Festival du Film Fantastique de Neuchâtel - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Le palmarès du Festival du Film Fantastique de Neuchâtel 2026

admin — Sat, 11 Jul 2026 20:13:59 +0000

L’édition anniversaire du Festival du Film Fantastique de Neuchâtel, qui fêtait cette année ses 25 ans, vient de se terminer. Le festival était à suivre sur Le Polyester. Le palmarès vient d’en être dévoilé.

Le Narcisse du meilleur film a été remporté par le film sudafricain Hen, premier long métrage du réalisateur Nico Scheepers. L’histoire de ce film : dans une ferme isolée, un enfant sauvage et craintif découvert dans un coffre, sème la folie parmi ceux qui l’accueillent. L’an dernier, ce prix était remis à La Tour de glace de la Française Lucile Hadzihalilovic.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Hen

Palmarès des longs métrages
Narcisse du meilleur film : Hen, de Nico Scheepers
Mention : Breeder, d’Alex Goyette
Prix des meilleurs décors : Sleep No More, d’Edwin
Prix de la critique : Breeder, d’Alex Goyette
Prix de la jeunesse : Sanguine, de Marion Le Coroller
Prix du public – compétition asiatique : My Daughter is a Zombie, de Pil Gam-Sung
Prix du public – compétition internationale : Hokum, de Damian Mccarthy

Palmarès des courts métrages
Narcisse du meilleur court métrage suisse : Le Miracle, Avril Lehmann, de Yael Vallotton
Prix de la jeunesse : The Last Jiangsh, d’Yu Chih-Chieh
Prix du public : Cosmonauts, de Leo Cernic

Nominations aux Méliès d’argent
Méliès d’argent du meilleur long métrage de fiction : Sie glauben an Engel, Herr Drowak?, de Nicolas Steiner
Méliès d’argent du meilleur court métrage européen : Le Mouvement tragique des sphères, de Simon Rieth

Le site officiel

Gregory Coutaut

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Festival de Neuchâtel | Critique : Light Pillar

admin — Wed, 08 Jul 2026 01:07:10 +0000

Le futur, l’hiver. Les voyages spatiaux ne sont plus un rêve. Un concierge solitaire entretien un vaste studio de cinéma en faillite.

Light Pillar
Chine, 2026
De Xu Zao

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

COUPEZ

L’animation chinoise n’est pas forcément celle qui parvient le plus jusqu’aux écrans occidentaux. On peut néanmoins citer l’exemple récent de Liu Jian dont les films Have a Nice Day et Art College 1994 ont tous les deux été sélectionnés en compétition à la Berlinale avant d’être visibles dans les salles françaises (Art College 1994 devrait sortir chez nous en juin prochain). Et c’est à nouveau à la Berlinale qu’on peut découvrir le film d’animation Light Pillar de Xu Zao, dans la compétition Perspectives dédiée aux jeunes talents.

Un paysage est, la nuit, recouvert de neige. Ou bien s’agit-il de cendres ? La question pourrait presque se poser tant ce mini-monde semble fantôme. Light Pillar se déroule en effet dans un studio de cinéma dont les grandes heures sont passées. Un gigantesque Sphynx est posé là, comme une anomalie ensommeillée dans le décor. Les vestiges sont désormais recouverts d’un drap blanc : que deviennent les utopies, comme dans ce lieu désolé qui ressemble à un parc d’attractions autrefois rayonnant mais désormais à l’abandon ? Cela pourrait être un triste spectacle hanté, mais l’atmosphère de ce long métrage d’animation est étonnamment douce.

Cela passe par le design des personnages et les couleurs utilisées. Mais aussi par ce rythme curieux, tendre et lancinant, qui accentue la dimension paisible et rêveuse de ce vaste et petit décor de boule à neige. Un charmant et confortable matou déambule à pas lents tandis que les flocons recouvrent tout. L’herbe est-elle plus belle dans l’espace (car il est ici envisagé de partir pour le cosmos) ? Le climat délicatement nostalgique semble nous indiquer qu’il n’y a en tout cas plus grand chose à attendre du présent dans ce décor pourtant cinégénique.

L’humour dans Light Pillar est pince-sans-rire, à froid. Mais dans cette réalité à l’étrangeté taiseuse, personne n’est à l’abri de l’absurdité du monde du travail. Les souvenirs dans ce long métrage sont un trésor à chérir : lorsqu’un protagoniste enfile ce qui ressemble à un casque de VR, c’est le passé heureux qui apparaît à l’écran. Contraste saisissant : il s’agit de prises de vues réelles. La fête foraine est scintillante, et la nostalgie berce dans ce drôle de film à la fois joyeux et mélancolique.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Neuchâtel | Critique : My Daughter is a Zombie

admin — Tue, 07 Jul 2026 20:10:49 +0000

Jeong-wan, dresseur d’animaux, vit avec sa fille adolescente, Su-a, qui est passionnée de danse. Un jour, celle-ci est infectée par un virus zombie qui s’est répandu dans le monde.

My Daughter is a Zombie
Corée du Sud, 2026
De Pil Gam-sung

Durée : 1h54

Sortie : –

Note :

TROP MORTELLE

Un délicieux coin rural, fleuri et coloré, un chat roux adorable qui s’y prélasse, une vue imprenable sur la mer : le décor idyllique dévoilé lors des premiers instants de My Daughter is a Zombie semble être celui d’un coquet récit feel-good. A travers un contraste efficace, c’est en réalité celui d’une épidémie zombie qui s’est répandue dans le monde entier. Le long métrage ne perd pas de temps ; le protagoniste (un père quadragénaire) nous informe que sa fille est un zombie et le film réalisé par Pil Gam-sung n’est pas tant un survival qu’un récit où l’on essaie de vivre, comme on peut, avec les morts-vivants. Et avec ce qui reste d’humain en eux.

Adapté d’un manhwa publié en 2022, My Daughter is a Zombie a été le plus gros succès au box-office coréen l’an passé. Si le sous-genre de la comédie zombie n’est pas particulièrement inédit, le long métrage tente néanmoins d’avoir ses propres couleurs et sa propre personnalité (à l’opposé de Colony, actuellement en salles, qui déroule un programme zombie mécanique en refusant tout parti-pris ou toute originalité). Dans ce qui, hormis quelques morsures, pourrait ressembler à une comédie familiale classique, My Daughter is a Zombie raconte les mutations de la puberté sous le prisme du zombie : une ado tête à claques et pas complètement cuite peut bien ressembler à une morte vivante teigneuse et asociale.

Voilà un moteur de comédie assez efficace et My Daughter is a Zombie n’est d’ailleurs jamais un film de valeureux héros affrontant l’apocalypse zombie. On assiste aux réactions paniquées d’un papa normal ou d’une opiniâtre mamie, ce qui offre là encore un contraste assez rafraîchissant avec les figures du genre. My Daughter is a Zombie s’appuie sur quelques ficelles scénaristiques et confirme que les films ne devraient pas avoir peur d’être plus court : ses presque 2 heures comportent des longueurs. Le film n’est jamais aussi saillant que lorsqu’il est une pure comédie ; et malgré ces quelques réserves, My Daughter is a Zombie est un divertissement efficace et attachant qui brille par son bon esprit.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Neuchâtel | Critique : A Prayer for the Dying

admin — Tue, 07 Jul 2026 07:52:10 +0000

En 1870, la ville de Friendship, dans le Wisconsin, endure un été chaud et sec. La petite ville tourne autour de Jacob Hansen, un héros de la guerre de Sécession américaine qui, malgré ses nombreuses réalisations, est incapable de se libérer de la violence et des ténèbres de son passé de soldat. Se sentant obligé d’expier les torts qu’il a commis, Jacob prend la responsabilité non seulement de subvenir aux besoins de sa jeune famille mais aussi d’assumer les rôles de shérif, de croque-mort et de pasteur pour Friendship. Il considère ainsi que Friendship est sous sa protection – une prétention qui va le hanter lorsque la ville est frappée par une épidémie que le médecin local ne peut contenir.

A Prayer for the Dying
Norvège, 2026
De Dara Van Dusen

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

AU-DESSUS DU VOLCAN

C’est un spectaculaire monochrome jaune, ce sont des flocons d’or qui tombent du ciel ? A moins qu’il ne s’agisse d’un incendie infernal, et de cendres. Dévoilé dans la compétition Perspectives à la Berlinale et premier long métrage de l’Américaine établie en Norvège Dara Van Dusen, A Prayer for the Dying réserve de toute façon beaucoup de place aux interprétations et laisse les explications scolaires de côté. Le film s’ouvre dans un décor de western, mais comme la jeune cinéaste n’aime visiblement pas nous donner toutes les clefs d’un coup, A Prayer… ressemble finalement moins à un western qu’à un film d’horreur gothique.

Adapté du roman Un mal qui répand la terreur de l’Américain Stewart O’Nan, paru chez nous en 2001, A Prayer for the Dying suit un héros de la Guerre de Sécession visiblement en difficulté avec sa conscience, et qui se met en tête de devenir le protecteur d’une petite ville américaine. Las, celle-ci est victime d’une épidémie mystérieuse. Également sélectionné à la Berlinale et visible d’ici peu dans les salles françaises, Le Testament d’Ann Lee de la Norvégienne Mona Fastvold a comme parti-pris allégorique de dépeindre l’Amérique comme une terre fondée par des illuminés. Chez Dara Van Dusen, même si sa lecture peut être parfaitement libre, l’Amérique semble avoir été fondée… par des enragés.

De vifs panoramiques en zooms brutaux, la caméra dans A Prayer for the Dying (fantastique travail de la part de l’Américaine Kate McCullough) semble à la fois savoir exactement où aller, tandis que, dans notre siège, on ne sait jamais ce qu’on va regarder. Ce conte hanté a la qualité envoûtante des slowburners, et ses visions mentales ouvrent la porte d’un imprévisible imaginaire. Faites entrer le cirque et son étrangeté dans ce très curieux film qui n’est jamais vraiment là où on l’attend (comme ce format d’image qui déjoue les attentes classiques du western) mais qui parvient à composer une œuvre cohérente et maîtrisée.

Dans son soufflant segment final, l’ambition formelle d’A Prayer for the Dying rappelle les puissantes évocations infernales d’un Lars Von Trier. L’incendie sur terre filmé comme un geyser de lave qui a remplacé le ciel est une peinture hallucinée qui fait écarquiller les yeux. Cette fable à la fois directe et secrète, factuelle et abstraite, brutale et évanescente, signale le talent extrêmement prometteur de son ambitieuse réalisatrice.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Neuchâtel | Critique : Teenage Sex and Death at Camp Miasma

admin — Tue, 07 Jul 2026 02:43:42 +0000

La réalisatrice du remake d’un film d’horreur devient obsédée par l’actrice mystérieuse qui incarnait la « final girl » dans le film original…

Teenage Sex And Death At Camp Miasma
États-Unis, 2026
De Jane Schoenbrun

Durée : 2h00

Sortie : –

Note :

REFLETS DANS UN DIAMANT CAMP

Comment décrire un feu d’artifice ? Par quel bout commencer pour décrire le fabuleux kaléidoscope qu’est Teenage Sex and Death at Camp Miasma, film qui réussit la tâche herculéenne d’être à la hauteur de son titre? Cinéaste trans repéré.e il y a cinq ans à Sundance (et à Entrevues Belfort pour la France) avec son étrange premier long métrage, We’re All Going to the World’s Fair, Jane Schoenbrun était bien vite passé.e à la vitesse supérieure avec le très singulier I Saw the TV Glow, l’un des sommets de 2024 hélas sorti directement en VoD chez nous. Une injustice réparée par la sélection de ce nouveau long métrage en première mondiale à Cannes, en ouverture (rien que ça) de la section Un Certain Regard.

Un regard certain, voilà précisément une qualité que possède Schoenbrun dont l’œuvre pourtant très jeune ne ressemble à aucune autre, située à la croisée des représentations queer et d’un amour pour le cinéma d’horreur, pour reprendre la formule avec laquelle se présente la protagoniste, personnage dont on peut s’amuser à deviner l’origine autobiographique. Teenage Sex and Death at Camp Miasma vient poursuivre l’exploration de ce filon, à une importante différence près. Il s’agit ici d’une comédie. Celles et ceux qui trouvaient que ses films intenses flirtaient parfois avec le risque de se prendre un peu trop au sérieux seront rassurés par un ton farceur qui vient rendre plus accessible le catalogue d’obsessions contagieuses de Schoenbrun.

Cette comédie a de l’ironie à revendre, mais il ne s’agit pas du tout d’une parodie. L’amour de Schoenbrun et de ses personnages pour le pouvoir de fascination des images interdites est particulièrement authentique. Teenage Sex and Death at Camp Miasma est camp au sens originel : un amour qui est sincère et moqueur dans le même geste, sans qu’un niveau de lecture vienne annuler l’autre. A chaque apparition de Gillian Anderson, on ressent à la fois les probables fous rires sur le plateau au moment de choisir ses robes, mais également la pureté de cet hommage ému aux actrices oubliées et sacrifiées du cinéma d’horreur. Mais surtout, on reste ici en plein cinéma fantastique, et l’on ressort de la séance avec l’impression d’avoir fait un rêve vénéneux davantage que d’avoir vu un film.

Tout débute par un diaporama de divers objets de collection à l’effigie du slasher fictif Camp Miasma. Cette introduction pourrait faire craindre que le film n’a d’autre d’autre ambition que d’être un catalogue de clins d’oeil aux sagas horrifiques des années 80, juste bons à faire du fan service. Même si, de fait, on jubile effectivement de reconnaitre telle ou telle référence obscure au long du film, le réduire à cela serait occulter l’honnêteté avec laquelle, derrière les gags, Schoenbrun ausculte aussi les zones grises qui peuplent ce carrefour entre le queer et l’horreur : la représentation érotisantes des final girls, l’ambiguïté de genre de certaines boogeymen, mais aussi la manière dont les cinéastes hommes ont (indépendamment de leur talent) juxtaposé film après film la souffrance féminine et notre jubilation de spectateur.ice. Cette déclaration d’amour n’est pas dupe.

Farfelu et délicieusement labyrinthique à la fois, le scénario de Teenage Sex and Death at Camp Miasma possède, on doit bien le dire, un ventre mou agaçant au moment, non pas de donner des explications (ce n’est clairement pas le genre de la maison), mais d’articuler une bonne fois pour toutes les différents niveaux lectures de ce cauchemar. Il y a beaucoup à analyser sur la manière dont les identités queer se construisent effectivement grâce aux images interdites et surnaturelles, miroir finalement souvent plus efficace que ceux du monde réel, mais après tout peut-être existe-t-il aussi un chaos indémêlable dans cette alchimie là. Il n’y a aucune raison de penser à Yasujirō Ozu devant Teenage Sex and Death at Camp Miasma, si ce n’est que le film semble parfaitement illustrer sa citation : « Ce sont les films qui nous regardent », et non l’inverse.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Neuchâtel | Critique : I Grew an Inch When My Father Died

admin — Mon, 06 Jul 2026 16:23:19 +0000

Dans un décor luxuriant et paisible de l’est des Philippines, le destin d’une communauté est mis à mal lorsqu’un meurtre vient diviser un groupe de jeunes ami·e·x·s.

I Grew an Inch When My Father Died
Philippines, 2026
De P. R. Monencillo Patindol

Durée : 1h13

Sortie : –

Note :

PAPA EST MORT

Au Philippines, dans un coin de jungle presque coupé du monde contemporain, un drame a lieu. Il a lieu hors-champ, avant le début du fim, et ses détails en sont tus. On entre dans I Grew an Inch When My Father Died en n’en sachant guère plus que ce que savent les trois jeunes protagonistes du film, qui semblent par moments être les seules créatures vivantes à habiter ce coin du monde. Le père de Ge et Kenken vient d’être tué lors d’un règlement de comptes. Le père de Ricor est en vraisemblablement le coupable. A peine entrés dans l’adolescence, ces trois garçons se retrouvent avec un héritage digne d’une malédiction fantomatique sur les épaules. Pourtant, tout va bien ou presque.

Pour son tout premier long métrage, le cinéaste P.R. Monencillo Patindol ne manque pas d’ambition. Il déjoue les enjeux archétypaux du film de vengeance en privilégiant, plutôt que l’engrenage tragique attendu, une compilation de micro événements et d’errances bucoliques dans les vies de ses personnages. Le film possède en conséquence un rythme immersif très particulier qu’il serait tentant de comparer à l’œuvre de Lav Diaz mais les scènes sont ici très courtes. Le résultat est certes bien exigeant en termes de contemplation, mais la perte de répères narratifs qu’il propose possède paradoxalement une certaine nervosité, à mesure que plans fixes et caméra à l’épaule s’alternent de manière imprévisible.

L’ambition du cinéaste est également visuelle et à ce titre, I Grew an Inch… est une révélation. La jungle est ici non pas en noir et blanc mais baignée d’un monochrome gris délavé jamais vu, où les seules tâches de couleurs (celles des maillots portés par les personnages) sont désaturées jusqu’à faire naître une mystérieuse nostalgie, comme si le film venait d’être redécouvert après avoir été longtemps abandonné dans la jungle. Seul un rouge sang, celui sur les mains des coupables et celui que les victimes fantasment de voir remplacer des rivières entières, vient percer par instants ces étonnants tableaux sortis d’une toute autre époque.

I Grew an Inch When My Father Died pourrait menacer de s’enfermer dans un dispositif formaliste si radical, mais P. R. Monencillo Patindol redresse la barre avec adresse. Sans qu’on le remarque tout de suite, les scènes du quotidien s’étalent sur une période de plus en plus longue et la relation entre les protagonistes évoluent. Sans que cela ait besoin d’être dit explicitement (ce n’est pas comme si le film regorgeait de dialogues de toute manière), Ge et Ricor se rapprochent, s’apprivoisent, se désirent sans doute. Sans jamais changer visuellement, le film se fait plus léger, change de visage à mesure qu’il offre un nouvel horizon à ses personnages qui parviennent à laisser derrière eux le code d’honneur toxique des fantômes paternels.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Neuchâtel | Entretien avec Leo Černic

admin — Mon, 06 Jul 2026 09:31:23 +0000

Dans une croisière intergalactique pour célibataires, divers personnages sont à la recherche de sexe, de plaisir, d’amour. Voici le point de départ du surprenant court métrage d’animation Cosmonauts, signé par le cinéaste d’origine slovène Leo Černic. Passé par la Berlinale avant d’être sélectionné cette semaine à Neuchâtel, Cosmonauts évoque le mauvais esprit à la fois absurde, tendre et irrévérencieux de Bill Plympton à travers un récit sexpositif, fantaisiste et mélancolique. Leo Černic est notre invité.

Comment l’idée de situer cette histoire dans l’espace s’est-elle imposée ?

J’ai toujours été fasciné par l’espace. Peut-être est-ce son immensité, le fait que je sois un grand fan des Cosmicomics de Calvino, ou juste mon ignorance à son sujet qui me permet de l’imaginer naïvement comme je veux et d’en déterminer les règles. L’espace convenait à ce genre d’histoire parce qu’il crée un joli contraste entre la densité, la physicalité et l’hédonisme du vaisseau et le vide absolu de l’espace, comme pour souligner un sous-texte mélancolique et poser une question au public : nos sexualités non conventionnelles peuvent-elles vraiment être considérées comme libres si elles n’existent que lorsque nous sommes cachés dans un coin reculé de l’univers, à l’abri de tout et de tous ?

Comment avez-vous abordé le design de ces personnages très différents ?

La conception des personnages est ma partie préférée de l’animation, donc c’était un pur bonheur et un vrai plaisir de devoir inventer des centaines de personnages bizarres, scène après scène. Comme je traitais du sujet de l’amour et de la sexualité, j’ai consciemment fait attention à les rendre aussi fluides que possible pour élargir la question de l’amour à nous tous.

Comment avez-vous trouvé votre équilibre idéal entre cette description de l’excitation sexuelle et la mélancolie qui la traverse ?

Ça s’est passé de manière très naturelle. Je pense que l’existence même d’une minorité apporte une sorte de mélancolie. Quand on parle de sexualité, cette mélancolie peut souvent être accentuée ou liée à des sentiments de honte, de solitude et de culpabilité – qui, paradoxalement, accompagnent pourtant les seuls moments où on se sent épanoui et comme notre vrai moi.

**Pouvez-vous m’en dire plus sur la construction du récit, comment avez-vous assemblé (pendant le processus d’écriture ou le montage) toutes ces petites scènes pour créer Cosmonauts ?**

Mon processus créatif est plutôt chaotique dans ses phases initiales. En général, après avoir une idée, un contexte, des thèmes et quelques personnages, je commence simplement à dessiner toutes les choses possibles qui pourraient se passer dans les limites que je me suis fixées. Des centaines de petites illustrations en sortent, ce qui m’aide à créer le monde de mon film et à esquisser l’histoire. Dans ce cas, vu les nombreuses intrigues qui se croisent dans un film relativement court, la collaboration avec la monteuse Iva Kraljević a été fondamentale, avec qui j’ai commencé à travailler dès la phase d’animatique.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Il y en a tellement. J’adore Federico Fellini, Paolo Sorrentino, Roy Andersson, Chintis Lundgren, Nikita Diakur, Nikolas Keppens, et beaucoup d’autres. J’adore quand des cinéastes essaient de trouver leur langage unique sans se prendre trop au sérieux, en maintenant une approche ironique.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 22 juin 2026. Merci à Luce Grosjean.

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Festival de Neuchâtel | Critique : Sleep No More

admin — Mon, 06 Jul 2026 04:30:38 +0000

Maryati, directrice d’une usine, exploite ses employé.es et les pousse à privilégier la productivité et l’avidité plutôt que le sommeil. Putri est convaincue que, à cause de cela, sa mère, qui travaillait dans l’usine, s’est suicidée. Sa sœur Ida, en revanche, croit que leur mère est morte parce qu’elle était possédée…

Sleep No More
Indonésie, 2026
De Edwin

Durée : 1h36

Sortie : –

Note :

TRAVAILLER TUE

Encore méconnu en France, l’Indonésien Edwin possède une filmographie assez déroutante, allant récemment d’un film qui lui a valu le Léopard d’or au pointu Festival de Locarno (Vengeance Is Mine, All Others Pay Cash) à ce film d’horreur populaire, Sleep No More, dévoilé dans le nouveau programme Berlinale Special Midnight consacré au cinéma de genre. Sleep No More se déroule dans une usine où l’on conçoit des perruques. Le lieu est ainsi rempli de mannequins en plastique, soit un décor idéal pour le gore et les démembrements qui vont joyeusement avec. On y travaille à la chaîne comme dans un drame social, mais lorsqu’un personnage fait bouillir des perruques, ce plan d’un chaudron évoque davantage les recettes d’une sorcière qu’un empaquetage chez Amazon.

Malgré la noire fantaisie, il y a bien une allégorie politique dans Sleep No More, avec cette usine aliénante où une voix mièvre diffusée par haut parleur incite les ouvrières et ouvriers à travailler sans relâche, jusqu’à l’endormissement – et cette voix indique également à chacune et chacun quoi faire de sa pause. Le capitalisme et le monde du travail rendent fou, l’épuisement rend dingue ; et il suffit de remplacer fou et dingue par possédé pour avoir le moteur narratif ludique de Sleep No More. Les ouvrières et ouvriers manquent de crever au travail ? Iels s’en remettent et reviennent ou sont remplacé.es, comme dans le monde réel le plus cynique. L’héroïne du film, la sympathique Putri au visage poupon, trimballe innocemment sa valise rose dans ce monde impitoyable.

Évoquons quelques soucis qui donnent une patine parfois improbable à Sleep No More, comme la direction d’actrices et d’acteurs où le jeu hagard d’une bonne partie du cast donne une tonalité discutable à des scènes de drame ou de terreur. Les interprètes doivent, il est vrai, se débrouiller avec des dialogues pour le moins… étonnants voire franchement maladroits. Mais, sans ignorer les défauts, personne n’est venu pour la littérature dans Sleep No More. Parfois merveilleusement idiot, souvent chaotique, le film n’hésite pas sur ses généreux effets horrifiques et peut s’appuyer sur une créature surnaturelle tout à fait séduisante.

Le long métrage s’approche parfois de l’esprit zinzin des productions japonaises Sushi Typhoon – mais ici le côté cartoon garde parfois un pied dans le premier degré, à l’image d’une maquette qu’on peut voir dans le film, en forme de réplique miniature de l’usine évoquant à la fois un cauchemar fantastique de Freddy… et un dispositif expérimental de Rithy Panh. L’ensemble est un spectacle appréciable, dont la star est sans aucun doute le personnage de Maryati qui transcende les défauts des méchant.es queer coded par son explosion camp et absurde : toutes les usines de cinéma devraient être dirigées par des marâtres à broches aussi glamour et terribles qu’elle.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Neuchâtel | Critique : Histoires de la nuit

admin — Sun, 05 Jul 2026 15:57:00 +0000

Nora, Thomas et leur fille Ida vivent dans une ferme isolée, dans une zone marécageuse. La famille est coupée du monde, à l’exception de leur voisine Cristina, artiste italienne. Alors qu’une fête surprise est organisée pour l’anniversaire de Nora, trois hommes surgissent autour de la maison, répandant malaise et tension chez les habitants du marais.

Histoires de la nuit
France, 2026
De Léa Mysius

Durée : 1h54

Sortie : 16/10/2026

Note :

DEUX SALLES, DEUX AMBIANCES

Au jeu des sept familles du cinéma de genre, la réalisatrice française Léa Mysius troque le récit d’apprentissage surnaturel (Les Cinq diables) pour du Home Invasion, ce type de récit sans éléments surnaturels mais au suspens éprouvant, où les protagonistes se retrouvent séquestrés dans leur propre maison. Ce que Mysius perd en imagination avec ce récit plus proche du film noir que du merveilleux, elle le regagne en clarté : là où Les Cinq diables partait délibérément dans beaucoup de directions différentes, Histoires de la nuit mise sur l’économie : un récit presque en temps réel entre une poignée de personnages seulement, dans un décor unique. Ou plutôt deux décors, ce qui n’est pas anodin.

Les codes du genre sont respectés et soigneusement présentés. Une maison évidemment isolée, des personnages archétypaux (une artiste peintre forcément intuitive, un fou qui s’avère plus clairvoyant que les autres), un filtre jaune un peu moche qui, ouf, laisse progressivement la place à des beaux bleus métalliques glacés (passer du jaune au bleu mériterait d’inclure ici le gif de Meryl Streep disant « groundbreaking » mais Histoires de la vie est effectivement de plus en plus beau à mesure que la nuit tombe autour des personnages), et comme nous sommes dans un film français, il était visiblement inévitable qu’on nous parle également du monde du travail, qu’il soit agricole ou citadin. Trop rares sont encore les films de genre de chez nous à oser se défaire entièrement de cette thématique, comme s’il fallait absolument qu’un film de genre fasse mine de parler de quelque chose de sérieux.

Qualité précieuse dans ce contexte de huis clos : Mysius gère efficacement rythme et tension, sans avoir recours à des facilités de type flashbacks (et ce sur près de deux heures, il fallait le faire). Le mérite en revient aussi aux différents interprètes, mais parmi ce casting de star, presque trop à la mode pour être honnête, c’est Alane Delhaye (le rôle titre de P’tit Quinquin, devenu une sorte de version française de Franz Rogowski) qui s’en tire le mieux. Chacun y va de son numéro plus ou moins attendu, au point qu’Histoires de la nuit devient davantage un film à acteurs qu’un pur film de genre.

Le résultat se suit avec beaucoup de facilité même si Mysius semble sans cesse aller et venir entre deux films : entre le drame accessible et une nervosité angoissante, entre la dignité des personnages et la cruauté nécessaire au genre, entre les dialogues psychologiques qui expliquent tout et une inquiétante étrangeté bien plus ambigüe. Sur ce dernier point, on aurait aimé que les espaces liminaux soient directement référencés dans la mise en scène plutôt que d’être bêtement abordés pour rien au détour d’une conversation, d’autant que la direction artistique est soignée. Plutôt frustrante à la longue, cette ambivalence trouve sa traduction la plus concrète dans le fait que l’action et les personnages sont, comme on le disait, étonnamment divisés entre deux décors, deux maisons collées l’une à l’autre. Quel très curieux parti pris scénaristique, finalement révélateur. Deux salles, deux ambiances, un comble pour un huis-clos.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Neuchâtel | Critique : Sanguine

admin — Sun, 05 Jul 2026 07:32:09 +0000

Margot débute son internat aux urgences, où elle peine à s’adapter. Très vite, elle fait face à des patients de son âge aux symptômes inexpliqués. La récurrence de ces cas exceptionnels l’interroge, d’autant qu’elle observe, sur son propre corps, des manifestations de plus en plus inquiétantes…

Sanguine
France, 2026
De Marion Le Corroller

Durée : 1h43

Sortie : 28/10/2026

Note :

J’AI MAL AU TRAVAIL

On ne juge pas un livre par sa couverture mais peut-on juger un film à sa séquence d’ouverture ? Celle de Sanguine n’y va pas de main morte avec ses couleurs pop criardes, son humour vachard qui tache et son surgissement de violence fun sortie d’un cartoon. Puis hop, comme pour coller à l’ambiance de rentrée des classes de l’héroïne qui vient juste d’être engagée dans un service d’urgences, le film revient illico à des choses plus sérieuses. L’horreur ne provient plus d’un jet de sang furieux et grossier mais de quelque chose de bien plus réel et sinistre : le monde du travail. Margot veut être la meilleure, veut être à la hauteur des attentes de sa garce de supérieure, quitte à ce que le stress la dévore presque au sens propre.

Il y a une particularité récurrente du cinéma de genre français à vouloir accompagner ses récits horrifiques d’un commentaire social bien visible. Parfois superflue, cette précaution peut même donner la désagréable impression d’un mot d’excuse venu négocier le droit d’être pris au sérieux, venu confirmer que le film a bien « des choses à dire ». Une fois passé sa séquence d’ouverture, Sanguine semble se réveiller dans ce cas de figure, et la présence au casting de Karin Viard, si inattendue dans ce registre fantastique, ferait presque craindre le miscast. Si certaines scènes évoquent davantage un thriller hospitalier réaliste, Marion Le Coroller n’oublie pas de faire bel et bien du body horror qui gratte. Le cinéma coréen aussi a pour habitude de pousser ses thrillers sociaux jusqu’à un curseur terrifiant, peut-être que l’équilibre de Sanguine est à chercher dans une formule similaire.

Difficile de ne pas penser à Grave de Julia Ducournau devant se récit de jeune fille plongée en pleine horreur hospitalière. Mais pourquoi punir un film de genre pour ressembler un peu à un autre quand 95% des drames ou films policiers du monde se ressemblent déjà entre eux ? On tient trop souvent l’horreur, et sans doute encore plus les réalisatrices d’horreur, à l’impossible double tâche d’être à la fois impeccable et inventive. Sanguine ne possède pas l’unicité de Grave mais s’en sort sans chercher à réinventer la roue et rééquilibre ses grands écarts imparfaits avec un sympathique emballage : une musique nerveuse de Rob, une direction artistique tout en contrepieds (contrairement aux clichés attendus, l’hôpital est bondé et ses murs sont rouge sang), et des touches d’humour inattendues, comme ce plan filmé en vue subjective depuis l’intérieur d’une vulve.

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par Gregory Coutaut

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