Allers-Retours - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival Allers-Retours | Entretien avec Nelson Yeo

admin — Fri, 30 Jan 2026 01:45:00 +0000

Le Singapourien Nelson Yeo a réalisé le flamboyant Through Your Eyes, en compétition courts à la Berlinale 2025 et au programme d’Allers-Retours cette semaine. Dans ce film aux couleurs chatoyantes, des personnages se retrouvent à l’intérieur d’une boîte de nuit qui semble cacher un secret. La bande sonore est enveloppante et les idées visuelles sont séduisantes dans cette petite perle imprévisible. Nelson Yeo, que nous avions déjà rencontré pour son long Dreaming & Dying, est notre invité.

**Quel a été le point de départ de Through Your Eyes ?**

Le point de départ du film a été une phrase que j’ai écrite : « Peut-être qu’à travers tes yeux, je verrai les choses différemment ». À partir de là, j’ai imaginé un voyage à travers les yeux de plusieurs personnages, raconté à travers une série de vignettes. Ce n’est que lorsque nous avons découvert la boîte de nuit nommée Hawaï lors de notre recherche de lieu de tournage que le lien entre les quatre personnages est devenu clair pour moi.

**Le décor joue un rôle important dans la narration de Through Your Eyes, pouvez-vous nous en dire plus sur la façon dont vous avez travaillé sur cet élément ?**

Le Hawaï Night Club est probablement le plus ancien club de Singapour, puisqu’il existe depuis les années 70. Aujourd’hui, il est devenu une sorte de havre de retraite pour ses clients âgés, un lieu figé dans le temps. Nous voulions que l’espace lui-même émerge comme un personnage central du film, son histoire et son atmosphère façonnant l’histoire.

Le travail sur la cinématographie est très différent entre Durian, Durian (qui vient d’être montré au Festival de Rotterdam, ndlr) et Through Your Eyes. Pouvez-vous nous dire comment avez adapté le style visuel à des histoires qui ont des tons et des atmosphères différents ?

Dans Durian, Durian et mon long métrage Dreaming & Dying, l’utilisation des zooms a toujours complété les dialogues, en maintenant une certaine distance. Mais avec Through Your Eyes, nous voulions essayer quelque chose de différent, nous rapprocher des personnages, presque regarder dans leur âme. Les zooms de ce film aident à établir un lien plus profond entre les personnages. De plus, les choix d’éclairage audacieux ont été inspirés par de vieilles photos des clubs que j’ai découvertes au cours de mes recherches, ce qui a guidé une grande partie du style visuel.

Vous avez indiqué que vous n’aviez pas travaillé à partir d’un scénario traditionnel pour réaliser Through Your Eyes – comment avez-vous abordé les différents tons qui se trouvent parfois dans une même scène ?

Nous n’avons pas travaillé à partir d’un scénario traditionnel pour Through Your Eyes, mais plutôt à partir d’une simple liste de plans associée à de vieilles photos du club comme point de départ. Il y a des scènes dans le film qui sont complètement improvisées, inspirées par l’espace lui-même pendant le tournage. Je n’ai pas trouvé que les changements de ton dans les scènes posaient un problème parce qu’ils semblaient très naturels. Les acteurs réagissaient à l’espace et au moment, et ces changements semblaient faire partie de cette réaction, presque comme si l’espace lui-même influençait l’ambiance de la scène.

**Dans quelle mesure Through Your Eyes peut-il être considéré comme une histoire de fantômes ?**

Nous avons tourné le film pendant le Hungry Ghost Festival de Singapour. La première journée a été difficile : beaucoup de choses ne se sont pas déroulées comme prévu et certains équipements ont mal fonctionné. Le deuxième jour, nous avons décidé de prier et d’offrir des offrandes avant de commencer. Ça a marché. Nous avons rattrapé le temps perdu et, plus important encore, nous avons appris à respecter l’espace dans lequel nous nous trouvions. En fait, bon nombre des meilleures improvisations sont venues de ce jour de tournage. D’un point de vue créatif, le film a toujours été consacré à un espace liminal, un purgatoire où les humains et les esprits coexistent.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 20 février 2025. Un grand merci à Flavio Armone.

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Festival Allers-Retours | Critique : The Botanist

admin — Wed, 28 Jan 2026 00:19:18 +0000

Situé dans un village reculé du Xinjiang, en Chine, The Botanist suit Arsin, un jeune Kazakh qui trouve du réconfort auprès des plantes. Il fait bientôt la rencontre de Meiyu, une jeune fille au tempérament imprévisible, qui lui rappelle une plante rare et envoûtante. Leur amitié naissante se transforme alors en une allégorie délicate et onirique, brouillant les frontières entre la réalité et le monde fascinant de la botanique.

The Botanist
Chine, 2025
De Jing Yi

Durée : 1h36

Sortie : –

Note :

FLEURS SAUVAGES

Une voix dans The Botanist narre un conte violent. La caméra suit le cours de l’eau ; assez vite dans le film de superbes paysages sont mis en valeur. The Botanist se déroule dans un recoin du monde, un village niché dans une vallée elle-même perdue au nord-ouest de la Chine. Là, Arsin, un jeune garçon kazakhstanais, grandit et fait la connaissance d’une jeune fille chinoise nommée Meiyu. Dans cette nature ample et en un contraste spectaculaire, The Botanist va se plonger dans la simplicité du quotidien.

L’histoire intime est ainsi explorée à l’échelle du vaste monde. Pour son premier long métrage, présenté en première mondiale à la Berlinale dans la section Generation, le Chinois Jing Yi signe un récit d’apprentissage qui respecte plutôt les codes du genre, quitte parfois à être un peu sage. Ce que le film peut avoir de balisé est aussi un moyen efficace et familier de raconter son histoire, loin de tout mais proche de nous.

Produit par Shan Zuolong (qui a collaboré entre autres avec Bi Gan sur Kaili Blues et Un grand voyage vers la nuit), The Botanist se distingue plus particulièrement lors de ses hésitations fantastiques – ce conte où l’on peut sentir battre le cœur d’un arbre en glissant la main à l’intérieur de celui-ci. Jing Yi brille également par son œil : le cadre de The Botanist est toujours soigné et inspiré, mettant en valeur la cinégénie et la beauté des décors qui prennent le relais des émotions secrètes éprouvées par ses jeunes protagonistes.

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par Nicolas Bardot

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Festival Allers-Retours | Critique : A Journey in Spring

admin — Mon, 26 Jan 2026 06:10:32 +0000

Khim-hok, un homme âge et boiteux, dépend de sa femme depuis des années. Ils vivent ensemble dans une vieille maison dans la périphérie de Taipei. Le quotidien de Khim-hok est bouleversé quand son épouse meurt soudainement.

A Journey in Spring
Taïwan, 2023
De Peng Tzu-hui & Wang Ping-wen

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

ENSEMBLE, C’EST TOUT

Khim-Hok et Siù-Tuān forment un vieux couple qui a ses habitudes, et dont le quotidien semble à la fois chaotique et réglé comme du papier à musique. Chaque jour, ce sont les mêmes marches à gravir jusqu’à leur maison infernale, et leurs rapports sont tellement brutaux qu’ils ne paraissent plus remarquer leur violence l’un envers l’autre. Que se passe t-il quand, suite à un drame, la routine se retrouve déréglée ?

Dans leur premier long métrage dévoilé en compétition au Festival de San Sebastian, les Taïwanaises Peng Tzu-hui et Wang Ping-wen dépeignent des rapports humains profonds : c’est le mode de fonctionnement d’un couple qui interagit ainsi depuis toujours, avant le basculement dans une folie très ordinaire. Le congélateur ronronnant dans un coin de la maison est-il devenu un cercueil, ou un mausolée ? Ce contraste n’est pas si spectaculaire et A Journey in Spring n’est jamais traité comme le récit d’un fait divers : le deuil plonge tout simplement dans une solitude inconsolable, saisie par le 16mm sensible des cinéastes, avec une image voilée et mélancolique.

Le monde minimaliste dépeint par Peng et Wang est pourtant tout un monde : la vie de couple construite depuis des décennies, avec ses propres règles établies dans l’intimité, mais aussi la vie dans la mort. Ce sont les songes auprès d’une disparue dans la pénombre, c’est aussi le refus des règles de société – pourquoi y obéir alors Khim-Hok et Siù-Tuān ont, en secret, établi leurs propres règles ? On contemple leur micro-existence à la loupe, mais la caméra élargit régulièrement le champ : la forêt et la mer peuvent occuper tout l’espace tandis que les êtres humains dans le cadre redeviennent minuscules.

Si tout est une épreuve (même l’ouverture d’un bocal), A Journey in Spring sait s’arrêter avant d’être cruel et est servi par sa modestie. Peng Tzu-hui et Wang Ping-wen parviennent avec finesse à véhiculer des émotions sans utiliser de grosses ficelles. Elles sont aidées en cela par la qualité de leurs interprètes : King Jieh-wen, qu’on a pu voir notamment dans Goodbye South, Goodbye et Good Men, Good Women de Hou Hsiao-hsien, et Yang Kuei-mei, visage familier du cinéma de Tsai Ming-liang.

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par Nicolas Bardot

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La sélection du Festival Allers-Retours 2026

admin — Thu, 08 Jan 2026 21:03:49 +0000

La nouvelle édition du Festival Allers-Retours, manifestation dédiée au cinéma d’auteur sinophone, aura lieu du 23 janvier au 6 février à Paris et du 28 janvier au 1er février à Lyon. Sa sélection a été dévoilée.

Pavane For An Infant

15 longs métrages composent le programme d’avant premières, parmi lesquels A Journey in Spring des Taïwanaises Peng Tzu-Hui & Wang Ping-Wen, The Botanist du Chinois Jing Yi, Chasseuse de maîtresse de l’Américaine Elizabeth Lo ou encore Pavane For An Infant du Malaisien Chong Keat Aun (très remarqué avec The Story of Southern Islet ou Snow in Midsummer). Le festival s’ouvrira par The Sun Rises on Us All du Chinois Cai Shangjun, primé lors de la dernière Mostra de Venise. Le festival proposera également une projection de L’Arche, réalisé en 1968 par la première femme cinéaste hongkongaise, T’ang Shushuen.

Through Your Eyes

Un programme de cinq courts métrages complète ce programme. Parmi les films retenus, citons le remarquable Through Your Eyes du Singapourien Nelson Yeo (lire notre entretien), qui figure dans notre dossier des meilleurs courts de 2025, ou encore l’animé Praying Mantis du Taïwanais Joe Hsieh, sélectionné à la Mostra de Venise et produit par Yonfan.

Retrouvez toute la programmation sur le site du festival.

Nicolas Bardot

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Critique : En garde

admin — Tue, 30 Dec 2025 22:10:30 +0000

Jie, un jeune talent prometteur de l’escrime, renoue avec son frère aîné Han, récemment libéré après sept ans de prison pour la mort accidentelle d’un adversaire lors d’une compétition. En secret, Han soutient Jie dans son entraînement, l’aidant à viser une qualification aux championnats nationaux. Mais une dispute éclate, et Jie commence à douter de l’innocence de son frère.

En garde
Singapour, 2024
De Nelicia Low

Durée : 1h49

Sortie : 31/12/2025

Note :

MASQUE POUR MASQUE

Coproduit par Taiwan, Singapour et la Pologne, En garde est le premier long métrage de la cinéaste Singapourienne Nelicia Low. Avant de se lancer dans le cinéma, cette dernière pratiquait l’escrime, et c’est justement cette discipline qu’elle impose à ses protagonistes. Ce sport à l’élégance cinégénique (tenues strictes, masques intrigants et combats aux chorégraphies brèves et intenses) donne ici lieu à de jolies séquences de captation, mais son intérêt ne s’arrête pas là. Dans le récent film chinois Brief History of a Family (également présenté à Karlovy Vary, où En garde a fait sa première), cette discipline masquée allait comme un gant à un protagoniste se faisant passer pour un autre. Low pousse la métaphore plus loin, symbolisant la relation ambivalente de deux frères cherchant à anticiper et parer chacun des mouvements de l’autre.

Han sort de prison pour avoir causé il y a des années la mort de son adversaire lors d’un combat d’escrime. Il jure qu’il s’agissait d’un accident, mais seul Jie, son petit frère, semble prêt à le croire. Il faut dire qu’Han a sauvé Jie de la noyade quand il était petit, l’admiration sans borne que celui-ci lui porte en retour ne peut donc souffrir aucune nuance. Le titre du film fait référence aux protections vestimentaires indispensables à la pratique du sport, ainsi qu’aux dangers représentant un fleuret (délibérément ?) cassé, mais on peut aussi le lire comme une référence aux doutes qui s’immiscent peu à peu dans l’amour fraternel de Jie pour Han. L’innocence clamée par celui-ci n’est elle qu’un masque de plus ?

A chaque apparition, Han a l’air d’un méchant sorti d’un film d’action. Jie au contraire, est demeuré un garçon sensible aux yeux écarquillés et au badge Naf Naf. Cette opposition pourrait enfermer En garde dans une binarité convenue, mais Low sait elle aussi esquiver nos attentes et faire d’élégants pas de côté. Elle nous fait ainsi passer avec fluidité du drame familial au film à suspens en passant par la comédie romantique gay : grâce à son bad boy hétéro de frère, Jie trouve enfin le courage de parler au garçon de ses rêves dans ce qui constitue une adorable intrigue parallèle. Han serait-il un vrai gentil?

L’ambiguïté que Low met au cœur de son scénario est entourée de beaucoup de douceur. Les angles sont ici gentiment arrondis au point d’émousser régulièrement le sentiment de potentiel danger imminent (même si là encore, le récit possède ses surprises). Si le scénario ronronne un peu par moments, l’élégance esthétique d’En garde convainc et charme sans réserve. D’une rivière brumeuse jusqu’aux néons roses de la ville, chaque décor est mis en valeur par la superbe photo du chef opérateur polonais Michal Dymek , dont le travail crevait déjà l’écran dans EO, The Silent Twins, Cold War ou plus récemment encore La Jeune femme à l’aiguille. Sans doute un peu moins lisse qu’il n’y parait tout en restant très accessible, ce drame fraternel est le plus immédiatement plaisant des films de la compétition de Karlovy Vary.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Stranger Eyes

admin — Tue, 24 Jun 2025 14:31:23 +0000

Un jeune couple à la recherche de leur petite fille disparue découvre des enregistrements vidéo de leurs moments les plus intimes pris par un mystérieux voyeur, les conduisant à enquêter pour révéler la vérité derrière ces images – et sur eux-mêmes.

Stranger Eyes
Singapour, 2024
De Siew Hua Yeo

Durée : 2h05

Sortie : 25/06/2024

Note :

LES YEUX DANS LES YEUX

Le Singapourien Yeo Siew Hua a été plus particulièrement remarqué sur la scène internationale avec son second long métrage, Les Étendues imaginaires, qui a remporté le Léopard d’or à Locarno avant de sortir dans les salles françaises en 2019. Stranger Eyes, son nouveau film, figurait dans la compétition de la dernière Mostra de Venise. On y retrouve la patte du cinéaste des Étendues : ici des motifs de polar dans un film qui n’en est pas vraiment un, ainsi qu’un jeu sur le point de vue et sur le trouble des certitudes.

Stranger Eyes débute en effet par un double mystère : d’abord la disparition inexpliquée d’un enfant, ensuite l’apparition de vidéos mettant en scène la famille de cet enfant – des images intimes prises par un mystérieux inconnu. Un point de départ mi-Lost Highway, mi-Caché, dans un film qui prend naturellement la forme d’une enquête (qui a enlevé l’enfant ? Qui regarde qui ?) pour se diriger peu à peu vers autre chose. La tension dans Stranger Eyes ne vient pas tant d’un suspens à proprement parler, mais de l’inexpliqué, ce qui constitue un pari assez ténu que le film ne tient peut-être pas toujours entièrement sur la longueur.

Tout le monde se regarde à distance dans Stranger Eyes, personne ne se regarde soi-même d’assez près. Le film dépeint la solitude d’un protagoniste, ou les fêlures d’un couple, tandis que chacun regarde ailleurs. Tous les yeux de la ville regardent, mais plus les caméras filment, plus les choses sont irréelles. Ce n’est pas seulement la présence de Lee Kang-sheng qui rappelle par moment la radicalité sans dialogues à la Tsai Ming-liang. Visuellement séduisant, avec un travail sur les couleurs qui rappelle parfois la réussite des Étendues imaginaires, le film est également bercé par l’étrangeté de ses percussions musicales. Un rien languissant sur ses plus de deux heures, Stranger Eyes se déploie néanmoins de manière stimulante et inattendue.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Blue Sun Palace

admin — Tue, 11 Mar 2025 15:50:04 +0000

A New-York, un salon de massage chinois sert de refuge à Didi, Amy et leurs amies. Loin de leur pays d’origine, elles forment une vraie famille. Quand Didi disparaît, Cheung, son amant, tente de trouver avec Amy l’espoir d’une nouvelle vie…

Blue Sun Palace
États-Unis, 2024
De Constance Tsang

Durée : 1h56

Sortie : 12/03/2025

Note :

SOLEIL GRIS

Blue Sun Palace est le premier long métrage de l’Américaine Constance Tsang (lire notre entretien), dévoilé au dernier Festival de Cannes dans le cadre de la Semaine de la Critique. Elle y compose un récit dont les figures lui sont familières : Blue Sun Palace se déroule dans la communauté chinoise du Queens dont elle est originaire. Dans l’espace clos des endroits où l’on chante au karaoké, où l’on bouffe et où l’on pratique des massages, l’adresse, la ville ou le pays ne sautent pas immédiatement aux yeux. Le décor est davantage dépeint par l’environnement sonore, qu’il s’agisse de la musique dans le salon ou les bruits d’une fête dans la rue.

La caméra de Tsang est d’abord à distance, elle observe dans un coin les discussions quotidiennes, elle peut être posée au sol ou derrière un rideau. Cette pudeur vole en éclats lorsqu’un terrible drame arrive. La caméra se fait alors plus proche, mais aussi plus mobile. S’il y a de la douceur dans Blue Sun Palace, il y a aussi de la douleur et de l’amertume. C’est un salon de massages, ce peut être aussi un lieu de violence, avec une scène qui fait écho aux agressions racistes touchant les personnes asiatiques ou asio-descendantes dans le monde post-covid.

Au casting du long métrage figure Lee Kang-Sheng, acteur fétiche de Tsai Ming-liang. Voilà un visage qui, par l’imaginaire de cinéma qu’il charrie, évoque la solitude, le lien et l’absence de lien. La peine est irrésolue, et, dit-on, « les gens qu’on aime deviennent si vite des étrangers ». Les protagonistes ont en effet des parcours au relief inattendu dans Blue Sun Palace, avec un deuil qui n’est pas forcément exprimé comme on l’attend. La réalisatrice cite, parmi ses cinéastes admiré.es, le Chinois Lou Ye (et notamment Suzhou River). On retrouve effectivement cette aspérité, ces sentiments contrariés et une forme de grâce dans ce délicat long métrage.

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par Nicolas Bardot

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Festival Allers-Retours | Critique : All, or Nothing at All

admin — Sun, 02 Feb 2025 02:15:20 +0000

Dans le gigantesque centre commercial Global Harbor de Shanghai, des inconnus se rencontrent, se séduisent ou se fuient mutuellement.

All, or Nothing at All
Chine, 2023
De Jiajun “Oscar” Zhang

Durée : 2h04

Sortie : –

Note :

MON AQUARIUM

All, or Nothing at All est le premier long métrage du cinéaste chinois Jiajun “Oscar” Zhang mais nous vous parlions déjà de lui il y a quatre ans à propos du superbe court métrage If You See Her, Say Hello, qu’il avait coréalisé avec Hee Young Pyun. La manière dont ce film combinait photographies et images en mouvement avait une manière presque magique de transformer les lieux filmés par Zhang en décors fantastiques. Le procédé de mise en scène a beau être plus classique dans ce long métrage, c’est une impression similaire qui nous gagne dès les premiers plans, où les panneaux publicitaires lumineux recouvrent les façades de bâtiments modernes d’étonnants poissons géants en mouvement. Sommes-nous en pleine science-fiction ?

All, or Nothing at All se déroule pourtant dans un endroit bel et bien réel, l’action ne sort en effet quasiment jamais des murs de Global Harbor, un immense centre commercial de Shanghai tellement rempli d’écrans et de néons qu’on dirait à la fois un luxueux casino et un aquarium démesuré. Le lieu est si fou que pour un peu, Jiajun “Oscar” Zhang pourrait se contenter d’allumer sa caméra que la captation capterait déjà toute notre attention. Or le cinéaste vise bien sûr beaucoup plus haut et son ambitieuse mise en scène crée régulièrement un vertige qui fait complètement oublier qu’on est enfermé dans un lieu unique.

Qu’il s’agisse d’images captées à la volée au téléphone portable, de compositions géométriques en contre-plongée où les escalators s’enchainent et se croisent à l’infini ou bien de chatoyantes bulles de lumière électrique, il n’y a pas un seul plan d’All, or Nothing at All qui ne soit d’une remarquable élégance, qui n’explose de couleurs vibrantes. Comme dans de plus en plus de films d’auteurs chinois, quelqu’un est d’ailleurs spécifiquement crédité à la colorimétrie au générique.

« A Glogal Harbor, la vie est plus exaltante et chaleureuse » clame le slogan, et ce n’est peut-être pas si faux que ça. Les jeunes gens qui déambulent dans ce lieu de transit semblent n’avoir aucune attache avec le monde extérieur, dont on se demande d’ailleurs s’il existe toujours. « J’aime flotter en venant ici » résume l’une d’entre elles, prête à être cueillie par la romance. Une fille croise à plusieurs reprises un danseur préparant une performance publique, et plus loin un garçon drague une vendeuse en soins cosmétiques. Ces deux récits ne se mélangent pas, sont traités chacun à leur tour et possèdent leur propre ton. Si le deuxième est le plus réaliste des deux, il déjoue néanmoins les attentes en évitant toute sociologie du monde du travail. C’est aussi la partie du film où le rythme de ces déambulations en apesanteur cache le moins sa torpeur.

La première partie, quant à elle, rue avec bonheur dans les brancards d’un romantisme fort : les images y sont davantage ralenties, comme si les personnages étaient sans cesse sur le point de prendre leur élan vers quelque chose d’immense. Elle offre même des visions poétiques puissantes comme une chute de neige en intérieur ou un opéra impromptu. On ne peut pas dire qu’il se passe mille et un événements dans All, or Nothing at All, les rencontres amoureuses demeurent le plus souvent en pointillés quitte à risquer la stagnation, mais la mise en image de Zhang apporte à leur errance un relief particulièrement riche et contemporain. La superbe bande originale qui va de l’électro mélancolique au hip-hop sauce 80’s achève de rendre cette immersion irrésistible.

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par Gregory Coutaut

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Festival Allers-Retours | Critique : Republic

admin — Sat, 01 Feb 2025 00:48:05 +0000

Dans une petite pièce de six mètres carrés, Li Eryang tente de mettre en pratique son communisme et créer une république pour ses « Cosmos Brothers ».

Oasis
Singapour/Chine, 2023
De Jin Jiang

Durée : 1h47

Sortie : –

Note :

IT’S A SMALL WORLD, AFTER ALL

Au bout d’une ruelle, un minuscule appartement de 6m². Mais cet appartement, si petit soit-il, est la république créée par Li Eryang, quelque part à Pékin. Le ciel étoilé est recréé au plafond, tandis qu’une carte du monde s’étend au sol. La Chine est le monde, le monde est cet appartement pour le jeune homme. Republic raconte un double fantasme : celui, adolescent, de pouvoir se retirer dans sa chambre et vivre hors du monde, et celui, ambitieux, de la création d’un micro-état qui obéirait à ses propres idéaux. C’est, pour nous spectateurs, un lieu ambivalent : à la fois étouffant et joyeusement coloré, angoissant le jour mais chaleureux la nuit. Et c’est là que le Chinois Jin Jiang a planté sa caméra.

Si l’on enlève les traces de technologie (ordinateurs, téléphones), Republic pourrait se dérouler dans les années 70 : ses protagonistes sont des hippies qui font du rock, fument des clopes, se défoncent et ont un esprit libertaire. La porte d’Eryang est toujours ouverte, son énergie est l’harmonie, les maîtres-mots sont paix, amour et lumière. C’est un espace de discussion : on y parle de ce que le rock permet, des anciens films de Kim Ki-duk. L’atmosphère y est sacrée, et on peut même s’y marier puisque cette république est bien réelle : le film en huis-clos laisse à penser que la Chine, dehors, est un monde étranger.

Il y a, inévitablement, une porosité entre la république de Li Eryang et la république populaire de Chine. Quel bonheur à l’heure du capitalisme ? Comment être heureux au travail ? Être là, est-ce que ça n’est pas une vaine tentative d’échapper au système ? A un certain point, Republic est à deux doigts de tomber dans le piège figé de son dispositif, avec sa répétition, sa monotonie, sans que l’accumulation de scènes ne produise quelque chose de plus grand. Mais Jin Jiang, avec un mélange d’acharnement et de patience, parvient à dépeindre les nuances qui finalement se dessinent chez son protagoniste. C’est d’abord un jeune homme idéaliste, qui comme bien des jeunes hommes, n’a pas une pensée encore extrêmement structurée politiquement – la première partie du film mêle espoirs en la Chine, en Mao, en Xi Jinping, mais aussi en l’absence de règles, en une liberté totale.

Li Eryang grandit, ses désillusions aussi. Republic rend compte d’une utopie lumineuse et de ses couleurs qui palissent. Des idéaux intenables, de la culpabilité, des échecs. Les rêves sont romantiques mais le film trouve un autre relief lorsqu’il refuse la romantisation. Le monde, ou la république, ne sont pas si binaires, et le film dessine des chemins pour s’en sortir, par exemple par l’art. Jin Jiang dépeint un lieu la fois très physique, où l’on ressent le manque d’espace et l’accumulation d’objets. Mais c’est aussi – surtout ? – un espace immatériel, que Li Eryang garde en lui et que chacun.e, comme il le suggère, peut porter en soi.

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par Nicolas Bardot

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La sélection du Festival de Allers-Retours 2025

admin — Fri, 03 Jan 2025 11:08:27 +0000

La nouvelle édition du Festival Allers-Retours, manifestation dédiée au cinéma sinophone, aura lieu du 31 janvier au 9 février à Paris. Le festival voyagera également à Rennes du 1er au 4 février, et à Lyon du 12 au 21 février. La sélection a été dévoilée.

Blue Sun Palace

Le festival s’ouvrira par la projection en avant première de Blue Sun Palace de Constance Tsang. Dévoilé à la Semaine de la Critique, ce film se déroule à New-York, dans le salon de massage chinois Blue Sun Palace. Ce lieu est un refuge pour Didi, Amy et leurs amies. Loin de leur pays d’origine, elles forment une vraie famille. Quand Didi disparaît, Cheung, son amant, tente de trouver avec Amy l’espoir d’une nouvelle vie… Blue Sun Palace sortira en salles le 12 mars.

All, or Nothing at All

Parmi les différentes avant premières au menu, citons plusieurs films que nous vous avons recommandés ces derniers mois tels que All, or Nothing at All de Jiajun ‘Oscar’ Zhang (qui figure dans notre dossier des meilleurs inédits de 2024), En garde de Nelicia Low (Grand Prix au dernier Festival de La Roche-sur-Yon) ou encore le documentaire Republic de Jin Jiang. Il s’agira également de la première française de Stranger Eyes réalisé par Yeo Siew Hua. Découvrez la sélection ci-dessous.

En garde

Longs métrages

Blue Sun Palace, Constance Tsang
Carp Leaping Over Dragon’s Gate, Yan Xiaolin
After the Snowmelt, Lo Yi-shan
Karst, Yang Suiyi
She Sat There Like All Ordinary Ones, Qu Youjia
Republic, Jin Jiang
All, or Nothing at All, Jiajun ‘Oscar’ Zhang
Stranger Eyes, Yeo Siew Hua
Le Veilleur, Lou du Pontavice & Victoire Bonin Grais
The Absent, Lu Dan
Frankenfish by the River, Chen Yusha
En garde, Nelicia Low

Courts métrages

The Burning Night, Demon Wong
Spring 23, Wang Zhiyi
Dodo, Luo Yi
The Poison Cat, Guan Tian
Life is Snow, Zhang Yaoyuan

Le site officiel

Nicolas Bardot

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