Transilvania Film Festival - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Transilvania Film Festival 2026 : premiers films annoncés

admin — Thu, 16 Apr 2026 12:12:41 +0000

La 25e édition du Transilvania Film Festival aura lieu du 12 au 21 juin à Cluj-Napoca, en Roumanie. Le festival est à suivre tous les ans sur Le Polyester. Le mois dernier, un premier invité a été dévoilé : il s’agit du cinéaste roumain Corneliu Porumboiu, qui donnera une masterclass tandis qu’une intégrale de ses films sera proposée.

Des premiers films diffusés hors compétition viennent d’être annoncés. Parmi ces longs métrages, citons Autofiction de l’Espagnol Pedro Almodovar et Journal d’une femme de chambre du Roumain Radu Jude (tous les deux sélectionnés au Festival de Cannes, respectivement en compétition et à la Quinzaine des Cinéastes), Queen at Sea de l’Américain Lance Hammer (doublement primé à la Berlinale) ou encore En nous de la Française Juliette Binoche.

Le reste de la sélection dont les compétitions fictions et documentaires sera dévoilé prochainement.

Queen at Sea

Autofiction, Pedro Almodova
Le Crime du 3e étage, Rémi Bezançon
En nous, Juliette Binoche
Journal d’une femme de chambre, Radu Jude
The Last Viking, Anders Thomas Jensen
Le Maître du kabuki, Lee Sang-il
Maspalomas, Jose Mari Goenaga & Aitor Arregi
Queen at Sea, Lance Hammer
Rue Málaga, Maryam Touzani
The Shadow’s Edge, Larry Yang
Teresa, Teona Strugar Mitevska
The Things Left Unspoken, Gabriele Muccino

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Transilvania Film Festival 2026 : un premier invité dévoilé

admin — Wed, 25 Mar 2026 01:14:29 +0000

La 25e édition du Transilvania Film Festival aura lieu du 12 au 21 juin à Cluj-Napoca, en Roumanie. Le festival est à suivre tous les ans sur Le Polyester. Un premier invité a été dévoilé.

Il s’agit du réalisateur roumain Corneliu Porumboiu, qui donnera une masterclass tandis qu’une intégrale de ses films sera proposée. Porumboiu a remporté la Caméra d’or au Festival de Cannes en 2006 avec son film 12 h 08 à l’est de Bucarest. Il s’est depuis distingué avec des longs métrages tels que Le Trésor ou Les Siffleurs.

La sélection du festival sera dévoilée petit à petit ces prochaines semaines. L’an passé, le Grand Prix a été décerné à Vers un pays inconnu du Danois Mahdi Fleifel, sorti chez nous en 2025. Le prix du public avait été remporté par Sorda de l’Espagnole Eva Libertad, qui sort en salles le 29 avril.

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Critique : Little Trouble Girls

admin — Wed, 11 Mar 2026 05:05:35 +0000

Lucia, une jeune fille introvertie, rejoint la chorale de son école et se lie d’amitié avec Ana-Maria, populaire et séduisante. Confrontée à un environnement inconnu et à l’éveil de sa sexualité, Lucia commence à remettre en question ses croyances, perturbant l’harmonie du chœur.

Little Trouble Girls
Slovénie, 2025
De Urška Djukić

Durée : 1h29

Sortie : 11/03/2026

Note :

JE VEUX DONNER MA VOIX

Il y a des enterrements de vie de jeune filles ; Little Trouble Girls (dont le titre est emprunté à Sonic Youth) ressemble plutôt à un baptême de vie de jeune fille. Lucia a seize ans mais ressemble encore davantage à une grande enfant qu’à une jeune femme. Là où ses camarades portent fièrement du rouge à lèvres et répondent au prof, elle reste dans sa sage bulle de timidité. L’apprentissage qui l’attend n’a pourtant a priori rien d’une épreuve. Ce serait presque plutôt une mise en appétit. Celui-ci va avoir lieu au cœur d’un très joli coin fleuri de la campagne slovène, dans un monastère au cloître paisible et endormi, comme sorti d’un conte. Lucia n’est pas en classe verte, elle fait partie d’une chorale catholique venue répéter leur chant collectif pour un futur concours. Et s’il y a bien une chose qui est primordiale pour une chorale : c’est l’harmonie. Autant dire une forme de conformisme.

Voilà ce qu’on attend des jeunes filles, dans un couvent slovène comme ailleurs : de la délicatesse à l’unisson, pas une note ou une tête qui dépasse. Lucia regarde d’ailleurs sa mère comme une extraterrestre quand celle-ci lui envoie d’un ton de reproche « tu ne peux pas penser par toi même pour une fois ? ». Comment trouver et affirmer sa propre voix dans un tel contexte ? La métaphore vocale au cœur de Little Trouble Girls pourrait sur le papier avoir l’air très convenue, mais la réalisatrice Urška Djukić, qui signe ici son premier long métrage, sait faire preuve de personnalité. L’attention, le soin qu’elle apporte à une écriture subtile et à une mise en image éclatante redonnent à l’ensemble un bel air neuf. La séquence d’introduction, une prière chuchotée (devant une peinture de vulve) suivie d’un gros plan sur des lèvres, nous invite d’ailleurs à tendre l’oreille et prêter attention aux détails.

Entre l’audace excitée de parties d’action ou vérité en pleine nuit, et la présence incongrue et entêtante d’un ouvrier du bâtiment à demi nu, ce récit de premiers désirs adolescents appartient à une famille classique. Il y a pourtant quelque chose de rafraîchissant dans la manière dont Djukić la raconte sans orages, offrant à ses héroïnes la liberté de s’épanouir de façons différentes sans devenir adversaires pour autant, du moins dans la première partie du film. Si le récit devient certes un peu plus conventionnel par la suite, Little Trouble Girls emporte la mise grâce à son énergie visuelle. Pleine d’allant, la caméra redonne leur éclat percutant et quasi-surréaliste à des métaphores sensuelles là encore risquées sur le papier : un nombril qui susurre, une vierge amputée, ou encore des fleurs qui se mettent à chanter dans une courte séquence flamboyante sortie tout droit d’Alice aux pays des merveilles.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Les Voyages de Tereza

admin — Wed, 11 Feb 2026 06:00:44 +0000

Tereza, 77 ans, a vécu toute sa vie dans une petite ville industrialisée d’Amazonie, jusqu’au jour où elle reçoit un ordre officiel du gouvernement de s’installer dans une colonie de logements pour personnes âgées. La colonie est une zone isolée où les personnes âgées sont amenées à « profiter » de leurs dernières années. Tereza refuse d’accepter ce destin imposé.

Les Voyages de Tereza
Brésil, 2025
De Gabriel Mascaro

Durée : 1h26

Sortie : 11/02/2026

Note :

PLUS LOIN QUE LA NUIT ET LE JOUR

Dans un futur proche ou dans un aujourd’hui dystopique, les personnes de plus de 75 ans, au Brésil, sont invitées à ne pas traîner dans les pattes des actifs et vont être parquées dans des colonies lointaines. Le postulat des Voyages de Tereza, à l’heure de la post-vérité, est présenté autrement par les autorités : le film débute par des messages d’amour et autres preuves de digne considération. Mais comme toute bureaucratie qui enrobe son inhumanité dans des slogans, tout finit par ressembler à une insulte et à une infantilisation pour les protagonistes des Voyages de Tereza.

C’est ainsi que le ressent la première concernée, Tereza, 77 ans. Et elle, femme âgée mais indépendante, a assurément raison. Pour échapper à cette absurdité, Tereza s’enfuit. Le Brésilien Gabriel Mascaro (lire notre entretien) construit un attachant récit picaresque, une sorte de survival twisté qui ne se baserait pas tant sur une tension de thriller, mais qui raconterait bel et bien le désir de survivre – ou de vivre tout court – de son héroïne. Ce mélange de genres donne sa personnalité singulière au film, notamment dans son traitement d’une subtile science-fiction qui rappelle son travail à la fois remarquable et minimaliste dans Divino Amor.

Poursuivie sur terre, Tereza tente sa chance sur le fleuve Amazone. C’est le lieu du réalisme magique et des rencontres improbables, le lieu également de tous les possibles. Les Voyages de Tereza évite les clichés mièvres sur les représentations de personnages âgés – d’ailleurs Tereza n’apprend pas qu’il lui reste bien des choses à vivre : elle en était convaincue dès le départ. Ce point de vue sans condescendance est d’une riche humanité et donne beaucoup de cœur à ce film qui délaisse, peut-être de manière d’abord déceptive, l’urgence d’une SF aux ingrédients ambitieux. Mascaro privilégie une chronique généreuse, avec son héroïne qui, littéralement, mène sa barque. L’ambition du film se trouve finalement ailleurs : dans ce portrait d’un avenir qui appartient à deux femmes queer et septuagénaires, avançant selon leurs propres règles.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Gérardmer | Critique : Cadet

admin — Fri, 30 Jan 2026 02:10:19 +0000

Un jeune garçon arrive avec sa mère enseignante dans une école militaire très stricte. Très vite, il devient la cible de brimades et de harcèlement.

Cadet
Kazakhstan, 2024
De Adilkhan Yerzhanov

Durée : 2h06

Sortie : –

Note :

UN COLLÈGE FOU, FOU, FOU

Dans la très riche filmographie du cinéaste kazakhstanais Adilkhan Yerzhanov qui, ne serait-ce que ces deux dernières années, a pu aller du thriller (Assaut) au drame social (Ulbolsyn) en passant par la comédie dramatique (Yellow Cat) et le film d’action (Steppenwolf), Cadet constitue un nouveau virage. Si chacun des films que l’on vient de citer débordent des cases pour emprunter à différents genres, Cadet est essentiellement un film d’horreur. Lorsqu’on découvre le décor de ce nouveau long métrage, on se croirait revenu dans le lycée de nulle part filmé dans Assaut. L’école dans Cadet est un lieu où, dit-on, on élève l’élite. Il apparaît très rapidement qu’il s’agit avant tout d’une usine d’élevage pour brutes fachos, Yerzhanov poursuivant après Assaut sa réflexion sur le sort funeste réservé à la jeune génération par leurs aînés.

L’une des signatures du cinéma de Yerzhanov est cette récurrence de cieux spectaculaires au-dessus de ses personnages. Des cieux vivants, bleu profond et rayonnant, aux nuages dramatiques – des peintures vibrantes. Dans Cadet, rien de tout cela : le ciel est soit tout blanc, soit profondément noir – on ne peut rien y voir. Cette école dans laquelle débarque une enseignante et son fils (immédiatement harcelé car il ne correspond pas aux codes de virilité locaux) semble être quelque part dans les limbes, dans un sous-sol de l’humanité. L’image est cotonneuse, contrastant avec l’atmosphère ultra-violente. La photo est moins majestueuse que dans ses précédents longs métrages car celle-ci travaille autre chose.

La plupart du temps, les protagonistes de Cadet sont filmés en bord de cadre, laissant l’image ouverte autour d’elles et eux, traçant des diagonales dynamiques et ouvrant un décor hanté prêt à les avaler. Ce code couleurs, cette horreur qui enfle en un décor industriel, cette flaque de sang qui au mur dessine une silhouette, certains motifs du récit : Cadet évoque régulièrement le cinéma de Kiyoshi Kurosawa, en particulier Kaïro et Cure. Un maître du genre, un maître aussi de la mise en scène – et celle d’Adilkhan Yerzhanov se montre également ambitieuse. On reconnaît par ailleurs l’une des touches de Yerzhanov dans son utilisation d’un humour en rupture : ici, les débordements grotesques participent à rendre le ton imprévisible.

Dans ce théâtre d’une masculinité dégénérée, les garçons sont transformés en tueurs, et en monstres. C’est l’un des sujet de ce récit surnaturel ; c’est, comme tout bon film d’horreur, un sujet parfaitement réaliste. Dans cet univers blafard, ce sont les fantômes du passé qui sont convoqués – ici de vieux spectres soviétiques qui rôdent dans le monde d’aujourd’hui. C’est une fantaisie très sombre comme un épisode d’X-Files (on croit voir surgir la tête grimaçante du générique de la série sur une photo dans le long métrage), c’est aussi une chronique du « Mal devenu la norme ». Adilkhan Yerzhanov signe un film dense, intense et généreux, incarné de manière aussi périlleuse que réussie par son casting – notamment Anna Starchenko dont la performance au bord de la rupture évoque parfois Shelley Duvall.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Dreams

admin — Wed, 28 Jan 2026 06:20:27 +0000

Fernando, un jeune danseur de ballet originaire du Mexique, rêve de reconnaissance internationale et d’une vie meilleure aux États-Unis. Convaincu que sa maîtresse, Jennifer, une Américaine mondaine et philanthrope influente, l’aidera à réaliser ses ambitions, il quitte clandestinement son pays, échappant de justesse à la mort. Cependant, son arrivée vient bouleverser le monde soigneusement construit de Jennifer. Elle est prête à tout pour protéger leur avenir à tous deux, mais ne veut rien concéder de la vie qu’elle s’est construite.

Dreams
Mexique, 2025
De Michel Franco

Durée : 1h40

Sortie : 28/01/2026

Note :

CE N’ÉTAIT QU’UN RÊVE

Celles et ceux qui connaissent ne serait-ce qu’un peu la filmographie pas particulièrement rêveuse du cinéaste mexicain Michel Franco seront peut-être surpris•es par le titre de ce nouveau long métrage : Dreams. Mais parler de rêves ne signifie pas nécessairement que ceux-ci vont se réaliser. Si en ouverture la typographie Dreams grandit et recouvre tout l’écran, celle-ci laisse immédiatement place à une vision de cauchemar : un camion au bord de la route dont proviennent des hurlements à l’aide. Le jeune Fernando s’en échappe, poursuivant son chemin entre la frontière mexicaine et américaine.

Fernando semble avoir vécu l’enfer : le cinéaste n’a pas besoin de le raconter, les traits exsangues de l’acteur Isaac Hernández sont suffisamment éloquents. Le premier réflexe humain, lorsque le jeune homme cherche de l’eau dans un diner, sera de le mettre à la porte : n’oublions pas que nous sommes dans un film de Michel Franco, plus habitué aux portraits d’une société ultra-violente qu’à des débordements affectueux. Les scènes sont pratiquement toutes très courtes, froides, à l’os et à l’essentiel. Cela donne un sentiment d’efficacité narrative avec un film sait exactement où il va.

Difficile pourtant de savoir où va bien pouvoir aller (à part dans le mur) la relation amoureuse que le jeune Fernando entretient avec Jennifer, une Américaine richissime et plus âgée que lui. Cette relation pourrait être follement romanesque, hors des règles et des carcans – mais Michel Franco n’est pas un réalisateur de romances. Ce qui surprend davantage dans le long métrage, c’est sa dimension camp : c’est, grossièrement (mais le camp n’a pas à être poli), l’histoire d’une grande bourgeoise coincée (Jessica Chastain, très convaincante), avec toujours à l’avant-bras un sac à main qui coûte un mois de salaire (le vôtre, pas le sien), et qui brûle de désir pour son « petit danseur mexicain » jusqu’à le stalker comme une dingue lorsque celui-ci disparaît.

Le camp vient entre autres questionner les rôles sociaux, et sert ici d’outil pour interroger les rapports de classe ou de domination. C’est aussi une perspective, comme un filtre tragi-comique, qui permet au film d’éviter la complaisance à laquelle Franco a déjà pu succomber par le passé. Cette distance, néanmoins, n’empêche pas le long métrage de dépeindre tout ce que cette relation révèle d’horreur en termes de xénophobie, d’exploitation et de lâcheté – qu’est-ce qui, in fine, fait perdre leur humanité aux protagonistes, elle comme lui.

Dans ce théâtre, les apparences comptent plus que tout. Le vieux patriarche-mécène américain passe son temps accueilli comme un dieu-sauveur à remercier, mais n’a besoin que d’une réplique pour trahir sa véritable odeur. Dreams élargit son examen depuis ce couple jusqu’à un système entier, malade et tordu. On retrouve les basculements narratifs brutaux chers au cinéaste, qui parfois peuvent paraître acrobatiques. En ne craignant pas de déplaire, en s’appuyant sur des protagonistes qui ne sont pas aimables (ou qui finissent par ne pas l’être), le réalisateur donne au récit une âpreté à la hauteur des motifs qu’il explore.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Le Chasseur de baleines

admin — Wed, 28 Jan 2026 03:24:00 +0000

Leshka est un adolescent qui vit dans un village isolé sur le détroit de Béring, situé entre la Russie et l’Amérique. Comme la plupart des hommes de son village, il vit de la chasse de la baleine et mène une vie très calme à l’extrémité du monde. Avec l’arrivée récente d’internet, Leshka découvre un site érotique où officie une cam girl qui fait naître en lui un désir d’ailleurs…

Le Chasseur de baleines
Russie, 2020
De Philipp Yuryev

Durée : 1h34

Sortie : 28/01/2026

Note :

ET LÀ-BAS QUELLE HEURE EST-IL ?

Qui se trouve donc de l’autre côté de l’écran ? C’est une question qui peut se poser deux fois dans Le Chasseur de baleines, premier long métrage du Russe Philipp Yuryev – et la réponse est à chaque fois surprenante. Des camgirls, quelque part aux États-Unis, se filment, mais pour qui ? Il y a quelque chose d’incongru à constater que parmi leur public se trouvent ces pêcheurs d’un village de l’absolu bout du monde en Russie. De la même manière, ces garçons du détroit de Béring regardent les filles comme nimbées d’un curieux mystère en se demandant qui elles peuvent bien être. « Il n’y a pas de blonde comme ça au village ». Ce qui pourrait être potache voire un peu scabreux est regardé… avec une étonnante tendresse par Yuryev.

Yuryev semble filmer le plus extrême des no man’s lands, un endroit qui, plus qu’au bout du monde, semble au bord du monde. Et c’est précisément ce que le cinéaste raconte. La vie dans un lieu qui semble se dérouler comme à une autre époque tandis que nous ne sommes même pas le même jour que sur la terre d’en face. Quelle existence attend peut-être le jeune héros là-bas en Amérique ? Yuryev déploie un talent certain pour filmer les vastes étendues désolées. Visuellement majestueux, Le Chasseur de baleines décrit un décor qui est aussi un paysage onirique et sensible. Les lieux semblent emprisonner les personnages, et l’écran où apparaissent les camgirls n’est qu’une petite lucarne. Yuryev fait ressentir ce besoin de liberté en filmant certes les élans et actions de ses personnages, mais aussi en rendant les décors expressifs.

Dans ce patelin où l’électricité tombe sans arrêt en panne, on continue à chasser la baleine, comme hier. Figé dans le passé, cet endroit semble changer d’époque lorsqu’un morceau de Julee Cruise est utilisé en inattendu contrepoint. Le Chasseur de baleines raconte une situation immobile mais qui pourtant palpite. Les flammes au bord d’un feu éclairent les visages mais elles mettent aussi en lumière les émotions des personnages. Leur imaginaire les projette en avant et Yuryev décrit cela avec une vraie grâce.

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par Nicolas Bardot

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Fipadoc | Critique : Letters from Wolf Street

admin — Tue, 27 Jan 2026 01:14:21 +0000

Une rue du centre de Varsovie devient un kaléidoscope de la société polonaise.

Letters From Wolf Street
Pologne, 2025
De Arjun Talwar

Durée : 1h37

Sortie : –

Note :

DANS MA RUE

« Tout a commencé avec la voisine d’en face » : ce sont les mots du réalisateur, Arjun Talwar, et c’est aussi simple que cela : tout a commencé avec la voisine d’en face. Ce pourrait être le début d’une comédie, d’une romance, d’un film d’horreur parano – c’est en réalité un documentaire et ce point de départ est le plus simple qui soit. Dévoilé en première mondiale dans le cadre du Panorama de la Berlinale, distingué au palmarès du Transilvania Film Festival, Letters From Wolf Street est la chronique d’un quartier puis de bien plus, vu à travers les yeux d’un homme originaire d’Inde et vivant désormais en Pologne. Soit un pays dont la population est souvent présentée comme « homogène » mais dont Arjun Talwar fait un portrait beaucoup plus diversifié.

« La Pologne est un mystère pour moi », entend-on dans Letters From Wolf Street. Arjun Talwar décide d’en faire le portrait à travers ses invisibles : une amie originaire de Chine, un exilé syrien, un Rom. La succession d’interviews des gens qui peuplent le quartier (ici le facteur, là la bouchère) peut évoquer le documentaire Daguerréotypes réalisé par Agnès Varda il y a 50 ans. Dans la rue, un défilé fasciste, puis au contraire une Pride. Arjun Talwar dépeint ces contraires, pièces sombres et lumineuses d’un même puzzle humain. « Pourquoi on est là ? Je suis sûr qu’il y a une raison ».

Si le long métrage peut de temps à autre frôler l’anecdote, il parvient néanmoins à poser de bonnes questions. D’où vient la peur du voisin ? Comment parvenir à s’intégrer en tant qu’immigré, tout en conservant sa propre personnalité et son désir légitime de se rebeller, d’être différent ? Est-il possible de faire les deux à la fois ? Arjun Talwar compose un récit à la fois tendre et amer sur l’identité, sur ce qui relie individus et communauté, dans une société qui n’est jamais aussi figée que dans les imaginaires étriqués des politiques réactionnaires.

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par Nicolas Bardot

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Festival Premiers Plans | Entretien avec Vasile Todinca

admin — Mon, 26 Jan 2026 01:22:00 +0000

Acculée financièrement, une jeune femme traverse Bucarest de long en large jusqu’à songer à une solution inattendue. Drame comique et comédie dramatique, Alișveriș du Roumain Vasile Todinca est un récit social plongé dans la laideur de la ville défigurée par le capitalisme. Absurde et féroce, pathétique et fantaisiste, Alișveriș évoque le cinéma joyeusement mal élevé de Radu Jude. Ce court métrage, dévoilé en compétition à la Semaine de la Critique,vient d’être montré à Premiers Plans. Vasile Todinca est notre invité.

**Quel a été le point de départ de Alișveriș ?**

Il se trouve qu’il y a quelques années, j’ai été témoin d’un événement plutôt particulier dans un supermarché. Alors que j’attendais dans la file, une femme devant moi a demandé au caissier de peser une tresse de cheveux qu’elle souhaitait vendre. Cette image m’a beaucoup touché et elle est restée avec moi pendant un certain temps. Il était clair que ce n’était pas quelqu’un qui voulait faire des affaires, mais plutôt un geste désespéré de quelqu’un risquant l’humiliation. De plus, les cheveux, souvent représentés dans l’histoire, la mythologie et la littérature comme un symbole de statut social, de féminité, de force, etc., étaient présents dans ce petit événement.

Comment avez-vous trouvé le bon équilibre entre la comédie et la cruauté dans votre histoire ?

Lorsqu’il s’agit de ce type d’histoires, il y a un très grand risque d’exagérer le tragique. Je voulais garder une certaine distance par rapport à la protagoniste, mais sans l’abandonner complètement. Comme le dit Chaplin, « la vie est une tragédie en gros plan, mais une comédie en plan large ». Parfois, un gros plan peut être véritablement obscène et cruel. Je suis très intéressé par le côté absurde des choses. Même une situation comme celle qui a déclenché toute cette histoire, en plus du drame, contient aussi beaucoup d’absurdités. Et ces absurdités sont devenues plus claires lorsque beaucoup de questions hypothétiques ont été posées : que se passerait-il si le supermarché n’était pas la première tentative, que se passerait-il s’il n’y avait pas d’électricité, et ainsi de suite.

Pouvez-vous nous en dire plus sur votre approche visuelle de la ville et de sa laideur ?

Nous avons un personnage qui est piégé par des objets et des publicités. Les objets qu’elle vend pour gagner sa vie et les publicités pour diverses méthodes de gagner de l’argent, vendant les fausses promesses de plus : plus d’argent, plus de plaisir, plus d’aventure, etc. La laideur de Bucarest a déjà été décrite, donc ce n’est pas quelque chose de nouveau. Et les publicités harcelantes sont partout aussi parce qu’il n’y a pas de loi pour réguler cela. Les prises de vue avec les panneaux lumineux de casino sont apparues plus tard dans le processus. Au départ, je les photographiais avec mon téléphone pour le plaisir et pour les publier sur mon Instagram. Certaines des juxtapositions sont vraiment drôles ou même cyniques. J’ai même pensé à les utiliser dans un autre projet de court métrage sur les publicités de jeux et paris. Mais au montage d’Alișveriș, j’ai réalisé qu’elles étaient mieux adaptées ici.

Comment avez-vous eu l’idée du point de vue façon « caméra de surveillance » sur le personnage principal ?

En plus de l’histoire de Tatiana, nous avons aussi d’autres petites histoires sur la lutte à différents niveaux. Tout le monde est un patron et un subordonné en même temps. Tout le monde regarde et est observé comme dans un panoptique. Comme l’a prévu Bentham, le pouvoir doit être visible et invérifiable. Nous ne savons jamais qui est vraiment derrière ces caméras, s’il y a quelqu’un ou pas du tout. En parlant de cruauté, je voulais qu’elle n’ait pas d’échappatoire, car après tout, comme le dit Foucault, « la visibilité est un piège ». Mais il y a aussi de la comédie et de l’absurde à avoir autant de caméras de surveillance dans une pâtisserie, par exemple.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou ceux qui vous inspirent ?

Eric Rohmer, Manoel de Oliveira, Luis Buñuel, Lois Weber, Alain Guiraudie, Marguerite Duras, Hong Sangsoo, Robert Bresson.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 20 mai 2025. Un grand merci à Ada Solomon.

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Critique : Le Retour du projectionniste

admin — Tue, 20 Jan 2026 16:31:19 +0000

Dans une région reculée des montagnes du Caucase, en Azerbaïdjan, Samid, réparateur de télévision, dépoussière son vieux projecteur 35mm de l’ère soviétique et rêve de rouvrir le cinéma de son village. Les obstacles se succèdent jusqu’à ce qu’il trouve un allié inattendu, Ayaz, jeune passionné de cinéma et de ses techniques. Les deux cinéphiles vont user de tous les stratagèmes pour que la lumière jaillisse de nouveau sur l’écran.

Le Retour du projectionniste
Azerbaïdjan, 2024
De Orkhan Aghazadeh

Durée : 1h27

Sortie : 21/01/2026

Note :

LA PREMIÈRE SÉANCE

Samid est un homme d’un certain âge qui vit dans un petit village au sud de l’Azerbaïdjan. Il attend impatiemment l’arrivée par le courrier (en provenance de Lituanie) d’une… ampoule. Cela pourrait ressembler à la lubie d’une comédie lunaire mais cette ampoule particulière est la clef du rêve de Samid : elle est nécessaire pour projeter des films dans la salle de cinéma de son village que le vieil homme espère rouvrir. A Sym, la vie semble en apparence douce et le réalisateur azerbaïdjanais Orkhan Aghazadeh saisit la beauté paisible du décor. Mais à Sym peut-être plus qu’ailleurs, il est parfois difficile de trouver du réseau.

Le Retour du projectionniste, dévoilé en première mondiale dans la compétition du Festival Visions du Réel, est un chaleureux récit sur le rêve d’un homme et la façon dont celui-ci rayonne sur toute une communauté. Aghazadeh dépeint la relation entre Samid et le tout jeune Ayaz qui le seconde dans cette aventure. Mais il y a tout un village qui est mis à contribution, comme les femmes qui vont coudre l’écran. C’est aussi d’une mémoire collective dont il est question : on se souvient ému d’un vieux films musical indien des années 80, et on voyage dans le temps – un voyage que ne permet pas le petit écran de la télévision. La magie dont Samid et ses amis se souviennent n’a rien d’aussi étriqué.

Quelles considérations techniques sont à prendre en compte ? Les films seront-ils, comme le suggèrent de futurs spectateurs, « hautement moraux » ? Reste t-il suffisamment de bouts du film que Samid souhaite projeter pour l’inauguration ? Voici quelques uns des facétieux questionnements abordés par le long métrage, mais Orkhan Aghazadeh parvient assez habilement à éviter la carte postale pittoresque – notamment en mettant en lumière le parcours et les blessures de son protagoniste. Le film est assez généreusement porté par sa conviction et son énergie (mais aussi sa candeur), des armes qui permettent d’affronter les échecs en tout genre et de remuer des montagnes.

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par Nicolas Bardot

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