Mostra de Venise - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Vanilla

admin — Mon, 23 Mar 2026 04:29:44 +0000

Sept femmes à la volonté de fer se battent pour sauver leur maison de la saisie hypothécaire. Roberta, une fillette de 8 ans, évolue dans une dynamique familiale atypique : un foyer sans père, où elle vit entourée de diverses figures féminines.

Vanilla
Mexique, 2025
De Mayra Hermosillo

Durée : 1h36

Sortie : 20/05/2026

Note :

PARFUM DE VANILLE, AMOUR QUI PÉTILLE

Il y a beaucoup de bibelots dans la maison de Roberta : beaucoup de choses sur la commode, dans les tiroirs de la commode, dans les boites cachées dans les tiroirs. Il y a aussi beaucoup de monde dans la maison de Roberta, et rien que des femmes dans ce qui ne ressemble pas tout à fait à une famille comme les autres. Vanilla, premier long métrage de la Mexicaine Mayra Hermosillo, s’ouvre par des images de femmes de différentes générations qui s’amusent à la plage. Parmi elles, une plus jeune (et pourtant plus soucieuse) les regarde.

Dévoilé en compétition de la sélection Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Vanilla raconte la vie qui continue au sein d’une famille, malgré les nuages qui s’amoncellent et la catastrophe qui s’annonce. Roberta, mères, tantes et grands-mères risquent de perdre leur maison remplie de tout un bordel. C’est un drame, mais les drames n’ont pas la même apparence ni le même cachet lorsqu’ils sont vécus dans des looks aux couleurs des années 80. La reconstitution délicieuse ajoute un charme à cette vive comédie dramatique. Les plans courts impriment un tempo efficace dans ce film qui de temps à autre, dans une veine moins sombre, peut évoquer le cinéma de la Mexicaine Lila Aviles.

« Puta ! », gueule le perroquet. Le ton est léger mais peu à peu, les couleurs chaleureuses s’affadissent à mesure que la lumière de l’espoir s’éteint. Mamie joue aux cartes en mangeant ses biscuits tandis que les courriers menaçants sont déposés dans la boite aux lettres. Le film effectue un va-et-vient efficace sur cette famille au bord du précipice, sur la vie qui reprend le dessus, et sur les emmerdes qui reviennent. Les protagonistes ne sont pas parfaites, ni dans la vie normale, ni dans le chaos – et la réalisatrice parvient à incarner ce chaos-là avec dynamisme, sans clichés pittoresques.

En creux, Vanilla compose l’émouvant récit d’apprentissage d’une gamine forcée de grandir un peu trop tôt. Dans une famille un peu différente, dans des conditions imprévues. Les figures et motifs sont connus, mais l’emballage, qu’il s’agisse de l’esprit ou du ton du film, possède une énergie communicative. Vanilla dépeint ce qu’on conserve et ce qu’on abandonne en grandissant, comme ce qu’on garde dans la poche et ce qu’on laisse finalement dans la maison.

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par Nicolas Bardot

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Festival Cinélatino | Critique : Hiedra

admin — Sat, 21 Mar 2026 05:38:46 +0000

Azucena, une femme de 30 ans, espionne les adolescents d’un foyer. Dans leurs jeux et leur sens de la fraternité, elle cherche des fragments de son propre passé, poussée par un événement traumatique qui a marqué son adolescence et l’a laissée suspendue dans le temps. Son intérêt se concentre particulièrement sur Julio, un garçon de 17 ans. Bien que leurs mondes sociaux soient très éloignés, leurs blessures, leurs rires partagés et la découverte de l’autre guident leur voyage œdipien vers les rochers d’un volcan. Là, loin de tout, ces deux personnages marqués par l’absence se transforment en quelque chose d’autre.

Hiedra
Equateur, 2025
D’Ana Cristina Barragan

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

QUE VEUX-TU

Azucena mate des adolescents. Campée à la sortie de leur pensionnat, elle les espionne dans leurs discussions quotidiennes et leurs éclats de rire. Poussée par on ne sait trop quel désir, elle tente même maladroitement de se joindre à leurs jeux encore enfantins. Azucena se comporte presque comme un vieux pervers, mais c’est une jeune femme pas vraiment beaucoup plus âgée que ce groupe de jeunes, et la gêne étrange qu’elle dégage rend ses motivations complètement floues à nos yeux comme à ceux des autres personnages. Est-ce une illuminée qui se prend pour une ado ? Tente-t-elle de draguer le chef de la bande ? A-t-elle un plan derrière la tête en s’approchant particulièrement de ce dernier ?

La cinéaste équatorienne Ana Cristina Barragán possède l’art de faire flotter sur ses films une étrange tension. En effet, il ne se passe a priori rien de très grave dans cette rencontre. Ces ados ont des occupations bien innocentes pour leur âge et après quelques moqueries, ils finissent même par accueillir Azucena comme l’une d’entre eux. Pourtant tout est nerveux à l’image : l’absence de tout contexte explicatif, les plans rapprochés sur les visages interloqués, et même les ralentis. Ainsi, une simple scène où elle se contente de couper les cheveux d’un garçon donne l’impression de pouvoir exploser vers n’importe quelle direction choc. Comme dans le précédent film de la réalisatrice (La Piel pulpo, également présenté à la Mostra), il n’y a pas d’explication psychologique, juste des pulsions.

Cette précieuse ambiguïté, qui transforme ce drame en suspens énigmatique, est autant l’œuvre de la réalisatrice que celle de l’actrice, particulièrement brillante. Déjà repérée dans La Région sauvage, la Mexicaine Simone Bucio apporte un mélange de fragilité et d’inquiétude avec son visage à la fois enfantin et épuisé. La deuxième moitié du film vient répondre à la plupart des questions posées par le début, d’une manière qu’on ne révèlera pas. Cette évolution vers un récit sans doute plus accessible montre que la réalisatrice sait doser mystère et non-dit sans pour autant perdre la main de ses personnages (qui deviennent de plus en plus poignants) et de son public.

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par Gregory Coutaut

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Festival CPH:DOX | Critique : Memory Of Princess Mumbi

admin — Thu, 12 Mar 2026 01:25:21 +0000

En 2094, le réalisateur en herbe Kuve filme un documentaire sur la Grande Guerre des années 2070, qui a effacé la technologie moderne. Il rencontre Mumbi, qui lui apprend à voir la beauté derrière les gestes quotidiens.

Memory Of Princess Mumbi
Kenya, 2025
De Damien Hauser

Durée : 1h20

Sortie : –

Note :

VESTIGES DU FUTUR

Ne prenez pas la peine de lire le résumé de ce film. Ce n’est pas qu’il vienne gâcher une surprise en en divulguant trop, c’est au contraire qu’il ne traduit qu’une toute petite partie de l’imprévisible mosaïque qu’est Memory of Princess Mumbi. Cette histoire de princesse du futur est à la fois au cœur du récit et presque entièrement superflue au plaisir et à la compréhension du visionnage, et ce par un numéro d’équilibriste scénaristique qu’on est bien en peine de décrire tant il relève du tour de passe-passe. Récit d’amour fou, voix off et grands violons : les toutes premières scènes du film paraissent obéir à la grammaire habituelle du mélo. Or, ce sont là les uniques minutes où l’ensemble donne l’impression d’être sur des rails familiers. Tant mieux.

S’il fallait à notre tour tenter de résumer l’histoire folle de Memory of Princess Mumbi, nous dirions qu’il s’agit d’une comédie romantique entre un garçon et une fille qui rêvent de faire un film qui rende les gens heureux. Nous suivons donc les aventures sous la forme d’un faux making of entrecoupé du résultat de leur travail, un film dans le film au récit pas très éloigné de ce qu’ils vivent. De plus, tout ceci se déroule effectivement dans un pays africain imaginaire, dans un futur distant qui ressemble parfois drôlement au présent et parfois pas du tout. Pour être entièrement honnête, la véritable trame narrative est souvent trop chaotique pour être suivie de près, mais cette perte de repères n’empêche pas le charme de cette fantaisie qui file à toute allure.

Fantasque, Memory of Princess Mumbi ne l’est pas que par son récit. Le film fourmille de propositions visuelles étonnantes. Les scènes de danses sont filmées avec un dynamisme digne d’un clip musical et le texte qui apparait parfois à l’écran est d’une grosse police jaune qui rappelle la blacksploitation, offrant un mélange à la fois pop et pulp. De plus, plusieurs images du film sont générées par intelligence artificielle, mais l’utilisation de cette dernière n’est pas naïve. Malicieusement intégrée aux récits (dans ce futur où les nouvelles technologies ont été bannies, les deux apprentis cinéastes ne sont pas d’accord sur son usage), cette technique vient apporter un niveau de lecture supplémentaire au long métrage.

Le mouvement artistique contemporain de l’afrofuturisme (auquel Memory… se rattache aisément) trouve son origine dans le désir de palier par l’imagination extrême un manque de variété de représentations des vécus du continent africain. La manière dont le cinéaste kenyan et suisse Damien Hauser utilise donc la machine à fantasmes qu’est l’IA fait preuve d’une certaine ironie (les logiciels utilisés sont carrément remerciés au générique de fin) au moment de venir illustrer par instants cette histoire d’héritiers princiers de royaumes disparus. Au-delà de cette dimension arty/meta, ce long métrage parmi les plus singuliers de l’année se regarde avec appétit, comme si nous nous trouvions face au bric-à-brac d’un coffre à trésor cinématographique mal rangé mais chatoyant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Le Chasseur de baleines

admin — Wed, 28 Jan 2026 03:24:00 +0000

Leshka est un adolescent qui vit dans un village isolé sur le détroit de Béring, situé entre la Russie et l’Amérique. Comme la plupart des hommes de son village, il vit de la chasse de la baleine et mène une vie très calme à l’extrémité du monde. Avec l’arrivée récente d’internet, Leshka découvre un site érotique où officie une cam girl qui fait naître en lui un désir d’ailleurs…

Le Chasseur de baleines
Russie, 2020
De Philipp Yuryev

Durée : 1h34

Sortie : 28/01/2026

Note :

ET LÀ-BAS QUELLE HEURE EST-IL ?

Qui se trouve donc de l’autre côté de l’écran ? C’est une question qui peut se poser deux fois dans Le Chasseur de baleines, premier long métrage du Russe Philipp Yuryev – et la réponse est à chaque fois surprenante. Des camgirls, quelque part aux États-Unis, se filment, mais pour qui ? Il y a quelque chose d’incongru à constater que parmi leur public se trouvent ces pêcheurs d’un village de l’absolu bout du monde en Russie. De la même manière, ces garçons du détroit de Béring regardent les filles comme nimbées d’un curieux mystère en se demandant qui elles peuvent bien être. « Il n’y a pas de blonde comme ça au village ». Ce qui pourrait être potache voire un peu scabreux est regardé… avec une étonnante tendresse par Yuryev.

Yuryev semble filmer le plus extrême des no man’s lands, un endroit qui, plus qu’au bout du monde, semble au bord du monde. Et c’est précisément ce que le cinéaste raconte. La vie dans un lieu qui semble se dérouler comme à une autre époque tandis que nous ne sommes même pas le même jour que sur la terre d’en face. Quelle existence attend peut-être le jeune héros là-bas en Amérique ? Yuryev déploie un talent certain pour filmer les vastes étendues désolées. Visuellement majestueux, Le Chasseur de baleines décrit un décor qui est aussi un paysage onirique et sensible. Les lieux semblent emprisonner les personnages, et l’écran où apparaissent les camgirls n’est qu’une petite lucarne. Yuryev fait ressentir ce besoin de liberté en filmant certes les élans et actions de ses personnages, mais aussi en rendant les décors expressifs.

Dans ce patelin où l’électricité tombe sans arrêt en panne, on continue à chasser la baleine, comme hier. Figé dans le passé, cet endroit semble changer d’époque lorsqu’un morceau de Julee Cruise est utilisé en inattendu contrepoint. Le Chasseur de baleines raconte une situation immobile mais qui pourtant palpite. Les flammes au bord d’un feu éclairent les visages mais elles mettent aussi en lumière les émotions des personnages. Leur imaginaire les projette en avant et Yuryev décrit cela avec une vraie grâce.

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par Nicolas Bardot

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Fipadoc | Critique : The Tale of Silyan

admin — Wed, 28 Jan 2026 01:11:39 +0000

Un conte populaire macédonien prend vie lorsqu’un agriculteur sauve une cigogne blessée dans une décharge.

The Tale of Silyan
Macédoine du nord, 2025
De Tamara Kotevska

Durée : 1h20

Sortie : –

Note :

DES RACINES ET DES AILES

Comme l’indique son titre, à l’origine du nouveau film de la documentariste macédonienne Tamara Kotevska (révélée en 2019 avec Honeyland, doublement nommé aux Oscars), il y a une légende. Dans une famille de rudes travailleurs campagnards, le jeune fils oisif rêve de nouveaux horizons et annonce son intention de quitter famille et village. De colère, le père lui jette un sort le transformant en cigogne. Désormais rejeté à la fois par les humains et les oiseaux, le jeune homme est condamné à rester seul et sans terre. Quelle pertinence peut avoir encore aujourd’hui une telle fable ? Quel poids ses gros sabots moralisateurs possèdent-ils face à la dure réalité des conditions de vie des agriculteurs d’aujourd’hui ?

L’action de The Tale of Silyan se déroule dans un coin de Macédoine où vit une importante quantité de cigognes. Quand elles ne sont pas nichées en haut des clochers, celle-ci ont appris à reconnaître le bruit des moteurs de tracteurs et à suivre à la trace les travaux des champs pour se nourrir. Or la réalité économique change drastiquement la situation. Sans perspective d’avenir, les jeunes générations partent chercher du travail à la ville. Jugés inaptes aux exigences physiques du travail de la terre, les plus anciens sont relégués à des tâches ingrates dans des décharges où les cigognes déboussolées ne trouvent plus de quoi se nourrir. The Tale of Silyan s’attache précisément à un de ces agriculteurs de l’ancienne génération : un homme qui a vu son fils, ses petits enfants et même sa femme partir vivre ailleurs, et qui survit en triant des ordures. C’est dans la décharge où il travaille qu’il trouve un jour une cigogne blessée qu’il va adopter et soigner.

Sur le papier, raconter l’amitié d’un humain et d’un oiseau semble d’une naïveté à réserver aux films pour jeune public, et Tamara Kotevska assume cette dimension merveilleuse à coup de décisions de mise en scène parfois discutables. La photo est plus lisse que dans Honeyland, et les plans de vols accompagnés de musique épique paraissent parfois sortis d’un reportage animalier lambda ou de L’Envolée sauvage. Le talent de la réalisatrice est de malgré tout parvenir à conjuguer le conte et le réel. S’il ne maintient pas un équilibre parfait entre ces deux pôles tout du long, The Tale of Silyan parle autant du lien invisible entre homme et animal que de la situation politique de ce coin d’Europe pollué par le capitalisme.

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par Gregory Coutaut

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Festival Premiers Plans | Critique : Last Night I Conquered the City of Thebes

admin — Sat, 24 Jan 2026 03:55:08 +0000

Par un froid après-midi d’hiver, António et Jota reviennent du front avec leurs amis, à la recherche d’un ancien bain thermal romain. Ils plaisantent entre eux tout en pataugeant dans des marais, racontant leurs gloires passées . Après un long temps passé sous l’eau d’un réservoir, les thermes réapparaissent et des gens de tous âges, curieux de cette découverte, viennent passer la journée.

Last Night I Conquered the City of Thebes
Espagne/Portugal, 2025
De Gabriel Azorín

Durée : 1h52

Sortie : –

Note :

LA TRAVERSÉE DU TEMPS

Alors qu’on attend encore en trépignant la sortie dans les salles françaises des sidérants Samsara et La Imatge Permanent, cet inclassable long métrage espagnol présenté en section Giornate degli autori à la Mostra de Venise vient confirmer avec éclat l’excellence et la radicale inventivité formelle du jeune cinéma ibérique. Il faut du panache pour être à la hauteur d’un titre si imposant, et ça tombe bien, Last Night I Conquered the City of Thebes n’en manque pas. Il ne s’agit sans doute pas de l’un des films les plus facilement accessibles de l’année, mais c’est assurément l’un des plus splendides.

Dans les bois, une bande de jeunes hommes en blousons marchent en direction d’un lieu inconnu et échangent leurs souvenirs d’une bataille menée hier contre les Romains. Parlent-ils d’une partie de jeu vidéo en ligne ou bien s’agit-il simplement d’un audacieux anachronisme ? Le sourire aux lèvres, ils évoquent leur rapport à la mort sans qu’on sache si cette dernière est réelle ou numérique, si elle a déjà eu lieu il y a longtemps ou si au contraire elle appartient à un lointain avenir. Autour d’eux les arbres dévoilent quelques ruines d’abord éparses puis de plus en plus nombreuses, comme s’il y avait là une ville engloutie prête à resurgir de terre.

Dès les premières scènes, le travail du chef opérateur Giuseppe Truppi (déjà repéré à la photo d’El agua) sur la lumière dorée qui baigne les personnages et les paysages nous arrive comme un cadeau pour les pupilles. Ne laissez pas passer les occasions de recevoir ce cadeau sur grand écran car par instants l’image est si chatoyante qu’on la dirait imprimée sur une pellicule moirée. Les images inventées par le cinéaste Gabriel Azorín ne sont pas uniquement de jolis tableaux, ce sont des fenêtres grandes ouvertes sur l’imaginaire. Il serait impardonnable d’en dévoiler trop sur certains des paris visuels qu’il opère ici tant l’effet de surprise participe à l’atmosphère irréelle du film, mais ces derniers font de cette promenade un voyage dans le temps autant qu’une séance d’hypnose au planétarium.

Last Night I Conquered the City of Thebes est aussi particulièrement bavard. Les échanges entre ces jeunes soldats (souvent en portugais) sont d’autant plus imposants qu’il sont souvent filmés en temps réel et qu’ils ne permettent jamais vraiment de trancher sur l’époque à laquelle tout cela se déroule. Cette opacité parfois frustrante demande un certain temps de digestion et d’adaptation, mais il se dégage de ces récits de combats une douceur paradoxale, le portrait bienvenu d’une masculinité vulnérable et proche de la nature. Gabriel Azorín n’a pas peur des grands écarts, et Last Night I Conquered the City of Thebes est d’une poésie ardue mais si vertigineuse qu’elle mérite la comparaison avec d’autres cinéastes hispanophones brillants et radicaux tels que Lois Patiño, Matías Piñeiro ou encore Eduardo Williams.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Teresa

admin — Tue, 02 Dec 2025 12:08:48 +0000

Calcutta, 1948. Mère Teresa s’apprête à quitter le couvent pour fonder l’ordre des Missionnaires de la Charité. En sept jours décisifs, entre foi, compassion et doute, elle forge la décision qui marquera à jamais son destin – et celui de milliers de vies.

Teresa
Macédoine du nord, 2025
De Teona Strugar Mitevska

Durée : 1h44

Sortie : 03/12/2025

Note :

NOIRE SOEUR

La mère qui donne son titre à ce film qui fait l’ouverture de la section Orizzonti à la Mostra de Venise, c’est Mère Teresa. Si mondialement célèbre qu’elle soit encore aujourd’hui, cette dernière est, il est vrai, bizarrement quasi absente du paysage cinématographique contemporain, et la plupart des quelques biopics à lui être consacrés ont plutôt été des téléfilms. Il y aurait pourtant bien des choses à raconter sur cette femme sitôt béatifiée qu’elle devint la source de nombreuses controverses (point de vue colonialiste, ambiguïté face aux dictatures, etc). Teresa n’est pas un biopic et n’aborde pas ces aspects-là de sa vie. Le film se concentre sur un épisode particulier de la carrière de la religieuse, lorsque qu’elle attend impatiemment l’aval du Vatican pour enfin fonder son propre ordre.

Depuis l’excellent Dieu existe, son nom est Petrunya, qui reste aujourd’hui encore son meilleur film, on sait que la cinéaste macédonienne Teona Strugar Mitevska n’a pas peur de ruer dans les brancards des dogmes religieux machistes et absurdes. De l’absurdité, il y en a d’ailleurs dans l’idée même de ce film : un film sur Mère Teresa an anglais ? Avec la Suédoise Noomi Rapace dans le rôle principal ? Sur le papier cela pourrait ressembler à un sketch parodique et pourtant le film est tout ce qu’il y a de plus sérieux, enfin presque. La réalisatrice le montre dès le gros riff de guitare qui ouvre Teresa : elle n’a pas peur, et n’y va pas de main morte. Portée à l’épaule le plus souvent, la caméra suit son héroïne entre les quatre murs de son couvent comme dans un film à suspens.

Si Teresa n’est évidemment pas une hagiographie, on n’est pas non plus dans le portrait à charge. Seule à aider les lépreux avant même le lever du soleil, mais aussi obsédée par le moindre centime, cette Mère Teresa est ambivalente et l’interprétation investie de Noomi Rapace souligne sa sécheresse passive-agressive tout en conservant sa dignité. Le respect de cette ambiguïté enrichit le personnage, mais ne vient pas en aide à la tension générale du film. Face à ce mélange de détails authentiques et de rebondissements imaginaires, il y a de quoi rester interrogatif quant au point de vue que la cinéaste a voulu poser sur cette protagoniste à la fois héroïne martyre et grande méchante de son propre récit. Cette manière de ne pas trancher est sans doute la limite de Teresa, mais c’est aussi ce participe à le rendre très facile d’accès en dépit de ses (gentilles) provocations.

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par Gregory Coutaut

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IDFA | Critique : Memory

admin — Thu, 20 Nov 2025 02:58:42 +0000

Vladlena, six ans, déménage de Crimée à Grozny suite au divorce de ses parents, sans savoir que la guerre va bientôt consumer son enfance. Alors que l’Union soviétique s’effondre, la République tchétchène se fracture.

Memory
France/Pays-Bas, 2025
De Vladlena Sandu

Durée : 1h38

Sortie : –

Note :

SOUVENIRS CHIFFONNÉS

Présenté en ouverture de la section Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Memory est un film sacrément hybride qui n’en fait qu’à sa tête. Tout commence pourtant paradoxalement par un cliché : la caméra filme une femme dans la rue, l’image se fige et la voix off de la réalisatrice (puisqu’il s’agit d’elle-même à l’image) nous invite à écouter son histoire. L’impression de déjà-vu face à cette introduction est très vite balayée par la suite qui, pour le coup, n’a rien de familier. Memory est un récit autobiographique et historique à la première personne. Est-ce à dire qu’il s’agit strictement d’un documentaire ? Oui et non, car le film fourmille d’idées et d’outils narratifs.

La cinéaste Vladlena Sandu raconte son enfance et la vie de sa famille en Tchétchénie, du temps de l’Union soviétique mais aussi dans la guerre ayant suivi la dissolution de 1991. A l’exception de quelques photos d’archives parsemées avec discrétion, aucune image de Memory ne ressemble pourtant à un documentaire sur la guerre. Le mot anglais memory signifie bien sûr mémoire, mais le ludisme visuel ici à l’œuvre nous rappelle également le jeu enfantin du même nom, à base de vignette colorées. Vladlena Sandu bâtit en effet son film comme une succession de brefs tableaux bricolés, à la fois chatoyants ou symétriques, mettant en scène des marionnettes ou une fillette vêtue d’une robe traditionnelle d’un autre âge.

La voix off de la cinéaste égrène les souvenirs tragiques ou tendres avec une absence de variation de rythme ou de ton qui peut rendre l’écoute paradoxalement monotone sur la longueur. Cela est vivement rééquilibré par l’inventivité formelle du film qui est capable de passer du diorama au clip musical en un clin d’oeil vertigineux. Memory pose de bonnes questions sur la représentation, sur la mémoire, sur le trauma, sur la violence héritée, mais évite les clichés du récit « à hauteur d’enfant ». C’est un film qui trouve sa force dans la dimension dramatique très sombre des faits évoqués, mais dans cet espace-là, Vladlena Sandu parvient à nous laisser un espace en usant intelligemment de mille et un moyens pour raconter, suggérer et illustrer de manière inventive.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Varsovie | Critique : En el camino

admin — Tue, 14 Oct 2025 01:43:46 +0000

Veneno, un jeune vagabond rebelle, fréquente les restaurants de bord de route où il couche avec des camionneurs. Ayant désespérément besoin d’un moyen de transport, il rencontre Muñeco, un conducteur dur qui garde ses distances. Il persuade Muñeco de l’emmener au plus profond du monde hyper-masculin du transport routier à long cours à travers le nord du Mexique. Alors qu’ils voyagent ensemble et qu’une intimité inattendue se développe entre eux, des ombres du passé de Veneno ressurgissent, mettant en danger leurs vies respectives.

En el camino
Mexique, 2025
De David Pablos

Durée : 1h33

Sortie : –

Note :

ON A PARCOURU LE CHEMIN

Le réalisateur mexicain David Pablos s’était fait repérer à Cannes avec son précédent film, Las Elegidas, sélectionné à Un Certain Regard. C’était en 2015, et le long métrage avait vu sa sortie française annulée bien qu’il ait remporté cinq des seize Ariel (les Oscars mexicains) auxquels il était nommé, avant finalement d’atterrir sur Netflix des années plus tard. Dix ans après ce rendez-vous manqué avec le public français, le cinéaste vient mettre un terme à une décennie de quasi absence à signer des clips musicaux et projets pour la télévision en signant un nouveau long métrage de cinéma qui fait sa première mondiale à la Mostra de Venise.

C’est dans un terrain connu du cinéma mexicain que l’on retrouve Pablos. Cette familiarité est un peu celle du décor, les autoroutes à pertes de vue et les aires de repos où se déroulent toute sortes de magouilles, mais c’est surtout celle de la violence. La brutalité physique reste ici hors champ et En el camino demeure accessible même à un public sensible à la question, mais elle reste néanmoins fortement suggérée. Certes on ne voit pas à proprement parler à l’image tel personnage se faire brûler vif ou tel autre se faire castrer à coup de couteau, mais ces scènes occupent néanmoins une place non négligeable.

Dans l’univers exclusivement masculin des conducteurs de poids lourds, les femmes n’ont guère d’autres options que de se prostituer, et les homosexuels n’ont pas davantage de choix. Tel est le cas de Veneno, adolescent qui enchaîne les passes avec les routiers. Là encore, les rapports sexuels sont si tendus qu’ils ressemblent moins à des câlins qu’à des affrontements, et si la nudité masculine est fréquente à l’image, le ton général n’est pas à l’excitation. A cet égard, regarder En el camino c’est parfois avoir l’impression de faire un mini voyage dans le temps vers l’époque (il y a justement une dizaine d’année) où dans la lignée des premiers films de Michel Franco, la majeure partie des films chocs mexicains semblaient avant tout vouloir être éprouvants envers leurs personnages, et parfois leurs spectateurs. Las Elegidas était très représentatif de ce mouvement, En el camino possède en revanche un peu plus de respirations.

La première est due au chatoyant habillage visuel apporté par la chef opératrice Ximena Amann, qui excellait déjà l’an dernier dans Hijo de sicario. Sa photo transforme ce désert en délicieuse nuit de néons. L’autre respiration, c’est celle de la romance inattendue qui nait entre Veneno et Muñeco, un camionneur hétéro pas commode qui le prend en stop. Les sentiments contrariés et malmenés qui naissent entre eux évoquent alors le souvenir d’un autre film sud-américain dévoilé à la Mostra : le Vénézuélien Les Amants de Caracas, qui avait remporté l’Ours d’or il y a pile dix ans (décidément). En el camino donne l’impression frustrante d’arriver un peu tard après la bataille, mais David Pablos sait amener son récit vers un dénouement touchant et satisfaisant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Father

admin — Mon, 13 Oct 2025 03:00:51 +0000

Michal et Zuzka sont un couple épanoui, comblé par la réussite et la présence de leur petite fille, Dominika. Mais un jour de canicule, un drame vient briser leur amour et bouleverser leur vie. Leur histoire est exposée par les médias et malgré le poids de l’opinion et de leur entourage, un lien fragile va renaître entre eux, suspendu entre culpabilité et amour.

Father
Slovaquie, 2025
De Tereza Nvotová

Durée : 1h43

Sortie : 20/05/2026

Note :

A LA PAPA

Le hasard de la programmation fait qu’après s’être ouverte hier avec un film macédonien sobrement intitulé Mother, la section Orizzonti de la Mostra projette aujourd’hui un film nommé Father. Or, si Mother faisait référence à une mère particulièrement hors du commun, Mère Teresa, Father s’attache quant à lui à un père de famille modèle courant. Enfin presque car ce papa, toujours beau et musclé en dépit de ses doutes de quadragénaire, vulnérable juste ce qu’il faut, participe très activement à la vie chaotique de la maison. Changer son planning en urgence pour emmener sa fille à la crèche, retrouver une peluche perdue… ce n’est pas que tout soit simple pour cet homme dont le visage trahit plus la concentration que l’aisance, mais il fait le job plutôt bien mieux que la moyenne.

Particulièrement électrique, la première demi heure du film est traversée d’une tension remarquable, alors qu’il ne s’y passe précisément rien qui ne sorte de l’ordinaire d’une famille avec de jeunes enfants. Rien que mettre tout le monde dans la voiture et partir au travail devient un casse-tête sportif dans lequel Father nous immerge avec une grande efficacité, la caméra collé à son acteur principal toujours en action. Puis, suite à un rebondissement narratif qu’on ne révèlera pas, le film change de vitesse, et ce pour de bon.

Dans ses deux précédentes fictions, Sans jamais le dire et Nightsiren (primé à Locarno en 2022), la cinéaste slovaque Tereza Nvotová prenait pour protagoniste des jeunes filles troublées et pas facilement aimables. Ce n’est pas le fait d’avoir remplacé ces anti-héroïnes par un super papa qui rend la suite de Father moins percutant. C’est avant tout une question de rythme et de structure. Mi-parabole sur le patriarcat et ses mille et un problèmes, mi-« magnifique-portrait-d’homme » (vous avez remarqué que cette expression n’est justement jamais utilisée au masculin ?), Father pose des questions justes, inconfortables et pas naïves sur la culpabilité et la rédemption, mais aucune de ces aspérités ne vient rééquilibrer assez vivement sa baisse de régime progressive. Le passage de l’action à l’exploration psychologique permet néanmoins de mettre en valeur la performance très convaincante de Milan Ondrik.

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par Gregory Coutaut

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