LGBT - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Hélène trésore transnationale

admin — Tue, 31 Mar 2026 03:32:24 +0000

En s’adressant directement, et intimement, à Hélène Hazera, la cinéaste Judith Abitbol réalise le portrait d’une figure importante des contre-cultures de la fin des années 60-90, en France. Membre des Gazolines, membre du F.H.A.R. (Front Homosexuel d’Action Révolutionnaire), activiste LGBTQ infatigable, Hélène Hazera a créé la commission Trans et SIDA au sein d’Act Up, une de ses grandes fiertés. Sa vraie revanche sur une vie qui a démarré dans des années où le désir et la nécessité de changer de genre n’avaient rien d’évident, fut de devenir la première journaliste transgenre d’un grand quotidien national, Libération, productrice à Radio France et à France TV.

Hélène trésore transnationale
France, 2025
De Judith Abitbol

Durée : 1h34

Sortie : 01/04/2026

Note :

MÉMOIRE VIVE

Les brèches qui s’ouvrent et la lutte qui continue : voilà ce qui se dessine au cours du documentaire Hélène trésore transnationale, dans lequel Judith Abitbol fait le portrait d’Hélène Hazera, précieuse militante trans et infatigable passeuse culturelle. Figure du Fhar (le Front homosexuel d’action révolutionnaire) puis des Gazolines, Hélène Hazera s’est également illustrée comme journaliste à Libération. Abitbol s’entretient avec elle de manière assez simple dans ce documentaire à la forme brute. On y parle de sujets sérieux, on commente d’anciens albums photos, mais on y nettoie aussi ses petites culottes – ça n’empêche pas de méditer.

Hélène Hazera parle et sa liberté de ton a quelque chose de magnétique : la caméra n’a généralement besoin que de se pointer vers elle pour qu’on l’écoute attentivement. Dans un bordel parfois insondable qui semble illustrer tout ce qui a pu s’amasser dans sa vie – ou ses différentes vies –, Hazera évoque « le combat pour la liberté [qui] est un combat de tous et c’est un combat permanent ». Un combat tout terrain, dans la rue, sur papier ou même sur Facebook : le film ne fait pas vraiment de hiérarchie dans ce patchwork qui ne cherche pas à composer un bilan exhaustif de la vie et l’œuvre d’Hélène Hazera.

La parole impertinente d’Hazera est très rafraichissante – notamment lorsqu’elle avoue, avec raison et dans un grand éclat de rires, avoir envie de « défoncer la gueule » des gens aux regards plein de commisération à son égard. Le film aborde l’importance (« l’urgence ») de récupérer la mémoire collective des personnes trans et va même plus loin : la septuagénaire cite en effet une connaissance à elle qui lui a confié : « on n’arrête pas de se servir d’archives, mais il faut créer des archives ». C’est la valeur de ce film attachant, centré d’une part sur la mémoire queer qu’Hazera nous transmet, mais qui constitue également un témoignage sur une voix qui compte.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Hélène trésore transnationale est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival CPH:DOX | Critique : A Song Without Home

admin — Sat, 14 Mar 2026 20:07:06 +0000

Après 11 ans enfermée dans la maison familiale, Adelina s’enfuit de son village géorgien pour Vienne dans l’espoir de trouver la liberté d’être elle-même. Mais même en exil, les chaînes du passé se révèlent difficiles à briser.

A Song Without Home
Géorgie, 2026
De Rati Tsiteladze

Durée : 1h15

Sortie : –

Note :

OÙ EST LE CHEMIN DE LA MAISON

L’expérience d’Adelina peut d’abord ressembler à beaucoup d’expériences queer. La jeune femme se confie sur son enfance, sur les moments où elle trouvait le moyen de « s’habiller en fille », de se maquiller avec les affaires de maman, avant de recevoir une gifle de son père. Il y a aussi quelque chose d’un peu plus spécifique dans l’histoire d’Adelina, qui est trans et qui a été contrainte de rester confinée chez elle pendant des années. La maison et la vie entière ressemblent à une prison, mais les rues sont effrayantes à l’heure où les discours de violence et de haine patriarcales prolifèrent. A Song Without Home est, lui-même, illégal en Géorgie puisque le pays a emboité le pas réactionnaire de la Russie et de sa politique de haine homophobe interdisant les représentations LGBT.

Ce n’est pas déflorer un suspens que de dire que le documentaire, montré en compétition au Festival CPH:DOX, raconte la fuite d’Adelina vers Vienne. Des cieux a priori plus accueillants, mais ce chant sans maison dépeint ce qui poursuit son héroïne, même à des milliers de kilomètres de son village infernal en Géorgie. Marginale là-bas, Adelina reste marginale ici, soumise à la discrimination transphobe et mise socialement en danger. Le réalisateur Rati Tsiteladze raconte son quotidien sans fard, sans résolution réconfortante. C’est Adelina qui est venue le chercher pour ce projet, qui est dur mais ne ressemble pas à de l’exploitation. Il y a beaucoup d’empathie dans le regard ici partagé sur cette héroïne. « J’ai du pouvoir, je suis une personne forte » dit-elle : ce n’est pas de l’auto-persuasion mais de la lucidité.

Adelina ne rêve que de respirer librement tandis que la haine irrationnelle des masculinistes continue de la suivre en ligne. Elle ne s’éteint même pas dans sa Géorgie natale est c’est probablement la folie la plus glaçante dans le documentaire, qui fait également le portrait de sa mère, restée sur place. Celle-ci, parce qu’elle a soutenu sa fille, est mise au ban de la société, agressée par ses voisins, physiquement menacée par son mari. Cet enfer n’est pas que personnel : il est systémique, la haine patriarcale touche toutes les femmes qui n’obéissent pas à ses règles, et Adelina ne peut pas trouver la paix simplement en partant. « Crée ton propre monde » conseille-t-elle à une amie trans à Vienne, elle aussi en difficulté. Créer son propre monde permettrait de trouver un apaisement quand le nôtre est de plus en plus inhumain. Lorsque, dénudée, Adelina danse devant rien de moins que le Château de Schönbrunn, c’est tout un symbole : une revendication de son identité, de son corps, et de son droit à être là.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival CPH:DOX | Critique : A Song Without Home est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival CPH:DOX | Critique : Desire Lines

admin — Fri, 13 Mar 2026 12:02:27 +0000

Branko vit en marge de la société belgradoise. Insomniaque et isolé, il ne parle à personne. Sa seule obsession semble être son jeune frère, dont les chaussures boueuses, les draps tachés de sang et les obscurs déplacements le troublent. Branko suit ses moindres pas, miné par son étrange comportement. Alors que la paranoïa le gagne, Branko réalise que ce n’est pas son frère qui est étrange. C’est lui.

Desire Lines
Serbie, 2025
De Dane Komljen

Durée : 1h47

Sortie : –

Note :

LE PASSE MURAILLE

Mon premier, c’est désir. C’est effectivement par du désir que débute la très énigmatique charade qu’est Desire Lines (à ne pas confondre avec le film américain du même nom de l’an dernier). Or, les lignes du désir qu’évoque le titre ne sont jamais des autoroutes droites et balisées. D’abord au sens propre : la caméra suit Branko qui lui-même suit son frère en cachette dans les recoins de Belgrade, suivant un itinéraire imprévisible qui aboutit sur une aire de cruising où chaque rapprochement obéit à des règles invisibles. De ce frère, nous ne verrons rien de tout le film, à peine le visage. C’est Branko qui occupe tout l’espace, sans pour autant que l’on ait beaucoup plus d’indices à son sujet. Insomniaque et taiseux, Branko cherche visiblement quelque chose en réglant son pas sur le désir de son frère, mais quoi ?

Les rares mots prononcés par ce gaillard ténébreux sont adressés au répondeur d’un troisième frère. Branko lui laisse des messages qui ne sont visiblement jamais écoutés, et quand enfin son téléphone sonne, c’est en réalité une vieille connaissance perdue de vue qui se lance dans un monologue embarrassant. La communication directe, ce n’est vraiment pas le truc des personnages de Desire Lines. En filature tel un homme invisible, Branko est tellement détaché du monde extérieur qu’il pourrait bien passer à travers les murs. C’est justement à peu près ce qui lui arrive. Poussant la marche solitaire jusqu’à l’épuisement extrême, il s’évanouit dans les bois en bordure de la ville et se réveille ailleurs. C’est le film entier qui se réveille ailleurs, à vrai dire.

Commence alors tout autre chose, avec d’autres personnages, très bavards cette fois mais dont chaque dialogue est une déclamation philosophique qui n’a rien d’habituel. Passé de l’autre coté du miroir, Branko tente d’interagir avec eux un peu mieux qu’avec son précédent entourage, mais c’est avec l’immensité de la nature dans son ensemble que ces nouveaux compagnons vont l’inciter à faire corps. Difficile de résumer plus clairement la perte de repères narratifs qui opère alors. La première partie de Desire Lines ne manquait pas de radicalité, mais ce basculement vers une lenteur volubile et radicale ferait passer les films d’Angela Schanelec (Ivan Markovic, l’un de chefs opérateurs ici à l’œuvre, a d’ailleurs travaillé sur Music) pour des adaptations de Pagnol.

Par son absence totale de piste explicative, le film ressemble à un saut dans le vide. Par son design sonore remarquable, il ressemble aussi à un rêve étrange. Entre magnétisme et aridité, le cinéaste Dane Komljen (lire notre entretien) ne tend qu’à moitié la main à son public mais au moins n’a-t-il pas froid aux yeux. La patience est ici récompensée par de visions fugaces mais très puissantes où les corps, les époques et les dimensions elles-mêmes semblent se superposer dans un mirage.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky, Facebook et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival CPH:DOX | Critique : Desire Lines est apparu en premier sur Le Polyester.

Entretien avec Christian Avilés

admin — Mon, 09 Mar 2026 09:08:00 +0000

Déjà présent dans notre article sur les meilleurs courts de la Berlinale 2023 avec La Herida luminosa, Christian Avilés atteint une nouvelle fois des sommets en formant des alliances inattendues. Stallion y la bola de cristal (qui figure dans notre sélection courts de la Berlinale 2026) raconte l’histoire d’un adolescent qui brûle de désir pour un sorcier. Superposant la banalité d’une chambre d’ado solitaire à une monde de sorciers gay, le film chevauche son balais et s’envole en équilibre entre cœur brisé et visions galvanisantes. Du cinéma queer magique et inventif, par un jeune cinéaste à suivre. Christian Avilés est notre invité.

Comment avez-vous abordé le style visuel de Stallion y la bola de cristal, et en particulier la manière de représenter son atmosphère magique – de votre utilisation du 16 mm à la conception des décors ?

Bien qu’il y ait des étincelles de lumière, je l’ai toujours conçu comme un film essentiellement sombre. L’approche répond à une douceur apparente sous laquelle se cache une obscurité, comme si elle vous attirait lentement dans une fièvre et introduisait insidieusement un sentiment de malaise à la surface.

Le protagoniste est piégé dans un lieu, mais d’une certaine manière, il est également prisonnier d’un temps incertain. C’est un appartement qui semble contemporain, cependant il est éclairé à travers un prisme expressionniste qui, en association avec le format de tournage en 16 mm et le fait de l’avoir entièrement tourné sur pellicule Kodak 500T afin d’obtenir une texture très présente et presque agressive, peut évoquer une époque révolue. Je voulais jouer sur l’invocation du passé dans le présent, parler de l’oppression contemporaine tout en la reflétant dans le miroir de la tradition, comme le roman gothique lorsqu’il traite de passions accablantes, d’enfermement involontaire, de châteaux et de tours. Pour cela, nous avons recréé l’appartement sur une petite scène, ce qui nous permet de contrôler au maximum la manière de remplir cet espace, notamment en termes d’ombres.

Pouvez-vous nous parler de votre choix de représenter votre sorcier de manière très archétypale (chapeau pointu, balai, etc.) ?

C’est basé sur ‘La bruja’ du train de la sorcière, un personnage mythique espagnol de fête foraine. Dans notre culture, les fêtes foraines voyagent à travers le pays de ville en ville, principalement pendant les vacances d’été, et les attractions sont toujours les mêmes. Celle-ci en particulier est un train pour enfants qui fait des cercles et est animé par ce personnage masculin de sorcier, généralement un homme très viril (faisant partie de la même équipe qui construit la machine) qui se place au milieu des rails habillé en sorcière féminine et joue avec un balai au-dessus des têtes des enfants. C’est un jeu qui, quand vous êtes plus jeune, avec la fumée artificielle, les moteurs bruyants et la musique, tend à être terrifiant. Il est courant de devenir obsédé par cet homme lorsque l’on est petit.

Puis, en grandissant, l’obsession peut rester, mais on réalise qu’il y a une lecture queer accidentelle dedans. Il y a quelque chose d’envoûtant à le regarder, à l’observer dans son élément et à se montrer séduisant. Je voulais sauvegarder ce souvenir et élaborer un récit autour de lui, et autour du jeune garçon. C’est aussi un film qui suit le fil de sa pensée, réalisant que s’il veut attirer l’attention du sorcier, il doit suivre sa logique. Pour séduire le sorcier, il doit parler sa langue, donc l’enchanter.

**Dans Stallion y la bola de cristal, le monde secret de la jeunesse semble profondément lié au mystère et à la magie. Cela vient-il de votre propre expérience en tant qu’adolescent ?**

Le désir d’évasion et la recherche de moyens pour échapper à l’hostilité ont nourri l’idée que je poursuis d’un type différent de réalité pour ces personnages. Mon propre vécu en tant qu’adolescent queer dans un petit village était rempli du désir de trouver une alternative à habiter. En regardant en arrière, il y a eu d’innombrables heures à fixer le plafond en souhaitant manifester autre chose, un contexte différent et une logique dans laquelle on pourrait gagner. Bien que j’aie été élevé dans un environnement fortement religieux et conservateur, il y avait des ressources à disposition pour développer et s’appuyer sur d’autres types de croyances.

Quel.le est votre sorcière ou sorcier de cinéma favori.te ?

Carrie White. Bien que j’aie le sentiment que nous aurions été ami.es, peut-être aurions-nous été trop timides pour le réaliser, donc elle m’aurait probablement détruit accidentellement pendant la tuerie du bal de promo, mais c’est aussi bien. Carrie, tout ce que tu as fait, tu l’as fait avec un cœur ouvert.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 8 mars 2026.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Entretien avec Christian Avilés est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Pillion

admin — Tue, 03 Mar 2026 04:39:41 +0000

Colin, un jeune homme sans histoire, rencontre Ray, le leader charismatique d’un club de motards. Il l’introduit dans sa communauté queer et fait de Colin son soumis.

Pillion
Royaume-Uni, 2025
De Harry Lighton

Durée : 1h43

Sortie : 04/03/2026

Note :

SERRE-MOI FORT

Dans Pillion, chacune et chacun tombe de sa chaise lorsque le timide Colin présente ou montre une photo de son nouvel amant, Ray. Pendant que le sage Colin entonne des chants de Noël avec sa gentille chorale, Ray en cuir fait vrombir sa moto et chope des mecs, qui il veut, avec une facilité déconcertante. C’est d’ailleurs ce que capte le Britannique Harry Lighton en un plan : il suffit d’un regard de Colin vers Ray, de Ray vers Colin, pour que ce dernier tombe en pamoison et soit prêt à accepter n’importe quoi. I Will Follow Him dit la chanson rétro – ce sont exactement les mots que Colin pourrait employer s’il arrivait à articuler quoi que ce soit.

Pillion fait preuve d’un très bon sens du casting avec l’emploi immédiatement convaincant dans les rôles principaux de Harry Melling et Alexander Skarsgård. Cette crédibilité est un atout pour nous emporter n’importe où : la romance de Pillion n’est en effet pas si commune. Le premier long métrage de Lighton est un récit d’apprentissage sentimental… mais dans le monde du BDSM. Ce monde n’est pas à part, mais ses codes sont suffisamment singuliers pour surprendre le tendre Colin. Le scénario parvient avec une certaine habileté à n’être ni sérieux comme un pape (le sexe, les sentiments, n’ont pas à être si sérieux, même quand ils sont très sérieux), ni une comédie condescendante envers cette pratique : ce glissement de tonalités est un point fort de Pillion qui, justement, questionne le regard posé sur ce que l’on désigne comme la « normalité ».

La relation entretenue par Colin et Ray n’est néanmoins pas tout à fait comme les autres… à moins qu’elle ne soit au contraire tristement banale. Car s’il y a de la joie dans le désir rassasié de Colin, les règles que le film explore sont imposées d’un amant à l’autre. Pillion ne parle pas de deux personnages familiers du BDSM, mais d’un homme qui impose ses désirs à son amant. Colin peut y prendre du plaisir, mais la dynamique ici est proche de celle d’un pervers narcissique, traitant littéralement son amoureux comme son chien, sans que ce ne soit clairement consenti. Le film aurait pu explorer davantage cette amère ambigüité et c’est probablement sa limite : une écriture assez nette, appliquée, un peu lisse. Harry Lighton réussit néanmoins à composer un efficace contre-récit de Noël grand public sur un sujet qui présentait bien des pièges.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Critique : Pillion est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Pédale rurale

admin — Tue, 03 Mar 2026 02:26:17 +0000

Benoît a construit son paradis à l’abri des regards, il s’est émancipé à sa manière, résolu à faire face aux contraintes d’un territoire qui, dans les imaginaires, entre en conflit avec son identité. Un jour, lui et d’autres queer du coin décident d’organiser la première Pride du Périgord vert, parce qu’il est temps de sortir du bois, de prendre l’espace pour se célébrer, se réparer et enfin ouvrir une voie.

Pédale rurale
France, 2024
De Antoine Vazquez

Durée : 1h24

Sortie : 04/03/2026

Note :

QUEERS DU TERROIR, ON SORT DU PLACARD

D’Alain Guiraudie à André Téchiné, les personnages gay et ruraux peuvent exister dans le paysage du cinéma français, mais ce sont des cas suffisamment rares pour qu’on puisse les remarquer assez facilement. Voilà qui est à l’image de la société : la visibilité des personnes queer est essentiellement urbaine. Pédale rurale, le documentaire réalisé par le Français Antoine Vazquez, a un titre qui claque : sa musicalité est comme un rappel sonore (on existe – et le titre le fait savoir bruyamment) et le ton impertinent du mot pédale rappelle que personne n’est là pour s’excuser poliment de vivre.

Pédale rurale s’ouvre par une scène de jardinage. « Est-ce que je suis queer quand je fais mon jardin ? », demande le facétieux protagoniste. « Oui, peut-être ». Vazquez le filme tel qu’il est, torse nu, muscles saillants et dos brillant de sueur. La caméra érotisante insiste de manière étonnante sur ses abdos et ses fesses : il n’est certes pas question de rhabiller Benoît mais cette façon de s’attarder autant sur un corps valide, qui correspond autant aux critères de beauté conventionnels gay (un corps musclé, fin, bronzé, imberbe) peut dérouter. Le film promet-il un personnage qui sort des codes habituels pour le filmer… d’une manière qui correspond à 100% aux représentations les plus figées ?

A l’opposé, on peut se demander s’il ne s’agit pas là d’un choix qui permet de montrer Benoît comme un homosexuel parmi d’autres – avec un simple changement de décor. Vazquez filme sa petite vie de marginal, mais dans l’expérience du Benoît solitaire, il y a des éléments universels. Oui, ce personnage construit son propre paradis sans concession dans son jardin-forêt secret. Non, ce cadre idyllique n’est pas étanche au monde : on est confronté malgré tout à l’homophobie des masculinistes ivrognes, on se souvient quand on s’épuisait à cacher son homosexualité à l’école et, comme dans bien des documentaires, on essaie de monter une Pride locale. Le ton de ce premier film est attachant et si les réponses qu’il apporte ne sont pas forcément les plus profondes, celui-ci pose de bonnes questions.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Critique : Pédale rurale est apparu en premier sur Le Polyester.

Berlinale 2026 : Le palmarès du Teddy Award

admin — Sat, 21 Feb 2026 08:36:34 +0000

Le Teddy Award est un prix remis chaque année dans le cadre de la Berlinale au meilleur film queer du festival. Le Teddy fête cette année ses 40 ans et un prix à la carrière a été décerné à la cinéaste française Céline Sciamma. Le palmarès a été dévoilé.

Iván & Hadoum

Le Teddy Award a été remporté par Iván & Hadoum de l’Espagnol Ian de la Rosa. Présenté au Panorama, ce film raconte, dans une serre au sud de l’Espagne, l’histoire d’Iván qui tombe amoureux de sa nouvelle collègue, Hadoum. Mais sa promotion tant attendue interfère avec leur relation, forçant Iván à décider quel genre de personne il veut être. Retrouvez notre critique de ce long métrage.

Les deux autres films finalistes pour le Teddy sont À voix basse de la Tunisienne Leyla Bouzid (dévoilé en compétition internationale) et Gugu’s World du Brésilien Allan Deberton (sélectionné à Generation). Enfin, un prix du jury a été décerné à Trial of Hein de l’Allemand Kai Stänicke (sélectionné en compétition Perspectives).

Barbara Forever

Du côté des documentaires, c’est Barbara Forever de l’Américaine Brydie O’Connor qui a été sacré. Le film, sélectionné au Forum, fait le portrait de la réalisatrice expérimentale lesbienne Barbara Hammer. Retrouvez notre critique de ce long métrage.

Les deux autres films finalistes sont Two Mountains Weighing Down My Chest de la Chinoise Viv Li (Panorama) et What Will I Become ? des Américains Lexie Bean et Logan Rozos (Generation).

Taxi Moto

Le Teddy du meilleur court métrage est allé à l’excellent Taxi Moto de Gaël Kamilindi, originaire du Rwanda. Ce court métrage raconte l’histoire d’un cinéaste qui doit ré-imaginer son film, une histoire d’amour entre deux hommes, qu’il n’a pu tourner dans son pays d’origine. Taxi Moto fera partie de notre focus dédié aux meilleurs courts de la Berlinale, prochainement en ligne.

Les deux autres finalistes sont Stallion y la bola de cristal de l’Espagnol Christian Avilés et This Suffocating Now de l’Allemande Vika Kirchenbauer.

Nicolas Bardot

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Berlinale 2026 : Le palmarès du Teddy Award est apparu en premier sur Le Polyester.

Berlinale | Critique : The Blood Countess

admin — Fri, 20 Feb 2026 18:52:46 +0000

Inspiré de la légende de la comtesse hongroise Elizabeth Báthory qui se réveille d’un long sommeil et émerge du monde souterrain. Accompagnée de sa fidèle servante, elle entreprend un voyage à travers Vienne à la recherche de l’insaisissable élixir de vie.

The Blood Countess
Autriche, 2026
D’Ulrike Ottinger

Durée : 1h59

Sortie : –

Note :

SANG CONTREFAÇON

« Les cruels nous intéressent bien plus que les vertueux » : cette réplique prononcée dans The Blood Countess tombe à point nommé dans un film très (très) librement inspiré par Erzsébet Báthory, la comtesse hongroise qui dit-on se baignait dans le sang des vierges. Celle-ci, sous l’œil malicieux de l’Allemande Ulrike Ottinger, est transformée en vampire – et pas un vampire métaphorique : une créature avec de vrais crocs pointus. A l’écran on pousse des cris lorsque de pauvres victimes sont retrouvées avec deux marques rouges dans le cou, mais finalement rien n’est si sérieux dans The Blood Countess dont la course-poursuite un peu fantasque a un esprit proche de la bande dessinée belge.

The Blood Countess est dédié à l’adoration totale de son actrice et icône : Isabelle Huppert. Elle compose une héroïne hors norme et plus grande que nature sous la direction d’Ottinger dont l’art du grotesque et du camp fait merveille. Camp majuscule jusqu’au drag, qui provoque un frisson homosexuel dès la première seconde. Huppert vampire toisant dans son carrosse, faisant du cruising en fourrure, suant aux bains turcs, mangeant du boudin en luxueuse robe de chambre et bonnet de nuit à rubis ? La persona Huppert entre à merveille dans cette maison de poupée camp et macabre, l’actrice y baguenaude à cœur joie et son plaisir de jouer est communicatif.

Autour d’elle, Ottinger a réuni toute une dream team avec en tête Birgit Minichmayr, absolument géniale en assistante gothique – il fallait quelqu’un de son calibre pour partager les scènes d’Isabelle Huppert et Minichmayr confirme ici qu’elle est l’une des meilleures actrices du monde. Huppert et Minichmayr construisent la meilleure interaction vampire depuis Catherine Deneuve et Susan Sarandon dans Les Prédateurs. Entre autres très bonne idées (comme l’utilisation multiple de Thomas Neuwirth/Conchita Wurst), The Blood Countess propose un récit foutraque mais voilà qui ajoute à son côté lunaire. Il y a des approximations de rythme, mais personne ne vient voir un film d’Ulrike Ottinger pour ses angles droits. Cela n’empêche pas le long métrage de proposer une vision artistique totale et ambitieuse avec la création de tout un monde à la fois hétérogène et cohérent, où les différents tableaux mettent en valeur le soin apporté aux costumes et aux décors.

The Blood Countess est une joyeuse chasse au trésor, mais à la fois par son ton et son personnage principal, le film peut ressembler à un autoportrait ludique d’Ottinger. « Que restera t-il de nous si on n’élève pas des monuments à nous-mêmes ? », entend-on dans le long métrage. Cette comtesse éternelle qui apparaît à la proue de son propre flamboyant bateau, cette comète ricanante qui n’en fait qu’à sa tête et n’obéit qu’à ses propres règles, voici qui ressemble en tout cas étrangement à Ulrike Ottinger et à son cinéma frondeur qui trouve dans ce spectacle de fête foraine sa meilleure expression.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Berlinale | Critique : The Blood Countess est apparu en premier sur Le Polyester.

Berlinale | Critique : What Will I Become?

admin — Fri, 20 Feb 2026 18:51:35 +0000

Les portraits entremêlés de deux jeunes garçons trans qui se sont suicidés, et de leur communauté transmasculine.

What Will I Become ?
Etats-Unis, 2026
De Lexie Bean et Logan Rozos

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

À L’AVENIR

Generation, la section de la Berlinale dédiée aux jeunes publics (ici un public adolescent plutôt qu’enfantin) a le chic pour présenter à ses jeunes spectatrices et spectateurs des films qui ne les prennent pas pour des idiots. Quand le sujet d’un des films est difficile, comme c’est le cas ici, la séance est même précédée d’un rappel bienveillant à la possibilité de quitter la salle et d’aller parler à quelqu’un si besoin. Cela pourrait avoir l’air d’un détail ou d’une précaution superflue, mais cela correspond pleinement à la démarche du documentaire What Will I Become ?, l’une des œuvres les plus chaleureuses de cette édition.

Le suicide est pourtant au cœur du film. En guise point de départ, une terrible statistique : 50% des jeunes hommes trans aux Etats-Unis ont déjà essayé de se suicider. Les deux coréalisateurs Lexie Bean et Logan Rozos, eux-mêmes trans et ayant tenté de se suicider, proposent non pas une enquête sociologique mais un hommage à deux garçons trans décédés, et une invitation à envisager une manière commune d’aller de l’avant. « En tant que communauté, que pouvons-nous faire pour réparer notre cœur brisé ? » : le vaste questionnement débute à une échelle intime, presque privée, alors que les deux cinéastes se filment discutant dans un cocon, un tipi de fortune fait avec des draps de chambre d’enfant.

Projet personnel et collectif à la fois, What Will I Become ? commence comme un film à quatre voix : celles des cinéastes laissent progressivement la place à celles des deux jeunes victimes (aux profils très différents) via des vidéos postées sur leurs réseaux sociaux ou des illustrations en papiers découpés dont la candeur et la simplicité tranchent avec la noirceur des destins évoqués. Puis, le doc accueille peu à peu d’autres voix : celles des parents des victimes, celles de leurs coachs et profs, mais surtout celle d’une communauté transmasculine, locale ou internationale, composant un cercle chaleureux de plus en plus grand autour de ses protagonistes, un safe space sans frontière.

Il serait absurde de reprocher à ce film fait main (avec un budget qu’on devine tout petit) sa forme plutôt modeste. Celle-ci est contrebalancée par une bienveillance qui n’a rien de mièvre. Dans une scène, l’un des réalisateur interrompt l’entretien du père d’une des victimes au moment où celui-ci fond en larmes, et lui propose un câlin. Cette invitation à embrasser la vulnérabilité masculine offre plus qu’une alternative aux impasses du masculinisme : une guérison. Film sur la communauté, fait par la communauté et pour la communauté, What Will I Become ? offre une très précieuse étreinte, et ce genre de câlin peut être une question de survie.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Berlinale | Critique : What Will I Become? est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Le Mystérieux regard du flamant rose

admin — Tue, 17 Feb 2026 16:31:25 +0000

Début des années 1980, dans le désert chilien. Lidia, 11 ans, grandit au sein d’une famille flamboyante qui a trouvé refuge dans un cabaret, aux abords d’une ville minière. Quand une mystérieuse maladie mortelle commence à se propager, une rumeur affirme qu’elle se transmettrait par un simple regard. La communauté devient rapidement la cible des peurs et fantasmes collectifs. Dans ce western moderne, Lidia défend les siens.

Le Mystérieux regard du flamant rose
Chili, 2025
De Diego Céspedes

Durée : 1h44

Sortie : 18/02/2026

Note :

LA VIE AU RANCH

La jeune Lidia grandit dans un contexte qui n’a rien d’habituel. Non seulement elle réside en plein désert mais elle partage son habitation avec un groupe de femmes trans et de drag queens (des autoproclamées travestis, selon le mot espagnol qui peut justement englober les deux). Les raisons qui l’ont amenée à vivre ainsi entourée de marraines queer n’est expliqué que du bout des doigts et après tout tant mieux. C’est comme ça et pas autrement, et c’est même très bien comme ça : à peine Lidia se fait-elle emmerder par les ados débiles du coin que tout ce ranch trans se met joyeusement en branle pour aller rétablir la justice à coup de poings. Si vous cherchez la bagarre, vous l’avez trouvée.

De la castagne, il y en a régulièrement dans le quotidien de Lidia et sa famille. Ces femmes fières ne sont pas du genre à se laisser marcher sur les pieds et ce n’est pas qu’une métaphore. Des films queer qui incitent à une fière rébellion, on en a vu des tas, mais la récurrence avec laquelle ce drôle de récit nous incite à une saine colère exprimée à coups de torgnole témoigne d’un mauvais esprit réjouissant. Le Mystérieux regard du flamant rose ne ressemble pourtant pas du tout à une version queer de Shérif, fais-moi peur. S’il possède bel et bien des parenthèses humoristique, le ton général est à… oui tiens, à quoi d’ailleurs ? Comment qualifier la drôle d’atmosphère digne et rageuse à la fois qui règne sur le film ?

Une légende plane sur ce coin du Chili. L’action se déroule au début des années 80 et les vieux du coin raconte que les femmes trans et autres homosexuels seraient capable de transmettre une maladie mortelle rien que par le regard. La métaphore n’a pas besoin d’être davantage surlignée et le cinéaste Diego Céspedes trouve l’équilibre judicieux pour la manier sans lourdeur, avec poésie et recueillement. Le Mystérieux regart du flamand rose possède quelques imperfections de rythme mais son scénario n’a pas peur de virages, des variations de tons inattendues (certaines bulles oniriques méritent d’être découvertes sans spoiler) et se permet même le culot talentueux de changer de protagoniste en cours de route. Poignante et merveilleuse à la fois, voilà une histoire de transmission queer entre générations telle qu’on aimerait en croiser plus souvent.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Le Mystérieux regard du flamant rose est apparu en premier sur Le Polyester.