We Will Not Be the Last of Our Kind est un drôle d’ovni : c’est une relecture de l’Arche de Noé, qui serait transformée en une sorte de programme de réinsertion professionnelle pour sa jeune héroïne travaillant parmi les animaux. L’Israélienne Mili Pecherer mêle de manière très surprenante une tension apocalyptique et un sens de l’humour absurde dans ce court métrage en compétition à la Berlinale. Dans la raideur des images de synthèse, une intrigante lumière semble sur le point de vaciller. Mili Pecherer nous en dit davantage sur ce étrange conte existentiel.
Vous avez expliqué que le point de départ de cette histoire inspirée par la Bible était une expérience très personnelle. Pouvez-vous nous en dire davantage à ce sujet ?
Oh mon Dieu, comment répondre brièvement à cette question… J’ai commencé mon voyage à Jérusalem avec des documentaires, me lançant dans des aventures armées d’une petite caméra et de quelques règles que j’ai moi-même inventées (comme savoir où aller précisément,ou ce que je cherche – bien que je n’aie jamais tendance à le trouver). J’ai peur d’écrire des scénarios et j’ai du mal à prendre des décisions, donc cette technique me convenait bien. C’est aussi ce qui m’a amenée à devenir le personnage principal de tous mes films parce qu’il n’y avait toujours que moi, ma caméra et l’aventure. Je m’y suis habituée et je me suis sentie à l’aise. Après quelques années, j’ai décidé de faire le saut dans la réalisation de films d’animation, ce qui a coïncidé avec une nouvelle passion que j’ai développée. Une passion pour la Bible.
Comme beaucoup d’autres, j’ai trouvé ce best-seller fascinant, et j’ai adoré le fait qu’il soit écrit d’une manière si brillante que les gens l’interprètent depuis 5000 ans, et qu’il puisse continuer à le faire indéfiniment. J’ai donc voulu tenter ma chance avec ça aussi. Pour ma première interprétation biblique, j’ai choisi le mythe du sacrifice d’Isaac. Cependant, j’ai cherché à mettre l’accent sur le personnage du bélier qui a été sacrifié par Abraham au lieu de son propre fils, Isaac. Au départ, je pensais que l’utilisation de l’animation CGI me libérerait de mon propre personnage, car ce que je visais à raconter, c’était l’histoire de ces personnages bibliques. Cependant, j’ai rencontré des défis philosophiques en essayant d’écrire du point de vue d’un bélier. Je suis donc revenue à ce qui m’est familier : je me suis scannée en avatar et je suis devenue un personnage de ce conte biblique, en l’explorant de mon point de vue contemporain. J’ai endossé le rôle d’une bergère perdue, et le bélier sacrifié s’est avéré être un de mes amis. De cette aventure naîtront deux films, Ce n’était pas la bonne montagne, Mohammad (qui a été sélectionné à la Berlinale et à Annecy en 2020) et Tsigele-Migele (qui a été montré à la Fondation Pernod-Ricard et au FIDMarseille 2021).
Pour We Will Not Be the Last of Our Kind, les choses se sont passées de manière assez similaire. J’ai été invitée par le Musée d’art et d’histoire du Judaïsme à Paris et sa conservatrice Pascale Samuel à créer une installation cinématographique pour la Nuit Blanche 2022. Avec confiance, j’ai dit : « Oui, bien sûr, je travaille actuellement sur un film inspiré par l’Arche de Noé ; Je pourrais le faire pour vous en tant qu’installation ». Mais ce n’était pas tout à fait vrai ; je n’avais aucune idée de comment faire un film sur l’Arche de Noé. De plus, c’est l’un des contes bibliques les plus célèbres et les plus galvaudés, raconté d’innombrables fois, connu de tous les enfants du monde.
Je n’avais aucune idée de la façon d’y trouver mon petit coin conceptuel. À cette époque, ma carrière artistique n’était pas vraiment florissante, c’est le moins que l’on puisse dire. Je travaillais sur un site de construction, sur l’île du Frioul près de Marseille, dans le cadre d’un chantier d’insertion. J’étais déjà sur le point de m’éloigner du monde de l’art, peut-être vers une carrière de menuisière ou quelque chose de similaire, lorsque l’opportunité de faire un nouveau film s’est présentée une fois de plus. C’est à ce moment-là que ma chère amie Cindy Coutant est venue à ma rescousse. Nous nous sommes isolées dans une petite maison, et pendant quelques jours, je lui ai déversé toutes mes pensées et partagé toutes les notes que j’avais prises sur l’Arche de Noé. C’est à ce moment-là qu’elle m’a dit : « Je pense que ton arche biblique est aussi un programme de réinsertion professionnelle », et tout s’est déclenché.
D’autant plus que j’étais obsédée par la question : « Qu’est-ce qui a poussé tous ces animaux libres et sauvages à accepter l’appel de Noé et à embarquer sur cet énorme vaisseau en bois ? ». Eh bien, c’était peut-être Pôle Emploi, qui leur a fait la même promesse qu’ils m’ont faite : « Viens avec nous et nous t’apprendrons à être, pour que ton frigo soit toujours plein et que la vie soit plus confortable ». Mais cela vaut-il la peine de survivre à tout prix ? C’est la question que je me pose, et c’est une question que pose aussi le film.
Comme Yuval Noah Harari l’écrit dans Sapiens: « Un rhinocéros sauvage au bord de l’extinction est probablement plus satisfait qu’un veau qui passe sa courte vie à l’intérieur d’une minuscule boîte, engraissé pour produire des steaks juteux. Le rhinocéros satisfait n’en est pas moins content d’être parmi les derniers de son espèce ».
Il y a une atmosphère sombre et apocalyptique dans votre film, mais vous laissez néanmoins une place pour l’absurde et l’humour. Comment avez-vous envisagé l’équilibre entre les différents tons de votre film ?
Eh bien, j’aime l’idée que vous pensiez que j’ai trouvé un équilibre. Je suppose que cela doit venir… de mon idendité juive ?
J’ai pris des cours de yiddish il y a quelques années. La première leçon portait sur la façon de répondre à la question « Vos makhstu ? » (Comment allez-vous ?). Vous voyez, en français, ou dans d’autres langues, il est d’usage de répondre à cette question par un simple « bien » ou « ça va ». En yiddish, ce type de réponse est une erreur fatale qui vous discrédite immédiatement. Au lieu de cela, il est d’usage de montrer immédiatement que rien ne va bien. Donc, à la place, vous devriez dire, par exemple, « Freyg nisht ! » (Ne demandez pas !) : Ce qui signifie « S’il vous plaît, demandez-moi à nouveau, demandez-moi comment je vais mal ». Ou « S’iz a brokh » (C’est un désastre) : vous mettez immédiatement la barre très haut pour capter l’attention de vos interlocuteurs. Vous devriez attendre un moment jusqu’à ce que vous entendiez un « Nu, vus iz gesheyn ? » (Alors, que s’est-il passé ?) pour annoncer que votre fils a attrapé un rhume ou que vous ne rentrez pas dans la robe que vous avez achetée la semaine dernière.
Mais cela découle aussi des histoires bibliques elles-mêmes. C’est un livre hautement apocalyptique et absurde. Tout était là. Saviez-vous que Noé était un ivrogne ? Et que les hémorroïdes étaient une punition divine ? Mais je ne dis pas cela avec cynisme ; ce livre plonge profondément dans l’âme humaine et les doutes. C’est juste que les écrivains anciens n’avaient pas les mêmes termes psychologiques que nous avons aujourd’hui.
Pouvez-vous nous parler de la technique d’animation que vous avez choisie pour votre film ?
Comme je n’ai jamais vraiment l’impression de « savoir » comment faire des films, chaque fois que je me lance dans un tel voyage, c’est écrasant. Ainsi, je compte beaucoup sur les rencontres que j’aurai en cours de route et sur les personnes qui sont prêtes à me rejoindre dans cette aventure, qui ressemble toujours à un peu de miracle.
Ce film a été réalisé à l’aide d’Unreal 5 qui est un moteur de jeu vidéo en temps réel. Je ne l’ai jamais vraiment choisi. Je suppose que nous pourrions convenir qu’il est moins cher et plus facile de faire un film sur l’Arche de Noé en animation plutôt qu’un film en prise de vue réelle. Mais sinon, je n’avais aucune idée de la façon de réaliser ce film, comme je l’ai déjà mentionné. J’étais dans le noir. Et comme dans l’obscurité, vous faites de petits pas hésitants et essayez de tâtonner.
J’ai commencé par concevoir l’arche, mais ce n’était alors qu’un grand espace blanc et sans vie. Heureusement, j’ai trouvé Matt Austin, qui lui a donné vie en créant les textures, les lumières et les environnements. Matt a choisi de travailler au sein d’Unreal, alors qu’auparavant je ne connaissais que Unity. Par la suite, j’ai acheté les animaux en 3D, qui étaient livrés avec des animations intégrées et j’ai créé mon avatar avec l’aide de Vincent Pouydesseau.
Tout le monde était prêt (ce n’était pas si simple, mais pour faire court) et j’avais maintenant besoin d’un développeur Unreal pour donner vie à tous les personnages. Je n’ai trouvé personne pendant des mois, car Unreal 5 était tout nouveau. J’ai beaucoup pleuré. Et juste avant d’abandonner, Matt a demandé à un de ses amis, et il a accepté de se joindre au projet. Ce n’était pas une coïncidence : il s’appelait Angel. Angel Flores Sanchez. Comme le film était plutôt à petit budget par rapport à ses ambitions, Angel avait l’habitude de faire des tutoriels pour moi afin que je puisse apprendre à faire certaines des tâches d’animation moi-même. Mais je n’avais pas non plus de scénario.
L’une des choses qu’Unreal m’a permis de faire, c’est d’aborder le film comme une petite maison de poupées. Je plaçais mes animaux sans vie et ma caméra virtuelle dans différentes positions et j’imaginais des scènes. Comme les animaux et mon avatar avaient des animations prédéterminées, et que j’avais l’arche comme zone de tournage stricte et confinée, cela m’a aidée à réduire mes possibilités pour l’histoire ; j’étais obligé d’imaginer les actions dans les limites que j’avais.
Puis Adrien Dupuis-Hepner est venu écrire les dialogues avec moi. Lorsque le storyboard et les dialogues ont été plus ou moins définis (ils n’ont cessé de changer tout au long du processus d’animation), j’ai dit à Angel : « D’accord, passons à l’animation ! » et il a dit : « Mais… Nous ne savons pas quoi faire ». Il m’a donc dit que je devais créer le son du film, à l’aveugle, sans film, pour que nous puissions animer par-dessus. C’était de la torture, mais je l’ai fait. Et nous avons commencé à jouer.
Donc, en gros, l’approche documentaire que j’ai adoptée au début de mon parcours créatif a également été conservée ici. Vous avez besoin de règles pour commencer à jouer au jeu. Le jeu introduit des règles pour créer de l’ordre mais permet aussi un désordre contrôlé dû au hasard. Je n’ai jamais choisi une technique : c’est elle qui m’a choisie. C’est une danse entre la technique et le film ; chacun est nourri par l’autre. Jusqu’au jour où vous sortez de l’obscurité et que vous réalisez que vous avez un film, et vous n’avez aucune idée de ce qui s’est passé, car vous ne faisiez qu’un pas hésitant à la fois, en ne regardant que vos pieds.
Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?
Pendant ce long séjour dans l’obscurité, j’ai revisité l’un de mes favoris de tous les temps : Monde de gloire de Roy Andersson. Je l’ai regardé à plusieurs reprises, malgré l’inconfort qu’il suscitait en moi. À chaque visionnage, j’en devenais de plus en plus convaincue : « c’est ce que je veux faire ». Je suis attirée par les films existentiels et la littérature. J’en ai besoin. J’ai soif de récits qui réfléchissent à notre existence maudite ou qui explorent les fluctuations complexes de nos âmes, qui pourraient surgir dans des directions imprévues à tout moment. Nous sommes indomptés, pas maîtres de notre destin, et finalement condamnés. Pourtant, au milieu du chaos, il est réconfortant de reconnaître que la raison et la causalité ne sont pas les seules forces en jeu. Ces films me rappellent que je ne suis pas seule dans ce voyage tumultueux qu’est la vie. Les films de Roy Andersson sont un pleur, un cri.
Tout comme Benjamin Fondane, l’un de mes philosophes préférés, dont j’ai emprunté les mots pour le personnage du corbeau dans le film, l’a dit un jour dans son livre Faux Traité d’esthétique : « Qu’est-ce donc pour nous que la poésie, cri, prière, acte magique ! qu’importe ! Que celui pour lequel elle est un cri, crie ! Qu’il prie celui pour qui elle est prière ! Mais surtout que le poète ose, qu’il descende des catégories de sa pensée dans les catégories de sa propre vie ». .Je me suis donc inspirée de Monde de gloire de Roy Andersson, en incorporant des éléments tels que la caméra statique (une limitation qui m’a aussi beaucoup aidée), le narrateur qui s’adresse à la fois à la caméra et au public, et le sentiment d’apathie omniprésent.
Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran ?
La première chose qui me vient à l’esprit est le film de Diego Marcon, The Parents’ Room. Je l’ai vu lors du FIDMarseille 2022 et ça m’a époustouflée. Tout d’un coup, je n’étais plus seulement dans une salle de cinéma ; j’avais l’impression d’être dans une sorte d’espace sacré, avec mes sens enveloppés par la musique, le son et les couleurs… la pureté. Je ne sais pas quoi dire de plus à ce sujet, il a juste gratté une corde intérieure profonde de mon âme. En fait, ce film partage une similitude frappante avec Monde de gloire quand j’y réfléchis, et c’est la boucle. Les deux films créent un cycle sans faille où le récit peut se poursuivre indéfiniment, plongeant le spectateur dans des limbes existentielles sans fin. C’est comme l’éternel retour, un miroir de la vie je suppose.
Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 10 février 2024.
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