Transilvania Film Festival - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Karlovy Vary | Critique : Queen at Sea

admin — Thu, 09 Jul 2026 06:10:42 +0000

Amanda et son beau-père, Martin, sont confrontés à un dilemme moral qui les divise. La mère d’Amanda, Leslie, qui souffre de démence avancée, a-t-elle perdu la capacité de prendre des décisions cruciales dans son propre intérêt ? Et, si c’est le cas, qui est responsable – un conjoint, un enfant, une institution – de faire une telle évaluation ?

Queen at Sea
Royaume-Uni, 2026
De Lance Hammer

Durée : 2h01

Sortie : –

Note :

UNE FAMILLE A LA MER

Une reine à la mer. Le titre de ce long métrage britannique, signé du réalisateur américain Lance Hammer (qui met fin un hiatus de dix-huit ans depuis son dernier long métrage, Ballast) évoque un majestueux paquebot souverain, prêt à fendre les flots. Or, c’est plutôt d’un naufrage métaphorique dont il est ici question, celui d’une famille qui ne sait plus comment fonctionner face à la maladie. La reine perdue en mer dont il est ici question est Leslie, dame âgée atteinte d’Alzheimer comme on l’apprend très vite grâce à une scène d’ouverture qui n’a rien d’une inauguration en fanfare, navale ou non. Amanda (Juliette Binoche) entre dans une maison, grimpe les escaliers comme si elle était chez elle, ouvre la porte de la chambre et tombe sur sa mère Leslie et son beau-père en train de faire l’amour. Dans un autre contexte, la rapidité de cet enchaînement factuel pourrait avoir un effet comique mais ni Amanda ni ses parents n’ont le cœur à rire. Le premier réflexe d’Amanda est d’ailleurs tout aussi imprévu que le serait un éclat de joie : elle appelle la police.

Il faut dire que les troubles mentaux dont souffre la sympathique et avenante Leslie font qu’elle n’est plus en mesure de toujours réaliser ce qui lui arrive et donc de verbaliser un éventuel consentement. Tel est le point de vue de sa fille. Martin, le compagnon de Leslie, est quant à lui convaincu de pouvoir reconnaître le désir spontané chez elle et de lui apporter du plaisir. Pour la fille, maman n’est rien d’autre qu’une malade. Pour beau papa, sa maladie n’est qu’un détail. Difficile pour eux deux de prendre du recul quand la police déboule bel et bien suite à l’appel d’Amanda. Les trois protagonistes se trouvent alors embarqués comme par une vague dans un enchaînement de protocoles administratifs et judiciaires. L’expression dit que le privé est politique, ici la chambre à coucher est littéralement devenue une scène de crime supposée.

Queen at Sea est bien moins un éprouvant suspens qu’un poignant drame familial porté avec générosité par un trio de comédiens au sommet : Binoche, Tom Courtenay et Anna Calder-Marshall. Conservant un cap bienveillant, le cinéaste Lance Hammer jette son ancre dans des eaux troubles mais familières qui évoquent davantage la Scandinavie élégante et nerveuse que l’Autriche cruelle (sauf peut-être dans certains passages qu’on ne révélera pas). Ces atours aux apparences bourgeoises ne doivent pas faire oublier la réussite du scénario au moment de démontrer dans le même geste la dignité et l’indignité de ses protagonistes qui parlent beaucoup et s’écoutent peu, ni celle d’une mise en scène qui, par des angles de vue imprévus, a le don pour diriger pas seulement notre regard mais notre ouïe, pour mieux recevoir cet émouvant SOS.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Memory

admin — Thu, 09 Jul 2026 00:58:42 +0000

Vladlena, six ans, déménage de Crimée à Grozny suite au divorce de ses parents, sans savoir que la guerre va bientôt consumer son enfance. Alors que l’Union soviétique s’effondre, la République tchétchène se fracture.

Memory
France/Pays-Bas, 2025
De Vladlena Sandu

Durée : 1h38

Sortie : –

Note :

SOUVENIRS CHIFFONNÉS

Présenté en ouverture de la section Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Memory est un film sacrément hybride qui n’en fait qu’à sa tête. Tout commence pourtant paradoxalement par un cliché : la caméra filme une femme dans la rue, l’image se fige et la voix off de la réalisatrice (puisqu’il s’agit d’elle-même à l’image) nous invite à écouter son histoire. L’impression de déjà-vu face à cette introduction est très vite balayée par la suite qui, pour le coup, n’a rien de familier. Memory est un récit autobiographique et historique à la première personne. Est-ce à dire qu’il s’agit strictement d’un documentaire ? Oui et non, car le film fourmille d’idées et d’outils narratifs.

La cinéaste Vladlena Sandu raconte son enfance et la vie de sa famille en Tchétchénie, du temps de l’Union soviétique mais aussi dans la guerre ayant suivi la dissolution de 1991. A l’exception de quelques photos d’archives parsemées avec discrétion, aucune image de Memory ne ressemble pourtant à un documentaire sur la guerre. Le mot anglais memory signifie bien sûr mémoire, mais le ludisme visuel ici à l’œuvre nous rappelle également le jeu enfantin du même nom, à base de vignette colorées. Vladlena Sandu bâtit en effet son film comme une succession de brefs tableaux bricolés, à la fois chatoyants ou symétriques, mettant en scène des marionnettes ou une fillette vêtue d’une robe traditionnelle d’un autre âge.

La voix off de la cinéaste égrène les souvenirs tragiques ou tendres avec une absence de variation de rythme ou de ton qui peut rendre l’écoute paradoxalement monotone sur la longueur. Cela est vivement rééquilibré par l’inventivité formelle du film qui est capable de passer du diorama au clip musical en un clin d’oeil vertigineux. Memory pose de bonnes questions sur la représentation, sur la mémoire, sur le trauma, sur la violence héritée, mais évite les clichés du récit « à hauteur d’enfant ». C’est un film qui trouve sa force dans la dimension dramatique très sombre des faits évoqués, mais dans cet espace-là, Vladlena Sandu parvient à nous laisser un espace en usant intelligemment de mille et un moyens pour raconter, suggérer et illustrer de manière inventive.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Fatherland

admin — Wed, 08 Jul 2026 01:01:06 +0000

En 1949, Thomas Mann, lauréat du prix Nobel de littérature, retourne pour la première fois en Allemagne depuis la fin de la guerre, accompagné de sa fille Erika, actrice, écrivain et pilote de rallye. Au volant d’une Buick noire, ils entreprennent un voyage éprouvant dans un pays qu’ils ont fui, seize ans plus tôt, lors de la prise de pouvoir du parti nazi. De Francfort, sous domination américaine, jusqu’à Weimar, contrôlée par les Soviétiques, père et fille traversent une Allemagne en ruines, coupée en deux par la guerre froide.

Fatherland
Allemagne, 2026
De Pawel Pawlikowski

Durée : 1h22

Sortie : 02/12/2026

Note :

JE REVIENS

Huit ans que l’on était sans nouvelles ou presque de Pawel Pawlikowski, depuis la présentation de Cold War en compétition à Cannes en 2018. Huit années plus tard, à nouveau dans le cadre de la compétition, le retour du cinéaste polonais était fort attendu, au point qu’on ne sait pas bien si l’on doit être surpris ou non de le retrouver… quasiment là où on l’avait laissé, comme si on l’avait quitté la veille. En effet, on pourrait extraire à l’aveugle n’importe quel plan de Fatherland et les admirateurs d’Ida et Cold War reconnaitraient sans hésitation la patte du cinéaste.

Fatherland est à nouveau un film historique en noir et blanc centré sur un couple de personnages emportés par l’Histoire. Pawlikowski remonte le temps un peu plus loin cette fois-ci, jusqu’au lendemain de la seconde guerre mondiale, son film se déroule non pas en Pologne mais en Allemagne, et la paire de protagonistes n’est pas un duo d’amoureux mais un père et sa fille. Et pas n’importe quel père, puisqu’il s’agit du célèbre auteur allemand Thomas Mann qui, au moment où nous le suivons, revient de plusieurs années d’exil et s’apprête à recevoir deux décorations honorifiques à quelques jours d’intervalle. L’une en Allemagne de l’Ouest sous présence américaine, l’autre en Allemagne de l’Est régie par les Russes.

D’hôtels chics en réceptions militaires, entre collabos et survivants, le duo voyage à travers sa mère patrie (ou plutôt sa père patrie comme l’indique le titre du film). Grand sujet, image rigoureuse, acteurs de renom, références littéraires et nombreux dialogues… les nombreux signes extérieurs de très grand sérieux dont se pare Fatherland peuvent faire craindre un moment de se retrouver face à une interro d’Histoire ou de lettres pour laquelle on aurait oublié de réviser. Le tour de magie qui vient balayer très loin cette inquiétude se trouve justement aussi dans la trousse à outils de Pawlikowski. En effet, si le cinéaste utilise ici ces codes visuels et narratifs habituels, il n’oublie certainement pas la qualité en or de ces précédents films : la concision.

Ce n’est pas qu’une question de durée totale. Le montage a beau être moins immédiatement nerveux que dans Cold War, lorsque Fatherland se termine au bout d’1h22, on s’en trouve le souffle coupé comme si l’on s’était approché trop près d’un précipice sans le réaliser. A coup de scènes brèves, où la beauté règne sur chaque plan et où les enjeux sont expertement dosés tant par le scénario que par la qualité d’interprétation de Sandra Hüller et Hanns Zischler, le film se transforme. Sans que l’on puisse pointer du doigt le moment exact où cela s’opère, le sage film en costumes devient un film de fantômes sans domiciles, à la fois poignant et incisif.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Neuchâtel | Critique : My Daughter is a Zombie

admin — Tue, 07 Jul 2026 20:10:49 +0000

Jeong-wan, dresseur d’animaux, vit avec sa fille adolescente, Su-a, qui est passionnée de danse. Un jour, celle-ci est infectée par un virus zombie qui s’est répandu dans le monde.

My Daughter is a Zombie
Corée du Sud, 2026
De Pil Gam-sung

Durée : 1h54

Sortie : –

Note :

TROP MORTELLE

Un délicieux coin rural, fleuri et coloré, un chat roux adorable qui s’y prélasse, une vue imprenable sur la mer : le décor idyllique dévoilé lors des premiers instants de My Daughter is a Zombie semble être celui d’un coquet récit feel-good. A travers un contraste efficace, c’est en réalité celui d’une épidémie zombie qui s’est répandue dans le monde entier. Le long métrage ne perd pas de temps ; le protagoniste (un père quadragénaire) nous informe que sa fille est un zombie et le film réalisé par Pil Gam-sung n’est pas tant un survival qu’un récit où l’on essaie de vivre, comme on peut, avec les morts-vivants. Et avec ce qui reste d’humain en eux.

Adapté d’un manhwa publié en 2022, My Daughter is a Zombie a été le plus gros succès au box-office coréen l’an passé. Si le sous-genre de la comédie zombie n’est pas particulièrement inédit, le long métrage tente néanmoins d’avoir ses propres couleurs et sa propre personnalité (à l’opposé de Colony, actuellement en salles, qui déroule un programme zombie mécanique en refusant tout parti-pris ou toute originalité). Dans ce qui, hormis quelques morsures, pourrait ressembler à une comédie familiale classique, My Daughter is a Zombie raconte les mutations de la puberté sous le prisme du zombie : une ado tête à claques et pas complètement cuite peut bien ressembler à une morte vivante teigneuse et asociale.

Voilà un moteur de comédie assez efficace et My Daughter is a Zombie n’est d’ailleurs jamais un film de valeureux héros affrontant l’apocalypse zombie. On assiste aux réactions paniquées d’un papa normal ou d’une opiniâtre mamie, ce qui offre là encore un contraste assez rafraîchissant avec les figures du genre. My Daughter is a Zombie s’appuie sur quelques ficelles scénaristiques et confirme que les films ne devraient pas avoir peur d’être plus court : ses presque 2 heures comportent des longueurs. Le film n’est jamais aussi saillant que lorsqu’il est une pure comédie ; et malgré ces quelques réserves, My Daughter is a Zombie est un divertissement efficace et attachant qui brille par son bon esprit.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Rose

admin — Mon, 06 Jul 2026 04:10:51 +0000

Au XVIIe siècle, Rose, un mystérieux soldat, arrive dans un village protestant isolé. Prétendant avoir hérité d’un domaine abandonné depuis longtemps, Rose présente un document pour authentifier sa demande, ce qui suscite le malaise et la suspicion au sein de la communauté.

Rose
Autriche, 2026
De Markus Schleinzer

Durée : 1h33

Sortie : 09/09/2026

Note :

LE NOM DE LA ROSE

L’œuvre de l’Autrichien Markus Schleinzer est relativement rare (3 films en 15 ans) mais percutante à chaque fois. Et celle-ci voyage de plus en plus loin dans le temps : après le drame contemporain d’un gamin vivant avec un pédophile dans le glaçant Michael, après le récit au 18e siècle d’un esclave africain pris sous l’aile d’une comtesse européenne dans l’inédit en salles et brillant Angelo, nous voici désormais quelque part au début du 17e siècle, quelque part en Allemagne dans Rose. Les éléments contextuels ne sont pas si nets et la voix-off nous donne presque l’impression d’être dans un conte. Un conte hanté : il y a eu une guerre, la terre est encore fumante, les ossements s’empilent les uns sur les autres.

Rose est le héros de cette histoire. Le, car Rose vit comme un homme, soldat hier et homme de ferme aujourd’hui. Rose n’est pas trans, mais le jeu de rôles, dans une société aux esprits aussi étroit, semble être le seul espace où tout est possible – surtout pour les femmes qui ne s’appartiennent pas. Rose réussissant à tromper toute une communauté : voici la surprenante dynamique d’un quiproquo de boulevard, trempée dans un drame historique en noir et blanc, lui-même inspiré de faits réels. Rose n’a guère besoin que d’enfiler un pantalon pour être pris pour un garçon : le film adhère à ce parti-pris en soulignant l’absurdité des codes de genre. Pas de Dieu créateur dans ce monde-là pour la souveraine Rose : on s’imagine soi-même et on se crée.

Cette voix-off de conte semble tout nous dire, mais là encore les choses sont plus ambigües. « L’histoire de Rose ne commence pas là », nous prévient-elle sans en dire plus. Plus tard, la voix-off mentionne un secret révélé, tandis que les deux personnes concernées sont filmées floues à travers une fenêtre. La caméra et la narration de Schleinzer nous mettent dans une position particulière et dynamique vis-à-vis du récit. Elles laissent un espace actif, éloquent et expressif à ce qui n’est pas montré : le cinéaste prouve encore une fois sa capacité à mettre en scène une violence pourtant absente à l’écran. Et à installer un tempo à la fois lent et soutenu, participant à une totale immersion.

Beaucoup de choses sont absentes de l’écran dans Rose, ce qu’on y voit doit nous suffire à construire l’histoire et les personnages. Le film est court, son noir et blanc se débarrasse de toutes les nuances colorées de la nature. Ça ne l’empêche pas d’être profond, ça ne nous empêche pas de nous plonger au plus loin dans ses images magnétiques, au contraire. C’est simple et c’est comme ça : ce sont justement les explications simples de Rose qui rendent folles les personnes les plus ignares. Rose est un film qui se déroule il y a au moins 300 ans, mais c’est un film d’aujourd’hui sur l’obsession des réactionnaires pour ce qu’il y a dans la culotte des autres. Incarnée par la toujours extraordinaire Sandra Hüller (qui n’a parfois besoin d’aucune expression pour suggérer énormément), Rose est un personnage fantastique par ce qu’elle accomplit (son culot héroïque, sa manière de se jouer des normes sociales, son talent pour faire fuir les ours) et ce qu’elle révèle de la communauté. Lors d’un plan saisissant du début du long métrage, elle semble s’évanouir dans un carnaval tel un fantôme. Son ombre puissante traverse le film et plane longtemps encore après la séance.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Neuchâtel | Critique : Sanguine

admin — Sun, 05 Jul 2026 07:32:09 +0000

Margot débute son internat aux urgences, où elle peine à s’adapter. Très vite, elle fait face à des patients de son âge aux symptômes inexpliqués. La récurrence de ces cas exceptionnels l’interroge, d’autant qu’elle observe, sur son propre corps, des manifestations de plus en plus inquiétantes…

Sanguine
France, 2026
De Marion Le Corroller

Durée : 1h43

Sortie : 28/10/2026

Note :

J’AI MAL AU TRAVAIL

On ne juge pas un livre par sa couverture mais peut-on juger un film à sa séquence d’ouverture ? Celle de Sanguine n’y va pas de main morte avec ses couleurs pop criardes, son humour vachard qui tache et son surgissement de violence fun sortie d’un cartoon. Puis hop, comme pour coller à l’ambiance de rentrée des classes de l’héroïne qui vient juste d’être engagée dans un service d’urgences, le film revient illico à des choses plus sérieuses. L’horreur ne provient plus d’un jet de sang furieux et grossier mais de quelque chose de bien plus réel et sinistre : le monde du travail. Margot veut être la meilleure, veut être à la hauteur des attentes de sa garce de supérieure, quitte à ce que le stress la dévore presque au sens propre.

Il y a une particularité récurrente du cinéma de genre français à vouloir accompagner ses récits horrifiques d’un commentaire social bien visible. Parfois superflue, cette précaution peut même donner la désagréable impression d’un mot d’excuse venu négocier le droit d’être pris au sérieux, venu confirmer que le film a bien « des choses à dire ». Une fois passé sa séquence d’ouverture, Sanguine semble se réveiller dans ce cas de figure, et la présence au casting de Karin Viard, si inattendue dans ce registre fantastique, ferait presque craindre le miscast. Si certaines scènes évoquent davantage un thriller hospitalier réaliste, Marion Le Coroller n’oublie pas de faire bel et bien du body horror qui gratte. Le cinéma coréen aussi a pour habitude de pousser ses thrillers sociaux jusqu’à un curseur terrifiant, peut-être que l’équilibre de Sanguine est à chercher dans une formule similaire.

Difficile de ne pas penser à Grave de Julia Ducournau devant se récit de jeune fille plongée en pleine horreur hospitalière. Mais pourquoi punir un film de genre pour ressembler un peu à un autre quand 95% des drames ou films policiers du monde se ressemblent déjà entre eux ? On tient trop souvent l’horreur, et sans doute encore plus les réalisatrices d’horreur, à l’impossible double tâche d’être à la fois impeccable et inventive. Sanguine ne possède pas l’unicité de Grave mais s’en sort sans chercher à réinventer la roue et rééquilibre ses grands écarts imparfaits avec un sympathique emballage : une musique nerveuse de Rob, une direction artistique tout en contrepieds (contrairement aux clichés attendus, l’hôpital est bondé et ses murs sont rouge sang), et des touches d’humour inattendues, comme ce plan filmé en vue subjective depuis l’intérieur d’une vulve.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Neuchâtel | Critique : Nightborn

admin — Fri, 03 Jul 2026 01:59:20 +0000

Rêvant de construire une vie de famille paisible, Saga et son mari Jon s’installent dans la maison où elle a passé une grande partie de son enfance, au cœur de la forêt finlandaise. Mais dès la naissance de leur enfant, et malgré un entourage qui se veut rassurant, Saga perçoit chez son bébé quelque chose d’inexplicable et d’inquiétant…

Nightborn
Finlande, 2026
De Hanna Bergholm

Durée : 1h32

Sortie : 22/07/2026

Note :

MAMAN, QUEL EST DONC CE TOURMENT

Des ha ha ha longs et sonores de la part d’un public avide de films d’horreur peuvent presque se faire entendre lors de la première scène de Nightborn, dont les personnages pensent trouver le bonheur… dans une charmante vieille maison perdue au cœur des bois. Mais la Finlandaise Hanna Bergholm (Grand Prix à Gérardmer avec son premier long métrage, Ego) connaît ses classiques et il y a comme un clin d’œil complice dans ce début de film faussement idyllique, où la route vers la maison est de plus en plus étroite. Celle-ci est superbe, mais il y a forcément quelque chose de pourri à l’intérieur.

Et si ce n’était pas dans la maison mais dans la future maman qu’il y a quelque chose de pourri ? Sauf notre respect pour le bébé à venir, celui-ci n’est pas particulièrement mis à son avantage dans Nightborn. Pas un joli bébé Pampers photoshoppé ou un bébé pétunia d’une photo d’Anne Geddes, mais plutôt un authentique monstre doublé d’une petite bête sauvage – bravo à toutes les personnes ayant travaillé sur le son du film qui nous fait partager la pénibilité des pleurs ressentie par les jeunes parents. Quoi de neuf dans le registre du film de maternité en panique et de paranoïa parentale ? Pas grand chose, et c’est notre principale réserve vis-à-vis de Nightborn, qui déroule son programme à la structure assez mécanique et sans grande surprise.

A l’image d’Ego dont la construction assez familière était rafraîchie par un ton surprenant, Hanna Bergholm fait de réguliers détours vers la comédie horrifique sans se limiter à l’horreur tout court. La maternité est une telle perte de repères que tout l’extraordinaire devient ordinaire. Cette inversion fait que tout est comédie : la mignonnerie devenue monstruosité, la poupée devenue menace, le bonheur carte postale devenu grotesque. « Tu as une idée très romancée des gens », dit-on avec esprit entre deux scènes d’explosion de sang. Le film ne fait pas le pari de la subtilité, mais a le mérite d’offrir du spectacle.

Dans Ego, la mère n’était déjà pas un modèle parfait. Dans Nightborn, Saga (incarnée par Seidi Haarla, qui trouve le bon équilibre entre sérieux et comédie) n’est pas parfaite, et comme toute maman imparfaite, tout le monde veut la faire payer. De culpabilisation en gaslighting, ce n’est pas seulement bébé qui lui en veut mais la société entière. Mais si les bois entourent la maison rêvée, ce n’est pas pour rien : peuplés de créatures invisibles, ils portent aussi en eux un pouvoir, quelque chose de sauvage qui peut terroriser comme émanciper les protagonistes. Et comme Ego et son récit d’apprentissage au dénouement grinçant, Nightborn suggère avec joie une ouverture tranquillement subversive.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Animol

admin — Fri, 03 Jul 2026 01:11:30 +0000

Derrière les murs d’un centre de détention pour jeunes délinquants, Troy est plongé dans un univers brutal de gangs, de loyauté et de violence dès son arrivée. Lorsqu’une complicité silencieuse se noue avec un autre détenu, cela devient une vulnérabilité qui les mets tous les deux en danger.

Animol
Royaume-Uni, 2026
D’Ashley Walters

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

LES ÉVADÉS

Animol se déroule dans ce qui serait un lieu de cauchemar pour à peu près n’importe qui d’un tant soit peu sensible : un endroit uniquement peuplé de sales petits mecs très sûrs d’eux. L’action se déroule dans une prison pour jeunes délinquants mais il pourrait tout aussi bien s’agir d’un simple pensionnat, d’une école militaire ou encore de l’île déserte de Sa majesté des mouches. On découvre ce lieu en même temps que Troy, le protagoniste, partageant avec lui l’angoisse qu’il peine à masquer lorsqu’il se retrouve immédiatement impliqué dans des dynamiques de brutalité et de chantage entre détenus.

Dévoilé en début d’année dans l’excellente section Perspectives de la Berlinale, dédiée aux premiers films, Animol ne cherche pas à révolutionner les codes du film de prison ni ceux du cinéma social britannique. Si le résultat manque peut-être de quelque chose d’unique, il s’agit cependant d’une réussite rondement menée. Le cinéaste Ashley Walters a en effet dans sa poche deux atouts de taille qui viennent apporter du relief à ce récit d’apprentissage archétypal. Il s’agit d’une part d’un casting particulièrement réussi : tous très convaincants et charismatiques, les quatre jeunes comédiens principaux composent un quatuor de garçons très différents les uns des autres. L’autre point fort d’Animol est l’équilibre de son traitement visuel qui parvient à éviter autant la claustrophobie redoutée que les effets esthétiques qui transforment trop souvent un certain cinéma britannique en clip ringard.

La dimension queer d’Animol ne se dévoile pas tout de suite, à tel point qu’en parler équivaudrait presque à gâcher une surprise. Il y a une crédibilité délicate et touchante dans la manière dont celle-ci débarque en ayant l’air de surprendre les principaux concernés eux-mêmes. Pour dire les choses clairement, Animol ne se transforme pas d’un seul coup en romance gay carcérale. Ce n’est pas qu’Ashley Walters s’en lave les mains, c’est plutôt qu’il fait preuve de tact dans la manière de doser discrètement cette révélation. Ce n’est pas tant l’homosexualité ou l’homophobie qui enferme les personnages. Les secrets et la honte sont certes des prisons, mais la masculinité est avant tout une prison pour tout le monde, peu importe le genre de garçon que l’on est. Le dénouement cathartique est un tantinet naïf mais le film dans son ensemble trouve un équilibre efficace entre l’empathie et l’incisif.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Transilvania Film Festival 2026

admin — Sun, 21 Jun 2026 07:43:49 +0000

La 25e édition du Transilvania Film Festival s’achève ce dimanche à Cluj-Napoca, en Roumanie. Le festival est à suivre en direct sur Le Polyester. Le palmarès a été dévoilé.

C’est Lionel de l’Espagnol Carlos Saiz qui a remporté le Grand Prix. L’histoire : l’été de Lionel, 25 ans, commence avec une mauvaise nouvelle. Il apprend qu’à ses 26 ans, il perdra l’allocation de soutien familial qui lui permet de vivre depuis la mort de sa mère. Alors que ses amis quittent peu à peu le quartier pour les vacances, son père, absent depuis des années, débarque tout à coup pour lui proposer un voyage…

Parmi les autres films distingués, citons Memory de Vladlena Sandu, Variations on a Theme de Jason Jacobs et Devon Delmar (lire notre entretien), Y de Maria Popistașu et Alex Baciu, Don’t Let Me Die d’Andrei Epure, Truly Naked de Muriel d’Ansembourg (lire notre entretien) ou encore Les Dimanches d’Alauda Ruiz de Azúa (lire notre entretien), tous évoqués avec enthousiasme sur Le Polyester.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Lionel

Compétition internationale

Grand Prix : Lionel, Carlos Saiz
Prix de la mise en scène : Titanic Ocean, Konstantina Kotzamani
Prix du jury : Ou Father, Goran Stanković
Prix d’interprétation : L’ensemble du cast de Truly Naked
Prix du public : Feels Like Home, Gábor Holtai

Memory

Compétition What’s Up Doc ?

Grand Prix : Memory, Vladlena Sandu
Mention spéciale : Variations on a Theme, Jason Jacobs et Devon Delmar

Compétition Romanian Days

Grand Prix : Y, Maria Popistașu et Alex Baciu
Mention spéciale : The Circle, Valeriu Andriuță
Prix du premier film : Back and Forth, Cristian Bota
Prix du court métrage : County Captain, Dan Panaet

Don’t Let Me Die

Prix Fipresci : Don’t Let Me Die, Andrei Epure
Prix du jury jeunes : Les Dimanches, Alauda Ruiz de Azúa

Source

Nicolas Bardot

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TIFF | Critique : Minotaure

admin — Sun, 21 Jun 2026 02:28:51 +0000

Russie, 2022. Gleb, chef d’entreprise prospère, vit avec sa femme Galina et leur fils dans une ville de province. Il se retrouve confronté à des problèmes professionnels croissants, dans un monde de plus en plus instable. L’effondrement d’une vie soigneusement construite bascule rapidement dans la violence.

Minotaure
France, 2026
De Andreï Zviaguintsev

Durée : 2h15

Sortie : 14/10/2026

Note :

SANS RETOUR

C’est la double peine pour les protagonistes de Minotaure : non seulement iels vivent dans l’enfer de la Russie, mais ce coin paumé a l’air absolument sinistre. Droits dans leurs chaussures lustrées et leurs costumes propres, des hommes probablement puissants se réunissent au bureau, sous un portrait de Poutine, afin de lister des citoyens qui devront partir à la guerre. Cela semble d’un cynisme absolu – mais à ce stade du film, on n’a encore rien vu en termes de cynisme. Neuf longues années se sont écoulées entre Faute d’amour et Minotaure. Entre temps, Andreï Zviaguintsev a contracté une forme très sévère de covid et a financé son dernier film entièrement hors de Russie – ce qui, vu la férocité du propos, n’a rien d’étonnant.

« Nique ta guerre » dit un graffiti au mur, mais cette colère ressemble à un cri anonyme dans le vide. La guerre est absente de l’écran, on ne voit ni soldat sur le front, ni mort, ni bombes. La guerre traverse pourtant tout le film, à l’image de ce convoi de tanks placés sur un train en marche. Mais papa, pour l’instant, a le sentiment d’avoir les mains propres. Papa enseigne à son fils comment on doit être un vrai homme qui se bat, soi-disant pour se défendre. Isolée dans les bois, la maison de verre suppose une forme de transparence, et pourtant rien n’est si clair au sein même de la famille.

Sans trop en dévoiler, Minotaure glisse minutieusement d’un drame social sur un pays entier à un drame conjugal. Cela pourrait être une réduction d’échelle un peu frustrante et étonnante, mais c’est au contraire ainsi que le film trouve un relief inattendu. La première partie de Minotaure fonctionne, mais elle peut avoir la pesanteur des derniers Zviaguintsev comme Leviathan ou Faute d’amour. Le glissement vers le film noir donne au long métrage une tension vénéneuse et efficace qui rappelle son excellent Elena, film dont les signes extérieurs paraissent (à tort) moins ambitieux mais qui est à nos yeux une de ses meilleures réussites. Du marécage dans lequel se débat la Russie (récit auquel on pouvait peut-être s’attendre), Minotaure passe à un marécage personnel qui semble décentrer le sujet et rebattre les cartes.

On parle pourtant de la même chose : une société pourrie, hantée par des hommes se dévorent, et dans laquelle il n’y a aucune forme d’espoir. De la lumière bleue froide qui glace le décor à la décharge à ciel ouvert, on ne sait plus où mettre le pied dans cette Russie, aussi inextricable qu’un labyrinthe. Signalons également le relief de l’habillage sonore, qui ne dit jamais exactement la même chose que l’image. Autant d’éléments qui rendent le public actif devant Minotaure, alors que les autorités dépeintes dans le film finissent par tenir des discours aussi idiots qu’infantilisants, avec un champ lexical digne d’une chanson de Bernard Minet. C’est pourtant le monde de Minotaure, notre monde, celui où la vérité n’a strictement plus aucune forme d’importance et où seuls subsistent des simulacres pathétiques. On croit avoir vu venir la parabole de Zviaguintsev, celle-ci s’avère encore plus cinglante que prévu.

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par Nicolas Bardot

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