Locarno - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Memory Of Princess Mumbi

admin — Tue, 25 Aug 2026 13:25:21 +0000

En 2093, le cinéaste Kuve se rend à Umata pour filmer un documentaire sur la Grande Guerre des années 2070, qui a effacé les technologies modernes et fait renaître d’anciens royaumes. Il y rencontre Mumbi, qui le met au défi de réaliser son film sans intelligence artificielle. Il commence alors à comprendre que même les plus petits moments peuvent être d’une profonde beauté.

Memory Of Princess Mumbi
Kenya, 2025
De Damien Hauser

Durée : 1h20

Sortie : 26/08/2026

Note :

VESTIGES DU FUTUR

Ne prenez pas la peine de lire le résumé de ce film. Ce n’est pas qu’il vienne gâcher une surprise en en divulguant trop, c’est au contraire qu’il ne traduit qu’une toute petite partie de l’imprévisible mosaïque qu’est Memory of Princess Mumbi. Cette histoire de princesse du futur est à la fois au cœur du récit et presque entièrement superflue au plaisir et à la compréhension du visionnage, et ce par un numéro d’équilibriste scénaristique qu’on est bien en peine de décrire tant il relève du tour de passe-passe. Récit d’amour fou, voix off et grands violons : les toutes premières scènes du film paraissent obéir à la grammaire habituelle du mélo. Or, ce sont là les uniques minutes où l’ensemble donne l’impression d’être sur des rails familiers. Tant mieux.

S’il fallait à notre tour tenter de résumer l’histoire folle de Memory of Princess Mumbi, nous dirions qu’il s’agit d’une comédie romantique entre un garçon et une fille qui rêvent de faire un film qui rende les gens heureux. Nous suivons donc les aventures sous la forme d’un faux making of entrecoupé du résultat de leur travail, un film dans le film au récit pas très éloigné de ce qu’ils vivent. De plus, tout ceci se déroule effectivement dans un pays africain imaginaire, dans un futur distant qui ressemble parfois drôlement au présent et parfois pas du tout. Pour être entièrement honnête, la véritable trame narrative est souvent trop chaotique pour être suivie de près, mais cette perte de repères n’empêche pas le charme de cette fantaisie qui file à toute allure.

Fantasque, Memory of Princess Mumbi ne l’est pas que par son récit. Le film fourmille de propositions visuelles étonnantes. Les scènes de danses sont filmées avec un dynamisme digne d’un clip musical et le texte qui apparait parfois à l’écran est d’une grosse police jaune qui rappelle la blacksploitation, offrant un mélange à la fois pop et pulp. De plus, plusieurs images du film sont générées par intelligence artificielle, mais l’utilisation de cette dernière n’est pas naïve. Malicieusement intégrée aux récits (dans ce futur où les nouvelles technologies ont été bannies, les deux apprentis cinéastes ne sont pas d’accord sur son usage), cette technique vient apporter un niveau de lecture supplémentaire au long métrage.

Le mouvement artistique contemporain de l’afrofuturisme (auquel Memory… se rattache aisément) trouve son origine dans le désir de palier par l’imagination extrême un manque de variété de représentations des vécus du continent africain. La manière dont le cinéaste kenyan et suisse Damien Hauser utilise donc la machine à fantasmes qu’est l’IA fait preuve d’une certaine ironie (les logiciels utilisés sont carrément remerciés au générique de fin) au moment de venir illustrer par instants cette histoire d’héritiers princiers de royaumes disparus. Au-delà de cette dimension arty/meta, ce long métrage parmi les plus singuliers de l’année se regarde avec appétit, comme si nous nous trouvions face au bric-à-brac d’un coffre à trésor cinématographique mal rangé mais chatoyant.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : You Don’t Belong Here

admin — Wed, 19 Aug 2026 06:48:01 +0000

Marius est médecin-chef dans un hôpital de sa petite ville natale et élève seul son fils adolescent, Ioan, depuis le décès de sa femme. Professionnel sûr de lui, il ignore tout de ce que fait son fils la nuit, lequel parcourt la ville à vélo et vandalise des voitures avec une bande de justiciers masqués. Le monde de Marius bascule lorsqu’il apprend que la police soupçonne son fils de meurtre.

You Don’t Belong Here
Roumanie, 2026
De Florin Șerban

Durée : 2h34

Sortie :-

Note :

LA VILLE EST TRANQUILLE

« Tu n’as rien à faire ici ». Le message qui donne son titre à ce film roumain est le slogan raciste qu’une bande de jeunes colle en cachette sur les voitures dans un quartier habité par des Roms. Lors d’un de ces raids nocturnes à vélo, l’un de ces jeunes se bat avec un Rom, le frappe à la tête, le laisse pour mort et fuit la scène. Une fois passée cette scène de groupe en extérieur, You Don’t Belong Here ne propose au contraire plus que des scènes d’intérieurs, derrière des portes qu’on souhaiterait bien laisser fermées (celle d’un hôpital où l’on entre décidemment comme dans un moulin, d’un bureau réservé aux patrons qui savent tout mieux que tout le monde, d’un foyer dans lequel la police n’a pas besoin de perquisitions pour entrer). Le crime a eu lieu sur une voie publique, mais l’affaire doit à tout prix rester privée, quitte à se voiler la face comme le protagoniste qui voit son fils rentrer avec des blessures en plus et un vélo en moins, tiens tiens.

Faut-il privilégier la justice ou la famille ? Centré sur le personnage du père plutôt que du fils, You Don’t Belong Here est un drame en forme de parabole sur un dilemme moral. Cette famille de film a beau être représentée sur tous les continents, et les questions philosophiques qu’elle soulève ont beau être supposément universelles, combien de fois avez-vous vu un de ces films centré sur un personnage féminin ? Il faut croire que seuls les hommes ont le droit d’être perçus comme neutres. Certes, l’arrogance des mecs est justement ce qui est critiqué ici, mais cette pique a bon dos au moment de nous faire subir les tunnels de vieux gars refusant d’admettre leur défauts, alors même que l’unique personnage féminin n’offre rien de passionnant en contrepartie. La punition se fait attendre, et elle finit par arriver.

Le cinéaste Florin Șerban (dont le dernier film a être sorti dans les salles françaises était Box, il y a dix ans) suit ici avec succès une recette typiquement roumaine. La caméra est toujours fixe, les décors extérieurs menacent d’engloutir les personnages filmés de loin, les silences qui disent beaucoup s’alternent avec des monologues qui cachent beaucoup, les séquences sont longues mais pas excessivement (à l’exception peut-être de la toute dernière), et le suspens se met en place avec un savoir-faire horloger, certes lent mais jamais trop. A chaque fois que le film fait mine de devenir vraiment radical à force d’exigence, il sait freiner à temps et demeurer accessible jusqu’au bout.

Il y a sans doute un parallèle à faire entre le Léopard d’or gagné cette semaine à Locarno par You Don’t Belong Here et la Palme d’or gagnée Fjord il y a quelque mois (et qui, hasard du calendrier, sort justement en salles en ce moment). Il y a vingt ans, la première palme gagnée par Cristian Mungiu (4 mois, 3 semaines, 2 jours) avait quelque chose de très contemporain et novateur. Le cinéma d’auteur roumain était alors en pleine nouvelle vague et ce qui était radical à l’époque est aujourd’hui devenu familier et donc paradoxalement prévisible. Soit dit en passant, c’est d’ailleurs une formule que l’on pourrait appliquer également aux frères Dardenne. La radicalité existe bien sûr toujours en Roumanie, mais elle se trouve désormais bien plus dans l’œuvre folle de Radu Jude que dans ce type de drames taiseux remplis de dignité. You Don’t Belong Here est solidement mis en scène et interprété, mais il ne vaut mieux pas en attendre de surprise, surtout si l’on a vu le similaire Policier, Adjectif il y a déjà dix sept ans.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : The House on the Moon

admin — Sun, 16 Aug 2026 13:33:44 +0000

Dans la Maison sur la Lune vivent Chang Er, une jeune fée, et son amoureux, le grand archer Qui-tire-sur-le-Soleil, Hou Yi. Lorsque Hou Yi disparaît en tentant de sauver le soleil mourant, Chang Er part à sa recherche et se lance dans un périple vers la face cachée de la Lune en compagnie d’un astronaute terrien.

The House on the Moon
Singapour, 2026
De Nelson Yeo

Durée : 1h39

Sortie : –

Note :

COMBAT D’AMOUR EN SONGE

En une poignée d’années seulement, le cinéaste singapourien Nelson Yeo est devenu un habitué du Polyester grâce à son œuvre déjà très éclectique et riches en fantômes divers. Il y a eu ceux aux songes intellectuels et mélancoliques de Dreaming & Dying (prix du meilleur premier long métrage à Locarno en 2023), ceux pris dans les scénarios morbides et ludiques de Durian Durian (parmi les meilleurs courts vus à Rotterdam en 2025) et ceux hantant la discothèque intime de Through Your Eyes (qui figurait dans notre top de fin d’année des meilleurs courts de 2025). Aujourd’hui en compétition à Locarno avec son second long métrage, le cinéaste change une nouvelle fois complètement de registre.

Mais quel est le registre dont il est question dans The House of the Moon ? Les protagonistes sont ceux d’une célèbre légende chinoise, un couple d’amants maudits condamnés à vivre sur des planètes séparées, mais Nelson Yeo propose sa propre version bien étonnante du conte, et pas seulement à coup de musiques anachroniques (cold wave ou techno minimaliste) ou parce que les effets manuels (comme cette bien jolie brume) sont couplés d’effets numériques contemporains. On retrouve ici bien sûr beaucoup d’éléments du Wu Xia (chatoyants costumes, arts martiaux aux chorégraphies virevoltantes et même volantes) mais il est également question de science-fiction et de vaisseau spatial.

Absurde ? Seulement en apparence. Nelson Yeo dit avoir souhaité ici rendre hommage à un pan bien précis de sa cinéphilie : les productions hongkongaises du début des années 90 qu’il découvrait enfant au vidéo club, des films dont l’éclectisme de tons et de registres mérite effectivement d’être vanté et pris au sérieux. Comme dans ce matériau d’origine, la fantaisie est présente dans The House on the Moon (l’héroïne est emprisonnée sur la lune car elle a « bu un truc qui ne fallait pas » sur terre, vraiment ?) mais l’hommage est fait sans moquerie ni cynisme. Passé au filtre contemporain de Yeo, le grand mélange qui était à l’œuvre dans ces productions d’époque soufre peut-être d’un tour de moulinet de trop. On pourrait formuler cela généreusement en disant que The House on the Moon possède la logique d’un poème et enchaine les visions dans des décors étonnants plutôt qu’il ne cherche à maintenir un récit limpide, et il y a bien sûr quelque chose d’à la fois excitant et émouvant à voir mélangées avec amour des scènes évoquant tant Histoires de fantômes chinois que Les Cendres du temps, mais le début du récit, digne d’un monologue improvisé par M1ss Jade So, est si ardu à suivre qu’il demande un vrai saut de foi.

Avec ses apparences labyrinthiques, The House on the Moon n’est sans doute pas le film le plus facile d’accès du cinéaste, mais il possède au moins un charme et un panache unique : celui d’être complètement en décalage avec l’air du temps. La patience requise est récompensée par la découverte progressive d’un merveilleux grimoire visuel, où il est question de fontaine de jouvence fluo et de divinités capables de se transformer en livre volant. Voilà un film dont on sort avec l’impression rare et précieuse d’avoir fait un rêve ivre.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : O jacaré

admin — Sun, 16 Aug 2026 13:28:23 +0000

Reboleira, une banlieue de Lisbonne. Le butin d’un braquage a mystérieusement disparu. Dans la zone bouclée par la police, les rumeurs vont bon train et les spéculations s’enchaînent. Parmi les habitant et les habitantes, toute une galerie de personnages hauts en couleur rêvent de mettre la main sur le butin. Qui réussira à s’en emparer en premier ?

O jacaré
Suisse/Portugal, 2026
De Basil Da Cunha

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

AUX VOLEURS

Un caïman s’est échappé, c’est les informations télévisées qui le disent, mais cette nouvelle absurde provoque bien moins la panique chez les personnages qu’une opportunité de plus de s’envoyer des insultes à la figure : « ce caïman a une aussi grande bouche que toi, alors ferme la » se balance-t-on sans même prendre le temps de réfléchir. Pas le temps de réagir non plus lorsqu’un accident de voiture a lieu dans la rue et que le chauffard disparait illico (ne clignez pas des yeux pour ne pas rater le cameo éclair de Carloto Cotta), laissant derrière lui son épave et peut-être le butin d’un braquage. Il n’y a pas vraiment le temps de quoi que ce soit dans O jacaré, comédie sociale et film choral où règne le chaos.

Le cinéaste suisse et portugais Basil Da Cunha filme la communauté racisée qui vit à Reboleira, un quartier périphérique de Lisbonne bientôt voué à la destruction. Le cinéaste dit avoir souhaité offrir à ces habitants « une dernière danse avant sa disparition » et de fait, O jacaré a beau être peuplé de gros bras armés, de magouilleuses en tout genre et donc d’un caïman en liberté, le résultat ressemble moins à un film noir classique qu’à un carnaval. Les divers protagonistes s’avèrent incapables de conserver bien longtemps la main sur le fric ou sur le dangereux animal, ou même de tirer sur autre chose qu’une piscine gonflable, mais le cinéaste pose sur eux un regard suffisamment attendri et valorisant pour éviter tout folklorisme moqueur. Cette ronde d’arnaques et de poursuites obéit à un fil narratif qui possède sa part de répétition et (paradoxalement) de prévisibilité, mais elle fait aussi preuve d’une dose sympathique de mauvais esprit.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : I Rarely Wake Up Dreaming

admin — Sun, 16 Aug 2026 13:15:10 +0000

L’amour d’Olya et Oleh, un jeune couple queer ukrainien, est mis à l’épreuve lorsque la transition de genre de l’un.e des deux se heurte à la vaste invasion russe. Alors que la guerre réduit et défie les frontières du masculin et du féminin, le couple se bat pour préserver ce qui l’unit et sa façon de se percevoir. Que signifie être un homme dans un pays qui se bat pour son identité et sa survie ?

I Rarely Wake Up Dreaming
Allemagne/Ukraine, 2026
De Isabelle Stever

Durée : 1h40

Sortie : –

Note :

LA FEMME DU DÉSERTEUR

Repéré à la Berlinale en 2022 avec leur premier film Grand Jeté, Le duo formé par la cinéaste allemande Isabelle Stever et la scénariste et critique ukrainienne Anna Melikova est aujourd’hui en compétition au Festival de Locarno avec I Rarely Wake Up Dreaming. Contrairement à l’autre long métrage ukrainien du festival, le conte fantastique Demony, ce nouveau film ne prend pas de chemin métaphorique pour parler de la guerre imposée par la Russie. Quoique. Après tout, le fil rouge du scénario consiste en un quasi parallèle entre l’invasion de l’Ukraine et le coming out trans d’un des protagonistes.

Formulé ainsi, il y aurait de quoi craindre le mauvais goût. Les premières scènes d’I Rarely Wake up Dreaming nous plonge d’ailleurs dans une dispute conjugale aux dialogues particulièrement mélodramatiques et artificiels tels que « Je suis entrée dans une relation contre mon gré » ou « Tu m’a pourtant promis que tu resterais toujours la même personne ». Cette séquence s’avère heureusement être un flash-forward et le film redémarre rapidement sur des rails un peu plus facilement digestes. Nous sommes fin 2021, la télévision diffuse des discours de Zelensky appelant à l’unité et à l’espoir en l’avenir. De l’espoir, le couple de protagonistes amoureux en a à revendre. Oleh est un mec trans qui vient d’avoir ses nouveaux papiers indiquant sa véritable identité de genre. Dans l’euphorie du moment, il demande en mariage Olya, ravie de pouvoir rassurer ironiquement sa mère en lui disant qu’elle n’est plus lesbienne et qu’elle s’est enfin trouvé un mari.

Puis la guerre éclate, et le couple envisage de quitter le pays. Or aucun homme de moins de 61 ans n’a le droit de quitter le territoire, alors que faire ? Le meilleur passage du film réside dans une séquence répondant directement à cette question : une reconstitution immersive et brillamment mise en scène du chaos qui régnait dans les postes où des gardes frontières tentait de guider des foules de citoyens apeurés. Le face-à-face cinglant qui oppose une militaire zélée à Oleh, reniant sa nouvelle identité et se faisant en vain passer pour une femme, est sans doute le point d’orgue d’I Rarely Wake Up Dreaming.

Le reste du long métrage, situé dans une Ukraine désormais envahie, manque de relief en comparaison et retrouve en quelque sorte ses grands airs des débuts en posant mot pour mot des questions trop grandioses telles que « ça veut dire quoi être un homme en temps de guerre ? « . Coincé entre des générations aux actions différentes (vieux blasés ou jeunes naïfs actifs sur les réseaux sociaux), Oleh repousse le plus longtemps possible le moment d’aller prendre les armes, et au moment où celui-ci regarde finalement la caméra dans les yeux depuis l’intérieur des tranchées, on se demande quel regard le film pose sur sa destinée.

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par Gregory Coutaut

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Les 10 meilleurs courts métrages du Festival de Locarno 2026

admin — Sun, 16 Aug 2026 09:42:22 +0000

Le Festival de Locarno est l’un des rendez-vous annuels les plus excitants en ce qui concerne les courts métrages. La 79e édition du festival suisse s’achève ce weekend et cette année encore, les différentes sections (nationale, internationale et Corti d’autore pour les cinéastes ayant déjà signé des longs métrages) ont offert un panorama particulièrement éclectique et stimulant de la création contemporaine. En parallèle du palmarès officiel qui vient d’être dévoilé, voici la liste des dix œuvres qui nous ont le plus enthousiasmé lors de cette édition, sur près de 45 courts vus.

• A Sweet Day | Omid Abdollahi (Iran)
L’histoire : Après une longue séparation, une jeune femme obtient enfin une visite conjugale auprès de son mari incarcéré. Elle décide alors de revivre un moment romantique dans la rude ambiance apathique de la prison.
Pourquoi on l’aime : On croit reconnaitre d’avance ici toutes les qualités narratives familières du cinéma iranien, mais derrière le savoir-faire narratif et un sens du décor notable, deux surprises contradictoires viennent nous cueillir : d’abord la sensualité qui habite la protagoniste puis un couperet cruel qui vient retransformer cette vignette carcérale en cinglant cauchemar kafkaïen.

• As A Cure | Dorothea Sing Zhang (Chine)
L’histoire : Une jeune fille fouille le désert pour retrouver sa carte d’identité afin de s’inscrire à l’académie de l’Opéra de Pékin.
Pourquoi on l’aime : Elégamment posé en équilibre sur un fil de funambule entre parabole philosophique et réalisme social, A Cure offre la vision vertigineuse d’une enfant à moitié ensevelie, sentant le poids du monde sur ses épaules face à l’immensité des dunes qui l’attendent dans le désert du monde adulte.

• Aurora Borealis | Valeriya Kim (Hongrie)
L’histoire : En suivant deux oursons polaires nés en captivité au parc animalier hongrois de Nyíregyháza, le film interroge le déracinement et la transmission de la nostalgie d’une terre natale jamais connue.
Pourquoi on l’aime : D’adorables oursons polaires barbotent dans un zoo, dans une cage dont la toile de fond reproduit un paysage de banquise, mais à quels yeux est véritablement destiné un tel artifice ? Peut-être elle-même déracinée, la réalisatrice se filme en train de regarder cet étrange et amer décalage horaire face à une terre natale inconnue, oubliée et fantasmée.

• The Bovine Comedy | Ratchapoom Boonbunchachoke (Thailande)
L’histoire : Dans un futur où les vaches ont presque disparu, Phop, un riche éleveur, possède le dernier taureau d’Asie du Sud-Est. Le vieil animal produisant peu de sperme, Phop compte sur la technique manuelle de Jon, un ouvrier pauvre. Phop se sent attiré par les mains de Jon.
Pourquoi on l’aime : Le réalisateur de Fantôme utile utilise à nouveau avec succès son mélange de sensualité tordue (un patron handicapé et louche engage un inséminateur de bœuf pour le masturber) et de futurisme pop, avec à la clé cette fois-ci une critique bien plus mordante et brutale du monde du travail et de l’exploitation des travailleurs. Le film a remporté le prix principal de la section Corti d’autore.

• Las Damas | Camille Zéhenne (France)
L’histoire : Alba, en résidence à la Casa de Velázquez, peine à trouver sa place dans le monde et dans son corps. Elle découvre au cours de ses recherches la Dama de Elche, une statue à l’origine mystérieuse, qui l’obsède.
Pourquoi on l’aime : Et si les leçons les plus utiles s’apprenaient la nuit, en cachette? A moitié larguée parmi ses colocataires d’une résidence d’artistes, une jeune femme trouve la clé de son très sérieux travail de plasticienne en pratiquant une délicieuse école buissonnière onirique, queer et sexy où les frontières n’existent plus. Cette étrange leçon d’Histoire de l’art a reçu une mention spéciale méritée.

• Melk | Filip Anthonissen (Belgique)
L’histoire : Après avoir tué le poisson préféré de sa mère, Charel s’enfuit de chez lui. Lorsqu’il revient, bien décidé à se racheter, c’est le chaos total.
Pourquoi on l’aime : Melk est conte campagnard, candide et morbide à la fois, remixé par un traitement visuel fou situé quelques part entre anamorphoses malaisantes et bad painting hors-normes, entre cauchemar grotesque en enfantillages imprévisibles. L’un des films les plus uniques et potentiellement clivants de cette édition, et le grand gagnant de la compétition internationale.

• Obscura | Timoteus Anggawan Kusno (Indonésie)
L’histoire : Hantés par la nostalgie d’un lieu qu’ils n’ont jamais connu, les employés d’une galerie volent une toile Mooi Indië et roulent vers la mer. Le karaoké keroncong et des figures des archives coloniales font de leur fuite un rêve tissé de souvenirs de seconde main.
Pourquoi on l’aime : Un vol de tableau qui ne ressemble pourtant pas du tout à un film policier, une recette de cuisine en ligne qui parle en réalité de tout autre chose, un karaoké dont les paroles traduisent un inconscient collectif… chaque vignette qui compose Obscura ressemble à un tableau absurde et burlesque tout en décalages, mais contient l’émouvant fantôme d’une Histoire coloniale oubliée.

• Private Property | Deepak Rauniyar (Etats-Unis/Népal)
L’histoire : Une station-service américaine. Deux exclus – Maya, immigrée népalaise travaillant de nuit pour se bâtir un avenir, et Danny, vétéran noir sans domicile, en quête de chaleur et d’un abri – se disputent un petit espace. Maya saisit la loi, puis une arme, pour se faire une place.
Pourquoi on l’aime : Private Property est un polar de poche qui place ses anti-héros racisés des deux côtés d’une intervention policière dans une station service. Derrière une dramaturgie au suspens classique, le réalisateur de Pooja, Sir parvient à brosser le portrait poignant d’une immigrante de bonne volonté qui se retrouve vite contaminée par la paranoïa sécuritaire américaine. Mention spéciale du prix Pardo for Change.

• Together | NEOZOON (Allemagne)
L’histoire : Une exploration du désir humain de propriété, à travers archives et réseaux sociaux. En confrontant le vivre-ensemble à l’individualisme, le film se demande si le besoin de posséder vient d’une nécessité ou d’un récit eurocentrique et patriarcal.
Pourquoi on l’aime : Un montage de bric et de broc qui a d’abord l’air d’un zapping farfelu mais qui analyse avec beaucoup de sérieux et d’ambition une question qu’on ne s’était jamais posé : au cours de l’histoire de l’humanité, qui a eu l’idée d’inventer la propriété ? Cours de sociologie pop, subliminal et vertigineux, le résultat est à nos yeux le meilleur court de cette édition.

• Zrugg | Lars Mulle (Suisse)
L’histoire : Après que le bétail d’un éleveur a été attaqué, un garde-chasse obsessionnel est envoyé sur place pour traquer et abattre le loup problématique.
Pourquoi on l’aime : Censé mener une mystérieuse enquête en foret, un garde forestier solitaire est surtout hanté par une absence. La nature embrumée est autant un cocon qu’un mausolée autour de ce protagoniste muet au cœur brisé, qui écoute le silence alentour et envoie dans le vide des sms demeurant sans réponse.

Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : D’ici là

admin — Sun, 16 Aug 2026 09:41:53 +0000

Dans les hauteurs d’une vallée des Vosges, Lucien cherche la paix dans une totale solitude, Aline affronte ses peurs intimes en traquant un loup, et la jeune Jade est aux prises avec sa nature profonde. Leurs destins résonnent au cœur du même territoire.

D’ici là
France, 2026
De Sarah Léonor

Durée : 1h45

Sortie : –

Note :

MA VRAIE NATURE

A qui appartient le territoire, et à quel point celui où l’on vit et grandit nous définit-il ? La question traverse peut-être moins le cinéma français que celui d’outre-Rhin (rien qu’à Locarno cette année, elle imprégnait le superbe Tomorrow a Long Time Ago). La réalisatrice française Sarah Léonor y répond non pas avec les vertigineux gouffres propres à l’Ecole de Berlin (quoique) mais plutôt sous la forme d’une charade ludique et entêtante à la fois. C’est dans un coin de forêt des Vosges qu’elle pose sa caméra pour raconter différents récits découpés en trois saisons (et non quatre comme l’aurait voulu les clichés !) où se croisent une même galerie de personnages, tout en étant ici chez eux, mais à leur propre manière.

Il y a un sympathique ermite en rupture avec la société (Frank Beauvais), une mère aux prise avec la présence d’un loup dans les environs (Dinara Droukarova) et une jeune femme racisée qui n’a pas besoin d’autorisation pour se sentir à sa place (Louiza Aura, la Mimi Madamour des Reines du drame). D’ici là ne ressemble jamais à un film à sketch pour autant, Sarah Léonor composant moins des récits riches en rebondissements que des vignettes placides faites de micro événements et gestes quotidiens.

Le relief du long métrage se trouve moins dans ce qui arrive ou non à ces personnages (il n’arrive en réalité pas grand chose à proprement parler, et la durée s’en ressent un petit peu) que dans la poésie que la cinéaste injecte entre les lignes. Cela parfois littéralement, à l’images des haikus servant de transition entre les différents segments. Certaines idées ont quelque chose d’un peu artificiel et forcé, telles ces chansons folk laissées dans leur agaçante intégralité, là où d’autres font plus directement mouche, comme quand un loup regarde directement dans la caméra de façon saisissante. Hasard du calendrier : D’ici là souffre possiblement d’être découvert après Forêt ivre de Manon Coubia (la révélation de la dernière Berlinale), avec qui il partage plus d’un point commun. Mais après tout, les mystères du rapport à la nature méritent plus d’un film.

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Festival de Locarno | Critique : Atcha Atcha

admin — Sun, 16 Aug 2026 09:28:50 +0000

Des danseurs venus de toute l’Afrique entament leur dernière année sous la houlette de Germaine Acogny. Atcha Atcha saisit un moment de transmission artistique, où les corps se font archives vivantes et la danse, vecteur de mémoire, de résilience et d’espoir entre générations.

Atcha Atcha
Sénégal, 2026
De Mamadou Dia

Durée : 1h23

Sortie : –

Note :

Á BONNE ÉCOLE

L’école de danse qui se trouve au cœur de ce documentaire ne ressemble pas à une école telle qu’on se l’imaginerait traditionnellement. C’est d’abord une question d’architecture, semble-t-il. Le bâtiment est ouvert sur l’extérieur, et dans des studios de répétition rendus encore plus immenses par la présence de la nature et du ciel en arrière plan, c’est presque comme s’il manquait toute une façade ou qu’il n’existait plus de frontière entre le dehors et le dedans, autant dire entre l’intime et le public. Dans ce qui ressemble autant à une scène ouverte qu’à un hangar secret, des élèves répètent des chorégraphies tantôt seuls, tantôt en groupe.

Si cette école ne ressemble pas à une école classique, c’est également dû à la personnalité de sa fondatrice. Lauréate d’un Lion d’or à la carrière remis à la Biennale de danse de Venise en 2021, la danseuse et chorégraphe franco-sénégalaise Germaine Acogny n’a pas laissé sa notoriété polluer sa bienveillance, et c’est avant tout un sentiment de douceur et d’empathie qui règne sur ses cours. Cela, même lorsqu’un élève ose lui dire « Je suis presque déçu que vous ne soyez pas plus dure envers nous ». En captant et retranscrivant cette atmosphère particulière, le réalisateur sénégalais Mamadou Dia (Le Père de Nafi) se situe dans un décalage très bienvenu par rapport aux indécrottables clichés des mille et un films qui continuent à nous expliquer que l’apprentissage de l’excellence doit forcément se faire au prix éprouvant de violents sacrifices, douleurs et humiliations.

Atcha Atcha n’est pas non plus un portrait de Germaine Acogny. Il s’agit avant tout d’un documentaire dit de captation, c’est à dire qu’à l’exception d’un carton d’ouverture, il n’y a là ni voix off ni entretiens. La directrice a parfois la parole, mais celle-ci revient avant tout aux élèves. Au moment d’évoquer leur point de vue, leur expérience et identité, Mamadou Dia accorde autant d’importance à montrer ce qu’ils expriment par la parole que par la danse. Le résultat pourrait bénéficier d’un peu plus de relief, de nerf, mais cette approche délibérément effacée met au cœur du film quelque chose que seuls les corps peuvent articuler.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Locarno 2026

admin — Sat, 15 Aug 2026 13:47:14 +0000

La 79e édition du festival de Locarno s’achève ce weekend et vient de dévoiler son palmarès. Le Léopard d’or a été remporté par You Don’t Belong Here du cinéaste roumain Florin Șerban, dont le précédent film à être sorti en France était Box, il y a dix ans. L’histoire : Marius est médecin-chef dans un hôpital de sa petite ville natale et élève seul son fils adolescent, Ioan, depuis le décès de sa femme. Professionnel sûr de lui, il ignore tout de ce que fait son fils la nuit, lequel parcourt la ville à vélo et vandalise des voitures avec une bande de justiciers masqués. Le monde de Marius bascule lorsqu’il apprend que la police soupçonne son fils de meurtre.

La plupart de nos favoris de cette édition sont absents du palmarès, et nous n’avons pas eu la possibilité de voir plusieurs des lauréats, mais vous pouvez néanmoins retrouver notre couverture de cette édition qui se compose déjà de plus de vingt critiques, plus d’autres à venir.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

You Don’t Belong Here

COMPETITION INTERNATIONALE
Léopard d’or : You Don’t Belong Here, Florin Șerban
Prix spécial du jury : A margem do rio, Matheus Farias et Enock Carvalho, Brazil/Germany
Prix de la mise en scène : Nowhere to Lay my Eyes, Hong Sangsoo
Prix d’interprétation : Kim Minhee pour Nowhere to Lay my Eyes et Monica Bellucci pour Ketticé
Mention spéciale pour l’interprétation : Xavier Bergeron pour Violence du corps de l’autre et Teodor Butănescu pour You Don’t Belong Here

La ilusión de un verano sin fin

COMPETITION CINEASTES DU PRESENT
Léopard d’or : La ilusión de un verano sin fin, Alessandra Sanguinetti
Prix de la mise en scène : At Night, Beatrice Gibson
Prix spécial Ciné + : Revolutionaries Never Die, Mohanad Yaqubi
Prix d’interprétation : Idrissu Tontie Jr pour Our Time Will Come et Manal Issa pour L’estive
Mentions spéciales : Los días libres de Lucila Marian et Hanabi d’Ana Vaz

Melk

COURTS METRAGES – COMPETITION INTERNATIONALE
Pardino d’oro : Melk, Filip Anthonissen
Pardino d’argento : Khufu, Mahmoud Assi
Prix de la mise en scène : Mutrion, Marco Cavazzin
Prix qualifiant pour les European Film Awards : Melk, Filip Anthonissen
Mention spéciale : Las damas, Camille Zéhenne

COURTS METRAGES – COMPETITION NATIONALE
Pardino d’oro : Typhoon Mambo, Domenico Singha Pedroli
Pardino d’argento : Alles gute, Patricia Strübin
Best Swiss Necowmer Award : Respirer une fois sur trois, Charlyne Genoud

COURTS METRAGES – COMPETITION PARDI D’AUTORE
Pardino d’oro : The Bovine Comedy, Ratchapoom Boonbunchachoke
Mention spéciale : Et si Thuy n’existait pas, Carlo Francisco Manatad

Private Property

Locarno Kids Award : Paradeisa, Marleen Valien
Prix Swatch du meilleur premier film : La ilusión de un verano sin fin, Alessandra Sanguinetti
Pardo for Change : Our Time Will Come, Amartei Armar
Mention spéciale Pardo for Change : Los nuevos de Rodrigo Plá et Private Property de Deepak Rauniyar

Le site du festival

Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : Tomorrow a Long Time Ago

admin — Fri, 14 Aug 2026 14:15:01 +0000

En pleine réunification allemande en 1990, Patty, 50 ans, perd son emploi, puis son amie Jelena. Dans une petite ville d’Allemagne de l’Est, elle récupère des objets abandonnés et rencontre le jeune Franz. Lorsque son appartement est si encombré qu’elle ne peut plus y entrer, elle part pour une forêt colorée. Commence alors un voyage à travers paysages et histoire, emportant bien plus qu’elle seule.

Tomorrow a Long Time Ago
Allemagne, 2026
De Luise Donschen

Durée : 1h33

Sortie : –

Note :

RÉVOLUS LES MONDES

Tout débute dans un musée, autant dire un lieu propice aux faits et aux certitudes. C’est là qu’une dame a pris rendez-vous afin de pouvoir accéder à d’immenses peintures médiévales dépeignant l’histoire de la région. Le temps d’un moment suspendu, ces toiles à la brutalié mystérieuses nous sont d’ailleurs montrées en plein écran, comme si le film nous invitait également à les déchiffrer. Or ce musée, presque désert, perché en haut d’une colline loin de tout, possède quelque chose d’étrangement secret, et la visiteuse n’a pas franchement l’air d’une historienne de l’art. A peine sortie du bâtiment que la voilà d’ailleurs qui s’enfonce à l’improviste dans la forêt environnante, comme si elle venait de croiser le lapin d’Alice aux pays des merveilles.

On ne sait pas trop dans quel coin de campagne allemande ensoleillé on se trouve, mais la torpeur estivale qui semble ralentir un peu tout fait planer un appétissant voile de mystère. On ne saurait dire à quelle époque cette introduction diablement intrigante se déroule, si l’héroïne ne sortait de son sac un billet de dix euros qu’elle a l’air de découvrir pour la première fois. Au moment de s’endormir le soir venu, des images et des sons du passé lui arrivent comme en rêve, et au moment du réveil, voilà que le film a entièrement changé. Nous sommes désormais en 1990, en Allemagne de l’Est, et une nouvelle protagoniste (à moins qu’il ne s’agisse de la même) nous est présentée à un moment critique : l’usine de pellicule de cinéma pour laquelle elle travaille ferme ses portes et la voilà contrainte de changer de vie, à trouver sa place ailleurs, malgré son âge avancé. Alors elle prend son sac à dos, et part.

Pour son deuxième long métrage (après Casanova Gene, présenté à la Berlinale en 2018), la cinéaste allemande Luise Donschen ne manque pas d’ambition et articule avec une poésie radicale plusieurs des questions les plus passionnantes qui traversent le cinéma d’auteur allemand contemporain. A qui appartient le dernier mot en ce qui concerne l’Histoire ? Où se sentir chez soi dans un pays anciennement divisé ? Cousin du Home Stories d’Eva Trobisch, Tomorrow a Long Time Ago est bien moins un cours d’histoire rébarbatif et bavard qu’une hypnotisante promenade en forêt quasi dénuée de dialogues. Lors d’une scène marquante, la protagoniste décide sur un coup de tête de faire une sieste sur un canapé laissé sur un coin de trottoir, et lorsqu’arrive l’équipe des encombrants, elle se retrouve embarquée avec le vieux meuble. Plus poignante que comique, cette scène n’a besoin d’aucune phrase pour articuler le rapport complexe au territoire et à la propriété de cette anti héroïne allemande avide de liberté.

Les mystères les plus éloquents et prometteurs de Tomorrow a Long Time Ago se situent surtout dans sa première moitié, la deuxième étant majoritairement dévolue à l’errance champêtre de cette Robinson Crusoe des bois. Obéissant à un rythme qui demande une certaine attention, le résultat ne manque pas d’énigmes mais voilà un film qui parvient à ouvrir fort notre imaginaire en traitant l’Histoire comme s’il s’agissait de quelque chose de fantastique. Il est beaucoup question de mondes disparus et de fin de civilisation dans ce film toujours au bord du paradoxe temporel, où le son de manifestations et révoltes passées peut soudain jaillir de n’importe où. Le passé n’est pas passé très loin, il est présent dans les rêves mais aussi enfoui dans la forêt. La leçon a beau utiliser bien des éléments familiers du cinéma d’auteur allemand, elle ne manque pas de vertige.

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par Gregory Coutaut

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