LGBT - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Gorgona

admin — Tue, 21 Jul 2026 12:33:32 +0000

Au cœur d’une petite cité-État chaotique dominée par une gigantesque raffinerie pétrolière, les hommes, tous armés, détiennent le pouvoir. Leur chef Nikos, gravement malade, doit organiser sa succession. Des tensions s’installent lorsqu’il inclut sa protégée, Maria, parmi les prétendants au trône. Le destin de cette jeune femme va basculer avec l’arrivée d’Eleni, une chanteuse qui va enflammer le bar de la ville et bien au-delà…

Gorgona
Grèce, 2025
De Evi Kalogiropoulou

Durée : 1h35

Sortie : 22/07/2026

Note :

MYTHE THE QUEENS

Si les mythes grecs continuent à faire partie de notre imaginaire et de notre langage collectifs, c’est qu’ils ont encore beaucoup de choses à nous dire. Or, si on les réduit souvent à des leçons de sagesse et de mesure, peut-être ont ils également une saine colère à nous transmettre. C’est le cas de la légende de la Gorgone, autre nom de la Méduse, jeune femme injustement transformée par l’épouse du dieu qui l’avait violée. Gorgona n’est certainement pas un péplum ou un film d’époque, mais celles et ceux qui avaient vu le précédent court métrage de la réalisatrice grecque Evi Kalogiropoulou Sur le trône de Xerxès (sélectionné à la Semaine de la Critique en 2022) savent que chez elle, la frontière entre le monde contemporain et l’époque antique est perméable.

D’ailleurs dans quel monde se déroule Gorgona exactement ? Cela ressemble au monde d’aujourd’hui, et pourtant ; cela ressemble à du cinéma de genre aux codes habituels pleins de testostérone, et pourtant. Dans un futur proche, les femmes n’ont plus d’autre rôle que celui d’esclaves et de monnaie d’échange entre gangs de gros bras. Lorsque l’une d’entre elles se rebelle et s’imagine en héritière d’un empire, on ne sait pas trop si elle est guidée par la foi d’une déesse d’autrefois où par la morgue cool d’une final girl sortie d’une VHS des années 80. Flingues, bastons, motos et filles sexy… dans ce terrain vague en bord de mer, Kalogiropoulou rassemble bien des codes du cinéma d’exploitation, mais file les armes aux filles, et ce n’est pas le seul contrepied à l’œuvre.

Kalogiropoulou multiplie les références au mythe de la Méduse et le public n’ayant qu’une familiarité modeste avec les détails de la culture antique risque de passer à coté de ce sous-texte historique. La manière dont la réalisatrice articule le sérieux du mythe avec la violence supposément jubilatoire du film de vengeance manque de cohésion mais aussi de rythme. Il serait étrange de reprocher à cette réappropriation queer et féministe son manque flagrant de moyens mais le film pourrait se permettre d’appuyer un peu plus sur le champignon pour rester toujours à la mesure de son fort capital sympathie. Il y a néanmoins un terrain sur lequel le film fait mouche sans faiblir, c’est dans sa direction artistique qui mélange passé et présent, réalisme et conte, folklores d’antan et néons d’aujourd’hui. Ici les cercueils débordent de fleurs tropicales, un poignard doré est un accessoire de danse avant tout. C’est finalement dans le grand écart que Gorgona retrouve son excitant relief : les corps féminins obéissent au male gaze et s’en détachent en même temps, une sorcière est une victime et un bourreau en même temps, la violence est à la fois une prison et une libération.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Strange River

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:40:06 +0000

Alors qu’il fait du vélo le long du Danube avec sa famille, Didac, 16 ans, rencontre un garçon mystérieux.

Strange River
Espagne, 2025
De Jaume Claret Muxart

Durée : 1h46

Sortie : –

Note :

L’EDUCATION SENTIMENTALE

Papa, maman et leurs trois jeunes garçons font du vélo au soleil. Ensoleillées et bucoliques, les premières images de Strange River auraient presque l’air de sortir d’une pub pour la chicorée, ou en tout cas d’un énième film sur des vacances en famille. Les couleurs sont agréablement saturées, l’image possède une texture de pellicule au je-ne-sais-quoi de nostalgique. Il y a pourtant plus d’un caillou dans cette chaussure de randonnée, à commencer par ce regard caméra lancé nerveusement en notre direction par le plus grand des trois fils, alors même qu’il file à toute allure pour suivre le reste de sa famille. Tiens, tiens. Tous ont beau saisir la première occasion venue de faire trempette dans un paisible ruisseau, la musique à l’onirisme décalée semble venir nous chuchoter à l’oreille de nous tenir prêt et nous attendre à tout.

Premier long métrage du cinéaste catalan Jaume Claret Muxart, Strange River est effectivement tourné en langue catalane mais ne se déroule pas en Espagne. C’est le long d’un affluent du Danube que cette famille ibérique comme les autres a choisi de passer des vacances avec vélos, tentes et sacs à dos. Des vacances presque trop sportives pour êtres vraiment relaxantes, sans que pourtant nul ne s’en plaigne. A les voir peiner à remonter les routes en côte, on se dit pourtant que chacun des membres de cette familia fait autant d’effort que des poissons en train de remonter une rivière à contre-courant. Ce ne sont pourtant pas les brefs éclats de colère (qui n’a pas monté la tente à temps avant l’averse ?) qui viennent faire planer un curieux nuage au-dessus d’eux, les décrochages viennent d’ailleurs.

On ne s’en rend pas immédiatement compte, mais au long de leur randonnée, les protagonistes semblent ne jamais croiser qui que ce soit d’autre. Mais peut-être cette impression vient elle du fait que Strange River est, du moins dans sa première partie, composé presque uniquement de plans rapprochés qui viennent remplacer les paysages attendus par une invitation à analyser au microscope les dynamiques familiales, à moins qu’il s’agisse de tenter de rentrer dans l’inconscient de son protagoniste ado ? Après tout, celui-ci rêve-t-il lorsqu’il pense surprendre sa mère bien affairée sur une aire de cruising ? Les parents n’ont aucun problème avec l’homosexualité du protagoniste, mais cela ne les rend pas pour autant extrêmement adroits sur la question. Ce n’est pas parce qu’on a la liberté de dire certaines choses que tout est facile à exprimer.

Il y a du fantastique qui plane au-dessus de Strange River, mais pas du tout un fantastique inquiétant de film d’horreur. Plutôt un onirisme charmant, intrigant et puissant, qui passe par un mélange de tons inattendu. Il y a de quoi ricaner sous cape quand papa s’impose guide touristique et évoque ses souvenirs, mais à force de réminiscences pour chacun (« tu te rappelles de ton premier amour ? », « Imaginez que vous êtes encore étudiants »), le parcours estival commence à ressembler à une perte de repères presque digne d’un voyage dans le temps. Le fleuve suit son cours sinueux et chaque membre de la famille semble se trouver bercé par une temporalité flottante.

Jaume Claret Muxart mélange poésie, architecture et même clins d’oeil au cinéma allemand pour faire de Strange River une invitation à un voyage intérieur. Les secrets du dernier acte du film méritent de demeurer précieusement cadenassés mais ils viennent traduire de façon saisissante l’idée que l’on grandit autant en fuyant sa famille qu’en se nichant à l’intérieur, et qu’une éducation sentimentale se bâtit autant avec des personnes réelles qu’avec des souvenirs et des fantômes. Le résultat est l’une des meilleures révélations de l’année.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Coward

admin — Tue, 07 Jul 2026 05:29:36 +0000

Le jeune soldat Pierre veut faire ses preuves sur le front pendant la Première Guerre mondiale. Derrière les lignes, il rencontre Francis, chargé de remonter le moral des troupes.

Coward
Belgique, 2026
De Lukas Dhont

Durée : 2h00

Sortie : 18/11/2026

Note :

JE N’SUIS PAS UN HÉROS

Souris, souris, souris, répètent de joyeux soldats dans une chanson qu’ils entonnent. Lors de la Première Guerre Mondiale, des jeunes gars sont à bord d’un train vers le front et vers une possible mort, mais les voilà qui braillent une ritournelle enthousiaste – probablement pour se donner du courage. Le contraste qui apparaît dans cette scène sous-tend une bonne partie de Coward, nouveau long métrage du Belge Lukas Dhont. Dans Coward, les protagonistes font une différence nette entre les héros et les lâches, il y a nous et les pas comme nous, avec une ligne tracée entre les deux. Pourtant tout est plus trouble dans la réalité du jeu de massacre. Les discours bravaches explosent comme les corps, il n’y a plus lâches ni héros, juste de la chair à canon.

Pour son film, Lukas Dhont dit s’est inspiré d’une histoire méconnue de la guerre. La mémoire peut être politique, et ce que Dhont a découvert via des photos et journaux intimes d’époque n’est pas vraiment ce qui est mis en avant dans les livres d’Histoire. Pendant que les soldats saignent au combat, certains d’entre eux organisent des revues travesties pour leur divertissement. « Pas de larmes ici » reproche t-on à un soldat qui craque, tandis qu’en contrepoint d’autres garçons singent ou explorent une féminité hyperbolique à travers un jeu de rôles qui peut servir de révélation. La distinction réelle n’est pas entre les héros et les lâches. Elle est plutôt à chercher du côté de l’impérialisme viriliste dont la brutalité tue, et la tendresse des garçons sensibles qui s’aiment.

Coward se déroule quasi-exclusivement à la guerre et ses enchaînement sont vifs. Il y a là une efficacité narrative, entre les scènes violentes qui coupent le souffle et les parenthèses : sordides quand on ramasse les cadavres, hantées lors des attentes nocturnes. Si le récit roule, il reste néanmoins chez Dhont une propension à enrober ses films, qui disent et démontrent beaucoup, ce qui prive le long métrage de plus de profondeur et d’aspérité. Il y a néanmoins un point de vue qui fonctionne dans la manière qu’a le film d’examiner la guerre par le prisme du genre. Vraisemblablement, il faut faire ça : faire la guerre, faire une famille. La prison patriarcale n’épargne personne, jusqu’à l’absurdité, durant la guerre et même après. Dans Coward, on apprend à vivre avec les hurlements de douleurs, on agite les flonflons parmi les gueules cassées. Pourtant, il y a peut-être une porte de sortie, une cachette dans les marges, lorsque les soi-disant lâches laissent les bonhommes se faire mal entre eux.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Christian Avilés

admin — Mon, 06 Jul 2026 09:08:00 +0000

Sélectionné cette semaine à Karlovy Vary, Stallion y la bola de cristal (qui figure dans notre sélection courts de la Berlinale 2026) raconte l’histoire d’un adolescent qui brûle de désir pour un sorcier. Superposant la banalité d’une chambre d’ado solitaire à une monde de sorciers gay, le film chevauche son balais et s’envole en équilibre entre cœur brisé et visions galvanisantes. Du cinéma queer magique et inventif, par un jeune cinéaste à suivre. Christian Avilés s’était déjà distingué avec le merveilleux La Herida luminosa, il est à nouveau notre invité.

Comment avez-vous abordé le style visuel de Stallion y la bola de cristal, et en particulier la manière de représenter son atmosphère magique – de votre utilisation du 16 mm à la conception des décors ?

Bien qu’il y ait des étincelles de lumière, je l’ai toujours conçu comme un film essentiellement sombre. L’approche répond à une douceur apparente sous laquelle se cache une obscurité, comme si elle vous attirait lentement dans une fièvre et introduisait insidieusement un sentiment de malaise à la surface.

Le protagoniste est piégé dans un lieu, mais d’une certaine manière, il est également prisonnier d’un temps incertain. C’est un appartement qui semble contemporain, cependant il est éclairé à travers un prisme expressionniste qui, en association avec le format de tournage en 16 mm et le fait de l’avoir entièrement tourné sur pellicule Kodak 500T afin d’obtenir une texture très présente et presque agressive, peut évoquer une époque révolue. Je voulais jouer sur l’invocation du passé dans le présent, parler de l’oppression contemporaine tout en la reflétant dans le miroir de la tradition, comme le roman gothique lorsqu’il traite de passions accablantes, d’enfermement involontaire, de châteaux et de tours. Pour cela, nous avons recréé l’appartement sur une petite scène, ce qui nous permet de contrôler au maximum la manière de remplir cet espace, notamment en termes d’ombres.

Pouvez-vous nous parler de votre choix de représenter votre sorcier de manière très archétypale (chapeau pointu, balai, etc.) ?

C’est basé sur ‘La bruja’ du train de la sorcière, un personnage mythique espagnol de fête foraine. Dans notre culture, les fêtes foraines voyagent à travers le pays de ville en ville, principalement pendant les vacances d’été, et les attractions sont toujours les mêmes. Celle-ci en particulier est un train pour enfants qui fait des cercles et est animé par ce personnage masculin de sorcier, généralement un homme très viril (faisant partie de la même équipe qui construit la machine) qui se place au milieu des rails habillé en sorcière féminine et joue avec un balai au-dessus des têtes des enfants. C’est un jeu qui, quand vous êtes plus jeune, avec la fumée artificielle, les moteurs bruyants et la musique, tend à être terrifiant. Il est courant de devenir obsédé par cet homme lorsque l’on est petit.

Puis, en grandissant, l’obsession peut rester, mais on réalise qu’il y a une lecture queer accidentelle dedans. Il y a quelque chose d’envoûtant à le regarder, à l’observer dans son élément et à se montrer séduisant. Je voulais sauvegarder ce souvenir et élaborer un récit autour de lui, et autour du jeune garçon. C’est aussi un film qui suit le fil de sa pensée, réalisant que s’il veut attirer l’attention du sorcier, il doit suivre sa logique. Pour séduire le sorcier, il doit parler sa langue, donc l’enchanter.

**Dans Stallion y la bola de cristal, le monde secret de la jeunesse semble profondément lié au mystère et à la magie. Cela vient-il de votre propre expérience en tant qu’adolescent ?**

Le désir d’évasion et la recherche de moyens pour échapper à l’hostilité ont nourri l’idée que je poursuis d’un type différent de réalité pour ces personnages. Mon propre vécu en tant qu’adolescent queer dans un petit village était rempli du désir de trouver une alternative à habiter. En regardant en arrière, il y a eu d’innombrables heures à fixer le plafond en souhaitant manifester autre chose, un contexte différent et une logique dans laquelle on pourrait gagner. Bien que j’aie été élevé dans un environnement fortement religieux et conservateur, il y avait des ressources à disposition pour développer et s’appuyer sur d’autres types de croyances.

Quel.le est votre sorcière ou sorcier de cinéma favori.te ?

Carrie White. Bien que j’aie le sentiment que nous aurions été ami.es, peut-être aurions-nous été trop timides pour le réaliser, donc elle m’aurait probablement détruit accidentellement pendant la tuerie du bal de promo, mais c’est aussi bien. Carrie, tout ce que tu as fait, tu l’as fait avec un cœur ouvert.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 8 mars 2026.

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Festival de Karlovy Vary | Critique : The Man I Love

admin — Sun, 05 Jul 2026 04:20:35 +0000

New York, fin des années 1980, Jimmy George, figure iconique de la scène théâtrale, vit en couple avec le plus tendre et attentionné des amants. Mais devant la mort qui lui est promise, la soif de vivre et de créer, de désirer et d’aimer, une dernière fois, est plus forte que tout.

The Man I Love
États-Unis, 2026
De Ira Sachs

Durée : 1h35

Sortie : prochainement

Note :

MES DISQUES SONT DES MIROIRS

L’un des premiers plans de The Man I Love montre le protagoniste homosexuel du film fumant une cigarette, le regard dans le vide et les poignets en position cassée. C’est une image récurrente qui traverse le cinéma d’Ira Sachs, dont les personnages prennent souvent cette pose d’homme sensible et intellectuel, mélancolique mais dont la solitude n’est pas vulnérable. C’est une image forte qui semble sortie d’un album de photos d’une époque révolue, une époque charnière pour la communauté gay mais dont presque plus aucun protagoniste n’est vivant. Avec ce nouveau chapitre de sa filmographie, Ira Sachs poursuit en effet son œuvre précieuse de catalogue et de transmission des vécus gay.

Le scénario n’a besoin que d’un ou deux sous-entendus discret pour nous le faire comprendre entre deux portes : Jimmy est séropositif et il n’y a pas d’issue possible à sa situation. Celles et ceux qui, à la lecture de cette phrase, s’attendrait à un remake de Philadelphia n’ont certainement jamais vu de film de Sachs. The Man I Love possède certes un récit très mélodramatique mêlant le conjoint régulier de Jimmy ainsi que son nouvel amant, mais cette histoire n’est jamais racontée de manière larmoyante, au contraire. Le scénario est régi par une économie remarquable qui fait que le film ne ressemble jamais vraiment à ce à quoi on croit devoir s’attendre. C’est comme si Sachs avait trouvé là l’équilibre parfait entre la dimension romanesque de ses premiers films et le virage radical de son tout dernier (Peter Hujar’s Day).

Le cinéaste américain fait en effet le choix gonflé d’évacuer presque entièrement tous les nœuds narratifs attendus : grandes déclarations et engueulades, scènes de larmes ou d’embrassades. Il met au premier plan des scènes qui pourraient à première vue avoir l’air de détails : des échanges anodins entres voisins ou amis mais surtout beaucoup de chansons. Qu’elles soient écoutées ou performées par les personnages, celles-ci sont souvent laissées dans leur intégralité ou bien répétées à loisir. The Man I Love n’est pas un film musical à proprement parler, mais la musique y joue un rôle clé car elle vient illustrer une notion au cœur des enjeux du film, et au cœur de la vie de nombreuses personnes queer : la performance, le jeu de rôle.

Qu’il s’agisse d’un texte de théâtre que Jimmy peine à retenir, du maquillage délibérément artificiel d’une drag queen sachant chaleureusement se faire écouter, ou encore de la conviction de façade au moment d’une réunion familiale (amèrement mise en miroir face à celle, nettement plus spontanée, d’un concert improvisé entre amis) le film est rempli de performances et de masques divers qui viennent métaphoriquement se substituer à ce que personne n’ose regarder dans les yeux : le compte à rebours lancé vers le décès du protagoniste. Ces petites mises en scène du quotidien n’ont rien de superficiel : chacun de ces matériaux artistiques et analysé et transmis avec respect par des connaisseurs passionnés, et cette générosité là est un antidote à l’absence d’empathie du monde extérieur (celui de la famille, de l’hôpital). C’est dans ces scènes anti-événementielles que Jimmy et Ira Sachs parviennent à exprimer une vulnérabilité sincère et bouleversante.

De ce personnage tout en filigrane, Rami Malek se tire plutôt correctement, bien que son jeu visible à l’américaine soit fort différent des acteurs habituels de Sachs, notamment son collaborateur fréquent Ben Whishaw. Que cela soit voulu ou non, le jeu de Malek vient souligner une autre singularité du film : non seulement les trois membres de ce triangle amoureux ne se ressemblent pas du tout physiquement mais ces personnages tous très ambivalents sont interprétés de façon bien distinctes par leurs interprètes (Luther Ford crève l’écran dans ce qui est sa toute première apparition dans un long métrage). Ces différences apportent l’impression de voir trois solitudes qui se croisent mais que la fatalité empêche de vraiment se rencontrer. Bien plus poignant qu’il n’y parait, le résultat est l’un des tous meilleurs films d’Ira sachs.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Les Eléphants dans la brume

admin — Fri, 03 Jul 2026 00:58:32 +0000

Dans un village népalais niché au cœur d’une forêt peuplée d’éléphants sauvages vit une communauté kinnar aussi vénérée que crainte pour ses pouvoirs de bénédiction et de malédiction. Pirati, l’une des mères de la communauté, rêve de s’échapper avec l’homme qu’elle aime. Mais lorsqu’une de ses filles disparaît, elle se doit mener l’enquête et choisir entre son désir de liberté et ses responsabilités envers sa communauté.

Les Eléphants dans la brume
Népal, 2026
D’Abinash Bikram Shah

Durée : 1h43

Sortie : 23/09/2026

Note :

JAMAIS SANS MA FILLE

« Gloire à toutes les mères » entend-on ici au détour d’une prière. Ce sont justement des mères pas comme les autres qui peuplent ce village perdu dans la forêt embrumée du Népal. L’action des Éléphants dans la brume se déroule en pleine communauté kinnar, d’après le nom donné aux personnes trans et non-binaires dans les cultures du sous-continent indien. Le lien solide et chaleureux qui unit les habitant.e.s de ce village n’est pas biologique, il s’acquiert et se confirme au sein de cérémonies sacrées où des ainé.e.s prennent officiellement pour fille ou pour fils l’un.e des jeunes membre de la communauté. Une responsabilité avec laquelle on ne plaisante pas.

La cohabitation avec la ville voisine, où les hommes hypocrites sont à la fois transphobes et sexuellement attirés par les kinnars, n’a rien d’évident, mais Pirati n’est pas le genre de femme à s’en laisser raconter. Matriarche charismatique possédant « une sagesse ancienne et la force des montagnes », elle est même bientôt destinée à être élue cheffe du village. Or, la disparition suspecte de sa fille va l’obliger à mener l’enquête à la ville et faire face à ses propres contradictions. Le cinéaste népalais Abinash Bikram Shah réalise ici son premier long métrage après avoir signé il y a deux ans le scénario de Shambhala, de son compatriote Min Bahadur Bham. Les Éléphants dans la brume ne cherche pas du tout à reproduire le rythme contemplatif de ce dernier. Le long métrage pourrait en quelque sorte être divisé en deux parties égales, et chacune brille par un rythme nerveux juste ce qu’il faut.

La deuxième moitié des Éléphants dans la brume prend le chemin prévisible du récit de mère courage seule contre tous, mais au moins la recette est-elle exécutée avec savoir-faire et talent. Le sel le plus inattendu du film se trouve surtout dans la première moitié du film qui nous invite tout simplement à une découverte de cette communauté, sans chercher à tout prix à tisser d’emblée un récit. D’un côté, cette immersion documente avec respect les différents rituels, recettes et superstitions propres à cette culture, mais de l’autre elle offre aux personnages une richesse réjouissante. Loin d’être des déesses parfaites et dignes, ces fières femmes trans à la fois prostituées et sorcières ont l’injure à la bouche et se révèlent délicieusement bitchy les unes envers les autres. Harmonieux dans son ensemble, le film réussit à s’adresser équitablement et généreusement à des publics très différents : celui avide de connaissance du monde, celui friand de représentations queer rares, et celui connaisseur et amateur de la richesse de tons du cinéma du sous-continent indien.

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par Gregory Coutaut

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TIFF | Critique : Silence

admin — Mon, 15 Jun 2026 02:18:11 +0000

Dans les ténèbres de l’histoire, un secret bat comme un pouls. Un groupe de sœurs vampires survit à la pénurie de « sang humain pur » due à la peste noire, mais le véritable poison est le silence qui les entoure.

Silence
Espagne, 2025
D’Eduardo Casanova

Durée : 0h56

Sortie : –

Note :

SAIGNER : NOTRE ENFER

Le cinéaste espagnol Eduardo Casanova s’était fait repérer à la Berlinale en 2017 avec Pieles, un premier long métrage où son étonnante inventivité en termes de body horror queer se retrouvait parfois limitée par un humour potache. Son second film, La Pietà (Grand Prix imprévu mais mérité à Gérardmer en 2023) n’y allait pas non plus de main morte sur la provocation mais parvenait déjà à articuler avec davantage de cohérence la dimension politique que peuvent posséder le grotesque et le mauvais goût. Cet équilibre rare entre farce camp et brulot politique est à nouveau à l’œuvre dans l’excellent Silence, le nouveau moyen métrage du cinéaste qui vient d’être dévoilé hors compétition à Locarno.

Initialement pensé comme une mini série, Silence est en effet divisé en trois chapitres mettant en scènes les mêmes protagonistes dans des situations a priori diamétralement opposées. Il y a d’un côté un groupe de sœurs vampires, isolée dans leur manoir il y a plusieurs siècles et se crêpant le chignon quant au meilleur moyen de survivre à l’épidémie de peste. De l’autre, une femme lesbienne apprend sa séropositivité dans l’Espagne des années 80, alors que les rues de la ville accueillent les premières manifestation Act Up. Pour les premières, garder le silence sur leur vraie nature est une question de survie, pour les autres, silence = mort. Ces deux histoires de sang contaminé vont bien sûr se révéler être liées d’une manière inattendue. Ah oui, et tout ceci est une comédie. Une comédie parfois musicale, même.

Il fallait peut-être ce qu’il faut de folie pour réussir un grand écart aussi gonflé, ou en tout cas une sacrée flamboyance. Or, de la flamboyance, Eduardo Casanova n’en manque pas. Il ne mégote ni sur la direction artistique (outre le soin apporté aux costumes et maquillages, le film est tout entier baigné dans un sacré mélange de gris de cendres et de rose layette), ni sur la dimension mélodramatique de son récit d’amour plus fort que la mort. Quand ses personnages s’aiment, ils s’aiment plus fort que tout et quand ils s’engueulent, c’est également plus fort qu’ailleurs. Cette intensité pourrait faire craindre une indigestion, mais Casanova sait doser le camp comme peu d’autres cinéastes.

Ce n’est pas seulement une question d’humour ironique, même si celui ci est bel est bien présent à travers des répliques parfaitement absurdes qui pétillent un peu partout (« Tu es plus vieille que la défécation même »). Le camp n’est pas qu’un coup de coude donné dans le vide, c’est une invitation à réenvisager les choses sous un autre angle : ce qui est risible peut être profond et vice versa, mais il y a toujours le cadeau d’une transmission à la clé. Silence pourrait se contenter d’avoir pour mérite de marier le bouffon et le tragique en harmonie (c’est déjà une sacrée prouesse), mais au final, ce projet hors format et hors-normes nous offre surtout un poignant récit de transmission queer à travers les générations. Ce silence là est d’or.

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par Gregory Coutaut

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Entretien avec Gaël Kamilindi

admin — Thu, 11 Jun 2026 06:29:22 +0000

Dévoilé en début d’année à la Berlinale et lauréat du Teddy Award, Taxi Moto est réalisé par Gaël Kamilindi, qui est né en République Démocratique du Congo et a grandi en Suisse. Ce très beau court métrage raconte l’histoire d’un réalisateur qui, voyant le tournage de son film annulé, part à la recherche de ce qu’il en reste, ailleurs, avec un autre acteur. A la fois poignante esquisse d’un amour naissant et témoignage original sur la force du cinéma et l’importance des représentations pour se construire quand on est à la marge, Taxi Moto est l’un des courts les plus touchants de cette année. Il est présenté cette semaine au Festival de Cabourg. Gaël Kamilindi est notre invité.

Vous avez une manière originale de mettre en scène l’espace en brouillant les frontières. Les rues de Paris deviennent celles d’ailleurs, puis la jungle avec des raccords très fluides. Pouvez-vous nous parler de ce choix ?

Oui, c’était très important pour moi que les espaces ne soient pas figés. Le film parle d’un déplacement géographique, mais aussi intérieur et je voulais que ça se ressente dans la mise en scène. Plutôt que de recréer fidèlement un ailleurs, j’ai essayé de laisser apparaître des glissements : que Paris puisse, par moments, devenir autre chose, que des fragments d’un autre territoire surgissent sans prévenir. C’est aussi lié à l’idée que le film initial n’a pas pu être tourné. Du coup, ce qu’on voit, ce sont des traces, des projections, des souvenirs. Les lieux deviennent des surfaces de superposition, presque mentales.

**L’un de vos deux protagonistes dit : « Ca existe pas ça, la romance et l’aventure ». Est-ce que vous aviez justement envie de romance et d’aventure pour Taxi Moto ?**

Oui, évidemment. ça dit quelque chose du réel, de ce qui résiste, de ce qui complique les choses. Et puis, le film est traversé par un désir de romance et d’aventure. Peut-être pas au sens classique, mais comme un élan, comme une manière de se laisser traverser par quelque chose, malgré les obstacles.

Il y a une alchimie qui semble très douce et évidente entre vous et Erwan Kepoa Falé. Comment avez-vous collaboré sur ce projet ?

Le film repose beaucoup sur le dialogue, sur nos regards autour du désir, de l’identité, de l’intimité. Et Erwan a accepté de m’accompagner dans cette recherche, d’essayer avec moi d’y répondre à travers le film. Du coup, il n’y avait pas une direction d’acteur très figée, c’était plutôt un espace d’échange, de confiance, où le film s’est construit à deux, à partir de ce qui circulait entre nous.

Pouvez-vous nous parler de votre inclusion de Dakan dans votre film ? Ce moment donne l’impression que vos personnages assistent à un secret, et pourtant vous donnez à ces images le plein écran.

C’est un des premiers films d’Afrique à avoir montré une histoire d’amour entre deux hommes et il a lui-même été confronté à des formes de rejet et de censure. L’inclure dans Taxi Moto, ce n’était pas un clin d’œil cinéphile, c’était une manière de reconnaître une filiation, de dire que des récits d’amour queer africains ont existé, qu’ils ont été filmés, et qu’ils continuent de résonner malgré les tentatives de les faire taire.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Je suis assez marqué par les cinéastes qui travaillent à la frontière entre le réel et le rêve, dans ce qui est montré ou qui échappe. Apichatpong Weerasethakul, par exemple, pour sa manière de faire circuler les fantômes, les mémoires… Il crée des espaces où le visible et l’invisible coexistent, et ça me touche beaucoup. Wong Kar-wai aussi, pour sa manière de filmer le désir. Y a chez lui quelque chose de très sensoriel et incarné.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 20 avril 2026. Merci à José Michel Buhler. Crédit portrait : Jérôme Bonnet.

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Festival de Cannes | Critique : Clarissa

admin — Wed, 27 May 2026 06:00:41 +0000

Clarissa, femme du monde, prépare une réception dans sa maison de Lagos, au Nigeria, où elle retrouve de manière inattendue des amis de jeunesse. Au fil de cette nuit, leurs souvenirs communs refont surface : relations complexes, amours passionnées, désirs enfouis et aspirations perdues nourrissent une confrontation douce-amère avec le passé.

Clarisssa
Nigéria, 2026
D’Arie Esiri et Chuko Esiri

Durée : 2h05

Sortie : prochainement

Note :

REGARDE LES RICHES

Révélés à la Berlinale il y a six ans avec Eyimofe, This is my Desire, les frères jumeaux nigérians Arie et Chuko Esiri présentent leur nouveau long métrage à la Quinzaine des Cinéastes, une adaptation de Mrs Dalloway de Virginia Woolf. Peut-être devrait-on parler de transposition plutôt que de simple adaptation, car le récit change ici entièrement de contexte, passant du Londres d’après-guerre aux quartiers bourgeois de Lagos où, malgré le confort environnant, ni l’ombre de Boko Haram ni les séquelles du vécu colonial ne sont entièrement oubliés.

Femme aisée, Clarissa organise une réception où sont attendues de nombreuses personnes d’importance : intellectuels, militaires, aristocrates oisifs et peut-être bien même son ancien amant. Comme dans le roman d’origine, la succession de tâches plonge l’héroïne éponyme dans les souvenirs, notamment ceux d’un amour de jeunesse précédant le mariage de raison dans lequel elle se trouve aujourd’hui. La bonne idée des frères Esiri et de ne jamais mettre en scènes ces flashbacks de manière différente que les scènes appartenant au présent, traduisant ainsi la perte de repère et la superposition des couches temporelles caractérisant le courant de conscience de Woolf.

Tourné dans les intérieurs et les accueillants jardins d’une propriété cossue, Clarissa montre un visage rarement entraperçu chez nous de la société nigériane. D’une langueur très élégante, le film donne également à voir un angle différent du cinéma nigérian, trop souvent réduit aux différentes facettes de son cinéma de genre. Récit choral tout en respirations, composé de micro événements, où se croisent une galerie de personnages échangeant sur la littérature ou la politique, le film pourrait presque avoir l’air un peu guindé au premier abord.

Or c’est justement derrière ces apparences que se trouve le nerf du film, dans la vanité de cette bulle de luxe habitée par des gens qui se croient au mieux coupés du monde, au pire capables de devenir maitres des situations (qu’elles soient sociales ou amoureuses). Pas besoin de tendre l’oreille bien loin pour saisir la violence sous-jacente dans cette garden party où le problème le plus grave semble être qu’un des poteaux de la pergola n’est pas bien droit. Au cœur de cet ensemble chic, au rythme agréablement funambule, l’actrice britannique Sophie Okonedo fait des merveilles, apportant un mélange de nervosité, de mélancolie et d’humour sec à chacune des ses apparitions.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès de la Queer Palm 2026

admin — Fri, 22 May 2026 23:14:53 +0000

Le jury de la Queer Palm a dévoilé son palmarès. Ces prix récompensent des films aux thématiques LGBTQIA+.

La Queer Palm a été décernée à Teenage Sex and Death at Camp Miasma de l’Américain.e Jane Schoenbrun. L’histoire : la réalisatrice du remake d’un film d’horreur devient obsédée par l’actrice mystérieuse qui incarnait la « final girl » dans le film original… Retrouvez notre critique du long métrage et découvrez le palmarès ci-dessous.

Teenage Sex and Death at Camp Miasma

Queer Palm : Teenage Sex and Death at Camp Miasma, Jane Schoenbrun
Prix révélation : Du fioul dans les artères, Pierre Le Gall
Prix spécial du jury : Silent Voices, Nadine Misong Jin

Gregory Coutaut

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