Toutes les critiques - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : La Gradiva

admin — Wed, 21 Oct 2026 04:16:13 +0000

Un groupe de lycéens français part en voyage scolaire à Naples pour découvrir les ruines de Pompéi et ses corps pétrifiés par le Vésuve. C’est là que le vertige les saisit brutalement. L’un après l’autre, ils se laissent submerger par le désir et la colère jusqu’à s’y abandonner complètement.

La Gradiva
France, 2026
De Marine Atlan

Durée : 2h25

Sortie : 21/10/2026

Note :

C’EST COMME UN TREMBLEMENT DE TERRE

« Il ne s’agit pas de comprendre, il s’agit de perdre connaissance ». Voilà un conseil qui semble passer loin au dessus de la tête des élèves de cette classe que nous suivons en voyage scolaire à Pompei. L’histoire locale et la science des volcans n’intéressent qu’une poignée d’entre eux, les autres ayant surtout à l’esprit une camaraderie chahuteuse, des premiers désirs à assouvir ou encore une colère intérieure à tenter d’assoupir. Le cinéma français ne manque certainement pas de films sur l’école mais, par son atmosphère et par l’ambition de sa mise en scène, l’imprévisible La Gradiva vise et atterrit bien au-dessus des archétypes du genre.

La Gradiva est certes un film réaliste, mais de la même manière que certains films de Bonello ou Noé sont également réalistes. Le film se compose de nombreuses discussions aux enjeux a priori banals, qu’il s’agisse des cours dispensés ou des moqueries méchantes que s’échangent les élèves, et pourtant on sent que sous ce quotidien ensoleillé, les plaques tectoniques grondent fort. C’est d’ailleurs ce que sous-entend la sublime séquence d’ouverture, filmée à bord d’un train où les élèves à moitié endormis paraissent plongés en état d’hypnose et où se réveille alors un inconscient à la fois voyeur et morbide, dans une formule qui évoque le court métrage Dieu est timide.

Brillante chef opératrice pour de nombreux jeunes cinéastes français ou francophones (L’Engloutie, Les Reines du drame, Le Ravissement, Foudre, Nos cérémonies…) Marine Atlan réalise ici son premier long métrage et cette poignée de plans d’ouverture suffisent à asseoir son talent rare. Et il en faut du talent, pour faire passer aussi vite ces 2h25 en compagnie de cette bande de petits cons. Le travail de montage n’est pas seulement sensationnel par sa gestion du rythme, et chaque séquence prise indépendamment possède ses propres variations d’intensité. Hyper vivant jusqu’au vertige, La Gradiva est perpétuellement rêveur et nerveux dans le même geste.

Il est interdit de révéler la direction dans laquelle se dirige le film, mais il y a une parabole politique flagrante dans le portrait de cette incapacité des uns et des autres à s’écouter, mais aussi à regarder le passé dans les yeux, résultant en un poignant sentiment d’échec collectif. Mais le titre du film, inspiré de l’héroïne éponyme fantomatique d’une nouvelle historique ayant beaucoup inspiré Freud, nous rappelle que La Gradiva est moins un exposé qu’un sacré numéro de funambule entre rêverie et cauchemar. Le résultat est si puissant que lorsque l’un des protagonistes dit à son pote « Raconte mieux, frère », on jurerait entendre Marine Atlan mettre au défi quiconque d’atteindre les mêmes sommets qu’elle.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Marie Madeleine

admin — Wed, 21 Oct 2026 01:13:00 +0000

À Jacmel, en Haïti, la mer, les églises et les esprits façonnent la vie. Marie Madeleine est une femme libre. Elle vit de la prostitution et traverse les nuits sans se soumettre aux règles de ceux qui sauvent les âmes. Sa route croise celle de Joseph, un jeune évangéliste. Une relation se noue entre ces deux êtres que tout oppose. Alors que Joseph vacille dans sa foi, Marie Madeleine l’entraîne vers un monde dans lequel désir et quête de liberté ouvrent un espace où tout peut être réinventé.

Marie Madeleine
Haïti, 2026
De Gessica Geneus

Durée : 1h44

Sortie : 21/10/2026

Note :

SAINTE COLÈRE

C’est au Festival de Cannes, à Un Certain Regard, que la réalisatrice haïtienne Gessica Geneus (lire notre entretien) a été révélée sur la scène internationale avec Freda. Le film a ensuite effectué un remarquable parcours en festivals avant de sortir chez nous à l’automne 2021. Et c’est à Cannes que la cinéaste fait son retour, cette fois à Cannes Première, avec son nouveau film Marie Madeleine. Le long métrage s’ouvre par un geste d’empathie : Joseph, jeune évangéliste, vient en aide à Marie Madeleine, prostituée. Gessica Geneus emploie des figures bibliques pour mieux les déplacer dans ce récit attaché aux personnes les plus marginalisées de la société.

Jésus le roi des rois, Vive le sang de Jésus, Cœur de Jésus entre autres : la ville de Jacmel en Haïti semble recouverte par des messages religieux. La voix de radio Jésus est partout, comme si les individus étaient continuellement sous surveillance. Quelle place reste t-il pour celles et ceux qui ne se conforment pas à l’autorité religieuse ? Le joli Joseph est un garçon sage et candide dont on devine assez vite la sensibilité, tandis que les pratiques de Marie Madeleine (aussi fière que l’héroïne de Freda) ne sont évidemment pas du goût des hommes de Dieu. Lorsque l’église et le bordel se font face dans Marie Madeleine, séparés par une rue, c’est presque à un antagonisme de comédie qu’on assiste.

Si Gessica Geneus dépeint la cruauté des faux prophètes, le film trouve un contrepoint visuel en mettant en valeur les chaleureuses couleurs des rues et des chambres dans ce dur quotidien. « C’est l’église qui décide pour nous ? » : cette interrogation outrée sur l’ordre établi sonne comme une mise au défi. La cinéaste, qui interprète également le rôle-titre, examine la liberté possible mais entravée de ses protagonistes, soumis.es à l’hypocrisie religieuse. Le film, à nos yeux, finit par manquer de relief d’un point de vue narratif, mais son élégance formelle ainsi que son propos humaniste sont notables.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Varsovie | Critique : Mentor

admin — Sun, 18 Oct 2026 11:24:50 +0000

Adolescents, Ryunosuke et Takumi ont provoqué un incendie qui a détruit l’appartement d’à côté et coûté la vie à la femme et à l’enfant de Nomoto. Quinze ans plus tard, Ryunosuke essaie de mener une vie « normale » tout en réprimant sa culpabilité, tandis que Takumi reste émotionnellement prisonnier du passé. Quand Nomoto réapparaît soudainement, le face-à-face attendu n’a jamais lieu. À la place, il montre une gentillesse déconcertante. Bientôt, la vie des trois commence à changer de manière à modifier irrémédiablement leur avenir.

Mentor
Japon, 2026
De Keisuke Yoshida

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

TOUTES MES EXCUSES

Il n’y a pas de quoi rire. Tout débute par un incendie accidentellement provoqué par deux gamins jouant dans le jardin avec des feux d’artifice. Quelques secondes à peine suffissent à embraser l’immeuble du voisin, et les images du corps noirci et brûlé de ce dernier lorsqu’il sort de chez lui, sa femme décédée dans les bras, sont prêtes à durablement traumatiser les deux garçonnets. C’est en tout cas le cas d’un d’entre eux, Takumi. Bien des années plus tard, le culpabilité le condamne à une vie de marginal incapable de tourner la page. L’autre garçon, Ryunosuke, est en revanche devenu un jeune homme qui va bien, merci pour lui, mais leur amitié n’a pas survécu à la tragédie.

Lorsque Takumi recroise par hasard la route du voisin, au visage désormais couvert de cicatrices, il se recroqueville de peur de que celui-ci le frappe mais c’est au contraire un câlin qu’il reçoit. Voilà presque la métaphore inverse de ce que propose Mentor. Le public occidental a tôt fait de classer tous les drames japonais sur les enfants et adolescents comme des miniatures inoffensives toutes en douces réconciliations, mais le cinéaste Keisuke Yoshida (dont les précédents longs métrages ont été présenté à Kinotayo sans connaître de sorties salle chez nous) a de la personnalité à revendre. Sans se diriger non plus vers l’excès inverse d’un éventuel film de vengeance, Mentor propose une singulière histoire de pardon impossible.

Entre l’un qui fait de la culpabilité toute sa personnalité (« Je ne suis bon qu’à une chose : présenter mes excuses »), l’autre qui s’en lave les mains, et le voisin qui se découvre mentor généreux en leçons de sagesse creuse, le triangle de protagonistes soudain inséparables vire à la thérapie zinzin, jusqu’à ce qu’une révélation cruelle et particulièrement farfelue en même temps (la meilleure scène du film) vienne rendre l’affaire encore plus maboule. Si la caméra de Yoshida ne cherche pas à inventer ou magnifier quoi que ce soit, sa plume possède en revanche une réjouissante imprévisibilité.

Mentor est un drame, possède un sujet sérieux, et pourtant le public du Festival de Varsovie (où le film vient de faire sa première mondiale) n’a pas caché son plaisir rigolard devant les nombreuses scènes psychologiquement absurdes et les coups de théâtres gentiment moqueurs face à ses personnages incapables de présenter ou d’accepter des excuses normalement et de se laisser mutuellement en paix. Si le résultat ne déborde pas d’ambition artistique, il a pour mérite de venir jusqu’au bout tordre joyeusement le cou aux clichés sur la supposément sacrée politesse japonaise.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Varsovie | Critique : Conversation With the Sea

admin — Sun, 18 Oct 2026 10:26:37 +0000

À Jérusalem, Kamal, un Palestinien de 60 ans, se voit ordonner par un tribunal israélien de payer une grosse dette de sécurité sociale soi-disant due par son fils Wael. Mais Wael s’est noyé dans la mer Rouge il y a des décennies. Lorsqu’aucun document officiel de son décès ne peut être trouvé, Kamal suit le seul indice restant pour découvrir ce qui est arrivé à son fils.

Conversation With the Sea
Palestine, 2026
De Muayad Alayan

Durée : 1h56

Sortie : –

Note :

SEUL CONTRE TOUS

Signé d’un cinéaste palestinien (Muayad Alayan, Amours, larcins et autres complications), Conversation With the Sea se déroule pourtant entièrement à Jérusalem. On y suit Kamal, un sexagénaire solitaire qui a toujours fièrement refusé d’apprendre l’hébreu. Les rares personnes qui s’intéressent à lui en dehors de ses amis sont donc tenues de lui parler en anglais si elles veulent être comprises. Ce n’est pas comme si Kamal attendait de bonnes nouvelles de toute façon, les seules visites qu’il reçoit sont celles d’un vautour immobilier pressé de lui racheter sa masure pour en faire un foyer digne d’être redistribué à des colons.

Un jour, le ciel tombe sur la tête de Kamal, sous la forme d’un courrier le plongeant dans une parabole kafkaïenne qu’on dirait tout droit sortie d’un film iranien. Bien que survenue il y a des années, la noyade accidentelle de son fils n’a jamais été enregistrée et ce dernier a donc accumulé une dette administrative exorbitante que Kamal est pressé de rembourser. Plongé dans la tâche absurde de devoir prouver qu’un mort est bien mort, il n’a d’autre option que d’aller demander l’aide de ses proches. Plus facile à dire qu’à réaliser quand on fait fuir sa famille à force de la maltraiter. Kamal se lance alors dans une tournée de pénitence.

La structure narrative de Conversation with the Sea, toute en face-à-face successifs, permet à Muayad Alayan de faire en parallèle un double portrait. D’une part, face à ce mauvais père de protagoniste, il n’y a quasiment pas un seul personnages israélien qui soit sympathique ou même empathique. D’autre part, le film liste entre les lignes tout un catalogue de manières de résister à la cohabitation forcée. Avant sa présentation en compétition au Festival de Varsovie, Conversation With the Sea a fait sa première à la Mostra de Venise dans la section Venice Spotlight, dédiée aux films d’auteur grand public. Derrière son ton effectivement très accessible de drame humain et chaleureux, le résultat possède pourtant une hargne parfois surprenante, parfois traduite à l’écran certes sans subtilité mais surtout sans détour, comme quand le héros filmé en vue subjective crache directement sur la caméra. C’est néanmoins sur la note d’une réconciliation (de la famille, des générations, et des gens globalement de bonne volonté) que tout cela se termine.

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par Gregory Coutaut

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Fatherland

admin — Sun, 18 Oct 2026 07:01:06 +0000

En 1949, Thomas Mann, lauréat du prix Nobel de littérature, retourne pour la première fois en Allemagne depuis la fin de la guerre, accompagné de sa fille Erika, actrice, écrivain et pilote de rallye. Au volant d’une Buick noire, ils entreprennent un voyage éprouvant dans un pays qu’ils ont fui, seize ans plus tôt, lors de la prise de pouvoir du parti nazi. De Francfort, sous domination américaine, jusqu’à Weimar, contrôlée par les Soviétiques, père et fille traversent une Allemagne en ruines, coupée en deux par la guerre froide.

Fatherland
Allemagne, 2026
De Pawel Pawlikowski

Durée : 1h22

Sortie : 02/12/2026

Note :

JE REVIENS

Huit ans que l’on était sans nouvelles ou presque de Pawel Pawlikowski, depuis la présentation de Cold War en compétition à Cannes en 2018. Huit années plus tard, à nouveau dans le cadre de la compétition, le retour du cinéaste polonais était fort attendu, au point qu’on ne sait pas bien si l’on doit être surpris ou non de le retrouver… quasiment là où on l’avait laissé, comme si on l’avait quitté la veille. En effet, on pourrait extraire à l’aveugle n’importe quel plan de Fatherland et les admirateurs d’Ida et Cold War reconnaitraient sans hésitation la patte du cinéaste.

Fatherland est à nouveau un film historique en noir et blanc centré sur un couple de personnages emportés par l’Histoire. Pawlikowski remonte le temps un peu plus loin cette fois-ci, jusqu’au lendemain de la seconde guerre mondiale, son film se déroule non pas en Pologne mais en Allemagne, et la paire de protagonistes n’est pas un duo d’amoureux mais un père et sa fille. Et pas n’importe quel père, puisqu’il s’agit du célèbre auteur allemand Thomas Mann qui, au moment où nous le suivons, revient de plusieurs années d’exil et s’apprête à recevoir deux décorations honorifiques à quelques jours d’intervalle. L’une en Allemagne de l’Ouest sous présence américaine, l’autre en Allemagne de l’Est régie par les Russes.

D’hôtels chics en réceptions militaires, entre collabos et survivants, le duo voyage à travers sa mère patrie (ou plutôt sa père patrie comme l’indique le titre du film). Grand sujet, image rigoureuse, acteurs de renom, références littéraires et nombreux dialogues… les nombreux signes extérieurs de très grand sérieux dont se pare Fatherland peuvent faire craindre un moment de se retrouver face à une interro d’Histoire ou de lettres pour laquelle on aurait oublié de réviser. Le tour de magie qui vient balayer très loin cette inquiétude se trouve justement aussi dans la trousse à outils de Pawlikowski. En effet, si le cinéaste utilise ici ces codes visuels et narratifs habituels, il n’oublie certainement pas la qualité en or de ces précédents films : la concision.

Ce n’est pas qu’une question de durée totale. Le montage a beau être moins immédiatement nerveux que dans Cold War, lorsque Fatherland se termine au bout d’1h22, on s’en trouve le souffle coupé comme si l’on s’était approché trop près d’un précipice sans le réaliser. A coup de scènes brèves, où la beauté règne sur chaque plan et où les enjeux sont expertement dosés tant par le scénario que par la qualité d’interprétation de Sandra Hüller et Hanns Zischler, le film se transforme. Sans que l’on puisse pointer du doigt le moment exact où cela s’opère, le sage film en costumes devient un film de fantômes sans domiciles, à la fois poignant et incisif.

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par Gregory Coutaut

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : A Day In The Life of Jo – Chapter Phaedra

admin — Sat, 17 Oct 2026 11:02:58 +0000

Jo, jeune fille de 15 ans, se réveille d’un rêve cosmique et part pour une journée de lycée où tout va basculer.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra
Grèce, 2026
De Jacqueline Lentzou

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

LA DANSE, LA FORÊT ET LA SOLITUDE

« Envoie-lui le rêve » sont les premiers mots énigmatiques de A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra, le nouveau long métrage de la Grecque Jacqueline Lentzou. Le mystère de ces premiers mots sera peu à peu dissipé au fil du long métrage, mais la jeune filmographie de Lentzou n’a de toute façon pas peur des secrets, des charades, des trous noirs et des vertiges. La cinéaste s’est construit en quelques films (ses courts métrages dont The End of Suffering ou son premier long Moon, 66 Questions) un style et une voix à part, parmi les plus prometteuses d’Europe. A Day in the Life of Jo nous emmène immédiatement dans ses incertitudes : les différentes couleurs de sous-titres nous suggèrent déjà qu’il y a plusieurs narrateurs. Et pourtant, en un cut, on se retrouve en plein récit d’apprentissage en apparence simple.

Jo a 15 ans et elle est comme bien des ados, dans un quotidien d’ados. Elle est en rébellion contre sa mère (et les rôles familiaux semblent redistribués comme dans Moon, 66 Questions), tandis qu’au CDI elle est entourée d’ados qui pleurent ou d’ados qui s’embrassent. C’est très commun, mais Jacqueline Lantzou a un point de vue formel dans chaque scène et son regard singulier rafraîchit la plupart des figures imposées du récit initiatique. Et puis A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra ne peut pas être si simple : un carton au début du long métrage nous promet « un film sur le souffle, les mains et la solitude ». Cette mention est-elle un peu fanfaronne ? C’est mal connaître l’ambition poétique du cinéma de Lentzou, qui signe bel et bien un film sur le souffle, les mains et la solitude.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra est souvent filmé proche des visages, avec une importante dimension sensorielle et à fleur de peau. Cette sensibilité adolescente infuse le long métrage qui disperse des signes à analyser, autant dans les décalcomanies enfantines que dans les forces astrales. Qu’est-ce qui est écrit dans la paume des mains ? Qu’est-ce qui attend Jo qui ne fait que commencer sa vie ? Les objets qui apparaissent inexplicablement dans le ciel au début du film sont-ils des petits cailloux qu’il faut suivre dans le long métrage ? Les questionnements de A Day in the Life of Jo ont beau être sérieux, le film n’oublie jamais vraiment d’être ludique. Le dernier segment du film nous rappelle que si tout paraît sérieux, rien n’est si sérieux.

Il serait criminel de dévoiler la nature du décrochage radical qu’opère le long métrage dans sa dernière partie, mais celui-ci fait écarquiller les yeux. Lentzou, qui poursuit le destin de sa jeune héroïne, compose un très singulier mélange d’onirisme et d’humour dont le résultat est explosif. Voilà le recul existentiel que l’on peut prendre sur sa vie, sur ce qu’on est et ce qu’on a été – rien que ça. Le long métrage élargit infiniment le champ du simple récit adolescent, ouvre une réflexion sur l’identité de Jo (« La narration que tu pensais être toi-même ») et sur la mémoire (« L’architecture de l’oubli est la plus parfaite »). « Il y a de la mélancolie », entend-on, et effectivement il y a de la mélancolie sur la terre ferme, comme dans cette dernière scène bouleversante et dont le cœur bat fort.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Club Kid

admin — Sat, 17 Oct 2026 01:36:42 +0000

Peter, organisateur de soirées branchées à New York, mène une existence aussi effrénée qu’insouciante, rythmée par les nuits festives et les excès. Sa vie bascule lorsqu’Arlo, le fils de 10 ans dont il ignorait l’existence, frappe à sa porte. Dépassé par ce rôle de père qu’il n’avait jamais envisagé, il est rapidement conquis par le charme et la spontanéité de l’enfant. Au fil du temps, un lien aussi inattendu que profond se tisse entre eux, et Peter découvre enfin qu’il existe une vie au-delà de la prochaine fête.

Club Kid
États-Unis, 2026
De Jordan Firstman

Durée : 2h02

Sortie : 04/11/2026

Note :

RÉVEILLE PAS PAPA

C’est une nuit parmi d’autres dans la vie de Peter : de club en club, de soirée en soirée, de drogue en drogue, à côtoyer Kandy Muse, Shygirl ou Amanda Lepore, parmi des gays sous stéroïdes ou non selon les modes. La caméra dans le taxi est étourdissante, elle effectue un mouvement circulaire sur Peter et ses potes noctambules tandis que le chauffeur fronce les sourcils en se concentrant sur la route. Ce cercle semble symboliser à la fois la répétition et le tourbillon, tandis que le carton nous indiquant que quelques années sont passées suggère que toutes les nuits jusqu’alors ont été aussi hautes en couleur.

Sans trop en dévoiler, il arrive à Peter l’un des pires cauchemars qui puisse arriver à un gay clubber : on lui apprend qu’il est père, et qu’il doit s’occuper de son gamin. Peter père, lui qui ne se souvient même plus avoir vaguement baisé dans un état plus que second avec une meuf désormais morte – c’est dire que la fibre paternelle ne saute pas vraiment aux yeux. Club Kid (premier film de Jordan Firstman, découvert au cinéma dans Rotting in the Sun) utilise des archétypes on ne peut plus hétérosexuels avec la thématique de la réconciliation père/fils, transposée dans un milieu opposé. Ce mélange prend étonnamment bien et fonctionne sur deux points : cette réconciliation est émouvante et le film demeure malgré tout super gay.

Sur le papier, la paternité de Peter qui le ferait rentrer dans le droit chemin, loin des clubs et des substances illicites, pourrait être un point de vue assez moralisateur. Mais tout cela est rééquilibré par la lucidité (le film ne romantise pas l’usage de drogues) et surtout l’humour vache de Club Kid : le film est très drôle, ce qui permet également de ne pas tomber dans le sentimentalisme. Le long métrage n’hésite d’ailleurs pas à être méchant avec ou à se moquer de l’enfant – on vous laisse à ce sujet le plaisir de la découverte. Par ailleurs, Club Kid n’est pas dupe de ce monde qui, sous son vernis, n’a souvent rien à foutre de ses enfants. L’attachement de Peter pour son gosse ne va pas de soi, et c’est une perspective particulièrement rafraichissante à voir. Et les règles sévères qui encadrent la parentalité paraissent laisser les bien-être de l’enfant au second plan.

A vrai dire, Club Kid n’est pas tant un film sur le fait de devenir père, qu’un film sur le fait de devenir un adulte – et plus précisément un adulte queer. Les marqueurs de l’âge, pour les hétérosexuels et les homosexuels, ne sont pas les mêmes et ne sont pas accompagnés des mêmes rituels. Peter doit se soumettre aux tests comme tout le monde, ceux-ci sont censés déterminer s’il est capable d’être père, mais aussi d’être un adulte digne de ce nom. Il y a l’insouciance flamboyante des nuits mais aussi les nuits dont on sort comme une épave. Il y a les fêtes qui ne cessent jamais et les années qui s’échappent. Il y a la reprise en main, et toutes les embûches. Club Kid parvient à être chaleureux sans mièvrerie, ce qui est une prouesse avec de tels sujets. Il est également un portrait électrisant de la vie queer new-yorkaise, de ses ombres et ses lumières. Un lent mouvement en arrière est effectué lors d’un plan du film, inscrivant la petite histoire familiale derrière une fenêtre dans l’immense décor de la ville. Firstman parvient à saisir les enjeux intimes et le mouvement du monde avec maestria.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Making Marie Antoinette

admin — Fri, 16 Oct 2026 19:59:14 +0000

En 2005, Eleanor Coppola filme sa fille Sofia sur le tournage de Marie-Antoinette à Versailles. Vingt ans plus tard, ces images inédites révèlent la naissance d’un film devenu culte : Kirsten Dunst en reine pop, le regard bienveillant de Francis Ford Coppola, les décors somptueux et le regard intime d’une mère sur la création de sa fille.

Making Marie Antoinette
États-Unis, 2026
De Eleanor Coppola

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

REINE MÈRE

Il y a vingt et un ans, Sofia Coppola tournait son troisième long métrage, Marie Antoinette, qui allait être dévoilé en grande pompe à Cannes en 2006. Au même moment et plus discrètement, un autre film était en train d’être tourné : ce Making Marie Antoinette. Tellement discrètement que les images de ce making of sont restées inédites jusqu’à aujourd’hui. C’est la crise sanitaire et le confinement dus au covid qui ont convaincu Sofia et sa mère Eleanor Coppola d’exhumer ces montagnes de rushs et d’enfin monter ce documentaire. Entre temps, Eleanor Coppola est décédée (en 2024, à l’âge de 87 ans), et Sofia Coppola a achevé l’ultime film de sa mère.

Celui-ci s’ouvre, sur le tournage, par un coup de laque qui asperge une perruque – un anachronisme malicieux qui pourrait lui-même appartenir au long métrage de Coppola fille. Comment Sofia Coppola allait-elle se sortir de son plus long tournage et son plus gros budget ? Comment exprimer son style personnel sans être avalée par les conventions du film historique ? Comment une réalisatrice encore jeune peut résister aux pressions lui conseillant de laisser ici ou là davantage de place aux personnages masculins ? Ce dernier point, qui n’est certes pas au centre de Making Marie Antoinette, est néanmoins assez éloquent concernant la misogynie à laquelle l’œuvre de Sofia Coppola peut être confrontée, visiblement ici sur le tournage, mais aussi à pratiquement chacun de ses accueils critiques – disons-le, une bonne partie des critiques masculins (et hétéros) sont incapables de voir des films de Sofia Coppola, à part si ceux-ci ont Bill Murray dans le rôle principal.

Eleanor Coppola filme une Sofia Coppola qui tient bon. Le journal de Coppola mère, dont des extraits sont lus par Diane Lane, permettent de saisir l’admiration qu’elle a pour sa fille : son admiration en tant que femme et en tant qu’artiste ; son admiration pour une génération de femmes qui n’a pas renoncé à ses désirs de création. Témoin sur le tournage, Eleanor Coppola déjoue dans ce portrait les clichés du cinéaste tyran et autoritaire : même sous pression, même à la tête d’une large équipe, Sofia Coppola ne s’est pas transformée en despote. Au-delà du retour émouvant sur Marie Antoinette qui est déjà devenu un film d’une autre époque, au-delà de cet endroit qu’Eleanor Coppola cherche (et qu’elle décrit comme « là où l’illusion et la réalité se rencontrent »), Making Marie Antoinette est poignant pour le lien mère-fille qu’il dessine. La mère qui filme la fille, la fille qui achève le film de la mère, et la transmission de l’une à l’autre, dans un mouvement circulaire aussi sensible que chaleureux.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Tristan Forever

admin — Fri, 16 Oct 2026 15:45:38 +0000

Depuis trente ans, Loran, médecin parisien, revient à Tristan da Cunha, l’île habitée la plus isolée au monde. À 50 ans, il embarque une dernière fois, décidé à s’y installer pour toujours. Un savant mélange des genres cinématographiques, une odyssée drôle et envoûtante aux confins du monde, entre rêve d’évasion et quête de soi.

Tristan Forever
Suisse, 2026
De Tobias Nölle et et Loran Bonnardot

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

IL EST DES NÔTRES

Tristan Forever est un documentaire réalisé à quatre mains par le cinéaste suisse Tobias Nölle (Aloys) et le Français Roman Bonnardot. Ce dernier a pour particularité d’une part de ne pas être cinéaste de formation mais médecin, mais également d’être le protagoniste de Tristan Forever en même temps que le coréalisateur. Qui est ce Tristan qui donne son nom au titre? Rien à avoir avec un éventuelle cri de ralliement de fan girls de Lucile Amour et Rock’n’Roll, le titre fait référence à Tristan da Cunha, île réputée comme la plus isolée au monde, perdue en plein Atlantique sud. Un lieu si reculé que seuls y vivent deux grosses centaines d’habitant accompagnés de nombreux oiseaux (tous plus adorables les uns que les autres) et que l’unique moyen d’y parvenir est de faire dix jour de bateau depuis l’Afrique du sud.

La découverte des immenses paysages brumeux et verdoyants (paradoxal pour une île volcanique) donne lieu à des images puissantes, où l’on perd parfois le sens de l’échelle dans un vertige. Tristan Forever n’est pas pour autant un simple reportage à la National Geographic. Le sujet central en est Bonnardot, médecin français qui a déjà vécu sur l’île par le passé, et qui souhaite aujourd’hui revenir s’y installer définitivement. Le projet parait fantasque, d’autant plus que des coups de fils viennent nous faire comprendre qu’il a encore des attaches familiales en France. Sous ses légers airs rêveurs de Robinson Crusoë moderne, il fait pourtant preuve de réalisme et surtout de respect au moment de réaliser son rêve.

L’histoire de l’île n’est que brièvement évoquée, le temps d’archives étonnantes ou d’une reconstitution napoléonienne ludique, mais les points de vue et la paroles des autochtones occupent ici une place toute aussi centrale que celle de Bonnardot. Ainsi, la pérennité de sa présence sur l’île est soumise à l’approbation d’un conseil administratif, dont le vote est filmé presque en vue subjective. Cette idée de mise en scène nous invite avec un mélange de malice et profondeur à nous poser la question qui traverse tout Tristan Forever : suffit-il de se sentir à sa place pour être réellement à sa place ? Et qu’est ce que ça veut dire « être à sa place » ? Dans ce cadre presque magique d’une île perdue à l’autre bout du monde, les deux cinéastes parviennent à articuler des questions complexes avec une douceur accueillante.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : The Difficult Bride

admin — Fri, 16 Oct 2026 15:03:48 +0000

Une jeune bangladaise prépare son mariage. Mais sous l’éclat des rituels de beauté, son corps se rebelle et le réel se fissure…

The Difficult Bride
Bangladesh, 2026
De Rubaiyat Hossain

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

POUR LE MEILLEUR ET POUR LE PIRE

« Heureuse ? » : c’est le premier mot prononcé dans The Difficult Bride, mais ce mot est aussi et surtout une question. Maquillage soigné, fleurs dans les cheveux, fabuleux bijoux, la future mariée est traitée comme une déesse et ne semble pas avoir vraiment d’autre choix que de répondre « oui » à l’esthéticienne-magicienne qui prend soin d’elle. Mais dans son nouveau long métrage, la réalisatrice bangladaise Rubaiyat Hossain (remarquée notamment avec Made in Bangladesh, sorti chez nous en 2019) se plonge dans les préparatifs peu reluisants d’un mariage et raconte ce qui peut se cacher derrière le sourire parfait de la future épouse.

Zai est censée avoir trouvé le mari idéal, celui qui rendra toutes ses amies jalouses. Mais quelque chose cloche dans ce portrait idyllique, ce que Rubaiyat Hossain suggère de manière surprenante en contrastant le portrait rouge, or et rose bonbon attendu avec des visions macabres – et plutôt que de blanches colombes de mariage, on croise surtout serpents, lézards et vers de terre dans The Difficult Bride. Faire de Zai une reine dans ce palais esthétique devrait être une volupté, mais Hossain dépeint une entreprise brutale où une femme sera scrutée et critiquée physiquement jusqu’à ce qu’elle soit transformée en créature de rêve. Mais le rêve de qui ? Zai (interprétée par la formidable Zaineen Chowdhury Karim qui trouve ici son premier rôle) lit Sylvia Plath et, dans son jeu de cartes, tire celle du chaos. « Une mariée doit être patiente », répète t-on dans The Difficult Bride pour faire passer l’envie aux jeunes femmes de gratter là où ça démange. Ça ne semble pas du tout être le genre de l’héroïne mise en scène par Rubaiyat Hossain.

« C’est l’histoire d’une folle qui se transforme en monstre », résume Zai à l’assistante qui s’occupe d’elle, au sujet du roman qu’elle est en train de lire. Mais folle aux yeux de qui ? Monstre selon qui ? Dans la société ultra-patriarcale qu’Hossain raconte, « les femmes détruisent la société » comme le pensent quelques losers misogynes et rigolards dans la rue. Les flics sont pourris (c’est plutôt l’inverse qui aujourd’hui serait surprenant), même l’époux parfait se permet un condescendant « tu prends ce mariage au sérieux ? » après trente-six épreuves endurées par elle et zéro par lui. A la radio, on annonce les chiffres affolants des viols et des harcèlements sexuels dans le pays. Quelle dissociation Zai et toutes les femmes comme elle doivent opérer pour être déifiées et détestées à la fois ?

Zai, pour être une bonne épouse et une femme correcte, est contrainte de devenir quelqu’un d’autre, et The Difficult Bride (dont la photo soignée est signée Leonor Teles, à l’oeuvre entre autres sur le diptyque Mal viver/Viver mal) raconte cette aliénation. La tension surnaturelle vient souligner la dimension émancipatrice du monstre : le monstre peut certes effrayer, mais il bouscule aussi l’ordre établi. « Physically a whore, mentally a luvergiirl » répète l’artiste yoanaxOx dans une chanson impertinente que Zai écoute. « Physiquement une pute, mentalement une amoureuse », voilà un mantra provocant qui suffit pour faire d’une femme un monstre dans le monde réactionnaire dépeint par The Difficult Bride. Le film ouvre fièrement la porte à son héroïne et à toutes celles qui se reconnaîtront en elle.

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par Nicolas Bardot

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