Mostra de Venise - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

La sélection de la Mostra de Venise 2026

admin — Thu, 23 Jul 2026 00:40:30 +0000

La prochaine édition de la Mostra de Venise aura lieu du 2 au 12 septembre. Sa sélection a été dévoilée.

Pour sa compétition, pensant probablement que nous étions encore dans les années 90, le directeur artistique italien Alberto Barbera a décidé de boycotter quasi-intégralement les films signés par des réalisatrices : 1 en lice pour le Lion d’or sur… 20 films. Il y a des cinéastes notables dans cette sélection, mais voilà le fait dont on devrait avant tout parler.

Compétition internationale

Company de Casey Affleck
A Bit of Light d’Ali Asgari
Ritorno A Buenos Aires de Marco Bechis
Un bon petit soldat de Stéphane Brizé
Il fuoco che ti porti dentro d’Edoardo De Angelis
Woman Unknown de May el-Toukhy
Bucking Fastard de Werner Herzog
15/18 de Cédric Kahn
Dau d’Ilya Khrzhanovsky
Look Back de Hirokazu Kore-eda
Possible Love de Lee Chang-dong
Wild Horse Nine de Martin McDonagh
Succederà questa notte de Nanni Moretti
Primetime de Lance Oppenheim
The Echo Chamber de Andrea Pallaoro
Un peu avant minuit de Nicolas Pariser
L’Estranea de Paolo Strippoli
Mr. Nelson, Did You Kill People ? de Shin’ya Tsukamoto
Bunker de Florian Zeller

Ink de Danny Boyle (ouverture)

Compétition Orizzonti

La Ragazza con la leica de Alina Marazzi
The Burning Giants de Phuttiphong Aroonpheng
What Belongs to The Others de Grzegorz Debowski
Una storia d’Anna Foglietta
La Citta Dei Vivi d’Edoardo Gabbriellini
Falling House de Mohsen Gharaie
Too Much Sugar de Robert Greene
The Difficult Bride de Rubaiyat Hossain
La Maison du vent d’Auguste Bernard Kouemo Yanghu
I Figli della Scimmia de Tommaso Landucci
A Day in the life of JO : Chapter Phaedra de Jacqueline Lentzou
Oasis de Jannis Lenz
Until The Day Ends de Jelena Maksimović
La Moula de Jérôme Pierrat
Lovers in the Blue Night de Anuparna Roy
Un détour par Diane de Ann Sirot et Raphaël Balboni
The Color of The Sun de Xavier Tera
Eklipse de Manuel Wetscher
Big Little Things de Michelle Zhou

Hors compétition – fiction

Dio Ride de Giovanni Veronesi
Nessum Dolore de Gianni Amelio
Let Us Through, Dear Ancestors de Lav Diaz
Father Joe de Barthélémy Grossmann
Scherzetto de Mario Martone
Place To Be de Kornél Mundruczó
Un bon avocat de Tristan Séguéla
Jupiter d’Alexandre Smia

Hors compétition – Film on Films

Juso Per Ferie de Karen Di Porto
Nino – Un Film Su Nino Rota de Walter Fasano
The Pervert’s Guide To Utopias de Sophie Fiennes
Joie De Vivre de Luca Guadagnino
Twist And Shoot Mister Suzuki de Yves Montmayeur
Intermission de Yonfan

Hors compétition – documentaire

Be Brave de Francesco Carrozzini
What Love Builds de Russell Crowe
Burgundy de Michael Dweck et Gregory Kershaw
Musk de Alex Gibney
The Road To Jericho de Amos Gitai
Citizen Osama de Ahmed Hassouna
Union Town de Barbara Kopple
Holy Wood Dust de Victor Kossakovsky
Letters From The Silenced Country de Andrei Kutsila
Biografia De Jorge Luis Borges de Mariano Llinás
My Undesirable Friends: Part 2 – Exile de Julia Loktev
Boatbuilders de Luke Lorentzen
Imperium de Sergei Loznitsa.
Shumei -The Living Legacy Of Kabuki de Takashi Miike
Queer Edward II de Theo Rollason
Oasis: Don’t Look Back In Anger de Dylan Southern et Will Lovelace
Dust de Tsai Ming-liang
Everest: The Other Side d’Elizabeth Chai Vasarhelyi et Jimmy Chin
From Inside Out – The Architecture Of Peter Zumthor de Wim Wenders

Nicolas Bardot

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Mostra de Venise 2026 : la sélection de Giornate Degli Autori

admin — Wed, 22 Jul 2026 11:35:05 +0000

La 23e édition de Giornate Degli Autori, section parallèle de la Mostra de Venise, aura lieu du 2 au 12 septembre. Sa sélection a été dévoilée.

Parmi les films retenus, citons Agata the Writer de la Polonaise Kuba Dorabialski avec Mia Wasikowska dans le rôle principal, My Notes on Mars de la Hongroise Lili Horvát (révélée avec Preparations to Be Together for an Unknown Period of Time) ou encore Une femme d’aujourd’hui du Français Robert Guédiguian. Les deux courts métrages du programme Miu Miu Women’s Tales sont l’oeuvre cette année de la Norvégienne Mona Fastvold et de la Française Claire Denis.

L’an passé, la sélection comprenait Vanilla de la Mexicaine Mayra Hermosillo (sorti chez nous ce printemps), Memory of Princess Mumbi du Suisso-Kényan Damien Hauser (en salles en août), Short Summer de la Russe Nastia Korkia (prix du meilleur premier film à la Mostra l’an passé) ou encore la révélation Last Night I Conquered the City of Thebes de l’Espagnol Gabriel Azorín.

Découvrez la sélection 2026 ci-dessous.

Agata the Writer

Compétition

A veces me entra tristeza, otras veces rebelion (Sadness Sometimes, Other Times Revolt), María Aparicio
Agata the Writer, Kuba Dorabialski
Balcanica, Nicola Sorcinelli
Camouflage, Mykyta Gibalenko
Dear Ajayi, Damilola Orimogunje
I Plant My Hand in the Garden, Boris Hadžija & Hoda Taheri
Les Indes, Pauline Julier & Nicolas Chapoulier
My Notes on Mars, Lili Horvát
Salon de Bellezza, Nathalia Acevedo
Une femme d’aujourd’hui, Robert Guédiguian

Hors compétition

Peau d’homme, Léa Domenach

Carla Lonzi, dentro e Fuori dal mondo

Séances spéciales

Al Baraneya, Ashgan El-Hamus
Carla Lonzi, dentro e Fuori dal mondo (Carla Lonzi, a Feminist Story), Francesca Archibugi
El Fantasma (The Phantom), Ignacio Masllorens & David Lamelas
Il Massacro (The Massacre), Cosimo Messeri
Se venisse anche l’inferno (Even if Hell Came), Samuele Rossi

Discipline

Miu Miu Women’s Tale

Discipline, Mona Fastvold
Avec Kim, Claire Denis

La sélection complète

Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Memory

admin — Thu, 09 Jul 2026 00:58:42 +0000

Vladlena, six ans, déménage de Crimée à Grozny suite au divorce de ses parents, sans savoir que la guerre va bientôt consumer son enfance. Alors que l’Union soviétique s’effondre, la République tchétchène se fracture.

Memory
France/Pays-Bas, 2025
De Vladlena Sandu

Durée : 1h38

Sortie : –

Note :

SOUVENIRS CHIFFONNÉS

Présenté en ouverture de la section Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Memory est un film sacrément hybride qui n’en fait qu’à sa tête. Tout commence pourtant paradoxalement par un cliché : la caméra filme une femme dans la rue, l’image se fige et la voix off de la réalisatrice (puisqu’il s’agit d’elle-même à l’image) nous invite à écouter son histoire. L’impression de déjà-vu face à cette introduction est très vite balayée par la suite qui, pour le coup, n’a rien de familier. Memory est un récit autobiographique et historique à la première personne. Est-ce à dire qu’il s’agit strictement d’un documentaire ? Oui et non, car le film fourmille d’idées et d’outils narratifs.

La cinéaste Vladlena Sandu raconte son enfance et la vie de sa famille en Tchétchénie, du temps de l’Union soviétique mais aussi dans la guerre ayant suivi la dissolution de 1991. A l’exception de quelques photos d’archives parsemées avec discrétion, aucune image de Memory ne ressemble pourtant à un documentaire sur la guerre. Le mot anglais memory signifie bien sûr mémoire, mais le ludisme visuel ici à l’œuvre nous rappelle également le jeu enfantin du même nom, à base de vignette colorées. Vladlena Sandu bâtit en effet son film comme une succession de brefs tableaux bricolés, à la fois chatoyants ou symétriques, mettant en scène des marionnettes ou une fillette vêtue d’une robe traditionnelle d’un autre âge.

La voix off de la cinéaste égrène les souvenirs tragiques ou tendres avec une absence de variation de rythme ou de ton qui peut rendre l’écoute paradoxalement monotone sur la longueur. Cela est vivement rééquilibré par l’inventivité formelle du film qui est capable de passer du diorama au clip musical en un clin d’oeil vertigineux. Memory pose de bonnes questions sur la représentation, sur la mémoire, sur le trauma, sur la violence héritée, mais évite les clichés du récit « à hauteur d’enfant ». C’est un film qui trouve sa force dans la dimension dramatique très sombre des faits évoqués, mais dans cet espace-là, Vladlena Sandu parvient à nous laisser un espace en usant intelligemment de mille et un moyens pour raconter, suggérer et illustrer de manière inventive.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Father

admin — Thu, 28 May 2026 12:00:51 +0000

Michal et Zuzka sont un couple épanoui, comblé par la réussite et la présence de leur petite fille, Dominika. Mais un jour de canicule, un drame vient briser leur amour et bouleverser leur vie. Leur histoire est exposée par les médias et malgré le poids de l’opinion et de leur entourage, un lien fragile va renaître entre eux, suspendu entre culpabilité et amour.

Father
Slovaquie, 2025
De Tereza Nvotová

Durée : 1h43

Sortie : 28/05/2026

Note :

A LA PAPA

Le hasard de la programmation fait qu’après s’être ouverte hier avec un film macédonien sobrement intitulé Mother, la section Orizzonti de la Mostra projette aujourd’hui un film nommé Father. Or, si Mother faisait référence à une mère particulièrement hors du commun, Mère Teresa, Father s’attache quant à lui à un père de famille modèle courant. Enfin presque car ce papa, toujours beau et musclé en dépit de ses doutes de quadragénaire, vulnérable juste ce qu’il faut, participe très activement à la vie chaotique de la maison. Changer son planning en urgence pour emmener sa fille à la crèche, retrouver une peluche perdue… ce n’est pas que tout soit simple pour cet homme dont le visage trahit plus la concentration que l’aisance, mais il fait le job plutôt bien mieux que la moyenne.

Particulièrement électrique, la première demi heure du film est traversée d’une tension remarquable, alors qu’il ne s’y passe précisément rien qui ne sorte de l’ordinaire d’une famille avec de jeunes enfants. Rien que mettre tout le monde dans la voiture et partir au travail devient un casse-tête sportif dans lequel Father nous immerge avec une grande efficacité, la caméra collé à son acteur principal toujours en action. Puis, suite à un rebondissement narratif qu’on ne révèlera pas, le film change de vitesse, et ce pour de bon.

Dans ses deux précédentes fictions, Sans jamais le dire et Nightsiren (primé à Locarno en 2022), la cinéaste slovaque Tereza Nvotová prenait pour protagoniste des jeunes filles troublées et pas facilement aimables. Ce n’est pas le fait d’avoir remplacé ces anti-héroïnes par un super papa qui rend la suite de Father moins percutant. C’est avant tout une question de rythme et de structure. Mi-parabole sur le patriarcat et ses mille et un problèmes, mi-« magnifique-portrait-d’homme » (vous avez remarqué que cette expression n’est justement jamais utilisée au masculin ?), Father pose des questions justes, inconfortables et pas naïves sur la culpabilité et la rédemption, mais aucune de ces aspérités ne vient rééquilibrer assez vivement sa baisse de régime progressive. Le passage de l’action à l’exploration psychologique permet néanmoins de mettre en valeur la performance très convaincante de Milan Ondrik.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Vanilla

admin — Wed, 20 May 2026 04:29:44 +0000

Sept femmes à la volonté de fer se battent pour sauver leur maison de la saisie hypothécaire. Roberta, une fillette de 8 ans, évolue dans une dynamique familiale atypique : un foyer sans père, où elle vit entourée de diverses figures féminines.

Vanilla
Mexique, 2025
De Mayra Hermosillo

Durée : 1h36

Sortie : 20/05/2026

Note :

PARFUM DE VANILLE, AMOUR QUI PÉTILLE

Il y a beaucoup de bibelots dans la maison de Roberta : beaucoup de choses sur la commode, dans les tiroirs de la commode, dans les boites cachées dans les tiroirs. Il y a aussi beaucoup de monde dans la maison de Roberta, et rien que des femmes dans ce qui ne ressemble pas tout à fait à une famille comme les autres. Vanilla, premier long métrage de la Mexicaine Mayra Hermosillo, s’ouvre par des images de femmes de différentes générations qui s’amusent à la plage. Parmi elles, une plus jeune (et pourtant plus soucieuse) les regarde.

Dévoilé en compétition de la sélection Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Vanilla raconte la vie qui continue au sein d’une famille, malgré les nuages qui s’amoncellent et la catastrophe qui s’annonce. Roberta, mères, tantes et grands-mères risquent de perdre leur maison remplie de tout un bordel. C’est un drame, mais les drames n’ont pas la même apparence ni le même cachet lorsqu’ils sont vécus dans des looks aux couleurs des années 80. La reconstitution délicieuse ajoute un charme à cette vive comédie dramatique. Les plans courts impriment un tempo efficace dans ce film qui de temps à autre, dans une veine moins sombre, peut évoquer le cinéma de la Mexicaine Lila Aviles.

« Puta ! », gueule le perroquet. Le ton est léger mais peu à peu, les couleurs chaleureuses s’affadissent à mesure que la lumière de l’espoir s’éteint. Mamie joue aux cartes en mangeant ses biscuits tandis que les courriers menaçants sont déposés dans la boite aux lettres. Le film effectue un va-et-vient efficace sur cette famille au bord du précipice, sur la vie qui reprend le dessus, et sur les emmerdes qui reviennent. Les protagonistes ne sont pas parfaites, ni dans la vie normale, ni dans le chaos – et la réalisatrice parvient à incarner ce chaos-là avec dynamisme, sans clichés pittoresques.

En creux, Vanilla compose l’émouvant récit d’apprentissage d’une gamine forcée de grandir un peu trop tôt. Dans une famille un peu différente, dans des conditions imprévues. Les figures et motifs sont connus, mais l’emballage, qu’il s’agisse de l’esprit ou du ton du film, possède une énergie communicative. Vanilla dépeint ce qu’on conserve et ce qu’on abandonne en grandissant, comme ce qu’on garde dans la poche et ce qu’on laisse finalement dans la maison.

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par Nicolas Bardot

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Festival Cinélatino | Critique : Hiedra

admin — Sat, 21 Mar 2026 05:38:46 +0000

Azucena, une femme de 30 ans, espionne les adolescents d’un foyer. Dans leurs jeux et leur sens de la fraternité, elle cherche des fragments de son propre passé, poussée par un événement traumatique qui a marqué son adolescence et l’a laissée suspendue dans le temps. Son intérêt se concentre particulièrement sur Julio, un garçon de 17 ans. Bien que leurs mondes sociaux soient très éloignés, leurs blessures, leurs rires partagés et la découverte de l’autre guident leur voyage œdipien vers les rochers d’un volcan. Là, loin de tout, ces deux personnages marqués par l’absence se transforment en quelque chose d’autre.

Hiedra
Equateur, 2025
D’Ana Cristina Barragan

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

QUE VEUX-TU

Azucena mate des adolescents. Campée à la sortie de leur pensionnat, elle les espionne dans leurs discussions quotidiennes et leurs éclats de rire. Poussée par on ne sait trop quel désir, elle tente même maladroitement de se joindre à leurs jeux encore enfantins. Azucena se comporte presque comme un vieux pervers, mais c’est une jeune femme pas vraiment beaucoup plus âgée que ce groupe de jeunes, et la gêne étrange qu’elle dégage rend ses motivations complètement floues à nos yeux comme à ceux des autres personnages. Est-ce une illuminée qui se prend pour une ado ? Tente-t-elle de draguer le chef de la bande ? A-t-elle un plan derrière la tête en s’approchant particulièrement de ce dernier ?

La cinéaste équatorienne Ana Cristina Barragán possède l’art de faire flotter sur ses films une étrange tension. En effet, il ne se passe a priori rien de très grave dans cette rencontre. Ces ados ont des occupations bien innocentes pour leur âge et après quelques moqueries, ils finissent même par accueillir Azucena comme l’une d’entre eux. Pourtant tout est nerveux à l’image : l’absence de tout contexte explicatif, les plans rapprochés sur les visages interloqués, et même les ralentis. Ainsi, une simple scène où elle se contente de couper les cheveux d’un garçon donne l’impression de pouvoir exploser vers n’importe quelle direction choc. Comme dans le précédent film de la réalisatrice (La Piel pulpo, également présenté à la Mostra), il n’y a pas d’explication psychologique, juste des pulsions.

Cette précieuse ambiguïté, qui transforme ce drame en suspens énigmatique, est autant l’œuvre de la réalisatrice que celle de l’actrice, particulièrement brillante. Déjà repérée dans La Région sauvage, la Mexicaine Simone Bucio apporte un mélange de fragilité et d’inquiétude avec son visage à la fois enfantin et épuisé. La deuxième moitié du film vient répondre à la plupart des questions posées par le début, d’une manière qu’on ne révèlera pas. Cette évolution vers un récit sans doute plus accessible montre que la réalisatrice sait doser mystère et non-dit sans pour autant perdre la main de ses personnages (qui deviennent de plus en plus poignants) et de son public.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Memory Of Princess Mumbi

admin — Thu, 12 Mar 2026 01:25:21 +0000

En 2094, le réalisateur en herbe Kuve filme un documentaire sur la Grande Guerre des années 2070, qui a effacé la technologie moderne. Il rencontre Mumbi, qui lui apprend à voir la beauté derrière les gestes quotidiens.

Memory Of Princess Mumbi
Kenya, 2025
De Damien Hauser

Durée : 1h20

Sortie : 26/08/2026

Note :

VESTIGES DU FUTUR

Ne prenez pas la peine de lire le résumé de ce film. Ce n’est pas qu’il vienne gâcher une surprise en en divulguant trop, c’est au contraire qu’il ne traduit qu’une toute petite partie de l’imprévisible mosaïque qu’est Memory of Princess Mumbi. Cette histoire de princesse du futur est à la fois au cœur du récit et presque entièrement superflue au plaisir et à la compréhension du visionnage, et ce par un numéro d’équilibriste scénaristique qu’on est bien en peine de décrire tant il relève du tour de passe-passe. Récit d’amour fou, voix off et grands violons : les toutes premières scènes du film paraissent obéir à la grammaire habituelle du mélo. Or, ce sont là les uniques minutes où l’ensemble donne l’impression d’être sur des rails familiers. Tant mieux.

S’il fallait à notre tour tenter de résumer l’histoire folle de Memory of Princess Mumbi, nous dirions qu’il s’agit d’une comédie romantique entre un garçon et une fille qui rêvent de faire un film qui rende les gens heureux. Nous suivons donc les aventures sous la forme d’un faux making of entrecoupé du résultat de leur travail, un film dans le film au récit pas très éloigné de ce qu’ils vivent. De plus, tout ceci se déroule effectivement dans un pays africain imaginaire, dans un futur distant qui ressemble parfois drôlement au présent et parfois pas du tout. Pour être entièrement honnête, la véritable trame narrative est souvent trop chaotique pour être suivie de près, mais cette perte de repères n’empêche pas le charme de cette fantaisie qui file à toute allure.

Fantasque, Memory of Princess Mumbi ne l’est pas que par son récit. Le film fourmille de propositions visuelles étonnantes. Les scènes de danses sont filmées avec un dynamisme digne d’un clip musical et le texte qui apparait parfois à l’écran est d’une grosse police jaune qui rappelle la blacksploitation, offrant un mélange à la fois pop et pulp. De plus, plusieurs images du film sont générées par intelligence artificielle, mais l’utilisation de cette dernière n’est pas naïve. Malicieusement intégrée aux récits (dans ce futur où les nouvelles technologies ont été bannies, les deux apprentis cinéastes ne sont pas d’accord sur son usage), cette technique vient apporter un niveau de lecture supplémentaire au long métrage.

Le mouvement artistique contemporain de l’afrofuturisme (auquel Memory… se rattache aisément) trouve son origine dans le désir de palier par l’imagination extrême un manque de variété de représentations des vécus du continent africain. La manière dont le cinéaste kenyan et suisse Damien Hauser utilise donc la machine à fantasmes qu’est l’IA fait preuve d’une certaine ironie (les logiciels utilisés sont carrément remerciés au générique de fin) au moment de venir illustrer par instants cette histoire d’héritiers princiers de royaumes disparus. Au-delà de cette dimension arty/meta, ce long métrage parmi les plus singuliers de l’année se regarde avec appétit, comme si nous nous trouvions face au bric-à-brac d’un coffre à trésor cinématographique mal rangé mais chatoyant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Le Chasseur de baleines

admin — Wed, 28 Jan 2026 03:24:00 +0000

Leshka est un adolescent qui vit dans un village isolé sur le détroit de Béring, situé entre la Russie et l’Amérique. Comme la plupart des hommes de son village, il vit de la chasse de la baleine et mène une vie très calme à l’extrémité du monde. Avec l’arrivée récente d’internet, Leshka découvre un site érotique où officie une cam girl qui fait naître en lui un désir d’ailleurs…

Le Chasseur de baleines
Russie, 2020
De Philipp Yuryev

Durée : 1h34

Sortie : 28/01/2026

Note :

ET LÀ-BAS QUELLE HEURE EST-IL ?

Qui se trouve donc de l’autre côté de l’écran ? C’est une question qui peut se poser deux fois dans Le Chasseur de baleines, premier long métrage du Russe Philipp Yuryev – et la réponse est à chaque fois surprenante. Des camgirls, quelque part aux États-Unis, se filment, mais pour qui ? Il y a quelque chose d’incongru à constater que parmi leur public se trouvent ces pêcheurs d’un village de l’absolu bout du monde en Russie. De la même manière, ces garçons du détroit de Béring regardent les filles comme nimbées d’un curieux mystère en se demandant qui elles peuvent bien être. « Il n’y a pas de blonde comme ça au village ». Ce qui pourrait être potache voire un peu scabreux est regardé… avec une étonnante tendresse par Yuryev.

Yuryev semble filmer le plus extrême des no man’s lands, un endroit qui, plus qu’au bout du monde, semble au bord du monde. Et c’est précisément ce que le cinéaste raconte. La vie dans un lieu qui semble se dérouler comme à une autre époque tandis que nous ne sommes même pas le même jour que sur la terre d’en face. Quelle existence attend peut-être le jeune héros là-bas en Amérique ? Yuryev déploie un talent certain pour filmer les vastes étendues désolées. Visuellement majestueux, Le Chasseur de baleines décrit un décor qui est aussi un paysage onirique et sensible. Les lieux semblent emprisonner les personnages, et l’écran où apparaissent les camgirls n’est qu’une petite lucarne. Yuryev fait ressentir ce besoin de liberté en filmant certes les élans et actions de ses personnages, mais aussi en rendant les décors expressifs.

Dans ce patelin où l’électricité tombe sans arrêt en panne, on continue à chasser la baleine, comme hier. Figé dans le passé, cet endroit semble changer d’époque lorsqu’un morceau de Julee Cruise est utilisé en inattendu contrepoint. Le Chasseur de baleines raconte une situation immobile mais qui pourtant palpite. Les flammes au bord d’un feu éclairent les visages mais elles mettent aussi en lumière les émotions des personnages. Leur imaginaire les projette en avant et Yuryev décrit cela avec une vraie grâce.

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par Nicolas Bardot

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Fipadoc | Critique : The Tale of Silyan

admin — Wed, 28 Jan 2026 01:11:39 +0000

Un conte populaire macédonien prend vie lorsqu’un agriculteur sauve une cigogne blessée dans une décharge.

The Tale of Silyan
Macédoine du nord, 2025
De Tamara Kotevska

Durée : 1h20

Sortie : –

Note :

DES RACINES ET DES AILES

Comme l’indique son titre, à l’origine du nouveau film de la documentariste macédonienne Tamara Kotevska (révélée en 2019 avec Honeyland, doublement nommé aux Oscars), il y a une légende. Dans une famille de rudes travailleurs campagnards, le jeune fils oisif rêve de nouveaux horizons et annonce son intention de quitter famille et village. De colère, le père lui jette un sort le transformant en cigogne. Désormais rejeté à la fois par les humains et les oiseaux, le jeune homme est condamné à rester seul et sans terre. Quelle pertinence peut avoir encore aujourd’hui une telle fable ? Quel poids ses gros sabots moralisateurs possèdent-ils face à la dure réalité des conditions de vie des agriculteurs d’aujourd’hui ?

L’action de The Tale of Silyan se déroule dans un coin de Macédoine où vit une importante quantité de cigognes. Quand elles ne sont pas nichées en haut des clochers, celle-ci ont appris à reconnaître le bruit des moteurs de tracteurs et à suivre à la trace les travaux des champs pour se nourrir. Or la réalité économique change drastiquement la situation. Sans perspective d’avenir, les jeunes générations partent chercher du travail à la ville. Jugés inaptes aux exigences physiques du travail de la terre, les plus anciens sont relégués à des tâches ingrates dans des décharges où les cigognes déboussolées ne trouvent plus de quoi se nourrir. The Tale of Silyan s’attache précisément à un de ces agriculteurs de l’ancienne génération : un homme qui a vu son fils, ses petits enfants et même sa femme partir vivre ailleurs, et qui survit en triant des ordures. C’est dans la décharge où il travaille qu’il trouve un jour une cigogne blessée qu’il va adopter et soigner.

Sur le papier, raconter l’amitié d’un humain et d’un oiseau semble d’une naïveté à réserver aux films pour jeune public, et Tamara Kotevska assume cette dimension merveilleuse à coup de décisions de mise en scène parfois discutables. La photo est plus lisse que dans Honeyland, et les plans de vols accompagnés de musique épique paraissent parfois sortis d’un reportage animalier lambda ou de L’Envolée sauvage. Le talent de la réalisatrice est de malgré tout parvenir à conjuguer le conte et le réel. S’il ne maintient pas un équilibre parfait entre ces deux pôles tout du long, The Tale of Silyan parle autant du lien invisible entre homme et animal que de la situation politique de ce coin d’Europe pollué par le capitalisme.

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par Gregory Coutaut

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Festival Premiers Plans | Critique : Last Night I Conquered the City of Thebes

admin — Sat, 24 Jan 2026 03:55:08 +0000

Par un froid après-midi d’hiver, António et Jota reviennent du front avec leurs amis, à la recherche d’un ancien bain thermal romain. Ils plaisantent entre eux tout en pataugeant dans des marais, racontant leurs gloires passées . Après un long temps passé sous l’eau d’un réservoir, les thermes réapparaissent et des gens de tous âges, curieux de cette découverte, viennent passer la journée.

Last Night I Conquered the City of Thebes
Espagne/Portugal, 2025
De Gabriel Azorín

Durée : 1h52

Sortie : –

Note :

LA TRAVERSÉE DU TEMPS

Alors qu’on attend encore en trépignant la sortie dans les salles françaises des sidérants Samsara et La Imatge Permanent, cet inclassable long métrage espagnol présenté en section Giornate degli autori à la Mostra de Venise vient confirmer avec éclat l’excellence et la radicale inventivité formelle du jeune cinéma ibérique. Il faut du panache pour être à la hauteur d’un titre si imposant, et ça tombe bien, Last Night I Conquered the City of Thebes n’en manque pas. Il ne s’agit sans doute pas de l’un des films les plus facilement accessibles de l’année, mais c’est assurément l’un des plus splendides.

Dans les bois, une bande de jeunes hommes en blousons marchent en direction d’un lieu inconnu et échangent leurs souvenirs d’une bataille menée hier contre les Romains. Parlent-ils d’une partie de jeu vidéo en ligne ou bien s’agit-il simplement d’un audacieux anachronisme ? Le sourire aux lèvres, ils évoquent leur rapport à la mort sans qu’on sache si cette dernière est réelle ou numérique, si elle a déjà eu lieu il y a longtemps ou si au contraire elle appartient à un lointain avenir. Autour d’eux les arbres dévoilent quelques ruines d’abord éparses puis de plus en plus nombreuses, comme s’il y avait là une ville engloutie prête à resurgir de terre.

Dès les premières scènes, le travail du chef opérateur Giuseppe Truppi (déjà repéré à la photo d’El agua) sur la lumière dorée qui baigne les personnages et les paysages nous arrive comme un cadeau pour les pupilles. Ne laissez pas passer les occasions de recevoir ce cadeau sur grand écran car par instants l’image est si chatoyante qu’on la dirait imprimée sur une pellicule moirée. Les images inventées par le cinéaste Gabriel Azorín ne sont pas uniquement de jolis tableaux, ce sont des fenêtres grandes ouvertes sur l’imaginaire. Il serait impardonnable d’en dévoiler trop sur certains des paris visuels qu’il opère ici tant l’effet de surprise participe à l’atmosphère irréelle du film, mais ces derniers font de cette promenade un voyage dans le temps autant qu’une séance d’hypnose au planétarium.

Last Night I Conquered the City of Thebes est aussi particulièrement bavard. Les échanges entre ces jeunes soldats (souvent en portugais) sont d’autant plus imposants qu’il sont souvent filmés en temps réel et qu’ils ne permettent jamais vraiment de trancher sur l’époque à laquelle tout cela se déroule. Cette opacité parfois frustrante demande un certain temps de digestion et d’adaptation, mais il se dégage de ces récits de combats une douceur paradoxale, le portrait bienvenu d’une masculinité vulnérable et proche de la nature. Gabriel Azorín n’a pas peur des grands écarts, et Last Night I Conquered the City of Thebes est d’une poésie ardue mais si vertigineuse qu’elle mérite la comparaison avec d’autres cinéastes hispanophones brillants et radicaux tels que Lois Patiño, Matías Piñeiro ou encore Eduardo Williams.

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par Gregory Coutaut

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