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Critique : ChaO

admin — Tue, 12 May 2026 02:59:47 +0000

Dans un monde où humains et sirènes coexistent, Stephan, un employé de bureau ordinaire fait la rencontre de Chao, une princesse du royaume des sirènes. Après une demande en mariage à son insu, Stephan n’a pas le temps de comprendre ce qui lui arrive et doit partager sa vie avec cette fille adorable mais imprévisible. L’amour sincère que Chao a pour lui le pousse à tout remettre en question. Commence alors une romance inattendue et touchante entre deux êtres que tout oppose.

ChaO
Japon, 2025
De Yasuhiro Aoki

Durée : 1h30

Sortie : 13/05/2026

Note :

PÊCHE MIRACULEUSE

Dans la plupart des contes, les jeunes filles en détresse tombent volontiers en pamoison pour leur valeureux sauveur. ChaO, réalisé par le Japonais Yasuhiro Aoki, est un conte – mais pas n’importe quel conte. Celui-ci renverse les codes familiers : c’est cette fois un jeune homme, Stephan, qui est sauvé par une héroïne – une sirène à la place d’un chevalier. Mais sous une certaine lumière, ladite sirène ressemble juste… à un poisson. Jovial et kawaï, mais un poisson quand même. Lorsque ce sauvetage implique que Stephan et la princesse ChaO vont devoir se marier, le film tourne à la réjouissante comédie non-sensique.

ChaO s’appuie sur un univers exotique et séduisant, un Shanghai de fantaisie où les décors se montrent particulièrement riches. C’est l’une des pattes du Studio 4°C (Mind Game, Amer béton, Les Enfants de la mer) qui a produit le film, comme ce design anguleux qui caractérise nombre de personnages. Les designs ont du relief dans ce film essentiellement dessiné à la main, où le refus de la ligne nette donne une grisante vibration à l’ensemble. Autre idée efficace et source de rires : les différentes échelles de personnages, où l’apparence physique vient traduire l’énergie qui les traverse – à chaque personnage, son énergie.

Si ChaO parvient à se distinguer, le long métrage obéit également à certaines règles essoufflées comme la traditionnelle course-poursuite de dénouement de film. Mais cette fable d’apprentissage sait très habilement s’y prendre d’un point de vue narratif : ChaO est très mouvementé mais toujours maîtrisé, et ne tombe pas dans le piège de l’agitation. Cette comédie fantastique et très cute propose un spectacle aussi généreux que chatoyant. Lauréat du prix du jury lors du dernier Festival du Film d’Animation d’Annecy, ChaO signale Yasuhiro Aoki, qui signe ici son premier long métrage, comme un créateur à suivre.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Élise sous emprise

admin — Tue, 12 May 2026 01:59:29 +0000

Rien ne va plus dans la vie d’Élise : engluée dans une relation toxique avec Léopold, elle se retrouve propulsée à la tête d’une troupe de théâtre, suite à la mort soudaine du metteur en scène dont elle était l’assistante. Submergée par des crises de panique, Élise vacille. Mais peut-être est-ce dans cette confusion qu’elle parviendra à se libérer de ses emprises et à reprendre le contrôle de sa propre vie ?

Elise sous emprise
France, 2025
De Marie Rémond

Durée : 1h26

Sortie : 13/05/2026

Note :

MOURIR SUR SCÈNE

Dans un cercle de parole, une âme blessée se confie sur son mal : « les gens, ils ne le voient pas forcément ». En un cut de comédie, on découvre Élise, l’héroïne éponyme du long métrage, avec un gros bandage autour de la tête. Avec Élise, les gens le voient forcément : Élise est névrosée, Élise a plein de problèmes. Élise sous emprise est le premier long métrage de Marie Rémond, qu’on a pu voir en tant qu’actrice dans Jeune femme, Le Consentement ou Les Fantômes mais qui a peut-être davantage été repérée au théâtre où elle a reçu le Molière de la révélation féminine en 2015. Elle interprète aussi ici le rôle principal.

Élise, justement, travaille dans le monde du théâtre. Elle est l’assistante d’un metteur en scène chevronné, aux formules plus pédantes les unes que les autres. Rémond porte un regard plutôt mordant sur la scène, remplie de personnes qui savent tout, ont un point de vue sur tout. Et quand on bégaie en réponse à la moindre question comme la fragile Elise ? Comment vivre sur la scène du théâtre ou celle de la vie quand tout est labyrinthe, quand tout rapport social génère de l’angoisse, quand on regarde le monde comme derrière la buée d’un casque ? Le monde n’est simple pour personne mais surtout pas pour l’héroïne du film dont la phobie n’est pas les araignées géantes ou les serpents exotiques mais… les transports en commun – ce qui peut être fâcheux quand on est comme elle une citadine.

Marie Rémond signe une comédie malaise dont le métronome peut aller parfois plus franchement vers la comédie, mais qui n’a pas peur régulièrement de pencher vraiment vers le malaise. Voilà qui donne du relief à ce film humble, qui ne prétend pas réinventer la roue en termes de mise en scène ou d’écriture. Mais la petite musique cassée de Marie Rémond est efficace ; elle sait écrire avec justesse les blessures quotidiennes comme le mal au travail (même si c’est une passion comme le théâtre) ou le sentiment permanent d’imposture. Élise est un être fragile, soit la proie préférée des connard toxiques et des professionnels du gaslighting. Derrière le rire il y a de la violence dans les rapports, mais aussi beaucoup de tendresse dans le regard de la cinéaste. « Pas si simple de comprendre réellement ce pour quoi on est fait » dit le personnage singulier incarné par Gustave Kervern, une note d’intention peut-être un peu littérale mais c’est le point de vue chaleureux du long métrage qui compte avant tout.

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par Nicolas Bardot

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A voir en ligne | Critique : Mother’s Baby

admin — Sun, 10 May 2026 18:16:54 +0000

Julia, 40 ans, chef d’orchestre à succès, et son compagnon Georg se languissent d’un enfant lorsque le Dr Vilfort, spécialiste de la fertilité dans une clinique privée, leur offre de l’espoir avec une procédure expérimentale. Julia tombe enceinte après un traitement réussi à la clinique. Cependant, l’accouchement ne se passe pas comme prévu et le bébé est immédiatement emmené pour un traitement supplémentaire, laissant Julia et son mari dans l’ignorance de ce qui s’est passé.

Mother’s Baby
Autriche, 2025
De Johanna Moder

Durée : 1h47

Sortie : 11/05/2026 (sur Sooner)

Note :

ALLÔ BÉBÉ ICI MAMAN

Julia et Georg sont dans une attraction à sensations dans une fête foraine – s’y envoyer en l’air est aussi excitant qu’effrayant. Le couple expérimente les mêmes sentiments sur la terre ferme, alors que Julia s’apprête à mettre au monde leur bébé tant attendu. La réalisatrice autrichienne Johanna Moder n’a pas peur des archétypes dans ce film aux ingrédients classiques sur la maternité (ainsi que sur tout l’imaginaire paranoïaque et menaçant qui y est lié, dans la vie comme au cinéma).

Qu’avez-vous fait à mon bébé ? L’étincelle du doute chez Julia devient un gouffre lorsque celle-ci soupçonne que, définitivement, quelque chose cloche. Dans le cinéma fantastique ou horrifique, on loue souvent la maestria d’une mise en scène ou les surprises d’un scénario malin, mais l’une des clefs du succès est l’interprétation. On croit au trouble de Mia Farrow car Mia Farrow y croit. On croit à l’horreur dont est témoin Ellen Burstyn car Ellen Burstyn y croit aussi. De la même manière, l’Allemande Marie Leuenberger, au jeu dénué d’artifices, nous fait croire à ses doutes car elle y croit elle-même dur comme fer.

De manière surprenante et avec une ironie certaine, Johanna Moder et son coscénariste Arne Kohlweyer parviennent à nous convaincre que quelque chose ne va pas en faisant répéter à leurs personnages « tout va bien » comme un mantra. Tout va bien devient la phrase la plus angoissante du film et voilà un excitant pari scénaristique : créer de la tension et de l’inquiétude alors que rien d’explicitement anxiogène n’arrive à l’écran (à part, excusez du peu, le fait d’être mère). Les péripéties sont quasi absentes, il règne un profond silence – c’est précisément dans la retenue dramatique et dans le silence que Moder laisse rentrer toutes les questions et angoisses.

Si être mère éveille 1001 doutes chez Julia, la première concernée, le sujet est un non-sujet pour la quasi-intégralité de son entourage. C’est là que Mother’s Baby se raccroche à un drame tout ce qu’il y a de plus réaliste : tout le monde a son mot à dire, tout le monde a un droit de regard, et Julia peut, avec condescendance, être évoquée à la troisième personne même en sa présence. Plus qu’un thriller médical, Mother’s Baby est aussi un drame féministe sur le gaslighting.

Tôt dans le film, l’accouchement est filmé à l’aide d’un travelling circulaire. C’est étourdissant, mais c’est aussi un cercle formé sur son sujet, qui ne devrait laisser aucun doute. Johanna Moder fissure ce cercle parfait avec habileté – mais aussi avec générosité. Le dénouement spectaculaire qui pioche dans des sous-genres moins respectés ne sera peut-être pas au goût de tout le monde – tant mieux : c’est là l’un des délices d’un film qui, programmatique sur le papier, parvient finalement à nous emmener avec efficacité là où il le désire.

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par Nicolas Bardot

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Critique : The World of Love

admin — Mon, 04 May 2026 21:20:47 +0000

Joo-in est une lycéenne espiègle et appréciée de tous. Un jour, un camarade de classe lance une pétition que tous les élèves signent, sauf elle. Son monde, en apparence paisible et insouciant, dissimule un passé douloureux auquel Joo-in est alors contrainte de faire face. Mais loin de se laisser enfermer, elle choisit d’avancer et de se réinventer.

The World of Love
Corée du sud, 2025
De Yoon Ga-eun

Durée : 1h59

Sortie : 06/05/2026

Note :

SI TU LE DIS

Jooin va bien, merci. A vrai dire, si on lui posait la question directement elle nous répondrait sans doute avec de grands yeux interloqués tant ses journées filent sur de sympathiques roulettes. Ce n’est pas que sa vie soit un lit de roses ou qu’elle soit naïve, c’est plutôt que cette jeune fille possède suffisamment de rebond et d’optimisme pour être à la fois l’irrésistible clown de la classe, une fille qui n’a pas besoin qu’on lui demande pour aider à la maison, une amoureuse qui sait ce qu’elle veut, une grande sœur malicieuse, une jeune fille avide de blagues de cul, une enfant et une ado à la fois.

La cinéaste coréenne Yoon Ga-eun (révélée il y a une dizaine d’années avec The World of Us), fait preuve d’un grand talent d’écriture pour bâtir une cascade de scènes dynamiques qui n’ont pas besoin de plus de quelques minutes pour mélanger les tons avec subtilité. Maman boit un peu trop ? Autant en rire, hein. Elle a encore vomi dans un coin de l’appartement ? Cette fois-ci le gag est un peu plus amer, mais on n’a pas le temps de s’appesantir. Jooin a toute une vie à vivre, elle a de l’appétit à revendre et ne manque pas de choses à dire. C’est d’ailleurs ainsi qu’arrive le scandale à son école. Aveu ou provocation ? Lors d’une discussion vive, Jooin clame (pour mieux se rétracter aussitôt) qu’elle a été victime d’une agression sexuelle dans l’enfance, et qu’elle n’en est pas spécialement traumatisée pour autant.

The World of Love n’est pas un film-à-sujet mettant en scène une héroïne seule contre tous. Il n’est pas question de conséquences extérieurs (travail de la justice, exclusion sociale, etc). Ce que raconte le film, c’est comment justement la vie continue dans toutes ses nuances après une telle déclaration. Qu’est-ce qui se passe intérieurement pour Jooin, pour sa meilleure amie, ses camarades de classe? La multiplicité des personnages vient parfois se mettre en travers de la clarté du récit, mais elle vient concrètement traduire l’idée centrale du scénario qui est que la libération de la parole est l’affaire de toutes et tous.

Sans jamais nous placer dans des situations éprouvantes, Yoon Ga-eun fait harmonieusement évoluer le film du charme à la gravité, épousant ainsi la complexité du sujet, en donnant de plus en plus de profondeur à sa protagoniste. Comme l’indique le titre du film, c’est avant tout un sentiment de chaleur qui plane au-dessus de The World of Love, mais sans aucune naïveté. Tout cela pourrait bénéficier de davantage de brièveté mais la réalisatrice fait ici preuve d’un talent flagrant de narratrice qui la distingue dans le paysage coréen contemporain.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Collapse (Face à Gaza)

admin — Mon, 04 May 2026 21:06:15 +0000

Peu après le 7 octobre 2023, Anat retourne dans ce qui était autrefois sa maison. Elle erre et filme pendant plus de deux ans dans ce kibboutz incendié et sur des terres agricoles transformées en machines de destruction. Au-delà de la clôture, Gaza est anéantie.

Collapse (Face à Gaza)
France, 2026
D’Anat Even

Durée : 1h18

Sortie : 06/05/2026

Note :

Á VOIX HAUTE

« Comment véhiculer la parole des habitants de Gaza quand on n’est pas à leur place ? », « C’est impossible ». Cet échange a lieu entre les deux voix off qui accompagnent le documentaire Collapse (Face à Gaza), présenté dans la section Forum de la Berlinale. La principale est celle de la réalisatrice Anat Even, l’autre est cette de son ami Ariel, exilé à Paris. Deux voix israéliennes dissidentes et critiques envers leur pays. Anat Even a effectivement l’honnêteté intellectuelle de ne pas prétendre pouvoir se substituer à un témoignage palestinien sur Gaza. Son film est fait depuis son point de vue à elle, juste de l’autre côté de la frontière.

Dès 2023, la réalisatrice filme littéralement ce qu’elle connaît : le kibboutz Nir Oz, où elle a vécu toute sa vie et qui a été en grande partie détruit dans des attentats terroristes. Les images de Collapse sont brutes, soulignant la forme austère de ce témoignage qui n’a de toute façon pas le mauvais goût de courir après la beauté, mais le décor qu’Even filme demeure stupéfiant à plus d’un titre. De l’extérieur, certaines maisons ont l’air intactes et même accueillantes mais quand la caméra pénètre à l’intérieur il ne reste que des ruines. Ce n’est bien sûr rien par rapport au paysage qui se dresse à quelques pas : de l’autre côté d’un grillage absurde, Gaza n’apparaît plus que comme une immense ruine, une bande de destruction qui couvre tout l’horizon entre le désert et le ciel.

Documentaire exigeant, Collapse laisse une place importante à la découverte de ces espaces vides et morts. D’ailleurs il reste bien une survivante des attentats de Nir Oz, mais Even ne s’attarde pas sur elle et propose un autre portrait. Aux analyses et poèmes véhiculés par les deux voix off viennent s’ajouter des discours plus directs. D’abord celui, anonyme, des autocollants, graffitis et affichages sauvages accusant le régime israélien, puis celui en chair et en os des résidents. Si Collapse ne fait pas l’impasse sur certains discours sionistes glaçants, il véhicule surtout une parole plus rarement entendue, celles des Israéliens dissidents qui osent manifester en public et huer Netanyahu sur son passage.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Dao

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:16:03 +0000

Aujourd’hui Gloria marie sa fille en banlieue parisienne. Il y a peu, en Guinée Bissau, elle assistait à la cérémonie qui consacre son père décédé en ancêtre. D’une cérémonie à l’autre, entre passé et présent, vie et mort, réalité et fiction, Gloria se réconcilie avec son histoire, trouve sa place et connaît un moment de paix.

Dao
France/Sénégal/Guinée-Bissau, 2026
D’Alain Gomis

Durée : 3h05

Sortie : 29/04/2026

Note :

NOS CÉRÉMONIES

Comme nous l’apprend un carton placé en introduction de ce long métrage, Dao est un terme désignant un mouvement perpétuel et circulaire qui unit le monde et les choses. Un trop vaste programme pour rentrer dans un seul film ? Chiche. Le cinéaste franco-sénégalais Alain Gomis (lire notre entretien) n’a pas froid aux yeux et parvient bel et bien, trois heures durant, à unir ici des échelles radicalement différentes. Il n’y a pour ainsi dire que deux événements se déroulant dans Dao : une cérémonie de mariage en France et une cérémonie funéraire en Guinée-Bissau. Deux événements seulement, une seule héroïne (formidable Katy Corréa), et pourtant c’est comme si Alain Gomis avait fait rentrer la vie entière sans son film.

Après une longue absence, Gloria revient dans son village natal en Guinée-Bissau suite au décès de son père. Ailleurs, en banlieue parisienne, elle assiste au mariage de sa fille. Dao va et vient entre les deux événements, les alterne par blocs ou bien les superpose de façon quasi subliminale, mettant en avant leurs nombreux points communs. Lors de ces deux journées composées de rituels et de traditions, ce n’est pas seulement la famille proche qui est réunie mais toute la communauté. Gloria est le fil conducteur de ce récit choral à la fois accueillant et vertigineux, riche en personnages collectivement tournés tantôt vers le passé, tantôt vers l’avenir.

Alain Gomis, qui revient aujourd’hui en compétition à la Berlinale huit ans après son Grand Prix pour Félicité, dit avoir puisé une partie de son inspiration dans son expérience personnelle, et une autre dans la volonté de faire un portrait collectif à la première personne du pluriel. Dao s’ouvre ainsi par des scènes de casting où les interprètes que l’on s’apprête à suivre évoquent leur personnage mais aussi leurs propres souvenirs familiaux et les représentations dont ils rêvent pour eux-mêmes et les autres. Derrière son artifice assumé, ce dispositif narratif s’avère une éloquente portée d’entrée pour ce film traversée par la notion de dignité collective.

Comment mettre en scène des questions a priori abstraites et pourtant quotidiennes telles que : qu’est-ce qui se transmet de génération en génération dans une famille, un groupe d’amis, une communauté ? Loin du folklore et de « la foire aux personnages extraordinaires », Alain Gomis et ses interprètes trouvent un équilibre magique entre peinture fidèle des codes des communautés ici dépeintes, et l’universalité de leurs élans. La chef opératrice Céline Bozon filme de près les corps qui se retrouvent, s’enlacent, se consolent, dansent, et l’immersion est telle que c’est comme si nous même étions physiquement conviés à cette ronde chaleureuse qui unit gravité et douceur sur un air free jazz mélancolique. Articuler tant d’ambition avec une telle simplicité : voilà sans doute la marque des très grands cinéastes.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Sorda

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:14:31 +0000

Angela est sourde, Hector est entendant. Ils forment un couple épanoui et heureux malgré leur différence. Mais la naissance de leur premier enfant inquiète Angela : saura-t-elle créer un lien avec sa fille ? Comment apprendre à devenir mère dans un monde qui oublie si souvent d’inclure ceux qui n’entendent pas ?

Sorda
Espagne, 2025
De Eva Libertad

Durée : 1h39

Sortie : 29/04/2026

Note :

OÙ VONT LES SONS ?

Des bruits de pas dans la nature, le chant des oiseaux, la mélodie d’un cours d’eau : c’est avant tout par le son que l’on entre dans Sorda. Prix du public au Panorama de la Berlinale, Sorda est un récit intime pour la réalisatrice espagnole Eva Libertad (lire notre entretien), qui filme ici sa sœur atteinte de surdité. C’est une fiction, à partir d’un sujet qu’elle a déjà abordé dans son court métrage du même nom, mais ce film s’attache à un certain réalisme et aux situations auxquelles les protagonistes sont confronté.es au quotidien.

Ángela est enceinte : c’est un événement dans la vie de son couple, mais cette grossesse est partie pour ressembler à toutes les grossesses. On discute du prénom idéal et de leur sonorité, du moment idéal où l’on annonce la nouvelle à la famille – pas de véritable drame en vue. L’écriture d’Eva Libertad examine avec finesse la place prise au quotidien par la surdité de son héroïne : quelles questions se posent malgré tout dans un monde fait en premier lieu pour celles et ceux qui entendent ?

Sorda traite avec tendresse du cas particulier d’Ángela, mais aussi de ce qui peut être plus universel : la transmission, le lien mère-fille, les micro-aggressions adressées à une jeune mère et les frustrations qui vont avec. Le film adopte néanmoins la perspective de son héroïne : à la solitude d’une mère s’ajoute celle d’une femme isolée par sa surdité. Cette amertume donne un relief sensible au long métrage, où l’on est témoin de la manière dont le cocon (qu’il soit amoureux, familial, rural) se retrouve percé et blessé. Cette perspective est adoptée jusqu’à un dernier segment où le traitement du son nous rapproche au plus près d’Ángela, un parti pris soulignant les épreuves imposées par une société validiste.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Die My Love

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:07:22 +0000

Grace et Jackson fuient New York et décident de fonder une famille dans l’immensité sauvage du Montana. Mais quand leur fils naît, lasse et en proie à une solitude grandissante, Grace sent sa réalité lui échapper. Peu à peu, elle perd pied, fragilisée par une maternité qu’elle affronte presque seule.

Die My Love
Canada, 2025
De Lynne Ramsay

Durée : 1h58

Sortie : 29/04/2026

Note :

ITCHY ET SCRATCHY

De We Need to Talk about Kevin à ce Die, My Love, le cinéma de la Britannique Lynne Ramsay n’a pas perdu de sa brutalité en traversant l’Atlantique. Qui n’est pas familier avec son œuvre risquerait de tomber dans le panneau consistant à interpréter la présence de Jennifer Lawrence et Robert Pattinson comme une concession au romantisme hollywoodien. Or, même avec des stars de ce calibre, Ramsay ne met pas d’eau dans son vin.

C’est même dans un vinaigre acide à souhait qu’elle trempe ici l’image d’Épinal du couple idéal, petits fiancés de l’Amérique jeunes et beaux, que ces interprètes véhiculent (sans doute malgré eux). Die, My Love raconte bien une histoire d’amour, mais comme l’indique le titre, celle-ci n’a rien de confortable ou de reposant. Ramsay insiste sur ce point dès les premières séquences, quitte à rendre potentiellement crispante l’entrée dans le film. Le montage halète comme un animal sauvage, le nid conjugal est d’une couleur verdâtre improbable, et le bonheur de ce couple de pèquenauds danse perpétuellement au bord de la frénésie.

D’où va venir l’étincelle explosive ? Telle est la question urgente qui traverse cette introduction. De quoi parle le film exactement, en est une autre. Les embrassades sauvages se transforment progressivement en affrontements amers. Un bébé naît et portant la maisonnette champêtre coupée du monde attire les mouches comme si quelque chose venait d’y mourir. Lynne Ramsay parvient à donner deux visages simultanés à son film. Die, My Love est d’une part un jeu de massacre où les amants ne peuvent s’empêcher de régler leurs comptes en couple comme dans une version psychologique d’Itchy et Scratchy. Il s’agit aussi du portrait métaphorique d’une jeune femme qui refuse de se laisser domestiquer.

Que Ramsay engage spécifiquement Jennifer Lawrence pour ce rôle n’est pas anodin. Outre que l’actrice (tantôt fillette et femme fatale) excelle à traduire dans son jeu le ton imprévisible du scénario, sa présence apporte avec elle un écho mother! de Darren Aronofsky. Potentiellement fort clivante également, cette farce parano couplée à une parabole grinçante peut également être qualifié de home invasion marital.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Un balcon à Limoges

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:06:32 +0000

Gladys, une femme d’une cinquantaine d’années, vit à l’écart de la société, sans logement, sans carte vitale, sans compte bancaire. Rien ne compte pour elle, même pas le sexe, l’alcool et la danse qu’elle pratique pourtant avec une frénésie joyeuse. Un matin, elle rencontre par hasard une amie de lycée, Eugénie, qui va tenter de l’aider contre sa volonté.

Un balcon à Limoges
France, 2025
De Jérôme Reybaud

Durée : 1h10

Sortie : 29/04/2026

Note :

UNE FENÊTRE OUVERTE

Un film dont les deux protagonistes se nomment Gladys Choseille et Eugénie Flan ne prétend pas s’inscrire dans un pur réalisme – avec de tels noms, on songerait davantage à des personnages imaginaires de Gaston Lagaffe qu’à ceux d’un drame français. Mais le réalisme tel qu’on l’entend n’est de toute façon pas le but du cinéaste qui, au sujet de l’usage des artifices dans son moyen métrage Poitiers, avait commenté lors de notre entretien : « Il n’y a pas plus codé, artificiel et irréaliste que le réalisme au cinéma aujourd’hui. Et le pire, c’est qu’il n’en est même pas conscient. Il croit s’approcher du réel mais il l’étouffe avec ses conventions ». Gladys, formidablement incarnée par Fabienne Babe, ressemble ainsi bel et bien à un personnage de fiction, plus grand que nature : c’est une sorte de Samantha Jones débarquée dans le Limousin, chopant en boite, pissant entre les bagnoles et se lavant dans l’évier de cuisine d’un boulot occasionnel.

Un balcon à Limoges fonctionne sur un antagonisme digne d’une fable : face à Gladys la jouisseuse, il y a Eugénie, raide comme un piquet (elle souffre des cervicales), raisonnable en toute occasion (voter « au centre » – autant dire à droite – est pour elle la seule manière de ne jamais avoir tort), obéissant docilement à des codes de bonne conduite qui exigent qu’elle aide quiconque sur Terre : des Ukrainiens, des Afghans, ou une meuf qu’elle n’a visiblement plus vue depuis des décennies. Ces retrouvailles improbables et colorées semblent sorties d’un épisode d’une sitcom AB. Rien ne devrait se dérouler ainsi et c’est précisément ce que le film va raconter.

Qu’est-ce qui est sous-jacent chez Gladys, pour qui le reste du monde peut bien aller se faire foutre et chez qui la danse et la picole ne semblent pas être une simple célébration hédoniste ? Qu’est-ce qui est sous-jacent chez Eugénie dont l’altruisme forcené paraît mal dissimuler une violence ? Un balcon à Limoges ne psychanalyse pas mais donne différentes dimensions à ses héroïnes. Tout est simple et clair, pourtant tout est plus trouble. Avec son ton régulièrement WTF et son tempo lunaire, le long métrage évoque le cinéma de Paul Vecchiali. Il en a aussi l’imprévisibilité, à l’image bien sûr de cette bascule brutale qu’on ne révélera pas, mais le contraste de la bulle fantaisiste au fait divers est évidemment saisissant.

Voilà qui rend le film vivant, et qui rend ses protagonistes vivantes malgré les (ou grâce aux) artifices. La fête est vue d’en face, par un voisin qui croit tout voir et tout savoir – on ne voit et on ne sait pas tout. Ce n’est d’ailleurs pas la résolution (ou la destination) qui comptent dans Un balcon à Limoges, mais plutôt les décrochages, les moments suspendus (comme un déjeuner sur l’herbe alangui, ou une sortie en boite où tout le monde danse mal), puis les violentes accélérations jusqu’au grand-guignol. Un balcon à Limoges trouve son charme personnel dans ces pics et ces creux qui composent 1h10 de vies.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Hokum

admin — Mon, 27 Apr 2026 07:05:43 +0000

Ohm Bauman, un romancier se retire dans une auberge en Irlande pour disperser les cendres de ses parents. Mais les récits du personnel au sujet d’une sorcière ancestrale hantant la suite nuptiale s’emparent peu à peu de son esprit…

Hokum
Irlande, 2026
De Damian McCarthy

Durée : 1h46

Sortie : 29/04/2026

Note :

FAIS-MOI PEUR

On aurait pu craindre que le succès et le bouche-à-oreille en festivals de la découverte qu’était Oddity (primé à SXSW, Neuchâtel, Gérardmer et on en passe) verraient le réalisateur irlandais Damian McCarthy vite appelé par les sirènes hollywoodiennes avides de lui fourguer des projets en toc. Il y a heureusement de quoi être doublement rassuré : non seulement Hokum vient confirmer toutes les sympathiques qualités horrifiques d’Oddity, mais McCarthy n’a pas quitté sa terre natale ilandaise. C’est même plutôt les Etats-Unis qui viennent à l’Irlande, sous la forme d’un protagoniste américain, auteur à succès de roman d’horreur et d’une saga merveilleuse inachevée ayant pour héros « le conquistador ». Inclure clin d’oeil ici.

L’hommage à Stephen King et au Pistolero protagoniste de sa saga La Tour sombre n’a pas besoin d’être souligné davantage et de fait, McCarthy a la finesse de ne pas pousser la référence plus loin qu’une séquence d’introduction. La mise en place du récit n’est de toute façon pas le moment où Hokum brille le plus. La talent de McCarthy est de parvenir à polir comme des petits sous neufs les archétypes du cinéma fantastique (maison hantée, sorcière, peur du noir, etc.), mais peut-être le ton trop pince-sans-rire de l’acteur américain Adam Scott, davantage connu pour ses rôles farfelus dans des séries, fait un peu trop ton sur ton. Peu importe finalement, car le meilleur est à venir.

Film d’hôtel gothique au sombres secrets, Hokum ne cherche pas à réinventer le genre avec l’arrogance d’un petit malin. L’admiration et le respect de McCarthy pour le genre ne nuisent pas du tout à l’efficacité de sa mise en scène, au contraire. Comme dans Oddity, le cinéaste excelle particulièrement au moment de mettre en scène les surgissements. Trop souvent réduits à des jump scares mécaniques dans les films d’horreur paresseux, ceux-ci reprennent ici tout leur délicieux sens de la surprise. McCarthy nous fait certes beaucoup sursauter, mais il évite l’agacement en sachant se montrer à chaque fois généreux dans la création d’une attente et d’une mise en place complice. On se demande quels sommets McCarthy pourrait viser avec des scénarios plus originaux entre les mains, mais en attendant, il fait déjà preuve d’un savoir-faire enviable au moment de nous faire bien peur.

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par Gregory Coutaut

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