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Festival de Locarno | Critique : I Rarely Wake Up Dreaming

admin — Sun, 16 Aug 2026 13:15:10 +0000

L’amour d’Olya et Oleh, un jeune couple queer ukrainien, est mis à l’épreuve lorsque la transition de genre de l’un.e des deux se heurte à la vaste invasion russe. Alors que la guerre réduit et défie les frontières du masculin et du féminin, le couple se bat pour préserver ce qui l’unit et sa façon de se percevoir. Que signifie être un homme dans un pays qui se bat pour son identité et sa survie ?

I Rarely Wake Up Dreaming
Allemagne/Ukraine, 2026
De Isabelle Stever

Durée : 1h40

Sortie : –

Note :

LA FEMME DU DÉSERTEUR

Repéré à la Berlinale en 2022 avec leur premier film Grand Jeté, Le duo formé par la cinéaste allemande Isabelle Stever et la scénariste et critique ukrainienne Anna Melikova est aujourd’hui en compétition au Festival de Locarno avec I Rarely Wake Up Dreaming. Contrairement à l’autre long métrage ukrainien du festival, le conte fantastique Demony, ce nouveau film ne prend pas de chemin métaphorique pour parler de la guerre imposée par la Russie. Quoique. Après tout, le fil rouge du scénario consiste en un quasi parallèle entre l’invasion de l’Ukraine et le coming out trans d’un des protagonistes.

Formulé ainsi, il y aurait de quoi craindre le mauvais goût. Les premières scènes d’I Rarely Wake up Dreaming nous plonge d’ailleurs dans une dispute conjugale aux dialogues particulièrement mélodramatiques et artificiels tels que « Je suis entrée dans une relation contre mon gré » ou « Tu m’a pourtant promis que tu resterais toujours la même personne ». Cette séquence s’avère heureusement être un flash-forward et le film redémarre rapidement sur des rails un peu plus facilement digestes. Nous sommes fin 2021, la télévision diffuse des discours de Zelensky appelant à l’unité et à l’espoir en l’avenir. De l’espoir, le couple de protagonistes amoureux en a à revendre. Oleh est un mec trans qui vient d’avoir ses nouveaux papiers indiquant sa véritable identité de genre. Dans l’euphorie du moment, il demande en mariage Olya, ravie de pouvoir rassurer ironiquement sa mère en lui disant qu’elle n’est plus lesbienne et qu’elle s’est enfin trouvé un mari.

Puis la guerre éclate, et le couple envisage de quitter le pays. Or aucun homme de moins de 61 ans n’a le droit de quitter le territoire, alors que faire ? Le meilleur passage du film réside dans une séquence répondant directement à cette question : une reconstitution immersive et brillamment mise en scène du chaos qui régnait dans les postes où des gardes frontières tentait de guider des foules de citoyens apeurés. Le face-à-face cinglant qui oppose une militaire zélée à Oleh, reniant sa nouvelle identité et se faisant en vain passer pour une femme, est sans doute le point d’orgue d’I Rarely Wake Up Dreaming.

Le reste du long métrage, situé dans une Ukraine désormais envahie, manque de relief en comparaison et retrouve en quelque sorte ses grands airs des débuts en posant mot pour mot des questions trop grandioses telles que « ça veut dire quoi être un homme en temps de guerre ? « . Coincé entre des générations aux actions différentes (vieux blasés ou jeunes naïfs actifs sur les réseaux sociaux), Oleh repousse le plus longtemps possible le moment d’aller prendre les armes, et au moment où celui-ci regarde finalement la caméra dans les yeux depuis l’intérieur des tranchées, on se demande quel regard le film pose sur sa destinée.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : A margem do rio

admin — Wed, 12 Aug 2026 10:10:36 +0000

Izaquiel est agent d’entretien à Recife, une ville brésilienne sillonnée de fleuves et de mangroves. La nuit, il s’aventure dans les mangroves en quête de rencontres secrètes. Son univers bascule lorsqu’il croise la route de Jeremias, un pêcheur aussi intrigant que charismatique. Alors qu’ils sont cernés par de violents intrus, Jeremias entraîne Izaquiel dans un périple au cœur des mangroves.

A margem do rio
Brésil, 2026
De Matheus Farias, Enock Carvalho

Durée : 1h57

Sortie : –

Note :

UN JARDIN EXTRAORDINAIRE

La vie d’Izaquiel pourrait avoir l’air aussi binaire que si elle était régie par un unique interrupteur. De jour, il tente vainement de ne pas se faire virer d’un job alimentaire qui ne l’intéresse que très peu. De nuit, au sein d’une forêt accueillante, il arpente les bords de rivière qui donnent leur titre au film. A margem do rio est le premier long métrage du duo brésilien formé par Enock Carvalho et Matheus Farias (jusqu’ici monteur des films de Kleber Mendonça Filho), et on y retrouve avec plaisir plusieurs éléments familiers qui font le sel d’un certain cinéma brésilien contemporain, à la fois social, sexy et fantastique. S’il y a une éventuelle filiation à chercher, celle-ci se trouverait d’ailleurs moins chez le réalisateur de L’Agent secret que du coté des films de Juliana Rojas, Marco Dutra ou Anita Rocha da Silveira.

A margem do rio se trouve rapidement divisé entre deux décors. D’un côté une jungle toujours plongée dans une chatoyante obscurité, où les corps à demi nus sont baignés d’une superbe lumière bleutée propice à donner à la moindre rencontre un piment merveilleux. De l’autre le nouveau lieu de travail où Izaquiel atterrit presque par hasard : une église de quartier au look improbable, quelque part entre un bunker, une morgue et un aquarium. Dans chacun de ces lieux, Izaquiel fait une rencontre hors du commun : le jour il travail pour un homme de foi sévère, et la nuit, il retrouve un nouvel amant régulier, attirant et inquiétant tel un inconnu du lac.

Il y pas mal de cul dans A margem do rio, et cela n’étonnera que celles et ceux qui connaissent peu le cinéma queer brésilien. Existe-t-il un pays dont le cinéma produise davantage de scène de cruising et de sexe en public ? Ici, les images restent relativement chastes mais la pratique du sexe improvisé et anonyme fait clairement partie du quotidien d’Izaquiel. Que celle-ci ait lieu dans des toilette publiques ou dans une mangrove magique sortie d’un conte de fée érotique, elle traduit la délicieuse ambivalence sur laquelle surfe tout le film : comme son protagoniste, les spectateurs du film ne savent plus s’ils sont sur le point de courir un grand danger ou d’avoir un orgasme.

Ce danger n’est pas qu’une vue de l’esprit. Tout sexy qu’il soit, A margem do rio n’est ni superficiel ni irresponsable. Le film fait la part belle à un vécu queer qui ne résume pas à une pratique sexuelle, et s’il n’élude jamais la violence réelle à laquelle fait face la communauté trans, le scénario a à coeur de ne pas réduire ses personnages à des victimes et de dépeindre en parallèle une sororité euphorique. C’est pourtant vers une note assez sombre que nous amène l’ultime acte du film (après avoir pris son temps, il faut bien le dire), un dénouement finalement plus réaliste que ce que laissaient miroiter les sous-entendus surnaturels parsemés ici et là. C’est vers notre monde réel que Carvalho et Farias choisissent finalement de se tourner, mais cela ne nie pas pour autant la douce ivresse du voyage effectué jusqu’alors. On sort du film avec la même interrogation que celle d’ Izaquiel après la première rencontre avec son amant : « Qu’est-ce que c’était que ça ? », « Quoi donc ? » répond l’autre, « Ce que je viens de ressentir ».

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par Gregory Coutaut

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Critique : Gorgona

admin — Tue, 21 Jul 2026 12:33:32 +0000

Au cœur d’une petite cité-État chaotique dominée par une gigantesque raffinerie pétrolière, les hommes, tous armés, détiennent le pouvoir. Leur chef Nikos, gravement malade, doit organiser sa succession. Des tensions s’installent lorsqu’il inclut sa protégée, Maria, parmi les prétendants au trône. Le destin de cette jeune femme va basculer avec l’arrivée d’Eleni, une chanteuse qui va enflammer le bar de la ville et bien au-delà…

Gorgona
Grèce, 2025
De Evi Kalogiropoulou

Durée : 1h35

Sortie : 22/07/2026

Note :

MYTHE THE QUEENS

Si les mythes grecs continuent à faire partie de notre imaginaire et de notre langage collectifs, c’est qu’ils ont encore beaucoup de choses à nous dire. Or, si on les réduit souvent à des leçons de sagesse et de mesure, peut-être ont ils également une saine colère à nous transmettre. C’est le cas de la légende de la Gorgone, autre nom de la Méduse, jeune femme injustement transformée par l’épouse du dieu qui l’avait violée. Gorgona n’est certainement pas un péplum ou un film d’époque, mais celles et ceux qui avaient vu le précédent court métrage de la réalisatrice grecque Evi Kalogiropoulou Sur le trône de Xerxès (sélectionné à la Semaine de la Critique en 2022) savent que chez elle, la frontière entre le monde contemporain et l’époque antique est perméable.

D’ailleurs dans quel monde se déroule Gorgona exactement ? Cela ressemble au monde d’aujourd’hui, et pourtant ; cela ressemble à du cinéma de genre aux codes habituels pleins de testostérone, et pourtant. Dans un futur proche, les femmes n’ont plus d’autre rôle que celui d’esclaves et de monnaie d’échange entre gangs de gros bras. Lorsque l’une d’entre elles se rebelle et s’imagine en héritière d’un empire, on ne sait pas trop si elle est guidée par la foi d’une déesse d’autrefois où par la morgue cool d’une final girl sortie d’une VHS des années 80. Flingues, bastons, motos et filles sexy… dans ce terrain vague en bord de mer, Kalogiropoulou rassemble bien des codes du cinéma d’exploitation, mais file les armes aux filles, et ce n’est pas le seul contrepied à l’œuvre.

Kalogiropoulou multiplie les références au mythe de la Méduse et le public n’ayant qu’une familiarité modeste avec les détails de la culture antique risque de passer à coté de ce sous-texte historique. La manière dont la réalisatrice articule le sérieux du mythe avec la violence supposément jubilatoire du film de vengeance manque de cohésion mais aussi de rythme. Il serait étrange de reprocher à cette réappropriation queer et féministe son manque flagrant de moyens mais le film pourrait se permettre d’appuyer un peu plus sur le champignon pour rester toujours à la mesure de son fort capital sympathie. Il y a néanmoins un terrain sur lequel le film fait mouche sans faiblir, c’est dans sa direction artistique qui mélange passé et présent, réalisme et conte, folklores d’antan et néons d’aujourd’hui. Ici les cercueils débordent de fleurs tropicales, un poignard doré est un accessoire de danse avant tout. C’est finalement dans le grand écart que Gorgona retrouve son excitant relief : les corps féminins obéissent au male gaze et s’en détachent en même temps, une sorcière est une victime et un bourreau en même temps, la violence est à la fois une prison et une libération.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Strange River

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:40:06 +0000

Alors qu’il fait du vélo le long du Danube avec sa famille, Didac, 16 ans, rencontre un garçon mystérieux.

Strange River
Espagne, 2025
De Jaume Claret Muxart

Durée : 1h46

Sortie : –

Note :

L’EDUCATION SENTIMENTALE

Papa, maman et leurs trois jeunes garçons font du vélo au soleil. Ensoleillées et bucoliques, les premières images de Strange River auraient presque l’air de sortir d’une pub pour la chicorée, ou en tout cas d’un énième film sur des vacances en famille. Les couleurs sont agréablement saturées, l’image possède une texture de pellicule au je-ne-sais-quoi de nostalgique. Il y a pourtant plus d’un caillou dans cette chaussure de randonnée, à commencer par ce regard caméra lancé nerveusement en notre direction par le plus grand des trois fils, alors même qu’il file à toute allure pour suivre le reste de sa famille. Tiens, tiens. Tous ont beau saisir la première occasion venue de faire trempette dans un paisible ruisseau, la musique à l’onirisme décalée semble venir nous chuchoter à l’oreille de nous tenir prêt et nous attendre à tout.

Premier long métrage du cinéaste catalan Jaume Claret Muxart, Strange River est effectivement tourné en langue catalane mais ne se déroule pas en Espagne. C’est le long d’un affluent du Danube que cette famille ibérique comme les autres a choisi de passer des vacances avec vélos, tentes et sacs à dos. Des vacances presque trop sportives pour êtres vraiment relaxantes, sans que pourtant nul ne s’en plaigne. A les voir peiner à remonter les routes en côte, on se dit pourtant que chacun des membres de cette familia fait autant d’effort que des poissons en train de remonter une rivière à contre-courant. Ce ne sont pourtant pas les brefs éclats de colère (qui n’a pas monté la tente à temps avant l’averse ?) qui viennent faire planer un curieux nuage au-dessus d’eux, les décrochages viennent d’ailleurs.

On ne s’en rend pas immédiatement compte, mais au long de leur randonnée, les protagonistes semblent ne jamais croiser qui que ce soit d’autre. Mais peut-être cette impression vient elle du fait que Strange River est, du moins dans sa première partie, composé presque uniquement de plans rapprochés qui viennent remplacer les paysages attendus par une invitation à analyser au microscope les dynamiques familiales, à moins qu’il s’agisse de tenter de rentrer dans l’inconscient de son protagoniste ado ? Après tout, celui-ci rêve-t-il lorsqu’il pense surprendre sa mère bien affairée sur une aire de cruising ? Les parents n’ont aucun problème avec l’homosexualité du protagoniste, mais cela ne les rend pas pour autant extrêmement adroits sur la question. Ce n’est pas parce qu’on a la liberté de dire certaines choses que tout est facile à exprimer.

Il y a du fantastique qui plane au-dessus de Strange River, mais pas du tout un fantastique inquiétant de film d’horreur. Plutôt un onirisme charmant, intrigant et puissant, qui passe par un mélange de tons inattendu. Il y a de quoi ricaner sous cape quand papa s’impose guide touristique et évoque ses souvenirs, mais à force de réminiscences pour chacun (« tu te rappelles de ton premier amour ? », « Imaginez que vous êtes encore étudiants »), le parcours estival commence à ressembler à une perte de repères presque digne d’un voyage dans le temps. Le fleuve suit son cours sinueux et chaque membre de la famille semble se trouver bercé par une temporalité flottante.

Jaume Claret Muxart mélange poésie, architecture et même clins d’oeil au cinéma allemand pour faire de Strange River une invitation à un voyage intérieur. Les secrets du dernier acte du film méritent de demeurer précieusement cadenassés mais ils viennent traduire de façon saisissante l’idée que l’on grandit autant en fuyant sa famille qu’en se nichant à l’intérieur, et qu’une éducation sentimentale se bâtit autant avec des personnes réelles qu’avec des souvenirs et des fantômes. Le résultat est l’une des meilleures révélations de l’année.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Les Braves

admin — Tue, 07 Jul 2026 05:29:36 +0000

Le jeune soldat Pierre veut faire ses preuves sur le front pendant la Première Guerre mondiale. Derrière les lignes, il rencontre Francis, chargé de remonter le moral des troupes.

Les Braves
Belgique, 2026
De Lukas Dhont

Durée : 2h00

Sortie : 18/11/2026

Note :

JE N’SUIS PAS UN HÉROS

Souris, souris, souris, répètent de joyeux soldats dans une chanson qu’ils entonnent. Lors de la Première Guerre Mondiale, des jeunes gars sont à bord d’un train vers le front et vers une possible mort, mais les voilà qui braillent une ritournelle enthousiaste – probablement pour se donner du courage. Le contraste qui apparaît dans cette scène sous-tend une bonne partie de Les Braves (Coward), nouveau long métrage du Belge Lukas Dhont. Dans Les Braves, les protagonistes font une différence nette entre les héros et les lâches, il y a nous et les pas comme nous, avec une ligne tracée entre les deux. Pourtant tout est plus trouble dans la réalité du jeu de massacre. Les discours bravaches explosent comme les corps, il n’y a plus lâches ni héros, juste de la chair à canon.

Pour son film, Lukas Dhont dit s’est inspiré d’une histoire méconnue de la guerre. La mémoire peut être politique, et ce que Dhont a découvert via des photos et journaux intimes d’époque n’est pas vraiment ce qui est mis en avant dans les livres d’Histoire. Pendant que les soldats saignent au combat, certains d’entre eux organisent des revues travesties pour leur divertissement. « Pas de larmes ici » reproche t-on à un soldat qui craque, tandis qu’en contrepoint d’autres garçons singent ou explorent une féminité hyperbolique à travers un jeu de rôles qui peut servir de révélation. La distinction réelle n’est pas entre les héros et les lâches. Elle est plutôt à chercher du côté de l’impérialisme viriliste dont la brutalité tue, et la tendresse des garçons sensibles qui s’aiment.

Les Braves se déroule quasi-exclusivement à la guerre et ses enchaînement sont vifs. Il y a là une efficacité narrative, entre les scènes violentes qui coupent le souffle et les parenthèses : sordides quand on ramasse les cadavres, hantées lors des attentes nocturnes. Si le récit roule, il reste néanmoins chez Dhont une propension à enrober ses films, qui disent et démontrent beaucoup, ce qui prive le long métrage de plus de profondeur et d’aspérité. Il y a néanmoins un point de vue qui fonctionne dans la manière qu’a le film d’examiner la guerre par le prisme du genre. Vraisemblablement, il faut faire ça : faire la guerre, faire une famille. La prison patriarcale n’épargne personne, jusqu’à l’absurdité, durant la guerre et même après. Dans Les Braves, on apprend à vivre avec les hurlements de douleurs, on agite les flonflons parmi les gueules cassées. Pourtant, il y a peut-être une porte de sortie, une cachette dans les marges, lorsque les soi-disant lâches laissent les bonhommes se faire mal entre eux.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Christian Avilés

admin — Mon, 06 Jul 2026 09:08:00 +0000

Sélectionné cette semaine à Karlovy Vary, Stallion y la bola de cristal (qui figure dans notre sélection courts de la Berlinale 2026) raconte l’histoire d’un adolescent qui brûle de désir pour un sorcier. Superposant la banalité d’une chambre d’ado solitaire à une monde de sorciers gay, le film chevauche son balais et s’envole en équilibre entre cœur brisé et visions galvanisantes. Du cinéma queer magique et inventif, par un jeune cinéaste à suivre. Christian Avilés s’était déjà distingué avec le merveilleux La Herida luminosa, il est à nouveau notre invité.

Comment avez-vous abordé le style visuel de Stallion y la bola de cristal, et en particulier la manière de représenter son atmosphère magique – de votre utilisation du 16 mm à la conception des décors ?

Bien qu’il y ait des étincelles de lumière, je l’ai toujours conçu comme un film essentiellement sombre. L’approche répond à une douceur apparente sous laquelle se cache une obscurité, comme si elle vous attirait lentement dans une fièvre et introduisait insidieusement un sentiment de malaise à la surface.

Le protagoniste est piégé dans un lieu, mais d’une certaine manière, il est également prisonnier d’un temps incertain. C’est un appartement qui semble contemporain, cependant il est éclairé à travers un prisme expressionniste qui, en association avec le format de tournage en 16 mm et le fait de l’avoir entièrement tourné sur pellicule Kodak 500T afin d’obtenir une texture très présente et presque agressive, peut évoquer une époque révolue. Je voulais jouer sur l’invocation du passé dans le présent, parler de l’oppression contemporaine tout en la reflétant dans le miroir de la tradition, comme le roman gothique lorsqu’il traite de passions accablantes, d’enfermement involontaire, de châteaux et de tours. Pour cela, nous avons recréé l’appartement sur une petite scène, ce qui nous permet de contrôler au maximum la manière de remplir cet espace, notamment en termes d’ombres.

Pouvez-vous nous parler de votre choix de représenter votre sorcier de manière très archétypale (chapeau pointu, balai, etc.) ?

C’est basé sur ‘La bruja’ du train de la sorcière, un personnage mythique espagnol de fête foraine. Dans notre culture, les fêtes foraines voyagent à travers le pays de ville en ville, principalement pendant les vacances d’été, et les attractions sont toujours les mêmes. Celle-ci en particulier est un train pour enfants qui fait des cercles et est animé par ce personnage masculin de sorcier, généralement un homme très viril (faisant partie de la même équipe qui construit la machine) qui se place au milieu des rails habillé en sorcière féminine et joue avec un balai au-dessus des têtes des enfants. C’est un jeu qui, quand vous êtes plus jeune, avec la fumée artificielle, les moteurs bruyants et la musique, tend à être terrifiant. Il est courant de devenir obsédé par cet homme lorsque l’on est petit.

Puis, en grandissant, l’obsession peut rester, mais on réalise qu’il y a une lecture queer accidentelle dedans. Il y a quelque chose d’envoûtant à le regarder, à l’observer dans son élément et à se montrer séduisant. Je voulais sauvegarder ce souvenir et élaborer un récit autour de lui, et autour du jeune garçon. C’est aussi un film qui suit le fil de sa pensée, réalisant que s’il veut attirer l’attention du sorcier, il doit suivre sa logique. Pour séduire le sorcier, il doit parler sa langue, donc l’enchanter.

**Dans Stallion y la bola de cristal, le monde secret de la jeunesse semble profondément lié au mystère et à la magie. Cela vient-il de votre propre expérience en tant qu’adolescent ?**

Le désir d’évasion et la recherche de moyens pour échapper à l’hostilité ont nourri l’idée que je poursuis d’un type différent de réalité pour ces personnages. Mon propre vécu en tant qu’adolescent queer dans un petit village était rempli du désir de trouver une alternative à habiter. En regardant en arrière, il y a eu d’innombrables heures à fixer le plafond en souhaitant manifester autre chose, un contexte différent et une logique dans laquelle on pourrait gagner. Bien que j’aie été élevé dans un environnement fortement religieux et conservateur, il y avait des ressources à disposition pour développer et s’appuyer sur d’autres types de croyances.

Quel.le est votre sorcière ou sorcier de cinéma favori.te ?

Carrie White. Bien que j’aie le sentiment que nous aurions été ami.es, peut-être aurions-nous été trop timides pour le réaliser, donc elle m’aurait probablement détruit accidentellement pendant la tuerie du bal de promo, mais c’est aussi bien. Carrie, tout ce que tu as fait, tu l’as fait avec un cœur ouvert.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 8 mars 2026.

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Critique : The Man I Love

admin — Sun, 05 Jul 2026 04:20:35 +0000

New York, fin des années 1980, Jimmy George, figure iconique de la scène théâtrale, vit en couple avec le plus tendre et attentionné des amants. Mais devant la mort qui lui est promise, la soif de vivre et de créer, de désirer et d’aimer, une dernière fois, est plus forte que tout.

The Man I Love
États-Unis, 2026
De Ira Sachs

Durée : 1h35

Sortie : 27/01/2027

Note :

MES DISQUES SONT DES MIROIRS

L’un des premiers plans de The Man I Love montre le protagoniste homosexuel du film fumant une cigarette, le regard dans le vide et les poignets en position cassée. C’est une image récurrente qui traverse le cinéma d’Ira Sachs, dont les personnages prennent souvent cette pose d’homme sensible et intellectuel, mélancolique mais dont la solitude n’est pas vulnérable. C’est une image forte qui semble sortie d’un album de photos d’une époque révolue, une époque charnière pour la communauté gay mais dont presque plus aucun protagoniste n’est vivant. Avec ce nouveau chapitre de sa filmographie, Ira Sachs poursuit en effet son œuvre précieuse de catalogue et de transmission des vécus gay.

Le scénario n’a besoin que d’un ou deux sous-entendus discret pour nous le faire comprendre entre deux portes : Jimmy est séropositif et il n’y a pas d’issue possible à sa situation. Celles et ceux qui, à la lecture de cette phrase, s’attendrait à un remake de Philadelphia n’ont certainement jamais vu de film de Sachs. The Man I Love possède certes un récit très mélodramatique mêlant le conjoint régulier de Jimmy ainsi que son nouvel amant, mais cette histoire n’est jamais racontée de manière larmoyante, au contraire. Le scénario est régi par une économie remarquable qui fait que le film ne ressemble jamais vraiment à ce à quoi on croit devoir s’attendre. C’est comme si Sachs avait trouvé là l’équilibre parfait entre la dimension romanesque de ses premiers films et le virage radical de son tout dernier (Peter Hujar’s Day).

Le cinéaste américain fait en effet le choix gonflé d’évacuer presque entièrement tous les nœuds narratifs attendus : grandes déclarations et engueulades, scènes de larmes ou d’embrassades. Il met au premier plan des scènes qui pourraient à première vue avoir l’air de détails : des échanges anodins entres voisins ou amis mais surtout beaucoup de chansons. Qu’elles soient écoutées ou performées par les personnages, celles-ci sont souvent laissées dans leur intégralité ou bien répétées à loisir. The Man I Love n’est pas un film musical à proprement parler, mais la musique y joue un rôle clé car elle vient illustrer une notion au cœur des enjeux du film, et au cœur de la vie de nombreuses personnes queer : la performance, le jeu de rôle.

Qu’il s’agisse d’un texte de théâtre que Jimmy peine à retenir, du maquillage délibérément artificiel d’une drag queen sachant chaleureusement se faire écouter, ou encore de la conviction de façade au moment d’une réunion familiale (amèrement mise en miroir face à celle, nettement plus spontanée, d’un concert improvisé entre amis) le film est rempli de performances et de masques divers qui viennent métaphoriquement se substituer à ce que personne n’ose regarder dans les yeux : le compte à rebours lancé vers le décès du protagoniste. Ces petites mises en scène du quotidien n’ont rien de superficiel : chacun de ces matériaux artistiques et analysé et transmis avec respect par des connaisseurs passionnés, et cette générosité là est un antidote à l’absence d’empathie du monde extérieur (celui de la famille, de l’hôpital). C’est dans ces scènes anti-événementielles que Jimmy et Ira Sachs parviennent à exprimer une vulnérabilité sincère et bouleversante.

De ce personnage tout en filigrane, Rami Malek se tire plutôt correctement, bien que son jeu visible à l’américaine soit fort différent des acteurs habituels de Sachs, notamment son collaborateur fréquent Ben Whishaw. Que cela soit voulu ou non, le jeu de Malek vient souligner une autre singularité du film : non seulement les trois membres de ce triangle amoureux ne se ressemblent pas du tout physiquement mais ces personnages tous très ambivalents sont interprétés de façon bien distinctes par leurs interprètes (Luther Ford crève l’écran dans ce qui est sa toute première apparition dans un long métrage). Ces différences apportent l’impression de voir trois solitudes qui se croisent mais que la fatalité empêche de vraiment se rencontrer. Bien plus poignant qu’il n’y parait, le résultat est l’un des tous meilleurs films d’Ira sachs.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Les Eléphants dans la brume

admin — Fri, 03 Jul 2026 00:58:32 +0000

Dans un village népalais niché au cœur d’une forêt peuplée d’éléphants sauvages vit une communauté kinnar aussi vénérée que crainte pour ses pouvoirs de bénédiction et de malédiction. Pirati, l’une des mères de la communauté, rêve de s’échapper avec l’homme qu’elle aime. Mais lorsqu’une de ses filles disparaît, elle se doit mener l’enquête et choisir entre son désir de liberté et ses responsabilités envers sa communauté.

Les Eléphants dans la brume
Népal, 2026
D’Abinash Bikram Shah

Durée : 1h43

Sortie : 23/09/2026

Note :

JAMAIS SANS MA FILLE

« Gloire à toutes les mères » entend-on ici au détour d’une prière. Ce sont justement des mères pas comme les autres qui peuplent ce village perdu dans la forêt embrumée du Népal. L’action des Éléphants dans la brume se déroule en pleine communauté kinnar, d’après le nom donné aux personnes trans et non-binaires dans les cultures du sous-continent indien. Le lien solide et chaleureux qui unit les habitant.e.s de ce village n’est pas biologique, il s’acquiert et se confirme au sein de cérémonies sacrées où des ainé.e.s prennent officiellement pour fille ou pour fils l’un.e des jeunes membre de la communauté. Une responsabilité avec laquelle on ne plaisante pas.

La cohabitation avec la ville voisine, où les hommes hypocrites sont à la fois transphobes et sexuellement attirés par les kinnars, n’a rien d’évident, mais Pirati n’est pas le genre de femme à s’en laisser raconter. Matriarche charismatique possédant « une sagesse ancienne et la force des montagnes », elle est même bientôt destinée à être élue cheffe du village. Or, la disparition suspecte de sa fille va l’obliger à mener l’enquête à la ville et faire face à ses propres contradictions. Le cinéaste népalais Abinash Bikram Shah réalise ici son premier long métrage après avoir signé il y a deux ans le scénario de Shambhala, de son compatriote Min Bahadur Bham. Les Éléphants dans la brume ne cherche pas du tout à reproduire le rythme contemplatif de ce dernier. Le long métrage pourrait en quelque sorte être divisé en deux parties égales, et chacune brille par un rythme nerveux juste ce qu’il faut.

La deuxième moitié des Éléphants dans la brume prend le chemin prévisible du récit de mère courage seule contre tous, mais au moins la recette est-elle exécutée avec savoir-faire et talent. Le sel le plus inattendu du film se trouve surtout dans la première moitié du film qui nous invite tout simplement à une découverte de cette communauté, sans chercher à tout prix à tisser d’emblée un récit. D’un côté, cette immersion documente avec respect les différents rituels, recettes et superstitions propres à cette culture, mais de l’autre elle offre aux personnages une richesse réjouissante. Loin d’être des déesses parfaites et dignes, ces fières femmes trans à la fois prostituées et sorcières ont l’injure à la bouche et se révèlent délicieusement bitchy les unes envers les autres. Harmonieux dans son ensemble, le film réussit à s’adresser équitablement et généreusement à des publics très différents : celui avide de connaissance du monde, celui friand de représentations queer rares, et celui connaisseur et amateur de la richesse de tons du cinéma du sous-continent indien.

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par Gregory Coutaut

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TIFF | Critique : Silence

admin — Mon, 15 Jun 2026 02:18:11 +0000

Dans les ténèbres de l’histoire, un secret bat comme un pouls. Un groupe de sœurs vampires survit à la pénurie de « sang humain pur » due à la peste noire, mais le véritable poison est le silence qui les entoure.

Silence
Espagne, 2025
D’Eduardo Casanova

Durée : 0h56

Sortie : –

Note :

SAIGNER : NOTRE ENFER

Le cinéaste espagnol Eduardo Casanova s’était fait repérer à la Berlinale en 2017 avec Pieles, un premier long métrage où son étonnante inventivité en termes de body horror queer se retrouvait parfois limitée par un humour potache. Son second film, La Pietà (Grand Prix imprévu mais mérité à Gérardmer en 2023) n’y allait pas non plus de main morte sur la provocation mais parvenait déjà à articuler avec davantage de cohérence la dimension politique que peuvent posséder le grotesque et le mauvais goût. Cet équilibre rare entre farce camp et brulot politique est à nouveau à l’œuvre dans l’excellent Silence, le nouveau moyen métrage du cinéaste qui vient d’être dévoilé hors compétition à Locarno.

Initialement pensé comme une mini série, Silence est en effet divisé en trois chapitres mettant en scènes les mêmes protagonistes dans des situations a priori diamétralement opposées. Il y a d’un côté un groupe de sœurs vampires, isolée dans leur manoir il y a plusieurs siècles et se crêpant le chignon quant au meilleur moyen de survivre à l’épidémie de peste. De l’autre, une femme lesbienne apprend sa séropositivité dans l’Espagne des années 80, alors que les rues de la ville accueillent les premières manifestation Act Up. Pour les premières, garder le silence sur leur vraie nature est une question de survie, pour les autres, silence = mort. Ces deux histoires de sang contaminé vont bien sûr se révéler être liées d’une manière inattendue. Ah oui, et tout ceci est une comédie. Une comédie parfois musicale, même.

Il fallait peut-être ce qu’il faut de folie pour réussir un grand écart aussi gonflé, ou en tout cas une sacrée flamboyance. Or, de la flamboyance, Eduardo Casanova n’en manque pas. Il ne mégote ni sur la direction artistique (outre le soin apporté aux costumes et maquillages, le film est tout entier baigné dans un sacré mélange de gris de cendres et de rose layette), ni sur la dimension mélodramatique de son récit d’amour plus fort que la mort. Quand ses personnages s’aiment, ils s’aiment plus fort que tout et quand ils s’engueulent, c’est également plus fort qu’ailleurs. Cette intensité pourrait faire craindre une indigestion, mais Casanova sait doser le camp comme peu d’autres cinéastes.

Ce n’est pas seulement une question d’humour ironique, même si celui ci est bel est bien présent à travers des répliques parfaitement absurdes qui pétillent un peu partout (« Tu es plus vieille que la défécation même »). Le camp n’est pas qu’un coup de coude donné dans le vide, c’est une invitation à réenvisager les choses sous un autre angle : ce qui est risible peut être profond et vice versa, mais il y a toujours le cadeau d’une transmission à la clé. Silence pourrait se contenter d’avoir pour mérite de marier le bouffon et le tragique en harmonie (c’est déjà une sacrée prouesse), mais au final, ce projet hors format et hors-normes nous offre surtout un poignant récit de transmission queer à travers les générations. Ce silence là est d’or.

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par Gregory Coutaut

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Entretien avec Gaël Kamilindi

admin — Thu, 11 Jun 2026 06:29:22 +0000

Dévoilé en début d’année à la Berlinale et lauréat du Teddy Award, Taxi Moto est réalisé par Gaël Kamilindi, qui est né en République Démocratique du Congo et a grandi en Suisse. Ce très beau court métrage raconte l’histoire d’un réalisateur qui, voyant le tournage de son film annulé, part à la recherche de ce qu’il en reste, ailleurs, avec un autre acteur. A la fois poignante esquisse d’un amour naissant et témoignage original sur la force du cinéma et l’importance des représentations pour se construire quand on est à la marge, Taxi Moto est l’un des courts les plus touchants de cette année. Il est présenté cette semaine au Festival de Cabourg. Gaël Kamilindi est notre invité.

Vous avez une manière originale de mettre en scène l’espace en brouillant les frontières. Les rues de Paris deviennent celles d’ailleurs, puis la jungle avec des raccords très fluides. Pouvez-vous nous parler de ce choix ?

Oui, c’était très important pour moi que les espaces ne soient pas figés. Le film parle d’un déplacement géographique, mais aussi intérieur et je voulais que ça se ressente dans la mise en scène. Plutôt que de recréer fidèlement un ailleurs, j’ai essayé de laisser apparaître des glissements : que Paris puisse, par moments, devenir autre chose, que des fragments d’un autre territoire surgissent sans prévenir. C’est aussi lié à l’idée que le film initial n’a pas pu être tourné. Du coup, ce qu’on voit, ce sont des traces, des projections, des souvenirs. Les lieux deviennent des surfaces de superposition, presque mentales.

**L’un de vos deux protagonistes dit : « Ca existe pas ça, la romance et l’aventure ». Est-ce que vous aviez justement envie de romance et d’aventure pour Taxi Moto ?**

Oui, évidemment. ça dit quelque chose du réel, de ce qui résiste, de ce qui complique les choses. Et puis, le film est traversé par un désir de romance et d’aventure. Peut-être pas au sens classique, mais comme un élan, comme une manière de se laisser traverser par quelque chose, malgré les obstacles.

Il y a une alchimie qui semble très douce et évidente entre vous et Erwan Kepoa Falé. Comment avez-vous collaboré sur ce projet ?

Le film repose beaucoup sur le dialogue, sur nos regards autour du désir, de l’identité, de l’intimité. Et Erwan a accepté de m’accompagner dans cette recherche, d’essayer avec moi d’y répondre à travers le film. Du coup, il n’y avait pas une direction d’acteur très figée, c’était plutôt un espace d’échange, de confiance, où le film s’est construit à deux, à partir de ce qui circulait entre nous.

Pouvez-vous nous parler de votre inclusion de Dakan dans votre film ? Ce moment donne l’impression que vos personnages assistent à un secret, et pourtant vous donnez à ces images le plein écran.

C’est un des premiers films d’Afrique à avoir montré une histoire d’amour entre deux hommes et il a lui-même été confronté à des formes de rejet et de censure. L’inclure dans Taxi Moto, ce n’était pas un clin d’œil cinéphile, c’était une manière de reconnaître une filiation, de dire que des récits d’amour queer africains ont existé, qu’ils ont été filmés, et qu’ils continuent de résonner malgré les tentatives de les faire taire.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Je suis assez marqué par les cinéastes qui travaillent à la frontière entre le réel et le rêve, dans ce qui est montré ou qui échappe. Apichatpong Weerasethakul, par exemple, pour sa manière de faire circuler les fantômes, les mémoires… Il crée des espaces où le visible et l’invisible coexistent, et ça me touche beaucoup. Wong Kar-wai aussi, pour sa manière de filmer le désir. Y a chez lui quelque chose de très sensoriel et incarné.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 20 avril 2026. Merci à José Michel Buhler. Crédit portrait : Jérôme Bonnet.

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