Nos conseils - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Bait

admin — Wed, 03 Jun 2026 04:52:45 +0000

Dans un village de pêcheurs au cœur des Cornouailles, la pêche se fait de plus en plus rare au profit d’une activité touristique grandissante. Martin Ward, est un pêcheur sans bateau, son frère ayant transformé celui de leur père à des fins touristiques. Après la vente de leur maison familiale à de riches londoniens qui n’y passent que leurs vacances, Martin lutte pour conserver une place au sein de son village.

Bait
Royaume-Uni, 2019
De Mark Jenkin

Durée : 1h29

Sortie : 03/06/2026

Note :

MIROIR DÉFORMANT

Un petit village côtier des Cornouailles, ses mouettes, son pub, ses pêcheurs, ses traditions, ses touristes venus de la ville… le décor planté par le réalisateur Mark Jenkin pourrait être une parfaite et charmante carte postale, ainsi qu’une liste d’ingrédients toute prête à devenir un énième film social et réaliste comme les Britanniques savent les faire. Or dès les premiers plans, Jenkin envoie valser très loin ce fameux réalisme. Dans son ton, son montage et surtout son traitement visuel: Bait ne ressemble à rien de ce que l’on voit aujourd’hui, au Royaume-Uni comme ailleurs.

Voir Bait, c’est comme découvrir l’un des premiers films parlants de l’Histoire. Comme s’il s’agissait là d’un film lui-même laissé trop longtemps à l’air du large et qui avait rouillé. Le film se passe à l’époque actuelle mais pourrait tout aussi bien dater d’il y a un siècle. Tournées en noir et blanc et en 16mm, les images du film ont l’air d’avoir été saisies avec la plus vieille caméra du monde. Retravaillées et vieillies artificiellement, elles ont les rayures et les tâches des pellicules d’antan. Les dialogues tous doublés en post-prod rajoutent encore un décalage. Quant au montage, vraiment l’une des qualités les plus saisissantes du film, il a l’air de sortir d’un cours sur l’école soviétique, avec ses très gros plans et ses associations brutales. La moindre partie de pêche ou discussion familiale devient alors un angoissant film noir de poche .

Bait pourrait n’être qu’un exercice de style, un objet un peu vain mais surtout claustrophobe, où le personnages et leurs histoires ne seraient traités que comme de vagues prétextes. Une crainte renforcée par le jeu particulièrement distancié des acteurs. Sauf qu’il y a justement quelque chose de très vibrant qui se trame dans ce récit archétypal d’affrontement familial (chez des cinéastes moins ambitieux, cela pourrait virer à la saga de l’été). Alors même qu’on nage en plein artifice, les gaillard taiseux qu’on croyait monolithiques prennent une profondeur inattendue. Même chose pour les personnages féminins, qu’on avait peur de voir sacrifiés à la périphérie du récit. Comment nait cette émotion? Bien malin qui saura y répondre.

C’est la le tour de magie le plus paradoxal opéré par Mark Jenkin : alors même qu’il vogue très loin des codes classiques du cinéma social britannique, c’est comme s’il en avait emporté en cachette dans son voyage les meilleures qualités. Bait n’est pas un film coupé du monde. C’est un film qui parle de nous, de la vie en communauté, des rapports de classe et de sexe. C’est un geste pictural d’une réjouissante ambition, et alors même qu’il a l’air de sortir d’un autre monde, c’est un film sur ici et maintenant. Un miroir pas si déformant que ça.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Saccharine

admin — Wed, 03 Jun 2026 04:50:46 +0000

Une étudiante en médecine mal dans son corps se met à consommer une étrange gélule pour perdre du poids, libérant une force surnaturelle qui envahit de plus en plus son quotidien.

Saccharine
Australie, 2026
De Natalie Erika James

Durée : 1h52

Sortie : 03/06/2026

Note :

PLEIN REGIME

La cinéaste australienne Natalie Erika James s’était fait repérer en 2020 avec Relic, un premier long métrage réussi qui invitait l’horreur dans le drame d’une famille confrontée à la maladie d’Alzheimer. Après une parenthèse américaine pour un préquel de Rosemary’s Baby, James revient en Australie et ausculte cette fois une autre forme de névrose : la dysmorphophobie. Hana, étudiante en médecine, s’imagine plus grosse et moins jolie qu’elle ne l’est en réalité. C’est moins un trouble narcissique qu’une authentique angoisse, et c’est bien ce qui la pousse à commettre deux erreurs.

La première : s’inscrire à un programme intensif de remise en forme uniquement dans le but secret de choper la coach hyper sexy (contre toute attente : elle y parvient, bravo). La deuxième : consommer des pilules miracles illégales qui s’avèrent uniquement composées de cendres humaines. Cette révélation devrait suffire à faire fuir n’importe quelle personne équilibrée, mais comme tous les protagonistes de légendes urbaines, Hana est trop têtue. Dès lors, elle ne se contente pas de perdre un poids inquiétant : la voilà poursuivie par le fantôme dont les cendres ont fini dans ses gélules.

Natalie Erika James remplace l’atmosphère d’inquiétant sérieux de Relic par la forme pop et fluo d’un bonbon acidulé. A vrai dire ce bonbon là pourrait viser une ivresse plus forte. Saccharine conserve en effet quelques défauts tels ce carnet dans lequel Hana note toutes ses péripéties alors même qu’on vient de les voir, et cette sous-intrigue avec papa qui semble avoir été agrafée au scénario sur le chemin de la photocopieuse. Á coup de blagues vachardes, le script slalome efficacement pour éviter la grossophobie, quitte à tomber sur une impasse en faisant justement du fantôme une créature obèse.

Sélectionné coup sur coup à Sundance et à la Berlinale, Saccharine n’est pas un déluge gore à la The Substance, c’est surtout lorsqu’elle jongle entre son versant gag (l’hilarante scène où Hana révèle son problème à sa collègue lesbienne) et ses visions saisissantes (un gâteau/cadavre, une tête de mort parmi les sacs poubelles) que cette comédie queer trouve son équilibre le plus juteux : celui d’un mauvais esprit évoquant Les Contes de la crypte, où le mauvais goût est une punition pour les personnages et une récompense pour les spectateurs.

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Gregory Coutaut

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Critique : Vanilla

admin — Wed, 20 May 2026 04:29:44 +0000

Sept femmes à la volonté de fer se battent pour sauver leur maison de la saisie hypothécaire. Roberta, une fillette de 8 ans, évolue dans une dynamique familiale atypique : un foyer sans père, où elle vit entourée de diverses figures féminines.

Vanilla
Mexique, 2025
De Mayra Hermosillo

Durée : 1h36

Sortie : 20/05/2026

Note :

PARFUM DE VANILLE, AMOUR QUI PÉTILLE

Il y a beaucoup de bibelots dans la maison de Roberta : beaucoup de choses sur la commode, dans les tiroirs de la commode, dans les boites cachées dans les tiroirs. Il y a aussi beaucoup de monde dans la maison de Roberta, et rien que des femmes dans ce qui ne ressemble pas tout à fait à une famille comme les autres. Vanilla, premier long métrage de la Mexicaine Mayra Hermosillo, s’ouvre par des images de femmes de différentes générations qui s’amusent à la plage. Parmi elles, une plus jeune (et pourtant plus soucieuse) les regarde.

Dévoilé en compétition de la sélection Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Vanilla raconte la vie qui continue au sein d’une famille, malgré les nuages qui s’amoncellent et la catastrophe qui s’annonce. Roberta, mères, tantes et grands-mères risquent de perdre leur maison remplie de tout un bordel. C’est un drame, mais les drames n’ont pas la même apparence ni le même cachet lorsqu’ils sont vécus dans des looks aux couleurs des années 80. La reconstitution délicieuse ajoute un charme à cette vive comédie dramatique. Les plans courts impriment un tempo efficace dans ce film qui de temps à autre, dans une veine moins sombre, peut évoquer le cinéma de la Mexicaine Lila Aviles.

« Puta ! », gueule le perroquet. Le ton est léger mais peu à peu, les couleurs chaleureuses s’affadissent à mesure que la lumière de l’espoir s’éteint. Mamie joue aux cartes en mangeant ses biscuits tandis que les courriers menaçants sont déposés dans la boite aux lettres. Le film effectue un va-et-vient efficace sur cette famille au bord du précipice, sur la vie qui reprend le dessus, et sur les emmerdes qui reviennent. Les protagonistes ne sont pas parfaites, ni dans la vie normale, ni dans le chaos – et la réalisatrice parvient à incarner ce chaos-là avec dynamisme, sans clichés pittoresques.

En creux, Vanilla compose l’émouvant récit d’apprentissage d’une gamine forcée de grandir un peu trop tôt. Dans une famille un peu différente, dans des conditions imprévues. Les figures et motifs sont connus, mais l’emballage, qu’il s’agisse de l’esprit ou du ton du film, possède une énergie communicative. Vanilla dépeint ce qu’on conserve et ce qu’on abandonne en grandissant, comme ce qu’on garde dans la poche et ce qu’on laisse finalement dans la maison.

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par Nicolas Bardot

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Critique : ChaO

admin — Tue, 12 May 2026 02:59:47 +0000

Dans un monde où humains et sirènes coexistent, Stephan, un employé de bureau ordinaire fait la rencontre de Chao, une princesse du royaume des sirènes. Après une demande en mariage à son insu, Stephan n’a pas le temps de comprendre ce qui lui arrive et doit partager sa vie avec cette fille adorable mais imprévisible. L’amour sincère que Chao a pour lui le pousse à tout remettre en question. Commence alors une romance inattendue et touchante entre deux êtres que tout oppose.

ChaO
Japon, 2025
De Yasuhiro Aoki

Durée : 1h30

Sortie : 13/05/2026

Note :

PÊCHE MIRACULEUSE

Dans la plupart des contes, les jeunes filles en détresse tombent volontiers en pamoison pour leur valeureux sauveur. ChaO, réalisé par le Japonais Yasuhiro Aoki, est un conte – mais pas n’importe quel conte. Celui-ci renverse les codes familiers : c’est cette fois un jeune homme, Stephan, qui est sauvé par une héroïne – une sirène à la place d’un chevalier. Mais sous une certaine lumière, ladite sirène ressemble juste… à un poisson. Jovial et kawaï, mais un poisson quand même. Lorsque ce sauvetage implique que Stephan et la princesse ChaO vont devoir se marier, le film tourne à la réjouissante comédie non-sensique.

ChaO s’appuie sur un univers exotique et séduisant, un Shanghai de fantaisie où les décors se montrent particulièrement riches. C’est l’une des pattes du Studio 4°C (Mind Game, Amer béton, Les Enfants de la mer) qui a produit le film, comme ce design anguleux qui caractérise nombre de personnages. Les designs ont du relief dans ce film essentiellement dessiné à la main, où le refus de la ligne nette donne une grisante vibration à l’ensemble. Autre idée efficace et source de rires : les différentes échelles de personnages, où l’apparence physique vient traduire l’énergie qui les traverse – à chaque personnage, son énergie.

Si ChaO parvient à se distinguer, le long métrage obéit également à certaines règles essoufflées comme la traditionnelle course-poursuite de dénouement de film. Mais cette fable d’apprentissage sait très habilement s’y prendre d’un point de vue narratif : ChaO est très mouvementé mais toujours maîtrisé, et ne tombe pas dans le piège de l’agitation. Cette comédie fantastique et très cute propose un spectacle aussi généreux que chatoyant. Lauréat du prix du jury lors du dernier Festival du Film d’Animation d’Annecy, ChaO signale Yasuhiro Aoki, qui signe ici son premier long métrage, comme un créateur à suivre.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Élise sous emprise

admin — Tue, 12 May 2026 01:59:29 +0000

Rien ne va plus dans la vie d’Élise : engluée dans une relation toxique avec Léopold, elle se retrouve propulsée à la tête d’une troupe de théâtre, suite à la mort soudaine du metteur en scène dont elle était l’assistante. Submergée par des crises de panique, Élise vacille. Mais peut-être est-ce dans cette confusion qu’elle parviendra à se libérer de ses emprises et à reprendre le contrôle de sa propre vie ?

Elise sous emprise
France, 2025
De Marie Rémond

Durée : 1h26

Sortie : 13/05/2026

Note :

MOURIR SUR SCÈNE

Dans un cercle de parole, une âme blessée se confie sur son mal : « les gens, ils ne le voient pas forcément ». En un cut de comédie, on découvre Élise, l’héroïne éponyme du long métrage, avec un gros bandage autour de la tête. Avec Élise, les gens le voient forcément : Élise est névrosée, Élise a plein de problèmes. Élise sous emprise est le premier long métrage de Marie Rémond, qu’on a pu voir en tant qu’actrice dans Jeune femme, Le Consentement ou Les Fantômes mais qui a peut-être davantage été repérée au théâtre où elle a reçu le Molière de la révélation féminine en 2015. Elle interprète aussi ici le rôle principal.

Élise, justement, travaille dans le monde du théâtre. Elle est l’assistante d’un metteur en scène chevronné, aux formules plus pédantes les unes que les autres. Rémond porte un regard plutôt mordant sur la scène, remplie de personnes qui savent tout, ont un point de vue sur tout. Et quand on bégaie en réponse à la moindre question comme la fragile Elise ? Comment vivre sur la scène du théâtre ou celle de la vie quand tout est labyrinthe, quand tout rapport social génère de l’angoisse, quand on regarde le monde comme derrière la buée d’un casque ? Le monde n’est simple pour personne mais surtout pas pour l’héroïne du film dont la phobie n’est pas les araignées géantes ou les serpents exotiques mais… les transports en commun – ce qui peut être fâcheux quand on est comme elle une citadine.

Marie Rémond signe une comédie malaise dont le métronome peut aller parfois plus franchement vers la comédie, mais qui n’a pas peur régulièrement de pencher vraiment vers le malaise. Voilà qui donne du relief à ce film humble, qui ne prétend pas réinventer la roue en termes de mise en scène ou d’écriture. Mais la petite musique cassée de Marie Rémond est efficace ; elle sait écrire avec justesse les blessures quotidiennes comme le mal au travail (même si c’est une passion comme le théâtre) ou le sentiment permanent d’imposture. Élise est un être fragile, soit la proie préférée des connard toxiques et des professionnels du gaslighting. Derrière le rire il y a de la violence dans les rapports, mais aussi beaucoup de tendresse dans le regard de la cinéaste. « Pas si simple de comprendre réellement ce pour quoi on est fait » dit le personnage singulier incarné par Gustave Kervern, une note d’intention peut-être un peu littérale mais c’est le point de vue chaleureux du long métrage qui compte avant tout.

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par Nicolas Bardot

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A voir en ligne | Critique : Mother’s Baby

admin — Sun, 10 May 2026 18:16:54 +0000

Julia, 40 ans, chef d’orchestre à succès, et son compagnon Georg se languissent d’un enfant lorsque le Dr Vilfort, spécialiste de la fertilité dans une clinique privée, leur offre de l’espoir avec une procédure expérimentale. Julia tombe enceinte après un traitement réussi à la clinique. Cependant, l’accouchement ne se passe pas comme prévu et le bébé est immédiatement emmené pour un traitement supplémentaire, laissant Julia et son mari dans l’ignorance de ce qui s’est passé.

Mother’s Baby
Autriche, 2025
De Johanna Moder

Durée : 1h47

Sortie : 11/05/2026 (sur Sooner)

Note :

ALLÔ BÉBÉ ICI MAMAN

Julia et Georg sont dans une attraction à sensations dans une fête foraine – s’y envoyer en l’air est aussi excitant qu’effrayant. Le couple expérimente les mêmes sentiments sur la terre ferme, alors que Julia s’apprête à mettre au monde leur bébé tant attendu. La réalisatrice autrichienne Johanna Moder n’a pas peur des archétypes dans ce film aux ingrédients classiques sur la maternité (ainsi que sur tout l’imaginaire paranoïaque et menaçant qui y est lié, dans la vie comme au cinéma).

Qu’avez-vous fait à mon bébé ? L’étincelle du doute chez Julia devient un gouffre lorsque celle-ci soupçonne que, définitivement, quelque chose cloche. Dans le cinéma fantastique ou horrifique, on loue souvent la maestria d’une mise en scène ou les surprises d’un scénario malin, mais l’une des clefs du succès est l’interprétation. On croit au trouble de Mia Farrow car Mia Farrow y croit. On croit à l’horreur dont est témoin Ellen Burstyn car Ellen Burstyn y croit aussi. De la même manière, l’Allemande Marie Leuenberger, au jeu dénué d’artifices, nous fait croire à ses doutes car elle y croit elle-même dur comme fer.

De manière surprenante et avec une ironie certaine, Johanna Moder et son coscénariste Arne Kohlweyer parviennent à nous convaincre que quelque chose ne va pas en faisant répéter à leurs personnages « tout va bien » comme un mantra. Tout va bien devient la phrase la plus angoissante du film et voilà un excitant pari scénaristique : créer de la tension et de l’inquiétude alors que rien d’explicitement anxiogène n’arrive à l’écran (à part, excusez du peu, le fait d’être mère). Les péripéties sont quasi absentes, il règne un profond silence – c’est précisément dans la retenue dramatique et dans le silence que Moder laisse rentrer toutes les questions et angoisses.

Si être mère éveille 1001 doutes chez Julia, la première concernée, le sujet est un non-sujet pour la quasi-intégralité de son entourage. C’est là que Mother’s Baby se raccroche à un drame tout ce qu’il y a de plus réaliste : tout le monde a son mot à dire, tout le monde a un droit de regard, et Julia peut, avec condescendance, être évoquée à la troisième personne même en sa présence. Plus qu’un thriller médical, Mother’s Baby est aussi un drame féministe sur le gaslighting.

Tôt dans le film, l’accouchement est filmé à l’aide d’un travelling circulaire. C’est étourdissant, mais c’est aussi un cercle formé sur son sujet, qui ne devrait laisser aucun doute. Johanna Moder fissure ce cercle parfait avec habileté – mais aussi avec générosité. Le dénouement spectaculaire qui pioche dans des sous-genres moins respectés ne sera peut-être pas au goût de tout le monde – tant mieux : c’est là l’un des délices d’un film qui, programmatique sur le papier, parvient finalement à nous emmener avec efficacité là où il le désire.

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par Nicolas Bardot

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Critique : The World of Love

admin — Mon, 04 May 2026 21:20:47 +0000

Joo-in est une lycéenne espiègle et appréciée de tous. Un jour, un camarade de classe lance une pétition que tous les élèves signent, sauf elle. Son monde, en apparence paisible et insouciant, dissimule un passé douloureux auquel Joo-in est alors contrainte de faire face. Mais loin de se laisser enfermer, elle choisit d’avancer et de se réinventer.

The World of Love
Corée du sud, 2025
De Yoon Ga-eun

Durée : 1h59

Sortie : 06/05/2026

Note :

SI TU LE DIS

Jooin va bien, merci. A vrai dire, si on lui posait la question directement elle nous répondrait sans doute avec de grands yeux interloqués tant ses journées filent sur de sympathiques roulettes. Ce n’est pas que sa vie soit un lit de roses ou qu’elle soit naïve, c’est plutôt que cette jeune fille possède suffisamment de rebond et d’optimisme pour être à la fois l’irrésistible clown de la classe, une fille qui n’a pas besoin qu’on lui demande pour aider à la maison, une amoureuse qui sait ce qu’elle veut, une grande sœur malicieuse, une jeune fille avide de blagues de cul, une enfant et une ado à la fois.

La cinéaste coréenne Yoon Ga-eun (révélée il y a une dizaine d’années avec The World of Us), fait preuve d’un grand talent d’écriture pour bâtir une cascade de scènes dynamiques qui n’ont pas besoin de plus de quelques minutes pour mélanger les tons avec subtilité. Maman boit un peu trop ? Autant en rire, hein. Elle a encore vomi dans un coin de l’appartement ? Cette fois-ci le gag est un peu plus amer, mais on n’a pas le temps de s’appesantir. Jooin a toute une vie à vivre, elle a de l’appétit à revendre et ne manque pas de choses à dire. C’est d’ailleurs ainsi qu’arrive le scandale à son école. Aveu ou provocation ? Lors d’une discussion vive, Jooin clame (pour mieux se rétracter aussitôt) qu’elle a été victime d’une agression sexuelle dans l’enfance, et qu’elle n’en est pas spécialement traumatisée pour autant.

The World of Love n’est pas un film-à-sujet mettant en scène une héroïne seule contre tous. Il n’est pas question de conséquences extérieurs (travail de la justice, exclusion sociale, etc). Ce que raconte le film, c’est comment justement la vie continue dans toutes ses nuances après une telle déclaration. Qu’est-ce qui se passe intérieurement pour Jooin, pour sa meilleure amie, ses camarades de classe? La multiplicité des personnages vient parfois se mettre en travers de la clarté du récit, mais elle vient concrètement traduire l’idée centrale du scénario qui est que la libération de la parole est l’affaire de toutes et tous.

Sans jamais nous placer dans des situations éprouvantes, Yoon Ga-eun fait harmonieusement évoluer le film du charme à la gravité, épousant ainsi la complexité du sujet, en donnant de plus en plus de profondeur à sa protagoniste. Comme l’indique le titre du film, c’est avant tout un sentiment de chaleur qui plane au-dessus de The World of Love, mais sans aucune naïveté. Tout cela pourrait bénéficier de davantage de brièveté mais la réalisatrice fait ici preuve d’un talent flagrant de narratrice qui la distingue dans le paysage coréen contemporain.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Collapse (Face à Gaza)

admin — Mon, 04 May 2026 21:06:15 +0000

Peu après le 7 octobre 2023, Anat retourne dans ce qui était autrefois sa maison. Elle erre et filme pendant plus de deux ans dans ce kibboutz incendié et sur des terres agricoles transformées en machines de destruction. Au-delà de la clôture, Gaza est anéantie.

Collapse (Face à Gaza)
France, 2026
D’Anat Even

Durée : 1h18

Sortie : 06/05/2026

Note :

Á VOIX HAUTE

« Comment véhiculer la parole des habitants de Gaza quand on n’est pas à leur place ? », « C’est impossible ». Cet échange a lieu entre les deux voix off qui accompagnent le documentaire Collapse (Face à Gaza), présenté dans la section Forum de la Berlinale. La principale est celle de la réalisatrice Anat Even, l’autre est cette de son ami Ariel, exilé à Paris. Deux voix israéliennes dissidentes et critiques envers leur pays. Anat Even a effectivement l’honnêteté intellectuelle de ne pas prétendre pouvoir se substituer à un témoignage palestinien sur Gaza. Son film est fait depuis son point de vue à elle, juste de l’autre côté de la frontière.

Dès 2023, la réalisatrice filme littéralement ce qu’elle connaît : le kibboutz Nir Oz, où elle a vécu toute sa vie et qui a été en grande partie détruit dans des attentats terroristes. Les images de Collapse sont brutes, soulignant la forme austère de ce témoignage qui n’a de toute façon pas le mauvais goût de courir après la beauté, mais le décor qu’Even filme demeure stupéfiant à plus d’un titre. De l’extérieur, certaines maisons ont l’air intactes et même accueillantes mais quand la caméra pénètre à l’intérieur il ne reste que des ruines. Ce n’est bien sûr rien par rapport au paysage qui se dresse à quelques pas : de l’autre côté d’un grillage absurde, Gaza n’apparaît plus que comme une immense ruine, une bande de destruction qui couvre tout l’horizon entre le désert et le ciel.

Documentaire exigeant, Collapse laisse une place importante à la découverte de ces espaces vides et morts. D’ailleurs il reste bien une survivante des attentats de Nir Oz, mais Even ne s’attarde pas sur elle et propose un autre portrait. Aux analyses et poèmes véhiculés par les deux voix off viennent s’ajouter des discours plus directs. D’abord celui, anonyme, des autocollants, graffitis et affichages sauvages accusant le régime israélien, puis celui en chair et en os des résidents. Si Collapse ne fait pas l’impasse sur certains discours sionistes glaçants, il véhicule surtout une parole plus rarement entendue, celles des Israéliens dissidents qui osent manifester en public et huer Netanyahu sur son passage.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Dao

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:16:03 +0000

Aujourd’hui Gloria marie sa fille en banlieue parisienne. Il y a peu, en Guinée Bissau, elle assistait à la cérémonie qui consacre son père décédé en ancêtre. D’une cérémonie à l’autre, entre passé et présent, vie et mort, réalité et fiction, Gloria se réconcilie avec son histoire, trouve sa place et connaît un moment de paix.

Dao
France/Sénégal/Guinée-Bissau, 2026
D’Alain Gomis

Durée : 3h05

Sortie : 29/04/2026

Note :

NOS CÉRÉMONIES

Comme nous l’apprend un carton placé en introduction de ce long métrage, Dao est un terme désignant un mouvement perpétuel et circulaire qui unit le monde et les choses. Un trop vaste programme pour rentrer dans un seul film ? Chiche. Le cinéaste franco-sénégalais Alain Gomis (lire notre entretien) n’a pas froid aux yeux et parvient bel et bien, trois heures durant, à unir ici des échelles radicalement différentes. Il n’y a pour ainsi dire que deux événements se déroulant dans Dao : une cérémonie de mariage en France et une cérémonie funéraire en Guinée-Bissau. Deux événements seulement, une seule héroïne (formidable Katy Corréa), et pourtant c’est comme si Alain Gomis avait fait rentrer la vie entière sans son film.

Après une longue absence, Gloria revient dans son village natal en Guinée-Bissau suite au décès de son père. Ailleurs, en banlieue parisienne, elle assiste au mariage de sa fille. Dao va et vient entre les deux événements, les alterne par blocs ou bien les superpose de façon quasi subliminale, mettant en avant leurs nombreux points communs. Lors de ces deux journées composées de rituels et de traditions, ce n’est pas seulement la famille proche qui est réunie mais toute la communauté. Gloria est le fil conducteur de ce récit choral à la fois accueillant et vertigineux, riche en personnages collectivement tournés tantôt vers le passé, tantôt vers l’avenir.

Alain Gomis, qui revient aujourd’hui en compétition à la Berlinale huit ans après son Grand Prix pour Félicité, dit avoir puisé une partie de son inspiration dans son expérience personnelle, et une autre dans la volonté de faire un portrait collectif à la première personne du pluriel. Dao s’ouvre ainsi par des scènes de casting où les interprètes que l’on s’apprête à suivre évoquent leur personnage mais aussi leurs propres souvenirs familiaux et les représentations dont ils rêvent pour eux-mêmes et les autres. Derrière son artifice assumé, ce dispositif narratif s’avère une éloquente portée d’entrée pour ce film traversée par la notion de dignité collective.

Comment mettre en scène des questions a priori abstraites et pourtant quotidiennes telles que : qu’est-ce qui se transmet de génération en génération dans une famille, un groupe d’amis, une communauté ? Loin du folklore et de « la foire aux personnages extraordinaires », Alain Gomis et ses interprètes trouvent un équilibre magique entre peinture fidèle des codes des communautés ici dépeintes, et l’universalité de leurs élans. La chef opératrice Céline Bozon filme de près les corps qui se retrouvent, s’enlacent, se consolent, dansent, et l’immersion est telle que c’est comme si nous même étions physiquement conviés à cette ronde chaleureuse qui unit gravité et douceur sur un air free jazz mélancolique. Articuler tant d’ambition avec une telle simplicité : voilà sans doute la marque des très grands cinéastes.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Sorda

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:14:31 +0000

Angela est sourde, Hector est entendant. Ils forment un couple épanoui et heureux malgré leur différence. Mais la naissance de leur premier enfant inquiète Angela : saura-t-elle créer un lien avec sa fille ? Comment apprendre à devenir mère dans un monde qui oublie si souvent d’inclure ceux qui n’entendent pas ?

Sorda
Espagne, 2025
De Eva Libertad

Durée : 1h39

Sortie : 29/04/2026

Note :

OÙ VONT LES SONS ?

Des bruits de pas dans la nature, le chant des oiseaux, la mélodie d’un cours d’eau : c’est avant tout par le son que l’on entre dans Sorda. Prix du public au Panorama de la Berlinale, Sorda est un récit intime pour la réalisatrice espagnole Eva Libertad (lire notre entretien), qui filme ici sa sœur atteinte de surdité. C’est une fiction, à partir d’un sujet qu’elle a déjà abordé dans son court métrage du même nom, mais ce film s’attache à un certain réalisme et aux situations auxquelles les protagonistes sont confronté.es au quotidien.

Ángela est enceinte : c’est un événement dans la vie de son couple, mais cette grossesse est partie pour ressembler à toutes les grossesses. On discute du prénom idéal et de leur sonorité, du moment idéal où l’on annonce la nouvelle à la famille – pas de véritable drame en vue. L’écriture d’Eva Libertad examine avec finesse la place prise au quotidien par la surdité de son héroïne : quelles questions se posent malgré tout dans un monde fait en premier lieu pour celles et ceux qui entendent ?

Sorda traite avec tendresse du cas particulier d’Ángela, mais aussi de ce qui peut être plus universel : la transmission, le lien mère-fille, les micro-aggressions adressées à une jeune mère et les frustrations qui vont avec. Le film adopte néanmoins la perspective de son héroïne : à la solitude d’une mère s’ajoute celle d’une femme isolée par sa surdité. Cette amertume donne un relief sensible au long métrage, où l’on est témoin de la manière dont le cocon (qu’il soit amoureux, familial, rural) se retrouve percé et blessé. Cette perspective est adoptée jusqu’à un dernier segment où le traitement du son nous rapproche au plus près d’Ángela, un parti pris soulignant les épreuves imposées par une société validiste.

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par Nicolas Bardot

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