Sheffield Doc/Fest - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival Un état du monde | Critique : Courage

admin — Sun, 28 Jan 2024 22:02:48 +0000

Maryna, Pavel et Denis font partie d’une troupe de théâtre clandestine à Minsk. Suite aux élections présidentielles de 2020, ils participent aux manifestions pacifiques qui rassemblent des milliers de personne. Ce qui les unit, c’est l’espoir de la liberté d’expression et de la démocratie.

Courage
Biélorussie, 2021
De Aliaksei Paluyan

Sortie : –

Durée : 1h30

Note :

EN PREMIÈRES LIGNES

Tout premier film biélorusse sélectionné à la Berlinale, le documentaire Courage raconte tout d’abord la vie quotidienne des membres du “Belarus Free Theatre”, une troupe de théâtre clandestine de Minsk. Tous ou presque ont pour point commun d’avoir été rejetés et blacklistés de l’industrie nationale du cinéma, d’avoir subi des arrestations et des menaces, voire d’avoir été accusé de satanisme par les autorités. Guidés dans leurs répétitions par un metteur en scène exilé à l’étranger (et qui les dirige donc par Skype), ils mettent en scènes les grimaces et les sourires forcés du régime dictatorial de Loukachenko, mais aussi ses pratiques de la torture, car « l’heure n’est plus à dire les choses à demi-mots ».

L’heure en question c’est celle des élections de 2020 et du soulèvement populaire qui leur a succédé : des manifestations pacifistes mais durement réprimandées, rassemblant des foules d’une taille si colossale qu’on dirait que c’est toute une capitale qui est descendue dans la rue, le poing levé avec fierté et détermination. Ces manifestations pleines d’un espoir brûlant et contagieux, les protagonistes de Courage y participent activement, de même que le réalisateur du film, Aliaksei Paluyan (dont c’est le tout premier long métrage, lire notre entretien).

Paluyan donne ici à voir de très nombreuses images de liesse, de courage mais aussi de peur collective dont l’échelle donne le vertige. Quasiment tournées en vue subjective, ces images nous donnent à vivre la révolution de l’intérieur, sans artifice nécessaire. La libération des jeunes manifestants à leur sortie de prison fait sans doute partie des séquences les plus émouvantes vues cette année à Berlin. Combien de films peuvent se vanter de présenter des images aussi intrinsèquement puissantes, en particulier en provenance d’un pays dont quasiment aucune image ne nous parvient ?

Le cinéaste et ses protagonistes partagent en filigrane une autre interrogation. Comment représenter un événement historique au moment-même où il se déroule ? Quelle part de mise en scène peut-on se permettre et doit-on assumer ? Le réalisateur fait le choix de la retransmission presque en direct, tandis que les comédiens sont contraint de poursuivre les répétitions avec la possibilité d’être arrêtés, conduit à la frontière ou tués à tout moment. Dans cet état d’urgence, la question de la bonne distance à trouver ne donne qu’un casse-tête en guise de réponse, alors que des images d’archives viennent nous rappeler que cette dictature-là dure depuis 26 ans, soit une vie entière pour certains. Le courage que nous montre le film n’est donc pas uniquement propre à ces militants de la liberté d’expression, il est une qualité collective et irréductible.

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par Gregory Coutaut

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Festival Un état du monde | Entretien avec Aliaksei Paluyan

admin — Sun, 28 Jan 2024 22:00:00 +0000

Dévoilé à la Berlinale et sélectionné cette semaine au Festival Un état du monde, Courage de Aliaksei Paluyan relate les manifestations pacifiques de milliers de personnes suite aux élections présidentielles frauduleuses de 2020 en Biélorussie. C’est un témoignage puissant qui fait vivre cette révolution de l’intérieur et raconte le courage collectif dont les militant.e.s font preuve. Aliaksei Paluyan est notre invité.

**Quel fut le point de départ de Courage ?**

L’un de mes objectifs de départ, et en même temps la question qui me brûlait le plus, était de comprendre le rôle des artistes indépendants dans des pays autocratiques comme la Biélorussie. Quel prix les artistes indépendants devraient-ils payer pour être libres, si tant est qu’une forme de liberté est possible, s’il ne s’agit pas que d’une utopie ?

Depuis que vous avez fait ce film et qu’il a été montré à l’échelle internationale, comment la situation a-t-elle évolué pour vos protagonistes et pour vous ?

Je veux être honnête avec vous, la crise politique au Bélarus s’aggrave de jour en jour. La situation est dans une impasse. C’est pour cela que je choisis de clore mon film sur une scène de confrontation entre des centaines de milliers de manifestants pacifiques et, face à eux, quelques centaines de responsables de la sécurité. C’est une situation d’impasse comme aux échecs. En fait, il y a davantage d’oppression maintenant. Par exemple, un jeune homme a dessiné/écrit la phrase « Nous ne pardonnerons pas » sur l’asphalte, à l’endroit où le premier manifestant pacifique Alexandre Taraïkovski a été tué. Pour cette inscription, il a été condamné à deux ans de prison ! Les gens sont condamnés à des peines de prison pour rien. C’est une situation impossible. Je voudrais que la situation politique soit plus claire, plus évidente. Je voulais aussi donner au public le sentiment qu’il se trouve dans un moment historique. C’était mon objectif principal, amener le public à Minsk en 2020, à l’intérieur des événements. Les médias du monde entier ne couvrent plus l’élection ou les manifestations autant qu’en août 2020, mais rien n’a changé en Biélorussie jusqu’à présent.

Je prends beaucoup de responsabilités au nom de mes protagonistes. C’est aussi un dilemme pour moi. Le film est destiné à apporter de la clarté sur cette question, mais plus le film reçoit d’attention, plus cela pourrait générer de problèmes potentiels pour les protagonistes. Nous sommes actuellement en contact étroit les uns avec les autres, et nous essayons de trouver une solution pour eux. Tous sont susceptibles d’être contraints à l’exil, mais au moins cela pourrait fonctionner comme un plan B. S’ils venaient à encourir le risque d’être soudain emprisonnés, ils auraient alors la possibilité de fuir. Pavel et Denis ont d’ailleurs été arrêtés récemment, lors d’une représentation de leur groupe de musique RSP en février, et ils n’ont été libérés que 15 jours plus tard.

Qu’est-ce qui vous a poussé à inclure dans votre film des images de manifestations plus anciennes, remontant aux années 90 ?

C’était ma décision consciente, il était très important pour moi de montrer que la résistance du peuple s’opère depuis très longtemps, depuis plus de 26 ans. En conséquence, la déclaration de Denis (« Rien n’a changé depuis 1996 ») prend un poids très important non seulement pour le public biélorusse, mais aussi pour le public du monde entier. Le vide d’information que le régime de Loukachenko a construit pendant des décennies a fonctionné très harmonieusement, très peu d’informations ont atteint les médias internationaux. Pourquoi les manifestations en Biélorussie ont-elles franchi le blocus de l’information cette année ? C’est finalement évident, car tous les secteurs de la société sont descendus dans la rue pour protester contre l’impunité concernant les meurtres de manifestants pacifiques. Une telle vérité ne peut pas être cachée.

Quel.le.s sont vos cinéastes de prédilection ou celles et ceux qui vous inspirent ?

Ce n’est pas une question facile, mais je peux néanmoins vous parler d’un certain nombre de grands auteurs qui ont influencé mon travail. Parmi eux; Krzysztof Kieslowski, Andreï Tarkovski et Andrzej Wajda. Ces grands metteurs en scène m’inspirent et occupent une place importante à mes yeux. Je suis sans cesse à la recherche de d’inspiration dans les films de ces maîtres, et c’est grâce à cela ce que je construis tranquillement mon propre style.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu l’impression de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent ?

Le sentiment auquel vous faites allusion, je l’ai vécu en voyant les longs métrages Ida et Cold War de Pawel Pawlikowski. D’un coté il s’agit d’un style de narration cinématographique classique, directement inspiré de la période des années 70 et 80 du cinéma polonais. De l’autre, ces films témoignent d’une compréhension des problèmes de la société européenne d’aujourd’hui. C’est ça qui est génial. Avant cela, j’avais eu un sentiment similaire il y a 10 ans quand j’ai fait connaissance avec les films de la vague roumaine.

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 23 mars 2021. Un grand merci à Silke Lehmann. Source images

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Festival de San Sebastian | Critique : Notas sobre un verano

admin — Sun, 24 Sep 2023 05:45:11 +0000

Alors qu’elle est en vacances dans sa région natale, Marta s’interroge sur sa vie à Madrid.

Notas sobre un verano
Espagne, 2023
De Diego Llorente

Durée : 1h23

Sortie : –

Note :

CE SENTIMENT DE L’ÉTÉ

« Les problèmes n’existent pas en août », conclut d’un revers de main l’héroïne de Notas sobre un verano alors qu’elle pense à sa thèse. Marta est effectivement en vacances, et a momentanément quitté Madrid pour la région de Gijón. L’été, sa langueur, la plage, les promenades, les discussions autour d’une bière… tout ici semble mieux que dans la capitale, même sous un ciel qui reste régulièrement voilé. On est tenté de penser aux vraies-fausses miniatures d’un compatriote de Dieo Llorente, Jonas Trueba (Eva en août, Venez voir), et il est vrai que si le début de Notas sobre un verano est charmant, sa personnalité propre ne se dévoile pas immédiatement.

On se prend beaucoup en photos dans Notas sobre un verano. Ce sont les photos d’un paysage de vacances, celles posées lors d’un mariage, celles encore prises à l’improviste. « Ça ne te ressemble même pas », souligne Marta dans un éclat de rire au sujet de son fiancé. Qu’est-ce que ces portraits peuvent bien révéler du réel, qu’est-ce qu’ils disent des personnages, sur leurs secrets ou du moins sur leurs non-dits ? Marta, qui a souvent un commentaire à faire sur tout, rétorque plus tard à son amant estival : » t’as jamais eu de sentiments contradictoires ? ».

La jeune femme se retrouve en effet dans une situation inconfortable : doit-elle rester avec son fiancé madrilène ou tout lâcher pour son amour de vacances ? Ça n’est néanmoins pas tant le fait que Marta est face à un dilemme qui rend son personnage si intéressant. C’est plutôt la cruauté dont elle fait preuve : si la jeune femme a parfaitement raison de se sentir aussi libre qu’elle le souhaite, ses décisions semblent être prises avant tout par égoïsme, sans attention particulière pour les sentiments de ses amoureux. A moins que le relief du film ne vienne plutôt de la cruauté de Llorente envers elle ?

D’abord assez doux, Notas sobre un verano devient doux-amer pour finir amer tout court. L’enchainement sec des dernière séquences, le choix de la dernière réplique, la musique du générique de fin qui ressemble à celle d’un inquiétant film d’horreur : sous le soleil, un été cruel.

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par Nicolas Bardot

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Le palmarès du Sheffield DocFest 2023

admin — Mon, 19 Jun 2023 19:42:04 +0000

Le Sheffield DocFest, festival anglais qui est dédié, comme son nom l’indique, aux documentaires, vient de s’achever. Son palmarès vient d’être dévoilé.

Le Grand Prix de la compétition internationale est allé à In the Rearview du Polonais Maciek Hamela. L’histoire : un van polonais sillonne les routes d’Ukraine. À son bord, des habitants sont évacués suite à l’invasion russe. Le véhicule devient un refuge fragile et éphémère, une zone de confidences d’exilés qui n’ont plus qu’un objectif, échapper à la guerre. In the Rearview vient de faire sa première mondiale le mois dernier au Festival de Cannes, dans le cadre de l’ACID. Ce film sera prochainement distribué en salles par New Story.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

In the Rearview

Grand Prix – compétition internationale : In the Rearview, Maciek Hamela
Mention spéciale : Stone Town, Jing Guo & Dingding Ke
Prix du premier film : Q, Jude Chehab

Grand Prix – compétition court métrage : The Takeover, Anders Hammer
Mention spéciale : A Maiden Sings, Max Torrés Altés

Prix Tim Hetherington : 20 Days in Mariupol, Mstyslav Chernov
Mention spéciale : Total Trust, Jialing Zhang

Grand Prix – compétition Alternate Realities : The Man Who Couldn’t Leave, Singing Chen
Mentions spéciales : Surfacing, Rosa Rossella Schillaci & Within Touching Distance

Jury jeune : Anhell69, Theo Montoya
Mention spéciale : 1001 Days, Kethiwe Ngcobo & Chloe White

Source

Nicolas Bardot

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Critique : Le Kiosque

admin — Tue, 05 Oct 2021 17:41:50 +0000

Paris, un kiosque à journaux. Alexandra est réalisatrice, fille, petite-fille et arrière-petite-fille de kiosquiers. Elle est venue prêter main-forte à sa mère et, comme dans un vieux rêve d’enfant, joue à la marchande. Depuis cette fenêtre sur la rue, elle filme avec humour et tendresse les coulisses du métier et le défilé quotidien de clients détonants. Mais la presse papier et les commerces de proximité sont en crise, et ce petit jeu s’avère finalement plus compliqué que prévu…

Le Kiosque
France, 2020
De Alexandra Pianelli

Durée : 1h18

Sortie : 06/10/2021

Note :

JOURNAL INTIME

Postée dans un kiosque à journaux, la réalisatrice Alexandra Pianelli (lire notre entretien) nous montre les alvéoles dans lesquelles sont versées les pièces de monnaie. A l’intérieur de ces cavités, parmi les pièces qui s’accumulent, des traces de doigts qui sont comme gravées – celles de sa mère qui travaille ici, celles aussi des membres de sa famille qui y travaillent depuis 100 ans. C’est une toute petite boite ce kiosque, et Pianelli peut à peine y faire deux pas. C’est aussi un lieu qui raconte une histoire familiale, mais aussi, comme à travers une petite lucarne, l’histoire d’un quartier et de ses habitants.

On craint le portrait pittoresque mais il n’en est rien : Le Kiosque, en compétition cette semaine au Champs-Elysées Festival, est plus nuancé et vivant que cela. Pianelli, par ailleurs plasticienne, fait preuve d’inventivité. Les contraintes du lieu peuvent par exemple être détournées lorsque celui-ci se retrouve dessiné, découpé, ou raconté façon maquette. Humble formellement mais ambitieux humainement, le long métrage parvient à être émouvant, notamment en filmant un lieu du quotidien, un lieu qui a toujours été là, mais qui en est à son crépuscule.

C’est aussi une très bonne comédie avec un drôle de sens du détail. En quoi la chemise d’un client annonce la revue qu’il va acheter ? Sur quelle teinte de parution d’extrême-droite les militants de la Manif pour tous vont-ils se ruer lors de leur cortège ? Derrière ce que le doc peut dire d’un quartier ou de membres d’une famille, il y a aussi un aspect de farce lunaire dans ce lieu où l’on trouve parutions sur du camping-car ou des tracteurs, magazines de cul ou sur les affaires, numéros d’Esprit ou de Télé Star.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Locarno | Critique : Aswang

admin — Mon, 09 Aug 2021 07:02:12 +0000

Élu président des Philippines en juin 2016, Rodrigo Duterte, fidèle à sa promesse de campagne, a mis immédiatement en branle une machine d’exécution massive des toxicomanes, des dealers et autres petits malfrats de Manille. En un peu moins de deux ans, 20 000 hommes, femmes et enfants ont été tués. La réalisatrice documente depuis le début la réalité de ces nuits moites et assassines en arpentant sa ville natale. Sur les lieux des crimes, elle rencontre les familles en état de choc.

Aswang
Philippines, 2019
De Alyx Ayn Arumpac

Durée : 1h25

Sortie : –

Note :

PEUR SUR LA VILLE

L’aswang est une créature surnaturelle et monstrueuse du folklore philippin. Celle-ci peuple de nombreuses légendes et figure dans de nombreux films fantastiques. Mais elle semble aussi rôder au cœur des rues dépeintes par la Philippine Alyx Ayn Arumpac dans son documentaire. La caméra s’attarde sur les lumières de la ville et celles du gyrophare de la police. Plus loin, un gamin confie à la caméra qu’un serpent monstrueux habite certainement dans la rivière d’à côté. Ce que décrit Alyx Ayn Arumpac n’a pourtant rien de surnaturel.

La politique menée par le président Duterte a fait plusieurs dizaines de milliers de morts aux Philippines. La guerre a été déclarée aux trafiquants de drogue, ainsi qu’à leurs consommateurs. Mais c’est, comme le raconte la cinéaste, surtout une guerre politique faite aux plus pauvres, où les vies des bidonvilles ne valent strictement rien tandis que les barons de la drogue ne sont pas inquiétés.

La caméra naturaliste pourrait rappeler les récits de Brillante Mendoza, mais Alyx Ayn Arumpac ôte la dimension mélodramatique pour un portrait tragique où la police agit dans l’impunité la plus totale. On balaie du soir au matin les rivières de sang qui maculent le bitume tandis que les tombes débordent littéralement de morts. Aswang raconte un business où les flics peuvent parfaitement enlever quiconque, séquestrer dans des cachots, et réclamer des rançons. C’est un documentaire, mais c’est effectivement un film sur une présence maléfique. Lors d’un festival de rue, un char présente le visage de Duterte qui se transforme en démon. Aswang est un film de nuit, hantée et vénéneuse, où la lumière brute du jour ne ment pas sur l’horreur réelle du quotidien.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Les Sorcières de l’Orient

admin — Tue, 27 Jul 2021 21:31:17 +0000

Les joueuses japonaises de volley-ball surnommées les “Sorcières de l’Orient” sont aujourd’hui septuagénaires. Depuis la formation de l’équipe à l’usine, jusqu’à leur victoire aux Jeux olympiques de Tokyo en 1964, souvenirs et légendes remontent à la surface et se mélangent inextricablement…

Les Sorcières de l’Orient
France, 2021
De Julien Faraut

Durée : 1h40

Sortie : 28/07/2021

Note :

COUP DE FOUDRE AU MATCH DE VOLLEY-BALL

Les Sorcières de l’Orient s’ouvre sur un court métrage, Danemon Ban : The Monster Exterminator, réalisé en 1935 par Yoshitaro Kataoka. Ce court superbe au riche imaginaire met notamment en scène une créature surnaturelle, une femme aux pouvoirs qui viennent d’un autre monde. Les Sorcières de l’Orient est un documentaire sur des femmes en chair et en os, certainement pas des yokai – mais leur pouvoir magique sur un terrain de volley-ball semble lui aussi venir d’ailleurs.

Dans L’Empire de la perfection, sorti chez nous en 2018, Julien Faraut s’invitait à Roland Garros et parmi les souvenirs encore gravés dans la terre battue. Les Sorcières part à l’autre bout de la planète, au Japon, pour raconter une autre perfection : le parcours d’une équipe de volley-ball féminine qui a enchainé plus de 250 victoires sans défaite. Les membres se retrouvent devant la caméra de Faraut, elles semblent encore proches, se demandant des nouvelles depuis août dernier. Mais ces sympathiques dames âgées sont aussi des légendes. Elle ont chacune leur surnom, comme des stars. Elles ont inspiré des mangas, des animes, et Faraut inclut ces images qui exaltent la réalité et où le volley devient le terrain d’une chorégraphie aérienne et fantastique.

Le film examine ainsi un phénomène socio-culturel : au-delà de leur influence pop, les sorcières incarnent le visage d’un Japon nouveau, des années après le traumatisme de la guerre. La finale aux Jeux Olympiques à laquelle elles ont participé reste l’une des meilleures audiences télévisées au Japon, encore aujourd’hui. Le film réunit les souvenirs d’un âge d’or ; le spectacle est à la fois galvanisant et d’une mélancolie chaleureuse.

Qu’est-ce qui se cache derrière cette perfection ? Les Sorcières de l’Orient raconte les entrainement mécaniques de jeunes femmes qui travaillent à la chaine à l’usine. Les sorcières seraient-elles des robots, des machines essorées impitoyablement par leur démon d’entraineur, suant sur le terrain même quand leurs côtes sont fêlées ? Les Sorcières de l’Orient n’est, heureusement, pas qu’un chant vantant les mérites de la douleur à la Whiplash. Il y a un regard bienveillant et émouvant posé sur les différentes protagonistes. Ce sont elles, dans leur quotidien, ce sont aussi des héroïnes que Faraut raconte. L’utilisation dramatique d’exceptionnelles images d’archive transforme ici la retransmission sportive en fascinant objet de cinéma. Ces mémoires sont aussi attachantes que passionnantes.

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par Nicolas Bardot

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Le palmarès du Sheffield DocFest 2021 dévoilé

admin — Mon, 14 Jun 2021 20:46:57 +0000

Le Sheffield DocFest, dédié comme son nom l’indique aux documentaires, vient de s’achever. Vous avez pu suivre cette édition sur Le Polyester, retrouvez notre page spéciale consacrée au festival. Son palmarès vient d’être dévoilé.

La compétition internationale a été remportée par le Brésilien Nũhũ Yãg Mũ Yõg Hãm: This Land Is Our Land! de Isael Maxakali, Sueli Maxakali, Carolina Canguçu et Roberto Romero. Ce long métrage réalisé par des cinéastes autochtones brésiliens est une cartographie visuelle qui examine la violence blanche en explorant un espace à la fois physique, historique et mythologique.

La compétition britannique a, elle, été remportée par le court métrage Ali and his Miracle Sheep de Maythem Ridha. L’histoire de ce film : Ali, un garçon muet de 9 ans, emmène son mouton Kirmeta pour sacrifier celui-ci. Il entame un voyage ardu de 400 km à travers les paysages en ruines de la guerre en Irak jusqu’au sanctuaire d’un ancien saint.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Compétition internationale

Meilleur film
Nũhũ Yãg Mũ Yõg Hãm: This Land Is Our Land! – Isael Maxakali, Sueli Maxakali, Carolina Canguçu, Roberto Romero (Brésil)

Prix spécial du jury
Equatorial Constellations – Silas Tiny (Portugal/São Tomé-et-Principe)

Mentions spéciales
Summer – Vadim Kostrov (Russie)
Double Layered Town / Making a Song to Replace Our Positions – Komori Haruka, Seo Natsumi (Japon)

Compétition britannique

Meilleur film
Ali and His Miracle Sheep – Maythem Ridha (Iraq/Royaume-Uni)

Prix spécial du jury
Portrait of Kaye – Ben Reed (Royaume-Uni)

Mention spéciale
The Battle of Denham Ford – Bradley & Bradley (Royaume-Uni)

Autres prix

The Tim Hetherington Award
The Silence of the Mole – Anais Taracena (Guatemala)

Mention spéciale
Nũhũ Yãg Mũ Yõg Hãm: This Land Is Our Land! – Isael Maxakali, Sueli Maxakali, Carolina Canguçu, Roberto Romero (Brésil)

Prix du jury jeune
If God Were a Woman – Angélica Cervera (Colombie)

Prix du meilleur premier film
Fixed Barricade at Hamdalaye Crossing – Thomas Bauer (Guinée/France)

Mention spéciale
Charm Circle – Nira Burstein (Etats-Unis)

Prix du court métrage
Barataria – Julie Nguyen Van Qui (France/Espagne)

Mention spéciale
Homage to the Work of Philip Henry Gosse – Pablo Martin Weber (Argentine)

Prix du public
Charm Circle – Nira Burstein (Etats-Unis)

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Sheffield Doc/Fest | Critique : The Story of Looking

admin — Sun, 13 Jun 2021 20:28:27 +0000

Mark Cousins explore le rôle que l’expérience visuelle joue dans nos vies individuelles et collectives.

The Story of Looking
Royaume-Uni, 2021
De Mark Cousins

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

REGARD OBLIQUE

En France on connait surtout le documentariste Mark Cousins pour son œuvre consacrée au cinéma (A Story of Children and Film ou The Eyes of Orson Welles, tous deux récemment sélectionnés à Cannes Classics), ses films-fleuves aux durées parfois monumentales (les passionnantes 14 heures de Women Make Film, les 15 chapitres de The Story of Film: An Odyssey), mais le cinéaste britannique a également réalisé des œuvres au contenu plus directement personnel et c’est à cette famille qu’appartient The Story of Looking, qui vient tout juste d’être présenté en clôture du Festival Sheffield DocFest.

The Story of Looking se présente à nous avec un titre à l’ambition presque mégalo (combien d’heures faudrait-il pour ne serait-ce que commencer à envisager « l’Histoire du regard » ?) et pourtant il débute comme un secret raconté en cachette, sous la forme d’un journal vidéo filmé dans la plus profonde intimité : sous la couette même du cinéaste, qui s’adresse à nous presque en chuchotant. « J’ai toujours aimé regarder » : quand Mark Cousins entame le documentaire avec ses mots, c’est presque une confession et presque un regret. Au moment où il filme ce monologue d’ouverture, le cinéaste s’apprête en effet à subir une opération lourde à l’œil après qu’on lui ait diagnostiqué une cataracte.

Hasard du calendrier? The Story of Looking est un film qui ressemble à l’année qu’on vient tous de passer. Enfermé dans les quatre murs de sa chambre, les rideaux tirés, Cousins se remémore les images qu’il a adoré regarder, celles des autres et celles qu’il a lui-même filmé lors de promenades quotidiennes (un homme debout sur un toit, un arbre abattu) et qui apparaissent ici tels des souvenirs. « Toutes les choses que l’on a vues au long de notre vie sont demeurées en nous, et il nous est possible de les repartager » : par cette formule, Cousins montre que son journal intime n’est pas autocentré, mais porté au contraire par un sens touchant du partage.

Quant à l’Histoire du regard, elle est belle est bien abordée ici, bien sûr. Et là encore le cinéaste fait preuve d’un généreux éclectisme, faisant appel à des exemples issus de la philosophie, la théologie, la mythologie, l’histoire de l’art classique ou contemporain (des autoportraits de Frida Kahlo aux performances muettes de Marina Abramovic), et naturellement au cinéma. Se frayant un chemin à soi hors des sentiers attendus du documentaire à la première personnes, The Story of Looking crée des ponts parfois inattendus entres ces domaines, et les redistribue en une émouvante variation d’échelle, presque un vertige. Voilà un film qui n’a pas peur d’aller de l’Histoire avec un grand H à l’intérieur-même de nos pupilles. Un vibrant grand écart.

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par Gregory Coutaut

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Sheffield Doc/Fest | Critique : From the Wild Sea

admin — Sun, 06 Jun 2021 01:27:16 +0000

À l’approche du pic de l’hiver, des volontaires européens œuvrant pour le sauvetage des animaux marins se préparent à une rude saison. Nuit et jour, toute l’année, ils travaillent sans relâche pour sauver la faune côtière des éléments potentiellement mortels : le pétrole, le plastique, les tempêtes. Le changement climatique alimente les conditions météorologiques violentes à travers les mers, et l’escalade des tempêtes hivernales est accompagnée d’un rugissement sans précédent.

From the Wild Sea
Danemark, 2021
De Robin Petré

Durée : 1h18

Sortie : –

Note :

UNE BOUTEILLE A LA MER

Le premier plan de From The Wild Sea est à hauteur d’animal : un phoque, au bord de la mer. La caméra de la Danoise Robin Petré est comme à son chevet, à l’image du film entier qui se penche sur le sort des animaux victimes de l’activité humaine – même loin de la terre ferme. Un cygne, plus tard, traverse paisiblement le cadre ; au second plan passe un cargo tandis que des usines se dressent à l’horizon. Cet envahissement de l’espace va encore plus loin lorsque des animaux récupérés sont remplis du plastique qu’ils avalent. Petré s’invite dans une infirmerie un peu particulière et se demande ce que l’humanité peut rendre à la nature et à la faune.

Si From The Wild Sea est de facture très classique, il montre néanmoins assez régulièrement des choses qu’on n’avait jamais vues avant : le soin spécial apporté aux phoques, le séchage de plumes de cygnes ou une autopsie de dauphin. Au-delà du caractère inédit de ces images, Petré examine de manière très concrète le travail quotidien fait par les équipes de volontaires. Quelle action est possible vis-à-vis des animaux et quelle action également face au dérèglement climatique ?

Bienveillant mais pas niais pour autant, le documentaire observe avec honnêteté les limites des soins que les hommes peuvent apporter. Il y a un combat face aux éléments qui se met en place dans From The Wild Sea, et l’action humaine – un entraînement sur une baudruche de dauphin, une animation en costume de phoque qui ressemble davantage à un extraterrestre de Roswell qu’à une adorable peluche – peut parfois paraître limité. Mais, face à une mer parfois en sang, Robin Petré saisit, avec un sens de la pédagogie, l’urgence de ce combat.

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par Nicolas Bardot

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