Toutes les critiques - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

IDFA | Critique : Small Talk

admin — Fri, 13 Nov 2026 10:09:27 +0000

Charlie espère faire carrière dans le monde du luxe et s’inscrit dans une école. Le temps d’un été, des femmes du monde entier apprennent les codes de l’élégance, de l’étiquette et de la conversation visant à les préparer aux cercles de l’élite. Alors qu’elles affinent leurs gestes et leurs manières, ambitions, discipline et métamorphose personnelle se révèlent peu à peu.

Small Talk
Suisse, 2026
De Mateo Ybarra

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

A LEURS MANIÈRES

Small Talk se déroule dans un décor rendu immédiatement appétissant par sa rareté et son anachronisme : une école de bonnes manières pour jeunes femmes. Le genre d’institution que l’on ne croise plus que dans de sages adaptations littéraires en costumes ou dans des films d’horreurs avides de sévices. Small Talk n’est pourtant ni l’un ni l’autre, et l’école en question n’est ni un souvenir du temps jadis ni un donjon fantasmé : elle existe bel et bien, nichée quelque part aux abords du lac de Genève. L’une des dernières maisons du genre, qui vit peut-être ses dernières années. Rentrons vite dedans avant que la porte ne se referme pour de bon.

Ecole militaire, camp de scouts et aujourd’hui école de bonnes manières : le cinéaste suisse Mateo Ybarra (lire notre entretien) fait film après film le portrait d’institutions typiques de son pays. Dans des lieux si difficiles d’accès, la simple observation pourrait suffire à maintenir l’intérêt, mais le cinéma d’Ybarra est plus singulier que cela, et Small Talk est un film hybride à plus d’un titre. Au milieu de sa captation des journées de cours (beaucoup) ou de repos (un peu) de ces étudiantes appliquées à retenir la place de telle ou telle fourchette, le cinéaste a effet plongé un sacré bout de fiction sous la forme de Charlie, protagoniste interprété avec panache par l’actrice française Hélène Bares.

Personnage de comédie jamais moqueur mais toujours charmant, Charlie se prête au jeux avec gourmandise et l’oeil malicieux. Dans ce décor délicieusement rétro, mis en valeur par un travail notable sur la photo et les couleurs, les rituels un peu guindés inculqués aux étudiantes ont en effet quelque chose de gentiment risible ou désuet. Small Talk pourrait se contenter de nous faire faire ainsi le tour du propriétaire aux cotés de Charlie, mais le film pose progressivement un regard différent sur cette école ou plutôt sur ses élèves. Contrairement à ce qu’indique son titre, Small Talk ne se contente pas d’un bavardage superficiel. A mesure que la frontière entre Charlie et ses camarades s’estompe, les sujets abordés se font plus sérieux et moins déconnectés du reste du monde. Ybarra compose un portrait collectif de ces jeunes femmes venues du monde entier, ni naïves ni hautaines, pour bénéficier d’une éducation « dans un but d’indépendance féministe ».

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par Gregory Coutaut

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IDFA | Critique : Whispers in May

admin — Fri, 13 Nov 2026 03:56:41 +0000

Qihuo a un secret : elle vient d’avoir ses premières menstruations. Cela marque l’arrivée de la cérémonie du « changement de jupe », un rituel traditionnel de passage à l’âge adulte, qui signifie qu’elle n’est plus une enfant, mais une femme liée aux exigences communautaires du mariage et du travail.

Whispers in May
Hong-Kong, 2026
De Dongnan Chen

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

LE GRONDEMENT DE LA MONTAGNE

C’est le quotidien simple d’une adolescente que l’on peut voir dans Whispers in May. La nature, dans cette région montagneuse et isolée au cœur de la Chine, est spectaculaire. Les jours, eux, sont un peu plus banals pour Qihuo (14 ans) et ses amies. Il y a bien les rires lorsque les filles se courent après dans l’épaisse végétation, il y a le frisson de pénétrer la nuit dans un grand bâtiment vraisemblablement abandonné, il y a plein de jeux et de discussions d’enfants. Et puis Qihuo a ses premières règles, ce qui signifie que l’adolescente n’est plus complètement une enfant.

A vrai dire, le quotidien de Qihuo ne ressemble déjà plus vraiment à celui d’une enfant comme les autres. Sa mère n’apparaît jamais à l’image, on n’entend que la voix de cette dernière au téléphone, elle qui est partie au loin pour travailler. Qihuo doit se débrouiller, et quand elle n’a plus à manger, sa mère lui rétorque… de bien penser à se coiffer correctement. Sans parents à l’image, le film laisse une place aussi généreuse que chaleureuse à l’amitié et ici l’amitié féminine. Dans ce monde qui ne fait pas de cadeau, les filles conservent entre elles leur part d’enfance. La réalisatrice chinoise Dongnan Chen commente : « il ne s’agit pas de devenir, mais d’être autorisée à rester dans l’enfance et à demeurer dans cet espace fragile tandis que la vie continue avec toute sa cruauté et sa beauté ».

Et la vie continue donc, même si elle semble obéir à des cycles qui ne laissent que peu de place aux aspirations personnelles. Selon les règles de la communauté, qui dit menstruations dit âge adulte, qui dit âge adulte dit mariage, et l’on songe, dès le plus jeune âge, à ce en quoi on se transformera une fois mortes. Voilà ce que les jeunes filles pensent, voilà ce qu’on leur enseigne, voilà même ce que leur assure un voyant. Mais dans la brume de tous les jours qui tombe sur les montagnes, il y a peut-être davantage de mystères et d’imprévus.

Dévoilé en compétition au Festival CPH:DOX, le long métrage est rythmé par des contes qui apparaissent à l’écran, et qui semblent fonctionner comme des reflets cassés, des analogies plus ou moins proches : des histoires de familles, de sœurs, confrontées à des créatures effrayantes. Des contes violents et sauvages comme autant de récits initiatiques pour préparer les gamines à la vie, tandis qu’un vieux bonhomme rencontré lors de leurs pérégrinations leur parle des monstres qui habiteraient les bois. Le film est rehaussé par le regard très délicat et la beauté de la mise en scène de Dongnan Chen.

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par Nicolas Bardot

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IDFA | Critique : White Tiger Column

admin — Thu, 12 Nov 2026 11:04:30 +0000

Dans les jungles du Myanmar, un groupe de volontaires de la gen Z endure quarante-cinq jours d’entraînement de fortune avant de faire face à la junte militaire. Jusqu’à récemment, iels étaient étudiant.es, enseignant.es ou guides touristiques. Mondine, Cookie et Sugar font partie de ce groupe. Entre les exercices, iels appellent chez elleux et chantent sur des chansons pop. Iels discutent aussi de ce qu’iels ont vu et pourquoi rester en ville n’a jamais été une option.

White Tiger Column
Canada, 2026
De Robert Mentov, Dwight Jantzi & Bryan Dickie

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

UN TIGRE DANS LE MOTEUR

Chez elleux, les protagonistes de White Tiger Column pourraient « jouer aux jeux vidéos », comme un personnage l’indique dans le documentaire réalisé à six mains par Robert Mentov, Dwight Jantzi et Bryan Dickie. Mais dans ce film présenté en ouverture et en compétition à l’IDFA, les jeunes de la gen Z se sont engagé.es dans une organisation de défense, dans la jungle, suite au coup d’état militaire de 2021. Dickie (photojournaliste dans la région depuis 15 ans) s’est associé à Mentov et Jantzi (qui collaborent depuis 15 ans avec des ONG et ont participé à des films sur les droits des migrants et des personnes LGBT) pour raconter l’entrainement des nouvelles recrues, pendant quelques semaines, dans le secret de la nature.

Qu’est-ce que le désespoir suscité par le coup d’état a pu produire ? Une vague, avec des jeunes gens bien décidés à détruire la dictature. La motivation peut sembler dérisoire face aux bombardements, mais l’entraînement physique est sévère. Au cœur de la jungle, on entend les récits de torture, parfois jusqu’à la mort – des sujets qui restent peu couverts de ce côté-ci du monde. Mais comme les cinéastes filment de très jeunes gens, s’il y a de la détermination, il y a aussi de la légèreté – comme lorsqu’on se souvient de ses soirées à s’amuser avec une sœur, ou lorsque les considérations ordinaires font leur chemin dans ce quotidien extraordinaire. Tout près, une tombe est peinte pour une soldate de seulement 19 ans, et les réalisateurs parviennent à trouver les nuances nécessaires entre les différentes émotions du récit.

Les déflagrations sont entendues au loin, et le conflit reste toujours hors champ. White Tiger Column, s’il montre l’entrainement pratique et concret, se concentre davantage sur l’impact psychologique que sur le combat au front. Mentov, Jantzi et Dickie citent La Zone d’intérêt parmi leurs références, avec cette violence qu’on entend, que l’on sent, mais que l’on ne voit pas alors qu’elle se déroule juste à côté. « Le but de cette révolution est de changer le système » avance-t-on, bille en tête. White Tiger Column déploie une ample utopie, et son application par des jeunes prêtes et prêts à se battre. A des niveaux variables de risques à travers le monde, ce combat d’une jeune génération a un écho universel que le film finit par trouver, des mots qui effectivement pourraient être prononcés et répétés dans beaucoup de langues : « Le but de cette révolution est de changer le système ».

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par Nicolas Bardot

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Critique : Everytime

admin — Mon, 09 Nov 2026 18:30:59 +0000

Jessie est une adolescente pleine de vie. Son seul problème est qu’elle partage sa chambre avec sa petite sœur. Ella, leur mère, est débordée mais attentive. Lorsqu’un drame survient, toute la famille est bouleversée.

Everytime
Autriche, 2026
De Sandra Wollner

Durée : 1h56

Sortie : 11/11/2026

Note :

EVERYTIME EVERYWHERE ALL AT ONCE

Le quotidien et ses scènes anecdotiques caractérisent les premiers instants d’Everytime. Plus tard, le quotidien toujours, des discussions avortées, des scènes qui semblent prises en cours, l’héroïne arrose une tombe tandis qu’elle poursuit sa conversation au téléphone. Mais entre temps, une tragédie est arrivée – le film a basculé. Cela ne se ressent pas immédiatement auprès des protagonistes d’Everytime. On parle, on continue de vivre. Les photos accrochées à la maison ressemblent désormais à un silencieux monument aux morts. Des réactions au deuil ? Presque comme si de rien n’était.

Cinéaste autrichienne révélée par le stupéfiant The Trouble With Being Born, Sandra Wollner (lire notre entretien) sait pourtant mettre en scène le quotidien et son étrangeté sans jamais souligner celle-ci. L’enchainement-même des scènes, leur juxtaposition, créent de l’étrangeté dans Everytime. Le travail formel et narratif de Wollner rappelle le meilleur de l’École de Berlin : l’épure ouvre un vertige, le réalisme est poussé jusqu’à un précipice fantastique, et tout vibre différemment à l’image. Des rails sans tram. Une lumière orangée au petit matin. Ou plus tard un rayon du soleil qui balaie les montagnes. En apparence froid et austère, ce cinéma-là sait pourtant être profondément humain et à fleur de peau pour qui sait ouvrir sa porte invisible.

Lors d’un long plan incroyable et ensorcelant, la caméra à distance vient chercher des jeunes protagonistes au sommet d’un immeuble. On se pose souvent cette question dans Everytime : qui regarde ? De même, il y a beaucoup de vitres, de reflets, d’écrans dans le film. Qui regarde, et qu’y voit-on ? Il est important de ne pas trop en dévoiler sur le long métrage sous peine d’amoindrir son plaisir de découverte et le pouvoir magique de son mystère. Mais on peut évoquer sa traversée du miroir. Il y a une traversée du réel dans Everytime, un moment où l’on embrasse l’hésitation fantastique. Les spectres se dessinent, nous contactent, nous parlent. Nous n’avons pourtant pas quitté le quotidien et son réalisme. Plutôt qu’une traversée, impliquant que l’on se rend d’un endroit à un autre, il est peut-être plus juste de dire qu’Everytime examine des temporalités qui se superposent, des boucles temporelles dont on ne se sort pas – le deuil et son brouillard.

« Parfois, j’oublie », confie Ella, interprétée par l’extraordinaire Birgit Minichmayr. Elle oublie mais le visage de Minichmayr peut tout exprimer sans un mot. La profondeur de son regard bouleversé fait des merveilles dans le long métrage et rappelle qu’elle est l’une des meilleures actrices au monde. Les humains sont un peu éteints, anesthésiés dans Everytime. Dans la dernière partie du film, une explosion lyrique apporte un impressionnant contraire fort. Ce que font les personnages compte davantage que ce qu’ils disent. Wollner s’introduit dans le tourbillon de leur inconscient, son souffle finit par balayer le réel. La cinéaste nous invite dans ces interstices de solitudes, où la brutalité de la vie est baignée d’une electronica paisible. Il faut savoir écouter, et savoir regarder : les absent.es nous regardent, et nous pouvons les voir.

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par Nicolas Bardot

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Critique : L’Âge d’or

admin — Mon, 09 Nov 2026 14:30:00 +0000

La vie hors-norme de Jeanne Lavaur n’appartient qu’à elle-même. Elle traverse le XXème siècle et défie son destin, depuis son enfance dans la boucherie de ses parents jusqu’à son rêve de devenir comtesse. D’une guerre à l’autre, du Paris des années folles au Brésil, son chemin croise l’Histoire et embrasse le monde, aux côtés de Guillaume de Barante et de l’intrépide Céleste.

L’Âge d’or
France, 2026
De Bérenger Thouin

Durée : 1h53

Sortie : 11/11/2026

Note :

LE CLASSIQUE ET LE MODERNE

Un film mélangeant acteurs contemporains et images d’archives d’un autre siècle ? Des films documentaires d’antan remontés pour en faire une fiction ? Un hommage à la fois méta et très concret à « l’âge d’or » de l’origine du cinéma? Une ambition aussi folle évoque des œuvres uniques et hautement singulières telles que L’Anglaise et le duc d’Eric Rohmer ou The Green Fog, l’improbable remake de Sueurs froides par Guy Maddin. Mettons sans délai les choses au clair : L’Âge d’or ne possède pas la même excentricité loufoque que ces films-là, et telle n’est pas son intention de toute façon. Le sérieux du film le rapproche sans doute davantage de Pietro Marcello sur Martin Eden. Mais là encore, méfions-nous des comparaisons encombrantes.

L’Âge d’or n’est que le premier long métrage du cinéaste français Bérenger Thouin, et c’est déjà une remarquable prouesse technique. Avant de détailler avec émerveillement ce tour de force de montage, évacuons ce qui nous a paru être le visage le moins novateur du film : son scénario. D’amours impossibles en collaborations avec l’ennemi, petite et grande histoire se mélangent suivant des bonds et des rebonds hautement romanesque. La vie de cette héroïne fictive n’a pas que les apparences d’une saga historique, elle a aussi les codes narratifs les plus archétypaux : voix off, grands violons, et l’impression entêtante qu’il n’y a pas de grande surprise à attendre.

Il y a certes çà et là une dimension politique moderne bienvenue : dans le choix de la toujours charismatique Souheila Yacoub pour interpréter cette héroïne symbole d’une France éternelle ou dans la place laissée à la dimension queer du récit. A propos de cette dernière, il faut néanmoins bien dire qu’elle ne s’avère en réalité guère plus subversive qu’un plan sur des paires de jambes entrelacées dans un gloussement. Pris à part, isolé de l’impressionnant travail de mise en scène, le scénario de L’Âge d’or rassemble à la fois les archétypes convenus des films historiques et des magnifiques-portraits-de-femmes. Il faut beaucoup d’audace pour dépoussiérer des vieilles lunes comme celles-ci. Heureusement, le film en a.

Ce récit fictif est en effet entrecoupé d’anciennes images d’actualité piochées dans le fond Gaumont-Pathé. Bérenger Thouin apporte un soin méticuleux à l’image pour brouiller la frontière entre fiction et doc, entre 20e et 21e siècle, entre acteurs d’aujourd’hui et vraies personnes d’avant-hier. Ainsi, la partie fiction a été tournée en noir et blanc avant d’être colorisée, épousant ainsi la palette de ces reportages d’une autre époque. On ne sait plus ce qui est le plus vertigineux : quand les différences entre les deux mondes se font indissociables et qu’on ne parvient plus à trier les images, ou bien quand les couture sont au contraires visibles et où l’effet de réel crève soudain l’écran dans un surgissement ? Ces effets pourraient donner lieu aux prises de liberté les plus poétiques mais jusqu’au bout, L’Âge d’or privilégie le réalisme historique. Etonnamment homogène et accessible, le film est à la fois désuet et contemporain, entre la saga télévisée et l’œuvre conceptuelle. Souvent un peu trop terre-à-terre, mais à n’en pas douter unique. Telle est sa plus éclatante qualité.

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par Gregory Coutaut

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Critique : The Good Boy

admin — Mon, 09 Nov 2026 09:55:56 +0000

Tommy, jeune délinquant insouciant et impulsif naviguant entre fêtes alcoolisées et violences incontrôlables, se réveille un matin enchaîné dans la cave d’une maison. Il est à la merci de ses occupants, une étrange famille qui s’est donnée pour mission de le remettre dans le droit chemin. Quel qu’en soit le prix.

Good Boy
Royaume-Uni / Pologne
De Jan Komasa

Durée : 1h50

Sortie : 11/11/2026

Note :

LA CHAMBRE DU FILS

Etonnante carrière (bien qu’encore jeune) que celle du cinéaste polonais Jan Komasa. Nommé aux Oscars et aux César avec un drame tourné chez lui et dans sa langue, La Communion, le voilà doublement dépaysé puisqu’il signe la même année deux longs métrages de genre anglophones, l’un tourné aux Etats-Unis, l’autre en Angleterre. Le premier est Anniversary, dévoilé en première mondiale en ouverture du Festival de Varsovie, The Good Boy est le second, présenté au Festival de Toronto. L’un est une dystopie politique, l’autre un film de séquestration, et pourtant ces deux films faits loin de la Pologne partagent bien des points communs.

Dans les deux cas, Komasa commence en n’ayant pas peur d’utiliser des images très archétypales du cinéma de chaque pays : son film américain s’ouvre sur un déjeuner familial ressemblant à une mini convention démocrate dans le vaste jardin d’une grande demeure, son film britannique s’ouvre sur un montage accéléré de la folle nuit passé par son protagoniste, petite frappe grande gueule qui picole, gerbe, et se croit le roi du monde dans les rues de la City. Et dans les deux cas, Komasa nous emmène finalement ailleurs et le trouble dans la carte postale provient d’une cellule familiale bien sous tous rapports. L’antihéros pénible de The Good Boy, que l’on rêve instantanément de voir puni, se retrouve en effet séquestré par une famille illuminée s’étant donné pour mission de le redresser.

The Good boy a le pitch et le titre qui conviennent pour devenir un film d’horreur mêlant angoisse claustrophobe et malaise psychologique. Cette piste est évoquée, plus que franchement explorée, mais elle n’est pas au centre du film. Sur une unique trame narrative plutôt minimaliste, Komasa explore également la comédie et le drame poignant. Ces changements de registre ont parfois la subtilité arbitraire d’un interrupteur allumé en urgence, mais ils ont le mérite de participer à rendre The Good Boy moins prévisible que prévu. Au concours de la fascinante ambiguïté, ce n’est ni Komasa ni ses acteurs masculins qui sortent vainqueurs mais bien la toujours parfaite Andrea Riseborough, ici autant vampirique que complètement larguée.

Encore un point commun avec Anniversary : The Good Boy veut faire rentrer tant de tons différents et tant de personnages dans ces deux petites heures qu’il s’en retrouve bizarrement déséquilibré au point de ressembler à une saison de série télé remontée pour faire un long métrage. C’est un défaut mais paradoxalement ce côté de guingois donne au film un relief involontairement grotesque qui lui apporte un supplément de personnalité. Le résultat est imparfait mais parvient néanmoins à plutôt retomber sur ses pattes en passant du suspens au drame.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Sarlat | Critique : L’Une des leurs

admin — Sat, 07 Nov 2026 07:37:34 +0000

À 17 ans, Audrey se sent à l’étroit à Lens et aspire à une vie plus grande, ailleurs. Sa rencontre avec un groupe d’Ultras bouleverse tout : elle découvre avec eux la ferveur du collectif autant que ses contradictions. À leur contact, elle va progressivement changer de regard sur elle-même et sur ce qui l’entoure, d’une manière qu’elle n’imaginait pas…

L’Une des leurs
France, 2026
De Marie Rosselet-Ruiz

Durée : 1h35

Sortie : prochainement

Note :

JEU DANGEREUX

Lorsque les garçons s’époumonent dans le stade de football à Lens, la sage Audrey est plutôt du genre à lire du Romain Gary à la baraque à frites. Audrey n’est pas du groupe, et n’est pas encore l’une des leurs pour citer le titre du premier long métrage de la Française Marie Rosselet-Ruiz. On a pu remarquer la cinéaste avec le plus léger Les Reines du mambo, co-réalisé avec sa sœur Hélène Rosselet-Ruiz (qui a elle aussi signé un premier long cette année en solo avec Le Triangle d’or). Dans L’Une des leurs, la cinéaste fait le portrait d’une jeune Nordiste qui vise une grande école – une école qui nécessitera de prendre le train, d’aller à Paris, et de quitter le milieu dans lequel elle vit.

Le milieu, dans le long métrage, n’est pas qu’un point sur une carte de France. Audrey a la tranquille mais solide ambition d’entrer dans un espace qui ne lui est pas réservé, Audrey a tôt fait d’être renvoyée à ses origines sociales, et le récit initiatique est ici indissociable d’un propos sur les classes. Tout est politique, a fortiori dans des régions abandonnées par le pouvoir, et où l’extrême-droite s’est implantée. L’Une des leurs examine tout un spectre qui va du racisme ordinaire le temps d’une remarque, à l’aigreur des losers qui n’ont que le racisme comme seule grille de lecture de leurs échecs, en passant carrément par le racisme pathologique et obsessionnel digne des spectateurs de Cnews.

Ado chaleureusement accueillie dans un nouveau groupe d’amis, Audrey observe jusqu’au point de bascule. Le film n’excuse pas mais explore ce qui peut mener à l’extrême – dans un registre assez voisin, Marie Rosselet-Ruiz nomme davantage les choses que le récent, tiède et timoré Jouer avec le feu des sœurs Coulin. Le point de vue de L’Une des leurs est intéressant, même si le film, dans sa confection, ne sort jamais vraiment des conventions et se limite parfois un peu trop à la dissertation. Il ouvre néanmoins une discussion d’actualité, et est incarné avec authenticité par la talentueuse Céleste Brunnquell.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Gentle Monster

admin — Sat, 07 Nov 2026 01:15:32 +0000

Lucy et Philip sont heureux, ils viennent d’emménager avec leur fils dans une maison de campagne près de Munich. Un matin, leur vie bascule lorsque la police se présente à leur domicile pour arrêter Philip et saisir ses ordinateurs. Bouleversée, Lucy cherche la vérité sur son mari. Qui est-il réellement ? Doit-elle l’éloigner de son fils ?

Gentle Monster
Autriche, 2026
De Marie Kreutzer

Durée : 1h54

Sortie : 13/01/2027

Note :

WOULD I LIE TO YOU ?

Lucy est une chanteuse et pianiste à la Tori Amos : elle joue de deux pianos en même temps sur scène, et fait des reprises d’artistes masculins auxquels elle apporte son point de vue à elle. Dans la première scène de Gentle Monster, Lucy travaille ainsi sur une reprise de Would I Lie to You ?, tube des années 90 interprété par le duo Charles & Eddie. Il peut y avoir quelque chose de trop évident, au cinéma en général et dans ce film en particulier, à utiliser une chanson dont le texte est littéralement une clef du récit. Te mentirais-je ? dit le morceau ; l’époux de Lucy lui aurait-il caché des choses ? L’utilisation de Would I Lie to You ? est néanmoins un peu troublée et pas seulement illustrative – Lucy tord la chanson, se l’approprie, en fait autre chose. Elle est très reconnaissable, un peu méconnaissable, et sème le doute.

Voilà une tension qui va être explorée dans le long métrage, et qui rappelle ce que l’Autrichienne Marie Kreutzer a pu examiner dans ses précédents films. Il est beaucoup question de dualité dans The Ground Beneath My Feet (en compétition à la Berlinale en 2019), et il y a deux Sissi dans Corsage (sorti chez nous en 2022). Il y a également deux Philip dans Gentle Monster, c’est ce que révèle l’arrivée de la police venue enquêter dans la demeure familiale (celle-ci est censée accueillir « une nouvelle vie » pour la famille, qui ne semble pas avoir vraiment débuté). Mais il y a peut-être aussi deux Lucy : celle qui croit, celle qui cherche à croire autre chose – en somme celle qui est habitée par des sentiments contradictoires jusqu’au vertige existentiel.

Philip est un mari et un père, Philip est séduisant, athlétique, a une vie sexuelle avec sa compagne – par bien des manières, Marie Kreutzer déjoue les clichés sur les prédateurs pédophiles, loin d’un imaginaire monstrueux et plus proche de la sordide réalité : des gentle monsters. La cinéaste compose avec efficacité le portrait de cette épouse qui voit le sol se dérober sous ses pieds. Comment et dans quel état se réveille t-on après avoir vécu auprès d’un total étranger qui est aussi l’homme qu’on aime ? Outre une écriture minutieuse, Gentle Monster peut largement s’appuyer sur la performance intense de Léa Seydoux. Celle-ci est plongée dans une profonde solitude, mais ce sont aussi ses interactions avec les autres qui donnent du relief au film : celle attentive et terrifiée avec son fils, celle pour le moins complexe avec son mari, mais aussi celle, authentique et nuancée en quelques touches, auprès de sa mère interprétée par Catherine Deneuve.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Les Femmes de la station

admin — Fri, 06 Nov 2026 01:04:44 +0000

Au Yémen, Layal gère une station-service exclusivement réservée aux femmes, un havre de paix dans un pays déchiré par la guerre. Les règles y sont simples : pas d’hommes, pas d’armes, pas de politique. Quand son tout jeune frère est mobilisé, Layal doit renouer avec sa sœur. Ensemble, elles n’ont que quelques heures pour le sauver.

Les Femmes de la station
Yémen, 2026
De Sara Ishaq

Durée : 1h52

Sortie : 17/03/2027

Note :

ENTRE LES MURS

« Ni hommes, ni armes, ni politique » : c’est la règle dans la station service uniquement réservée aux femmes où se déroule Les Femmes de la station. Ni hommes, ni armes, ni politique, mais il est malgré tout beaucoup question d’hommes dans le long métrage, de la menace des armes et des conséquences de la politique. Comment s’extraire totalement de ce monde patriarcal ? La réalisatrice yéménite-écossaise Sara Ishaq filme cette utopie, les grands murs censés la protéger, et tous les trous au travers. Car quand une voix au haut parleur évoque le contrôle des femmes, ou lorsque le pouvoir vient chercher les jeunes frères ou fils pour les envoyer à la guerre, le mantra ni hommes, ni armes, ni politique ne pèse plus bien lourd.

Nommée à l’Oscar du meilleur court métrage documentaire pour Karama Has No Walls, Sara Ishaq signe son premier long métrage de fiction, dévoilé à la Semaine de la Critique. Elle ne filme jamais la guerre à proprement parler ; celle-ci, dans un intéressant parti-pris, demeure hors champ, mais sa présence et sa réalité imprègnent le long métrage. « Pas de bombes aujourd’hui ? », demande t-on avec une pointe d’ironie. Ici, dans ce refuge, les femmes rient, prient, chantent, racontent des histoires intimes. Ce sont elles qui assurent le maintien de la société lorsque les hommes disparaissent au front. Les hommes ? Un panneau dans la ville vante la guerre en indiquant « La gloire vous attend » et s’adresse aux hommes… de plus de 12 ans. Les affiches de martyrs, collées aux murs, ne sont pas loin.

Dehors, les garçons jouent à la guerre, puis parlent de comment faire la guerre. Le film a un sujet fort avec ses enfants aspirés par les conflits, dévorés par un ogre contre lequel les femmes sont bien désarmées. Si l’articulation du scénario nous a semblé un peu trop scolaire, Les Femmes de la station, par son regard chaleureux et nuancé, va contre les clichés déshumanisants. L’élégance colorée du long métrage est également une idée qui constitue un contrepoint efficace aux clichés attendus pour dépeindre une telle histoire. S’il y a des couleurs, celles-ci ne peuvent pas totalement recouvrir un monde terrible où tout le monde est perdant. Loin de la station-service, Sara Ishaq filme ce qui ressemble à un océan fleuri de tombes. Elle raconte l’espoir maintenu comme une flamme entre quelques murs, mais aussi, peut-être, le seul espoir qui reste : la fuite.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : No Good Men

admin — Thu, 05 Nov 2026 16:17:14 +0000

Kaboul, 2021. Naru, seule femme cameraman de la principale chaîne de télévision locale, se bat pour conserver la garde de son fils de trois ans, à la suite de sa séparation avec son mari infidèle. Persuadée qu’aucun « homme bien » n’existe dans son pays, elle se retrouve au service du journaliste star de la chaîne qui, malgré ses réticences, accepte de l’emmener en reportage. Tandis qu’ils sillonnent la capitale qui vit ses derniers jours de liberté, leur relation semble changer de nature…

No Good Men
Afghanistan, 2026
De Shahrbanoo Sadat

Durée : 1h49

Sortie : 03/02/2027

Note :

MEN ARE TRASH

« Quel désastre ce pays » se lamente un monsieur dans No Good Men. « C’est l’Afghanistan, on a l’habitude », lui répond-on, de manière à la fois sarcastique et abattue. Cette discussion a lieu entre bonshommes, et ceux-ci semblent oublier l’un des principaux problème dudit pays désastreux : les hommes eux-mêmes. C’est en tout cas ce dont Naru est persuadée. Cadreuse pour une chaîne de télévision, celle-ci, malgré ses compétences, est assignée aux émissions de cuisine ou sentimentales – et même ces dernières parviennent à être misogynes. Lors d’un micro-trottoir réalisé par l’héroïne, les expériences de misogynie racontées par différentes femmes affluent. En somme, « y a-t-il des hommes bien en Afghanistan » ?

Présenté en ouverture de la dernière Berlinale, No Good Men pourrait être un drame très sérieux – ce qu’il est, inévitablement, de temps à autre. Mais la réalisatrice d’origine afghane Shahrbanoo Sadat (découverte il y a une dizaine d’années à la Quinzaine avec Wolf and Sheep) teinte ici ses sujets sérieux de comédie et même de romance. Le générique de début de No Good Men montre l’éclosion de spectaculaires fleurs de cactus. Le contraste entre les fleurs flamboyantes et les épines de cactus est net, il y a presque quelque chose de contre-nature… presque aussi contre-nature que les relations hommes-femmes. No Good Men dépeint en effet une société ultra-patriarcale qui n’a pas attendu les talibans pour détester les femmes. « C’est l’usage, on va pas le changer », commente un protagoniste, pourtant censé être un homme élégant. Les femmes restent soumises de force à l’autorité des hommes et de la loi. Mais l’héroïne de Shahrbanoo Sadat (interprétée par la cinéaste) est, tant bien que mal, indépendante, et elle a du répondant.

No Good Men est rafraîchissant par sa liberté de ton – et de cette partie du monde, il est vrai qu’il n’y a que des drames qui nous parviennent. La gamme d’émotions dans le long métrage de Sadat est plus large, car la vie, même quand elle est invivable, n’est pas monochrome. Alors oui, il y a une possibilité de romance dans No Good Men, et oui, la romance pour toute femme ressemble à un piège. Ces questionnements intimes finissent emportés par la tornade de l’Histoire. Le film se déroule en 2021, soit l’année de l’offensive des talibans après le retrait des troupes américaines. Shahrbanoo Sadat a, elle-même, dû fuir Kaboul et vit depuis à Hambourg. Le dernier acte du long métrage est porté par un spectaculaire souffle dramatique. Et il laisse ouverte une porte humaniste pour ses personnages, même dans le chaos le plus sombre, et oui, même pour les hommes.

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par Nicolas Bardot

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