internationaux, car le cinéma turc est difficile à cerner maintenant, nous n’avons pas de véritable « style turc ».

Ici au Festival d’Antalya, deux autres films de la compétition partagent des termes similaires (Black Night, Snow and the Bear) avec Burning Days. Quel est votre point de vue sur la direction que prend le cinéma turc contemporain ?

J’ai également été surpris de découvrir les liens thématiques entre nos films. Tous ces films n’ont pas comme unique volonté de décrire la contradiction entre la vie à la campagne et la vie urbaine, mais ils choisissent leurs lieux comme une métaphore du pays dans son ensemble. Par exemple, je n’ai personnellement rien contre les citadins, je viens moi-même d’une petite ville, mais je voulais créer un microcosme et illustrer la solitude de l’intellectuel et de l’artiste moderne dans un tel univers. La Turquie a beaucoup de contradictions en ce qui concerne la tradition, la modernité, les Kurdes, les Turcs, les minorités religieuses, et ce gouvernement reçoit un très grand soutien des éléments les plus conservateurs de la société turque.

En parlant de minorités, il était très surprenant de voir qu’au Festival d’Antalya, trois films sur les dix en compétition traitaient directement de personnages LGBTQ (RSVP (Please Respond), Black Night et Burning Day), en dépit des risques encourus.

Au cours des cinq dernières années, l’homophobie est devenue une politique de l’État. Avant cela, l’homophobie existait déjà dans la société turque bien sûr, mais maintenant c’est vraiment une politique d’État. Et en réaction, les artistes ont commencé à faire des films LGBTQ. Ce qui est très bien, car cela montre que nous voulons nous battre. L’homophobie et les scènes homoérotiques ne faisaient d’ailleurs pas partie des premières ébauches de mon scénario, et je les ai rajoutées précisément à réaction à cette politique de l’État.

Le personnage du journaliste est explicitement qualifié de menace en raison de son homosexualité supposée. Quant au seul personnage féminin, elle est également très ambiguë.

Je ne voulais pas raconter une simple histoire du bien contre le mal. Le procureur n’est pas bon non plus, le journaliste n’est pas bon non plus. Vous ne pouvez pas être sûr de l’honnêteté et de l’intégrité de leurs intentions. Je suis persuadé que l’on ne peut pas rester complètement pur lorsque l’on combat le mal. C’est pourquoi j’ai dépeint les personnages comme ceci. Il s’agit d’un combat entre le mal et un moindre mal. Le personnage de la juge symbolise quant à elle la bureaucratie, et les bureaucrates choisissent toujours la voix du milieu, celle de la survie.

Le film ressemble parfois à un western. Comment avez-vous réussi à intégrer les politiques de votre pays dans ce cadre culturel-là ?

Ce n’était pas mon intention de départ, mais j’ai rapidement commencé à remarquer des similitudes entre mon film et des films américains se déroulant dans le sud des États-Unis. C’est une région qui est aussi très conservatrice et pleine de préjugés, où les « autres » sont des Noirs. Cela a créé de nombreux maires et shérifs autoritaires, un peu comme les autoritaires d’ici. J’ai donc découvert la littérature et les films américains qui traitaient d’histoires similaires, de telle sorte que je considère Burning Days comme presque un film américain (rires).

Avez-vous de l’espoir quant à l’avenir de la Turquie ?

C’est mon film le plus optimiste (rires). Mais le combat va continuer. La situation est sombre, et dans mes films précédents, les protagonistes étaient plus désespérés. Dans ce film, je voulais souligner que nous allons nous battre, et les gouffres seront la chute de ceux qui abusent de l’autorité. Le gouvernement actuel perd de la popularité en raison de la crise économique et, espérons-le, après les prochaines élections, nous pourrons envisager l’avenir avec plus d’espoir.

Pour finir sur une note plus légère : si la politique a effectivement toujours été présente dans vos films, c’est également le cas d’un autre élément, le raki. Pourquoi inclure une scène de beuverie dans chacun de vos films ? Qu’est ce que cette alcool véhicule à vos yeux ?

Boire du raki ça ne se fait pas à l’improviste. On s’attable selon certaines règles et cela prend au moins trois ou quatre heures, et au fur et à mesure que vous vous saoulez, toutes les contradictions que vous souhaitiez garder sous la surface au début commencent à sortir. Parfois on se bat, parfois les gens s’entretuent (rires), mais je pense qu’il s’agit d’un bel outil narratif pour créer de la tension et faire remonter les choses à la surface. C’est quelque chose de très pratique pour moi, et cela peut aussi donner lieu à des moments très drôles. J’aime beaucoup écrire ces scènes. Si vous testez un jour le rituel du partage de raki, vous en tomberez forcément amoureux.

Entretien réalisé à Antalya le 8 octobre 2022. Merci à Brigitta Portier et Gary Walsh.

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Critique : Aftersun

admin — Tue, 31 Jan 2023 23:30:51 +0000

Avec mélancolie, Sophie se remémore les vacances d’été passées avec son père vingt ans auparavant : les moments de joie partagée, leur complicité, parfois leurs désaccords. Elle repense aussi à ce qui planait au-dessus de ces instants si précieux : la sourde et invisible menace d’un bonheur finissant. Elle tente alors de chercher parmi ces souvenirs des réponses à la question qui l’obsède depuis tant d’années : qui était réellement cet homme qu’elle a le sentiment de ne pas connaître ?

Aftersun
Royaume-Uni, 2022
De Charlotte Wells

Durée : 1h38

Sortie : 01/02/2023

Note :

LES CHANSONS D’AMOUR

A quelle époque se déroule Aftersun ? Les nombreux tubes britanniques entendus à plusieurs reprises dans le film placent aisément le curseur sur la toute fin des années 90. De même que les très gros pixels du film de famille qui sert ici de première scène. Sophie, 11 ans, passe quelques jours avec son père dans un club de vacances en Turquie. Quoi de plus normal que de vouloir capturer avec une caméra ces moments hors du quotidien ? Si Aftersun s’ouvre sur la tangibilité immuable de ses souvenirs en vidéo, c’est en réalité un leurre poignant car le film prend en réalité la forme d’une mosaïque nostalgique de souvenirs rêveurs. La sensibilité si sensorielle des images laisse entendre que le film se déroule en réalité peut-être bien aujourd’hui, dans la propre tête de l’héroïne devenue adulte et qui remonte le temps dans sa mémoire.

Repérées avec ses courts métrages sélectionnés à Sundance et SXSW, la réalisatrice Charlotte Wells fait preuve pour son premier long métrage (produit par Barry Jenkins) d’un talent remarquable de mise en scène. Devant sa caméra, les archétypes des vacances en famille (partager une chambre à deux lits, s’inscrit au karaoké sur un coup de tête…) deviennent des songes fragiles et doux-amers. Dans une scène faussement simple, d’une intimité bouleversante, le père esquisse le genre de danse que l’on fait quand nul ne regarde. La scène est épiée comme en cachette et pourtant elle nous montre clairement l’héroïne en train de dormir. Or comment pourrait elle se rappeler de ce qui s’est passé dans son sommeil?

Sophie n’est pas forcément plus mature que son âge, mais son père a l’air si juvénile qu’on le prendrait davantage pour son frère. Là où bien des films se seraient concentrés sur l’ennui adolescent, Aftersun met ses deux protagonistes à égalité. Père et fille semblent parfois amusés par leur manque de spontanéité au moment de communiquer, mais la plupart du temps leur maladresse fait planer un voile de tristesse presque mortifère sur leur horizon. Les paroles des tubes hédonistes ou sentimentaux qui meublent leur quotidien sont délibérément très lisibles, comme si elles venaient directement illustrer à rebours les pensées et ressentis que les personnages ne parviennent justement pas à exprimer. Comme si ces chansons d’amour dites par d’autres étaient des bouées de sauvetage pour ces protagonistes qui gardent leur douleur pour eux, à l’image de ce très jeune papa qui pleure en cachette (Paul Mescal délivre ici l’une des meilleures performances de l’année).

Que connaît on vraiment des jeunes adultes qu’ont été nos parents ? Charlotte Wells parvient à traduire ce sentiment de deuil face à la fin du monde de l’enfance, l’amertume des vaines tentatives de fouiller le passé à la recherche d’indices ou d’un mode d’emploi. Accessible et ambitieux, porté par une tendresse rare, Aftersun est surtout profondément bouleversant. Sans doute l’un des meilleurs premiers films de l’année, et la révélation d’une cinéaste à suivre de près.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Close

admin — Wed, 02 Nov 2022 03:00:53 +0000

Léo et Rémi, 13 ans, sont amis depuis toujours. Jusqu’à ce qu’un événement impensable les sépare. Léo se rapproche alors de Sophie, la mère de Rémi, pour essayer de comprendre…

Close
Belgique, 2022
De Lukas Dhont

Durée : 1h45

Sortie : 01/11/2022

Note :

SENTIMENSONGES

Léo et Rémi vivent une amitié parfaite. Fusionnels « comme des frères et même plus », les deux jeunes garçons croquent la vie à pleines dents sans se poser de questions. Leurs seuls ennemis sont imaginaires, sortis des jeux qu’ils s’inventent pour faire passer les jours d’été. Retranscrire un tel bonheur enfantin sans vagues n’est pas chose aisée, et les éclats dans ce domaine se trouvent souvent du côté du Japon (Shinji Somai, Kore-Eda…). A travers ces premières séquences, tellement baignées de soleil que les personnages semblent auréolés d’un halo permanent, le cinéaste belge Lukas Dhont fait preuve de suffisamment de doigté pour donner vie à un quotidien sans accrocs. Le mérite en revient aux deux jeunes acteurs du film, particulièrement bien castés. Leur harmonie est non seulement crédible, elle est pour ainsi dire palpable.

Derrière l’efficacité de cette mise en place, on remarque néanmoins les germes d’un certain manque de finesse. Les images de bonheur ne sont pas si éloignées de la carte postale lisse (le monde du travail y est littéralement… un champs de fleurs), la présence de l’excellente Léa Drucker dans (encore) un nouveau rôle de maman compréhensible a quelque chose de trop convenu. Quand le film opère un important changement de registre, ces germes viennent faire grincer les rouages de la machinerie. Close repose sur un non-dit, l’absence d’explication ou de raison à la fin brutale d’une amitié. Plus le poids de cette amertume se fait important pour les personnages, plus le film perd également en légèreté (c’est normal) et plus il perd aussi en finesse.

Pour un film sur la subtilité insaisissable des sentiments, Close a justement main un peu lourde au moment de susciter nos émotions, avec ses non-dits un tout petit peu trop soulignés, ces aveux un tout petit peu trop balbutiés, ses dialogues un tout petit peu trop explicatifs, sa dignité un tout petit peu trop figée, ses violons carrément superflus. L’an dernier, la réalisatrice belge Laura Wandel faisait preuve d’une recette un peu mois scolaire pour traduire la complexité des sentiments enfantins. Dhont parle là d’un sujet passionnant, trop rarement abordé avec sérieux au cinéma , il pourrait davantage se faire confiance et nous faire confiance. Close a suffisamment d’outils pour être poignant, mais à force de recettes faciles, à force de pointer du doigt lorsqu’il faut être ému, le film finit par provoquer l’effet inverse.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Golden Orange Film Festival d’Antalya 2022

admin — Sun, 09 Oct 2022 09:02:33 +0000

La 59e édition du Golden Orange Film Festival vient de s’achever ce samedi dans la ville turque d’Antalya. Vous avez pu suivre ce festival sur Le Polyester. Son palmarès a été dévoilé.

Le Grand Prix de la compétition nationale est allé au drame Black Night de Özcan Alper. L’histoire : Ishak revient dans son village natal après des années d’absence. Les souvenirs d’un lynchage auquel il avait participé viennent le hanter. Retrouvez notre critique de ce long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Compétition nationale

Meilleur film: Black Night – Özcan Alper, Soner Alper, Necati Akpınar
Prix spécial du jury: Mirror Mirror – Belmin Söylemez, Haşmet Topaloğlu
Prix du premier film: Snow and the Bear – Selcen Ergun, Nefes Polat
Prix de la mise en scène: Emin Alper – Burning Days
Prix Cahide Sonku : Çiğdem Mater – Burning Days
Prix du scénario: Murat Uyurkulak, Özcan Alper – Black Night
Prix d’interprétation féminine: Merve Dizdar – Snow and the Bear
Prix d’interprétation masculine: Selahattin Paşalı / Burning Days & Cem Yiğit Üzümoğlu / RSPV (Please Respond)
Prix de la photographie: Christos Karamanis – Burning Days
Prix de la musique: Stefan Will – Burning Days
Prix du montage: Özcan Vardar, Eytan İpeker – Burning Days
Prix des décors: Meral Efe Yurtseven, Yunus Emre Yurtseven – Iguana Tokyo
Prix d’interprétation féminine dans un second rôle: Laçin Ceylan – Mirror Mirror
Prix d’interprétation masculine dans un second rôle: Erol Babaoğlu – Burning Days
Prix de la presse turque: Burning Days – Emin Alper
Prix de l’association des cinéastes turcs: Emin Alper – Burning Days

Compétition internationale

Meilleur film : The Visitor – Martín Boulocq
Prix spécial du jury : Valeria is Getting Married
Prix de la mise en scène : Bread and Salt – Damian Kocur
Prix d’interprétation féminine : Marina Foïs – As bestas
Prix d’interprétation masculine : Pejman Jamshidi – Dustland

Compétition nationale – documentaires

Meilleur film : Who is Mihri – Berna Gençalp
Prix du jury : Duet – Ekin İlbağ, İdil Akkuş

Compétition nationale – courts métrages

Meilleur court métrage : You All & I Alone – Barış Kefeli ve Nükhet Taner
Prix spécial du jury : Hell is Empty, All the Devils Are Here – Özgürcan Uzunyaşa

Le site officiel

Gregory Coutaut

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Festival d’Antalya | Critique : RSVP (Please Respond)

admin — Thu, 06 Oct 2022 20:47:07 +0000

Une heure avant leur cérémonie de mariage, Ceren et Semih se trouvent en pleine remise en question suite aux révélations de Mert, leur garçon d’honneur.

RSVP (Please Respond)
Turquie, 2022
De İsmet Kurtuluş & Kaan Arıcı

Durée : 1h10

Sortie : –

Note :

LE MARIAGE DE MON MEILLEUR AMI

Unité de lieu (une chambre d’hôtel), de temps (d’une durée d’1h10, le film se passe en temps réel) et de personnages (3 et pas un de plus : le marié, la mariée et le témoin) : RSVP assume sans tricher son côté théâtral. Le film débute comme on allume la mèche d’une dynamite, avec les ultimes préparatifs faits dans la précipitation, mais les huis-clos existent aussi bien dans le théâtre de boulevard que chez Jean-Paul Sartre, et le ton sur lequel va se faire l’explosion à venir demeure un petit mystère pendant un certain temps. De même qu’on ignore la nature exacte de la révélation qui va servir de détonateur, même si la dimension queer est décelable d’emblée pour les observateurs concernés.

Des révélations, il y en aura plusieurs, traitées tantôt comme des coups de théâtre ou des coups de massues. RSVP (Please Repond) contrebalance la modestie de sa mise en scène par la volonté de changer de ton à plusieurs reprises. L’entreprise est louable mais les pirouettes farcesques à coups de stéréotypes et de cris hystériques ne sont pas toujours les plus pertinentes. Sur ce point, il faut néanmoins souligner avec soulagement que les personnages queer ne sont traités ni moins bien ni différemment que les hétéros, bien vu.

Plutôt que ces scènes de ménage à la psychologie fantaisiste, qui donnent l’impression que le rire se ferait presque au dépend des protagonistes, ce sont les scènes où le film s’offre le culot de ne pas chercher à être drôle qui apportent un relief inattendu. Les masques de clowns grimaçants tombent peut-être de façon arbitraire, mais ils permettent aux personnages de conserver leur dignité jusqu’au dénouement. Ce qui, dans le cadre d’une comédie, n’avait rien de gagné, et ce qui dans le cadre de la production turque où les métaphores et euphémismes sont souvent les seules représentations existantes, est d’un progressisme bienvenu.

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par Gregory Coutaut

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Festival d’Antalya | Critique : Snow and the Bear

admin — Wed, 05 Oct 2022 22:13:11 +0000

Une jeune infirmière travaillant dans un village turc isolé doit puiser en elle pour découvrir si elle a ce qu’il faut pour survivre dans des conditions difficiles.

Snow and the Bear
Turquie, 2022
De Selcen Ergun

Durée : 1h33

Sortie : –

Note :

BLANCHE COMME NEIGE

Snow and the Bear a beau avoir un titre sorti d’un conte (fait-il y voir un presque clin d’œil à Blanche Neige ?) et le décor qui va avec (une forêt sous la neige), le ton n’est pas à l’émerveillement pour Asli, qui débarque dans le film en se perdant en voiture. Guidée par un sympathique villageois, elle arrive finalement à bon port dans un coin de Turquie sauvage pour exercer son métier d’infirmière. L’accueil est chaleureux, mais difficile de s’émerveiller quand les mentalités semblent être endormies, comme ensevelies par la couche de neige qui recouvre l’horizon.

On promet à Asli que si elle reste jusqu’à la fonte des neiges, elle pourra enfin vraiment voir le paradis censé se cacher sous le manteau blanc. Mais on ne lui cache pas non plus qu’ici, l’hiver semble ne jamais avoir de fin. La réalisatrice Selcen Ergun a placé en ouverture de son film une dédicace « à tous ceux qui espèrent la fin de l’interminable hiver » et au Festival d’Antalya, où le film était projeté en compétition (après sa première à Toronto), le public a chaleureusement accueilli ce message politique. Même chose pour les discrets piments d’impolitesse morale (l’héroïne a peut être tué par mégarde un agresseur haï de tous : a-t-elle tant de remord que ça ?) parsemés çà et là.

Snow and the Bear possède un point de départ narratif similaire à celui de Burning Days (également en compétition à Antalya) : un.e protagoniste idéaliste arrivé dans un village régi par des tensions secrètes, et va malgré lui/elle se retrouver mêlé.e à un sombre scandale, l’obligeant à assumer publiquement ses convictions. Le chemin suivi par Ergun est plus sage que celui d’Alper, mais la réalisatrice mène rondement son affaire. Snow and the Bear est un parfait exemple de l’aisance avec laquelle les cinéastes turcs savent tricoter des drames humains tendus à coups de dilemmes moraux et de paraboles. Ce nouveau chapitre ne cherche pas à réinventer la roue, et celle-ci tourne ici en effet avec le succès convenu et attendu.

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par Gregory Coutaut

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