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Critique : Her Private Hell

admin — Tue, 22 Sep 2026 21:15:33 +0000

Alors qu’une étrange brume engloutit une métropole futuriste et libère une présence mortelle insaisissable, une jeune femme troublée part à la recherche de son père. Au cours de cette quête, son destin croise celui d’un GI américain engagé dans un voyage désespéré pour arracher sa fille de l’Enfer.

Her Private Hell
États-Unis, 2026
De Nicolas Winding Refn

Durée : 1h49

Sortie : 23/09/2026

Note :

UNE MAISON DE POUPÉES

Déjà dix ans que l’on attendait le retour sur grand écran de Nicolas Winding Refn. Après une si longue parenthèse où il a tout de même signé deux séries télé, allait-on le reconnaitre ? Tranchons net : celles et ceux (surtout ceux) qui ont avant tout aimé Drive ou Bronson risquent un très fort sentiment de rejet face à Her Private Hell. Le film est à conseiller chaudement à ceux dont le cœur bat surtout pour la flamboyance de The Neon Demon. Nicolas Winding Refn reprend donc là où il l’avait laissée l’évolution étonnante de son œuvre de cinéma. Une œuvre de plus en plus centrée sur des personnages féminins, de plus en plus tournée vers l’horreur et de plus en plus détachée du réel. Ce dernier point donnera a certain l’impression que Her Private Hell est un projet vaniteux hors-sol et difficile d’accès, d’autres reconnaitront là un festin qui vise au dessus du niveau de la mer.

L’œuvre de Refn est aussi tout simplement de plus en plus splendide. La direction artistique transforme ici chaque scène en coffre à trésor pharaonique dont la volonté semble être de faire jouir les pupilles. Her Private Hell possède le plan d’ouverture le plus fou vu depuis longtemps et dans son ensemble, et ne ressemble à rien d’autre qu’à lui même. Hormis chez Hélène Cattet et Bruno Forzani, où a-t-on pu avoir la chance d’assister à des images si généreuses, cinéphiles et fantastiques ? Fétichiste, Her Private Hell ne l’est pas au sens de la perversion sexuelle (quoique), il l’est avant tout dans le sens d’un hommage réinventé. Un hommage où l’ironie est présente, mais jamais la parodie.

La cinéphilie bis a toujours été à la source du cinéma de Refn. Le cinéaste, qui a pleine conscience du pouvoir d’éloquence de toutes les choses qualifiées de « mauvais goût » va cette fois-ci jusqu’à mettre à égalité d’un côté Argento et De Palma (la bande originale épique est d’ailleurs signée de son collaborateur Pino Donaggio), et de l’autre la science-fiction cheap et la photo de mode de luxe à la Mert et Marcus. De ce grand écart, le film ne sort pas indemne. La précipitation artificielle du dernier acte est un défaut majeur du scénario, d’autant plus difficile à ignorer qu’il nous laisse avec l’impression décevante que les promesses narratives de ce conte maléfique n’ont pas été tenues.

Mais était-ce vraiment la question ? Ce récit de poche centré sur une poignée de personnages seulement est si minimaliste qu’il en devient presque abstrait dans sa façon de n’être finalement qu’un prétexte à une fascination visuelle et à une iconisation de ses personnages féminins, à la fois marionnettes d’une télénovela de luxe et entités mythologiques enfermées dans une tragédie sans âge (une recette évoquant le Mandico de Conann). La manière dont ce cinéaste a abandonné son cinéma centré sur la définition de la virilité et ses stars masculines pour devenir une straight camp queen composant ses films comme on joue avec une maison de poupées n’est probablement pas la meilleur manière d’élargir son public mais elle est proprement fascinante.

Tous les cinéastes queer ne savent pas ou n’ont pas vocation à faire du camp (dans le sens d’un équilibre parfait entre l’artifice du clin d’œil et la sincérité de la déclaration ) et c’est ok, mais très rares sont les cinéastes hétéros à maitriser la question. Nicolas Winding Refn a clairement mérité l’honneur de faire partie de ce club restreint. « Si tu as l’impression qu’il te manipule, tu as raison, mais si tu as l’impression qu’il est sincère, tu as également raison » dit l’héroïne d’un personnage masculin, mais cette formule semble avant tout taillée pour le cinéaste lui-même. Contrairement aux apparences, Refn est du côté de ses personnages féminins. Elles paraissent, comme de nombreuses héroïnes de films d’horreur, prisonnières d’un male gaze, mais Refn nous dit ici que c’est peut-être plus précisément le « straight gaze » qui compose le véritable « enfer personnel » des personnages féminins. Une telle leçon vient rééquilibrer la maladresse du scénario, mais la splendeur vénéneuse ici à l’œuvre s’en chargeait déjà de toute façon.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Les Roches rouges

admin — Tue, 22 Sep 2026 21:11:32 +0000

Sur la Côte d’Azur, deux bandes d’enfants s’affrontent à leur jeu favori : sauter des rochers rouges de la Méditerranée. Géo, 5 ans à peine, découvre le temps d’un été un monde où l’amitié se mêle à la rivalité, et où les premiers élans du cœur deviennent source de tensions.

Les Roches rouges
Portugal, 2026
De Bruno Dumont

Durée : 1h30

Sortie : 23/09/2026

Note :

LES ENFANTS ROUGES

Après l’ample aventure galactique de L’Empire (avec sa science-fiction et son casting all-star), Les Roches rouges montre un Bruno Dumont qui aurait à nouveau les pieds bien sur terre, avec un récit en apparence très épuré. Les héros et héroïnes de ce nouveau film sont quelques garçonnets et fillettes, et le but de leurs journées ensoleillées est tout simple : trouver le spot le plus haut pour plonger dans l’eau. Mais en réalité qui, des protagonistes de L’Humanité à l’inspecteur de P’tit Quinquin, de Camille Claudel à Jeanne d’Arc, n’a pas l’air d’être un•e extraterrestre chez Bruno Dumont ?

Géo, le personnage principal du film, a en effet l’air de tomber du ciel. Ce petit cousin de P’tit Quinquin vit dans le sud-est de la France, et de cette région Bruno Dumont saisit les couleurs intenses et vibrantes : le rouge de la roche, le bleu de l’eau, tout cela intensifié par la lumière du soleil. Ce sont les couleurs du paysage, ce sont aussi celles que les enfants voient : un monde intense, moins gris que celui des adultes (et il n’y a pratiquement pas d’adulte présent à l’image dans Les Roches rouges). De même, l’adoption du grand angle permet de coller au plus près d’une vision enfantine du monde, en termes de distance comme d’amplitude.

Ce monde a parfois l’air d’une jolie maquette : des plans à distance montrent la petite ville au bord de l’eau, au pied des reliefs, traversée par un train (électrique ?). Cela a parfois l’air factice, comme les silhouettes des enfants intégrées aux roches qu’iels grimpent. Cette hésitation entre le réel dépouillé et la vibration surréelle a déjà habité le cinéma de Dumont. Elle est en tout cas un outil parfait pour raconter l’enfance, sa perspective neuve sur les choses, sa joie et son émerveillement. « C’est dangereux ? » demande une fillette en voyant un sanglier. Les enfants dans Les Roches rouges peinent encore à mesurer la dangerosité de ce qui les entoure, et la dangerosité de leurs actes.

Bruno Dumont met en scène ce récit d’enfance avec une stupéfiante majesté. La caméra à immédiate proximité puis en lointain recul crée des respirations profondes et mystérieuses dans Les Roches rouges. Ce jeu d’échelles est remarquable : les enfants juché•es sur leurs véhicules miniatures parcourent un mini-monde écrasé par le bruit du train et du trafic routier. Les dynamiques auxquelles les gosses sont confrontées sont peu à peu celles des adultes : qu’elles soient amoureuses ou politiques. Il est régulièrement question de se jeter à l’eau dans Les Roches rouges et c’est bien ça le propos de ce formidable film : faire au plus jeune âge l’expérience de l’immensité, et du monde qui, quand on devient plus grand, se referme sur soi.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Les Eléphants dans la brume

admin — Tue, 22 Sep 2026 21:00:32 +0000

Dans un village népalais niché au cœur d’une forêt peuplée d’éléphants sauvages vit une communauté kinnar aussi vénérée que crainte pour ses pouvoirs de bénédiction et de malédiction. Pirati, l’une des mères de la communauté, rêve de s’échapper avec l’homme qu’elle aime. Mais lorsqu’une de ses filles disparaît, elle se doit mener l’enquête et choisir entre son désir de liberté et ses responsabilités envers sa communauté.

Les Eléphants dans la brume
Népal, 2026
D’Abinash Bikram Shah

Durée : 1h43

Sortie : 23/09/2026

Note :

JAMAIS SANS MA FILLE

« Gloire à toutes les mères » entend-on ici au détour d’une prière. Ce sont justement des mères pas comme les autres qui peuplent ce village perdu dans la forêt embrumée du Népal. L’action des Éléphants dans la brume se déroule en pleine communauté kinnar, d’après le nom donné aux personnes trans et non-binaires dans les cultures du sous-continent indien. Le lien solide et chaleureux qui unit les habitant.e.s de ce village n’est pas biologique, il s’acquiert et se confirme au sein de cérémonies sacrées où des ainé.e.s prennent officiellement pour fille ou pour fils l’un.e des jeunes membre de la communauté. Une responsabilité avec laquelle on ne plaisante pas.

La cohabitation avec la ville voisine, où les hommes hypocrites sont à la fois transphobes et sexuellement attirés par les kinnars, n’a rien d’évident, mais Pirati n’est pas le genre de femme à s’en laisser raconter. Matriarche charismatique possédant « une sagesse ancienne et la force des montagnes », elle est même bientôt destinée à être élue cheffe du village. Or, la disparition suspecte de sa fille va l’obliger à mener l’enquête à la ville et faire face à ses propres contradictions. Le cinéaste népalais Abinash Bikram Shah réalise ici son premier long métrage après avoir signé il y a deux ans le scénario de Shambhala, de son compatriote Min Bahadur Bham. Les Éléphants dans la brume ne cherche pas du tout à reproduire le rythme contemplatif de ce dernier. Le long métrage pourrait en quelque sorte être divisé en deux parties égales, et chacune brille par un rythme nerveux juste ce qu’il faut.

La deuxième moitié des Éléphants dans la brume prend le chemin prévisible du récit de mère courage seule contre tous, mais au moins la recette est-elle exécutée avec savoir-faire et talent. Le sel le plus inattendu du film se trouve surtout dans la première moitié du film qui nous invite tout simplement à une découverte de cette communauté, sans chercher à tout prix à tisser d’emblée un récit. D’un côté, cette immersion documente avec respect les différents rituels, recettes et superstitions propres à cette culture, mais de l’autre elle offre aux personnages une richesse réjouissante. Loin d’être des déesses parfaites et dignes, ces fières femmes trans à la fois prostituées et sorcières ont l’injure à la bouche et se révèlent délicieusement bitchy les unes envers les autres. Harmonieux dans son ensemble, le film réussit à s’adresser équitablement et généreusement à des publics très différents : celui avide de connaissance du monde, celui friand de représentations queer rares, et celui connaisseur et amateur de la richesse de tons du cinéma du sous-continent indien.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Rose

admin — Tue, 08 Sep 2026 15:25:51 +0000

Au lendemain de la guerre de Trente Ans, un mystérieux soldat balafré s’installe dans un village isolé d’Allemagne. À force de labeur et de services rendus, il gagne la confiance des habitants et croit enterrer son secret. Alors que les villageois commencent à le considérer comme l’un des leurs, tout bascule lorsqu’ils se mettent à douter de sa véritable identité.

Rose
Autriche, 2026
De Markus Schleinzer

Durée : 1h33

Sortie : 09/09/2026

Note :

LE NOM DE LA ROSE

L’œuvre de l’Autrichien Markus Schleinzer est relativement rare (3 films en 15 ans) mais percutante à chaque fois. Et celle-ci voyage de plus en plus loin dans le temps : après le drame contemporain d’un gamin vivant avec un pédophile dans le glaçant Michael, après le récit au 18e siècle d’un esclave africain pris sous l’aile d’une comtesse européenne dans l’inédit en salles et brillant Angelo, nous voici désormais quelque part au début du 17e siècle, quelque part en Allemagne dans Rose. Les éléments contextuels ne sont pas si nets et la voix-off nous donne presque l’impression d’être dans un conte. Un conte hanté : il y a eu une guerre, la terre est encore fumante, les ossements s’empilent les uns sur les autres.

Rose est le héros de cette histoire. Le, car Rose vit comme un homme, soldat hier et homme de ferme aujourd’hui. Rose n’est pas trans, mais le jeu de rôles, dans une société aux esprits aussi étroit, semble être le seul espace où tout est possible – surtout pour les femmes qui ne s’appartiennent pas. Rose réussissant à tromper toute une communauté : voici la surprenante dynamique d’un quiproquo de boulevard, trempée dans un drame historique en noir et blanc, lui-même inspiré de faits réels. Rose n’a guère besoin que d’enfiler un pantalon pour être pris pour un garçon : le film adhère à ce parti-pris en soulignant l’absurdité des codes de genre. Pas de Dieu créateur dans ce monde-là pour la souveraine Rose : on s’imagine soi-même et on se crée.

Cette voix-off de conte semble tout nous dire, mais là encore les choses sont plus ambigües. « L’histoire de Rose ne commence pas là », nous prévient-elle sans en dire plus. Plus tard, la voix-off mentionne un secret révélé, tandis que les deux personnes concernées sont filmées floues à travers une fenêtre. La caméra et la narration de Schleinzer nous mettent dans une position particulière et dynamique vis-à-vis du récit. Elles laissent un espace actif, éloquent et expressif à ce qui n’est pas montré : le cinéaste prouve encore une fois sa capacité à mettre en scène une violence pourtant absente à l’écran. Et à installer un tempo à la fois lent et soutenu, participant à une totale immersion.

Beaucoup de choses sont absentes de l’écran dans Rose, ce qu’on y voit doit nous suffire à construire l’histoire et les personnages. Le film est court, son noir et blanc se débarrasse de toutes les nuances colorées de la nature. Ça ne l’empêche pas d’être profond, ça ne nous empêche pas de nous plonger au plus loin dans ses images magnétiques, au contraire. C’est simple et c’est comme ça : ce sont justement les explications simples de Rose qui rendent folles les personnes les plus ignares. Rose est un film qui se déroule il y a au moins 300 ans, mais c’est un film d’aujourd’hui sur l’obsession des réactionnaires pour ce qu’il y a dans la culotte des autres. Incarnée par la toujours extraordinaire Sandra Hüller (qui n’a parfois besoin d’aucune expression pour suggérer énormément), Rose est un personnage fantastique par ce qu’elle accomplit (son culot héroïque, sa manière de se jouer des normes sociales, son talent pour faire fuir les ours) et ce qu’elle révèle de la communauté. Lors d’un plan saisissant du début du long métrage, elle semble s’évanouir dans un carnaval tel un fantôme. Son ombre puissante traverse le film et plane longtemps encore après la séance.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Adieu monde cruel

admin — Tue, 08 Sep 2026 15:22:32 +0000

Otto Vidal, 14 ans, a disparu après avoir adressé une lettre d’adieu aux élèves de sa classe. Alors que tout le monde le croit mort, Léna, une fille de son lycée, le reconnaît une nuit en train d’errer dans les rues de la ville.

Adieu monde cruel
France, 2026
De Félix de Givry

Durée : 1h33

Sortie : 09/09/2026

Note :

LE DEUIL DE MON ORGUEIL

Voilà un titre qui ne ment pas. Otto a beau n’avoir que quatorze ans, il porte déjà la cruauté du monde sur ses épaules, suffisamment pour avoir le projet clair d’en finir. Cette cruauté, Felix De Givry a le bon goût de ne pas nous la faire subir à notre tour de manière trop éprouvante : il lui suffit d’une courte séquence placée en ouverture, où le jeune protagoniste se retrouve sans issue dans une pénombre qui recouvre tout. La source de sa terreur reste quasiment hors-champ dans cette séquence presque sortie d’un film de genre. Il serait naïf de penser que cela signifie que le film va automatiquement se concentrer sur le positif, mais il y a en effet beaucoup de beauté dans le reste d’Adieu monde cruel.

Otto s’est suicidé, chaque élève de sa classe l’apprend en recevant une copie de sa lettre d’adieu et la nouvelle fait vite le tour de cette toute petite ville de province pluvieuse, qui semble encore vivre sous cloche dans une autre époque, quelque part entre les années 60 et les années 90. Or Otto a survécu à sa tentative de suicide. Incapable de faire à nouveau face aux autres, ou peut-être bien tout simplement incapable de reprendre place parmi le monde des vivants, Otto erre dans la brume automnale. C’est alors qu’il croise Léa, une camarade de classe qu’il connait mal mais qui l’aide à se cacher dans les recoins d’un hôtel à moitié vide, presque fait pour être hanté. Celle-ci a beau ne pas avoir tenté de mettre fin à ses jours, faire semblant de vivre lui semble également impossible.

Felix de Givry n’a pas peur d’aborder un sujet rare et terrible, l’envie de morts chez les très jeunes adolescents (presque encore des enfants). Il compense cette noirceur d’une part par une dose poignante de romanesque comme dans un conte, et d’autre part par une sorte de poésie buissonnière hors du temps. Sur ce dernier point, il faut vanter le travail d’interprétation de quelqu’un qui n’apparait pourtant jamais à l’écran : Françoise Lebrun. Mettre des mots aussi graves dans la bouche de jeunes interprètes est un défi de taille, et si ces derniers se montrent très convaincants, la star du film est la voix off délicate et empathique de Lebrun. Celle-ci n’offre pas qu’un clin d’œil à une page bien aimée du cinéma français, elle transforme ce fait divers potentiellement morbide en fable fantomatique particulièrement bouleversante. Le résultat est l’un des meilleurs premiers films français de l’année.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Salvation

admin — Tue, 01 Sep 2026 14:47:09 +0000

Deux villages turcs, l’un à flanc de montagne, l’autre dans la plaine. Quand les habitants du bas, exilés, décident de revenir sur leurs terres, des conflits ancestraux ressurgissent avec ceux du haut. Progressivement, croyances, paranoïa et luttes de pouvoir s’exacerbent, mettant en péril la fragile cohabitation des deux communautés.

Salvation
Turquie, 2026
De Emin Alper

Durée : 2h00

Sortie : 02/09/2026

Note :

NUIT EN ENFER

Pour un peu, le nouveau long métrage d’Emin Alper (lire notre entretien) donnerait presque l’impression de débuter exactement là où se terminait son précédent film, Burning Days : aux abords d’un petit village plongé dans une obscurité métaphorique qui contient mal une rage souterraine prête à bondir. Le cinéaste turc confie volontiers accorder une attention et un temps particulièrement importants aux repérages et on peut en effet le féliciter de toujours trouver des lieux très éloquents dans lesquels situer ces récits. Schéma familier du cinéma d’Alper, Salvation se déroule dans un village suffisamment isolé pour être resté enfermé dans ses traditions. De jour, les vêtements des habitants y ont la même couleur que les vieilles pierres et de nuit, il devient difficile de distinguer l’intérieur de l’extérieur de ces maisons et ces ruelles. La seule différence entre lieux privés et espace public semble être l’absence de femmes dans ce dernier.

Dans cette histoire, il y a à vrai dire deux villages, si proche qu’on les qualifie de frères, voire de jumeaux. L’un est perché sur une colline, l’autre est en bas, prêt à être toisé et surveillé. Ce dernier fut abandonné par ses habitants contraints à l’exil, il y a suffisamment longtemps pour que les voisins s’approprient les lieux. Le retour inattendu et inexpliqué des résidents d’origine place tout le monde face à la brûlante question : qui est le plus chez soi ? Entre les hommes adultes (les seuls à avoir – selon eux – le droit à la parole sur la question), les dents grincent, le ton monte et la monstruosité est déjà à la porte, notamment chez Mesut, persuadé de sa supériorité morale et galvanisé par des apparitions mystiques.

Emin Alper puise une nouvelle fois une partie de son inspiration visuelle dans les codes de western, mais selon ses propres mots, il a cette fois déplacé le curseur un peu plus en direction du cinéma d’horreur. Rien de surnaturel ou gore à signaler ici bien sûr, l’appellation est à prendre avec les mêmes pincettes que lorsqu’Alper nous présentait Burning Days comme un film catastrophe, mais il y a effectivement presque quelque chose de John Carpenter dans ce monde entièrement plongé dans une nuit (le travail sur la photo est d’ailleurs remarquable dans les scènes d’intérieur comme d’extérieur) où les frontières s’effacent et les visions s’invitent. Le temps d’un plan stupéfiant, on ne sait plus trop si le village voisin est en flammes ou bien baigné d’accueillantes loupiotes, ou même transformé en vaisseau spatial perdu dans l’espace.

Emin Alper s’inspire ici d’un authentique fait divers survenu en Turquie en 2009, mais il serait réducteur de qualifier le film de reconstitution tant le cinéaste démontre une nouvelle fois son expertise pour faire de ces contes réalistes des paraboles universelles. Salvation n’apporte n’apporte peut-être pas grand chose de très nouveau à son œuvre, mais c’est sans doute celui de ses films dans laquelle la métaphore politique est la plus cinglante. Alper ne mâche pas ses mots et sa critique du régime turc en place lui a valu un procès qui a d’ailleurs servi d’inspiration au cinéaste germano-turc İlker Çatak pour Yellow Letters. Avec ce terrible drame peuplé de fanatiques prêts à sacrifier leurs leurs propres enfants au nom d’un acte de propriété fantasmé, Alper se ne contente pas de viser la Turquie. Il inclut dans son viseur les colons et les leaders fous du monde entier, des Etats-Unis à l’Iran et Israël.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Dégel

admin — Tue, 25 Aug 2026 15:59:26 +0000

Chili, 1992. Le pays reste marqué par des années de dictature. Alors qu’elle est gardée par ses grands-parents dans leur hôtel en station de ski, Ines, 9 ans, se lie d’amitié avec Hanna, une jeune sportive venue d’Allemagne. Lorsque celle-ci disparaît sans laisser de trace, l’enfant cherche à comprendre…

Dégel
Chili, 2026
De Manuela Martelli

Durée : 1h48

Sortie : 26/08/2026

Note :

PISTES NOIRES

Ines vit à l’hôtel. Pas mal, non ? Certes, c’est seulement momentané, le temps que ses parents reviennent de l’étranger, mais tout de même. Dans cet Overlook chilien perché en haut d’une montagne, Ines est choyée par sa grand-mère, propriétaire des lieux, et par le personnel qui lui passe ses manies enfantines et petits caprices. Les fenêtres sont embuées « comme si on avait effacé le monde », et du haut de ses neuf ans, Ines sent bien que tout n’est pas aussi simple à l’extérieur qu’à l’intérieur de son doux cocon. On parle à demi-mot d’un volcan voisin, et la forêt est de toute façon si épaisse que mêmes les adultes connaissant la région comme leur poche doivent faire attention.

Dans son précédent long métrage, la cinéaste chilienne Manuela Martelli affichait dès le titre (Chili 1976) son intention d’aborder l’Histoire politique de son pays. Récit d’apprentissage loin de ressembler à un cours magistral, Dégel assume la part de romanesque propre aux contes, même si l’ombre des enlèvements politiques de la dictature de Pinochet demeure suggérée entre les lignes. Au détour de conversations, les employés de cet hôtel proche de la frontière argentine évoquent ainsi avec gravité des disparitions passées. Mais une disparition peut aussi être une aventure, un souhait précieux, un espoir.

L’action de Dégel se déroule en 1992, et les pages sombres de l’Histoire semblent bien tournées. Les regards sont au contraire dirigés vers l’avenir et vers l’autre bout du monde : vers l’exposition universelle de Séville où le Chili a fait le choix poétique et étonnant d’envoyer un authentique iceberg. Tout immense et imposant qu’il soit, le glaçon a un peu fondu en route, mais chut, c’est un secret. Presque prisonnière de son foyer comme l’héroïne de Chili 1976, Ines est se sent magnétiquement attirée par ce hors-champ fantastique et un peu absurde. C’est pourtant une dynamique inverse qui arrive : l’arrivée d’un groupe de jeunes sportifs allemand, et particulièrement d’une ado skieuse, provoque la fascination de la jeune protagoniste.

Pour cette nouvelle venue, l’extérieur est quelque chose de dangereux, et ce n’est pas seulement une question de météo ou de géographie. Ce qu’Ines apprend aux cotés de cette amie plus âgée, c’est que le monde entier est un terrain de chasse où les filles risquent tout, entre petits copains maladroits et forceurs, coachs ambigus et parents exigeants, et même quelque chose d’aussi gigantesque qu’un iceberg peut se retrouver prisonnier d’un filet de pêche. Manuela Martelli fait preuve d’excellence scénaristique, et ce n’est pas seulement une question de riches métaphores. Dégel change de peau et devient film à suspens, et se paye même la pirouette culottée de changer de protagoniste non pas une mais deux fois. Le résultat est à la fois puissant et élégant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : L’Inconnue

admin — Tue, 25 Aug 2026 14:50:16 +0000

À bientôt 40 ans, David Zimmerman est photographe mais personne ne le sait. Alors qu’il ne sort presque jamais de chez lui, des amis le traînent dans une fête insensée. Il y repère une femme dans la foule, ne peut en détacher le regard, la suit… Quelques heures plus tard, David se réveille : il est dans le corps de l’inconnue.

L’Inconnue
France, 2026
D’Arthur Harari

Durée : 2h20

Sortie : 26/08/2026

Note :

SOUFFREZ QU’UNE AUTRE EN MOI SE GLISSE

C’est l’histoire d’un mec qui se réveille dans le corps d’une femme. Le body switch ou body swappping, situation où deux personnages se retrouvent projetés par magie dans le corps de l’autre, est un motif si fantasque qu’il n’apparait presque jamais ailleurs que dans deux genres cinématographiques : le fantastique (un peu) et la comédie (surtout). Certes, peu de spectatrices ou spectateurs risquent de se rendre à une séance de L’Inconnue en espérant voir un remake français de Freaky Friday mais confirmons-le néanmoins : ce qui distingue avant tout le nouveau film d’Arthur Harari des autres récits de ce genre, c’est précisément son très grand sérieux.

Comme dans Onoda, 10 000 nuits dans la jungle, ce n’est pas parce que le récit possède une dimension invraisemblable que cela doit prêter à rire. Pas franchement fantaisiste, le cinéma d’Harari trouve un équilibre intrigant en se frottant concrètement au fantastique. Le cinéaste adapte ici Le Cas David Zimmerman, élégante bande dessinée qu’il a coécrit avec son frère en 2024, et pousse la fidélité très loin (il peut difficilement sans doute en être autrement lorsqu’on adapte son propre matériau). Une différence de taille est cependant à noter : le film est bien moins bavard et se paye même le panache d’avoir de longues plages sans quasiment aucun dialogue. Bien vu, pour un film sur la solitude. Solitaire même dans une fête gigantesque, David y fait pourtant la connaissance d’une inconnue, il couche avec elle sans attendre et se réveille le lendemain matin dans son corps à elle.

Comme la BD d’origine, L’Inconnue fait le choix curieux de ne jamais aborder, même du bout des doigts, cette aventure comme une parabole du vécu des personnes trans. D’abord terre à terre et urgente, l’enquête menée par David à la recherche de la mystérieuse inconnue et de son secret ouvre progressivement des pistes métaphoriques dignes des films d’horreur aux sous-textes les plus riches : une contamination mortelle par les rapports sexuels, un invincible mal-être générationnel, une tristesse contagieuse qui ne toucherait que les jeunes. Comme dans la BD d’origine, le crescendo disparait pourtant dans un dénouement en queue de poisson où ces belles promesses narratives se voient remplacées par le fantasme bien plus commun de changer de vie et tout recommencer à zéro.

Ce dernier acte frustrant donne l’impression que le très sérieux Harari ne sait pas vraiment quoi faire de la dimension poignante de son récit. D’ailleurs, la scène la plus émouvante du film, dans laquelle on retrouve Radu Jude en acteur (un choix méta qui n’est pas l’idée la plus pertinente ici à l’œuvre) s’avère en réalité n’être qu’un rêve. Cela peut se faire pardonner car ce mélange inattendu entre inquiétante mélancolie du récit et intransigeant réalisme de la mise en scène file par moment un sacré vertige. Filmer et raconter un personnage sans le faire parler, sans même parfois filmer son visage, cela demande en effet un sacré talent et le film peut compter sur celui de Léa Séydoux qui livre ici l’une des meilleures performances de sa carrière, aux cotés de France de Bruno Dumont et La Bête de Bertrand Bonello. Avec ce dernier, L’Inconnue ne partage peut-être pas autant que prévu la même folie, mais il fait preuve d’une ambition digne de la comparaison.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Memory Of Princess Mumbi

admin — Tue, 25 Aug 2026 13:25:21 +0000

En 2093, le cinéaste Kuve se rend à Umata pour filmer un documentaire sur la Grande Guerre des années 2070, qui a effacé les technologies modernes et fait renaître d’anciens royaumes. Il y rencontre Mumbi, qui le met au défi de réaliser son film sans intelligence artificielle. Il commence alors à comprendre que même les plus petits moments peuvent être d’une profonde beauté.

Memory Of Princess Mumbi
Kenya, 2025
De Damien Hauser

Durée : 1h20

Sortie : 26/08/2026

Note :

VESTIGES DU FUTUR

Ne prenez pas la peine de lire le résumé de ce film. Ce n’est pas qu’il vienne gâcher une surprise en en divulguant trop, c’est au contraire qu’il ne traduit qu’une toute petite partie de l’imprévisible mosaïque qu’est Memory of Princess Mumbi. Cette histoire de princesse du futur est à la fois au cœur du récit et presque entièrement superflue au plaisir et à la compréhension du visionnage, et ce par un numéro d’équilibriste scénaristique qu’on est bien en peine de décrire tant il relève du tour de passe-passe. Récit d’amour fou, voix off et grands violons : les toutes premières scènes du film paraissent obéir à la grammaire habituelle du mélo. Or, ce sont là les uniques minutes où l’ensemble donne l’impression d’être sur des rails familiers. Tant mieux.

S’il fallait à notre tour tenter de résumer l’histoire folle de Memory of Princess Mumbi, nous dirions qu’il s’agit d’une comédie romantique entre un garçon et une fille qui rêvent de faire un film qui rende les gens heureux. Nous suivons donc les aventures sous la forme d’un faux making of entrecoupé du résultat de leur travail, un film dans le film au récit pas très éloigné de ce qu’ils vivent. De plus, tout ceci se déroule effectivement dans un pays africain imaginaire, dans un futur distant qui ressemble parfois drôlement au présent et parfois pas du tout. Pour être entièrement honnête, la véritable trame narrative est souvent trop chaotique pour être suivie de près, mais cette perte de repères n’empêche pas le charme de cette fantaisie qui file à toute allure.

Fantasque, Memory of Princess Mumbi ne l’est pas que par son récit. Le film fourmille de propositions visuelles étonnantes. Les scènes de danses sont filmées avec un dynamisme digne d’un clip musical et le texte qui apparait parfois à l’écran est d’une grosse police jaune qui rappelle la blacksploitation, offrant un mélange à la fois pop et pulp. De plus, plusieurs images du film sont générées par intelligence artificielle, mais l’utilisation de cette dernière n’est pas naïve. Malicieusement intégrée aux récits (dans ce futur où les nouvelles technologies ont été bannies, les deux apprentis cinéastes ne sont pas d’accord sur son usage), cette technique vient apporter un niveau de lecture supplémentaire au long métrage.

Le mouvement artistique contemporain de l’afrofuturisme (auquel Memory… se rattache aisément) trouve son origine dans le désir de palier par l’imagination extrême un manque de variété de représentations des vécus du continent africain. La manière dont le cinéaste kenyan et suisse Damien Hauser utilise donc la machine à fantasmes qu’est l’IA fait preuve d’une certaine ironie (les logiciels utilisés sont carrément remerciés au générique de fin) au moment de venir illustrer par instants cette histoire d’héritiers princiers de royaumes disparus. Au-delà de cette dimension arty/meta, ce long métrage parmi les plus singuliers de l’année se regarde avec appétit, comme si nous nous trouvions face au bric-à-brac d’un coffre à trésor cinématographique mal rangé mais chatoyant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Soudain

admin — Wed, 12 Aug 2026 11:30:35 +0000

Directrice d’un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d’y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l’écoute et la dignité des résidents, malgré la réticence d’une partie de ses équipes. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire. En nouant une amitié profonde, les deux femmes engagent ensemble un combat pour “rendre possible l’impossible”.

Soudain
Japon, 2026
De Ryusuke Hamaguchi

Durée : 3h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

LE VOYAGE EN FRANCE

Y avait-il quelque chose d’inévitable à ce que Ryūsuke Hamaguchi vienne tourner en France ? Ceci semble être devenu un passage obligé (et effectué avec plus ou moins d’inspiration) pour les cinéastes japonais habitués de nos écrans: Kurosawa, Kore-eda et d’une certaine manière avec Kawase. La sélection de ce film tourné sous nos latitudes, au sein d’une compétition cannoise contenant déjà un très grand nombre films faits par des cinéastes étrangers avec des acteurs français (Farhadi, Kreutzer, Nemes), avait de quoi faire douter de la pertinence d’un tel voyage. Face aux scènes qui composent le début de Soudain, nos craintes sont à moitié confirmées puisque Hamaguchi se retrouve plongé dans le sous-genre roi du cinéma français contemporain : le film d’hôpital. Avec sa conviction habituelle, Virgine Efira joue non pas une infirmière mais une directrice d’ehpad, solide et presque parfaite (le genre de rôle que Léa Drucker endosse désormais dans un film sur deux). Avait-on vraiment besoin de faire venir de l’autre bout du monde un cinéaste aux films si libres pour le diluer dans des histoires de plannings de travail entre soignants ? Où est passé Hamaguchi ?

Eh bien il n’est pas très loin, et la suite de Soudain vient récompenser la patience dont il faut faire preuve devant cette mise en jambes (mais ne rangez pas votre patience définitivement). La directrice d’ehpad rencontre par hasard une metteuse en scène de théâtre. Elles se revoient, s’apprécient, s’admirent même. Elles ont des choses à se dire, beaucoup, que ce soit sur le travail, le bonheur ou même le capitalisme. Ces échanges laissés dans toute leur durée et qui mériteraient d’être chronométrés nous font alors retrouver avec bonheur le Hamaguchi qu’on connait, et même un Hamaguchi qu’on avait un peu perdu de vue, celui qui s’était imposé comme une révélation fulgurante en 2015 avec un film qui avait le culot de durer tout de même 5h17. A plusieurs moments, Soudain donne parfois l’impression d’être le film le plus radical du cinéaste depuis Senses. Parfois.

L’effet d’immersion à moitié hallucinée dans ces plages verbales est accentué par l’aisance stupéfiante dont Efira fait preuve en s’exprimant directement en japonais. Ces deux femmes savantes sans maris partent en logorrhée intellectuelle au cœur de la nuit, en partageant leur chambre, elles bâtissent des montagnes de savoir comme pour une parade nuptiale qui ne dit pas son nom. Soudain n’est peut être pas queer, mais il est sacrément cryptoqueer (comme on disait avant de remplacer ce terme par l’expression seulement à moitié équivalente queer coded) et cette dynamique de marivaudage intello évoque celle du déjà très crypto-lesbien Conte de printemps. De Rohmer, on trouve surtout ici un écho de L’Arbre, le maire et la médiathèque : dans la manière dont les personnages transforment chaque badinage en leçon docte, mais aussi dans cette façon de déposer un ton lunaire sur des discussions politiques. Tel est l’équilibre étrange du troisième acte de Soudain, où la stupéfiante radicalité verbeuse laisse place à une greffe ludique des mondes du théâtre et de l’hôpital.

Avec son titre qui ne correspond pas du tout à son rythme, Soudain est un film difficile à faire rentrer dans une case. Tantôt diablement exigeant, tantôt presque cheesy. Tantôt chastement sérieux et tantôt bouleversant de mélodrame retenu. Tantôt le film le plus bizarre de la filmographie d’Efira, tantôt le film le plus populaire de celle d’Hamaguchi. Le résultat n’est pas parfaitement équilibré, mais ces pas de côtés charment un peu plus qu’ils ne laissent perplexe. Marier ainsi les contraires est sans doute la marque des grands metteurs en scènes. Contre toute attente, Soudain vient donc paradoxalement réaffirmer la belle et franche bizarrerie qui traverse le cinéma d’Hamaguchi. Cela valait le voyage.

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par Gregory Coutaut

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