Karlovy Vary - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Karlovy Vary 2026 : notre bilan

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:43:01 +0000

Le 60e Festival de Karlovy Vary vient de s’achever et était à suivre sur Le Polyester. Bilan de cette édition anniversaire.

Fruit Gathering

Le Festival de Karlovy Vary demeure mal connu chez nous mais c’est un des festivals les plus anciens du monde et c’est également un festival officiellement classé catégorie A (label décerné aux festivals mettant en avant des premières mondiales). Ses deux compétitions généralistes sont en effet entièrement composées de premières mondiales : la compétition internationale et la compétition Proxima (dédiée à des projets plus alternatifs ou avant-gardistes). Dans une compétition principale au niveau nettement plus relevé que l’an passé, le Cristal du meilleur long métrage a été décerné à Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe. C’est la première fois que le Myanmar remporte cette récompense. Ce drame élégamment mis en scène fait le portrait touchant de deux femmes, et de l’entente féminine face à la brutalité du capitalisme et du patriarcat. Doublement primé, The Guest du Danois Mads Mengel est un drame familial tel qu’on peut l’attendre du Danemark, mais celui-ci est efficacement mené, et transcendé par la performance de Trine Dyrholm en matriarche souffrant de troubles mentaux qui débarque lors du cérémonie où personne ne souhaite sa présence. A noter également au palmarès principal le prix d’interprétation décerné à la Suissesse Anna Schinz, convaincante dans le rôle de la mère précaire de A Happy Family, un drame inégal mais qui fait preuve d’une charmante richesse de tons.

Cinco años, cuatro meses

Absent du palmarès, notre coup de cœur Cinco años, cuatro meses des Colombiens Esteban Hoyos García et Juan Miguel Gelacio Ramírez raconte le périple d’une mère à la recherche de son fils disparu sans explications et probablement assassiné. Ce long métrage épuré et émouvant fait une utilisation saisissante du réalisme magique – on parie que ce film devrait circuler dans d’autres festivals. Lauréat en 2019 avec La Saveur des coings, le duo bulgare Kristina Grozeva et Petar Valtchanov a eu moins de chance cette année mais Black Money for White Nights est néanmoins une comédie dramatique assez réussie et au féroce mauvais esprit, sur un couple de sexagénaires dont le voyage de rêve à Saint Petersbourg tourne au désastre avant même de partir.

Incinerator

Dans la compétition Proxima, deux fortes révélations se sont distinguées. Incinerator est réalisé par le Japonais Shuntaro Uchida (lire notre entretien). Le film fait le récit d’apprentissage d’une fillette triste et solitaire. Uchida, par la qualité remarquable de son écriture et de sa mise en scène, parvient à pénétrer le monde intérieur tumultueux d’une enfant quand tout autour d’elle ressemble à des non-événements. Incinerator, qui a reçu le Prix spécial du jury Proxima, correspond au meilleur de ce qu’on peut attendre du cinéma japonais indépendant. Absent du palmarès, l’incroyable The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb de l’Indien Yashasvi Juyal est un flamboyant premier long métrage qui fait mine de raconter la vie simple d’un couple au nord de l’Inde. Après un drame inattendu, le film dépeint la rencontre stupéfiante du monde quotidien et du monde spirituel. Yashasvi Juyal est assurément un nom à retenir.

Paris Paris

D’autres excitantes propositions ont été mises à l’honneur dans la compétition Proxima. Remarquée avec l’intrigant documentaire Victoria en 2020, la Belge Isabelle Tollenaere signe avec Paris Paris une attachante miniature sur le sort de quelques exilés dans la capitale. Tollenaere évite les clichés des drames sociaux sans personnalité et apporte une perspective sensible, entre comédie triste et chaleureuse empathie. Dans son documentaire My Friend the Porn Star, l’Autrichienne Rosa Friedrich raconte un échec (un documentaire sur son meilleur ami souhaitant tourner un porno, avant de se rétracter) pour mieux dessiner avec ludisme le portrait d’une sororité galvanisante et décomplexée. Parmi les talents à suivre, citons enfin le Croate Mate Ugrin dont le drame Petty Thieves est imparfait mais ce portrait de petit voleur qui se fait de l’argent lors de la saison touristique chérit ses ambiguïtés de façon prometteuse et sa mise en scène est inspirée.

Tainted Horseplay

Outre les premières mondiales et les nombreuses avant premières, le festival a, dans son programme anniversaire ou dans sa rétrospective de classiques, remis en lumière des perles du passé. Citons notamment le néoréaliste Barravento de Glauber Rocha, film fondateur du mouvement Cinema Novo, d’une grande modernité plastique, entièrement situé dans une communauté afrodescendante du Brésil, mais aussi Les Enfants d’Hiroshima, l’un des tout premiers films du Japonais Kaneto Shindo, dans lequel une enseignante se rend l’été sur les tombes des membres de sa famille assassinés lors du bombardement atomique. Réalisé quelques années seulement après la tragédie, Les Enfants d’Hiroshima est un film d’une précision et d’une pureté bouleversantes, rappelant le talent majeur d’un cinéaste qui n’est pas célébré à sa juste valeur en France. Dans un tout autre registre, Tainted Horseplay de la Tchèque Vera Chytilova est une rareté aux contrastes particulièrement gonflés. Le film, tourné à la fin des années 80 à Karlovy Vary, raconte les nuits de trois joyeux lurons faites de baises et de picole. Le film est une comédie sexy enivrée pendant 1h45 avant d’opérer pendant sa dernière demi heure un basculement de ton d’une radicalité qui laisse bouche bée. Quasiment tourné dans les lieux mêmes du festival, ce film a offert la meilleure traduction possible de l’excitant éventail cinématographique qui se déploie chaque année devant le public chanceux du KVIFF.

Retrouvez notre couverture du Festival de Karlovy Vary, composée d’une cinquantaine d’articles.

Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Strange River

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:42:06 +0000

Alors qu’il fait du vélo le long du Danube avec sa famille, Didac, 16 ans, rencontre un garçon mystérieux.

Strange River
Espagne, 2025
De Jaume Claret Muxart

Durée : 1h46

Sortie : –

Note :

L’EDUCATION SENTIMENTALE

Papa, maman et leurs trois jeunes garçons font du vélo au soleil. Ensoleillées et bucoliques, les premières images de Strange River auraient presque l’air de sortir d’une pub pour la chicorée, ou en tout cas d’un énième film sur des vacances en famille. Les couleurs sont agréablement saturées, l’image possède une texture de pellicule au je-ne-sais-quoi de nostalgique. Il y a pourtant plus d’un caillou dans cette chaussure de randonnée, à commencer par ce regard caméra lancé nerveusement en notre direction par le plus grand des trois fils, alors même qu’il file à toute allure pour suivre le reste de sa famille. Tiens, tiens. Tous ont beau saisir la première occasion venue de faire trempette dans un paisible ruisseau, la musique à l’onirisme décalée semble venir nous chuchoter à l’oreille de nous tenir prêt et nous attendre à tout.

Premier long métrage du cinéaste catalan Jaume Claret Muxart, Strange River est effectivement tourné en langue catalane mais ne se déroule pas en Espagne. C’est le long d’un affluent du Danube que cette famille ibérique comme les autres a choisi de passer des vacances avec vélos, tentes et sacs à dos. Des vacances presque trop sportives pour êtres vraiment relaxantes, sans que pourtant nul ne s’en plaigne. A les voir peiner à remonter les routes en côte, on se dit pourtant que chacun des membres de cette familia fait autant d’effort que des poissons en train de remonter une rivière à contre-courant. Ce ne sont pourtant pas les brefs éclats de colère (qui n’a pas monté la tente à temps avant l’averse ?) qui viennent faire planer un curieux nuage au-dessus d’eux, les décrochages viennent d’ailleurs.

On ne s’en rend pas immédiatement compte, mais au long de leur randonnée, les protagonistes semblent ne jamais croiser qui que ce soit d’autre. Mais peut-être cette impression vient elle du fait que Strange River est, du moins dans sa première partie, composé presque uniquement de plans rapprochés qui viennent remplacer les paysages attendus par une invitation à analyser au microscope les dynamiques familiales, à moins qu’il s’agisse de tenter de rentrer dans l’inconscient de son protagoniste ado ? Après tout, celui-ci rêve-t-il lorsqu’il pense surprendre sa mère bien affairée sur une aire de cruising ? Les parents n’ont aucun problème avec l’homosexualité du protagoniste, mais cela ne les rend pas pour autant extrêmement adroits sur la question. Ce n’est pas parce qu’on a la liberté de dire certaines choses que tout est facile à exprimer.

Il y a du fantastique qui plane au-dessus de Strange River, mais pas du tout un fantastique inquiétant de film d’horreur. Plutôt un onirisme charmant, intrigant et puissant, qui passe par un mélange de tons inattendu. Il y a de quoi ricaner sous cape quand papa s’impose guide touristique et évoque ses souvenirs, mais à force de réminiscences pour chacun (« tu te rappelles de ton premier amour ? », « Imaginez que vous êtes encore étudiants »), le parcours estival commence à ressembler à une perte de repères presque digne d’un voyage dans le temps. Le fleuve suit son cours sinueux et chaque membre de la famille semble se trouver bercé par une temporalité flottante.

Jaume Claret Muxart mélange poésie, architecture et même clins d’oeil au cinéma allemand pour faire de Strange River une invitation à un voyage intérieur. Les secrets du dernier acte du film méritent de demeurer précieusement cadenassés mais ils viennent traduire de façon saisissante l’idée que l’on grandit autant en fuyant sa famille qu’en se nichant à l’intérieur, et qu’une éducation sentimentale se bâtit autant avec des personnes réelles qu’avec des souvenirs et des fantômes. Le résultat est l’une des meilleures révélations de l’année.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Rose of Nevada

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:38:44 +0000

Un bateau revient mystérieusement dans le port d’un village 30 ans après avoir disparu. Deux hommes rejoignent son équipage, espérant que cela leur portera chance. De retour après leur premier voyage, ils se retrouvent transportés dans le temps.

Rose of Nevada
Royaume Uni, 2025
De Mark Jenkin

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

LES COULOIRS DU TEMPS

Il a fallu attendre sept longues années pour que Bait, le premier long métrage de l’Anglais Mark Jenkin, trouve enfin le chemin des écrans français, et ce malgré une reconnaissance internationale immédiate à l’époque : première mondiale à la Berlinale en 2019, Bafta du meilleur premier film en 2020, etc… (en France seul le Festival de La Roche-sur-Yon a eu suffisamment de flair pour le sélectionner). Récit fantomatique des ravages de la gentrification, Bait fut acclamé par sa manière radicalement novatrice de réinventer le cinéma social britannique, et Jenkin fut alors catalogué cinéaste politique, mais entre cette révélation et aujourd’hui, le cinéaste a eu le temps de réaliser deux autres longs métrages venus démontrer que cette étiquette n’était sans doute pas entièrement adéquate.

Depuis l’époque où il réalisait des courts métrages documentaires, Jenkin n’a cessé de faire le portrait de sa région natale, les Cornouailles. Il en a filmé la faune et la flore, les métiers et artisanats, les conditions de vie, et depuis son passage à la fiction il explore désormais les folklores et légendes locales. Enys men (sélectionné à la Quinzaine des cinéastes en 2022) était une fascinante expérimentation formelle autour de la folk horror, Rose of Nevada s’intéresse cette fois aux contes fantomatiques de pécheurs disparus et de fantômes marins. En effet, tout commence ici un matin, lorsque le Rose of Nevada, une petite embarcation de pêcheurs emportée par la tempête il y a belle lurette avec son équipage, est découverte amarrée au port du village. Seul indice d’une présence humaine passée à bord, un message gravé dans un recoin prévenant « Ne restez surtout pas à bord ». Cela ne suffit pas à dissuader les apprentis marins Nick et Liam de voir dans ce présage l’occasion d’enfin changer de vie.

Rose of Nevada est un film fantastique. Pleinement, mais pas que. Davantage accessible qu’Enys Men, le récit est ici moins celui d’un éprouvant film d’horreur qu’un élégant labyrinthe où les identités et les temporalités se brouillent et se superposent. Il ne s’agit pour autant pas du tout d’un film détaché du réel, et Jenkin attache autant d’importance au portrait réaliste de cette petite communauté locale qu’à l’exploration de cette dimension surnaturelle. Le cinéaste pousse même le culot jusqu’à inclure un passage quasi documentaire sur les gestes quotidiens qui composent la vie à bord d’un bateau de pèche. Filmer du fantastique avec le plus grand sérieux n’est pas une formule inédite (rien que dans ces dernières semaines, on peut penser à L’Inconnue de Harari), mais celles et ceux qui ont déjà vu des films de Jenkin savent que sa mise en scène proprement unique fait souffler un vent de folie sur les rivages qu’il filme.

Le paradoxe du cinéma de Jenkin est d’utiliser des techniques provenant d’un autre âge de l’histoire du cinéma pour aboutir à un résultat saisissant et moderne, qui ne ressemble à rien de connu. Jenkin ne tourne pas seulement en pellicule, la caméra qu’il utilise est si ancienne qu’elle ne permet ni les plans longs ni la prise de son en direct. Tout ce que vous entendrez, des dialogues au moindre bruit, a en effet été recréé en studio. Aussi fou que le travail sur le son est celui du montage, tout en surgissement et juxtapositions nerveuses. Le résultat ressemble à un rêve venu d’ailleurs, du temps du cinéma muet ou d’un recoin oublié des années 60, comme si le documentariste Robert Flaherty réalisait soudain un épisode de La Quatrième dimension. Ce formalisme pourrait sembler autocentré mais Jenkin n’oublie pas la dimension poignante de ses personnages, jeunes adultes peinant à trouver leur place d’homme, déboussolés face à un héritage en forme de malédiction.

La présence au casting, pour la première fois chez le cinéaste, de deux acteurs connus (George MacKay et Callum Turner) ne signifie pas que le cinéaste a mis de l’eau dans son vin pour séduire un plus grand public. Néanmoins, les fans du cinéaste ressentiront peut-être un léger manque de surprise (un comble), à défaut d’un manque de plaisir. Pour les connaissseur.euses, disons que Rose of Nevada se situe effectivement pile à la croisée de Bait et Enys Men. Du premier, Jenkin conserve un récit dialogué et des personnages masculins nuancés. De l’autre, il garde des couleurs féroces et le pouvoir hypnotisant de la répétition. Touchant dans sa richesse d’interprétation, Rose of Nevada se détache par un ton doux-amer autant qu’inquiétant. Une recette inattendue, qui vient confirmer que Jenkin reste l’un des cinéastes contemporains les plus singuliers, non seulement du cinéma fantastique mais du cinéma tout court. Un cinéma voguant si fièrement à contre-courant mérite d’être hautement célébré.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Karlovy Vary 2026

admin — Sat, 11 Jul 2026 17:48:00 +0000

La 60e édition du Festival de Karlovy Vary s’achève ce samedi soir. Vous avez pu la suivre en direct sur Le Polyester. Son palmarès a été dévoilé.

C’est Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe qui a remporté le Cristal du meilleur film. L’histoire : deux jeunes femmes au Myanmar vivent des existences oppressantes. Travaillant dans une usine de textile à Yangon, elles font face à un travail épuisant, à la répression sociale et à l’incertitude économique. Bien que le rythme harassant de la vie quotidienne étouffe les liens humains, les deux femmes continuent de rêver d’intimité et d’évasion. Retrouvez notre critique du long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Fruit Gathering

Compétition Globe de Cristal

Grand Prix : Fruit Gathering, d’Aung Phyoe
Prix spécial du jury : The Guest, de Mads Mengel
Prix de la mise en scène : Mads Mengel pour The Guest
Prix d’interprétation féminine : Anna Schinz pour A Happy Family
Prix d’interprétation masculine : Ghassan Saad pour Pipes

Lover, Not a Fighter

Compétition Proxima

Grand Prix : Lover, Not a Fighter (Milovník, nie bojovník), de Martina Buchelová
Prix spécial du jury : Incinerator (Shokyakuro), de Shuntaro Uchida
Prix de la mise en scène : A Whole Person Almost (Enas olokliros anthropos schedon), de Efthimis Kosemund-Sanidis
Mention spéciale : 33 Steps (33 krokov), de Anna & Šimon Domček

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Against Nature

admin — Sat, 11 Jul 2026 14:04:49 +0000

Après de nombreuses années loin de chez lui, Jonás retourne à la campagne pour commencer à travailler comme tailleur de pierre. Dans un endroit marqué par la dureté de la vie, il s’ouvre à quelque chose d’intangible – une force qui imprègne le paysage, les corps et le temps lui-même

Against Nature
Mexique, 2026
De Axel Bertha

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

NATURE HUMAINE

Un écran gris ouvre Against Nature, long métrage dévoilé au Festival de Karlovy Vary. Mais ce n’est pas un monochrome statique : le gris se nuance peu à peu et à l’image se dessinent des ouvriers qui travaillent la roche. La nature sous différentes formes est parcourue dans le premier long métrage du Mexicain Axel Bertha, mais le lien entre les individus et celle-ci semble contrarié – comme le suggère le titre du film.

Jonás est de retour chez lui après des années d’absence et ce retour n’est pas dénué de sombres mystères. Mais peu importe : le monde a été empoisonné, tout a été massacré et personne ne nous regrettera. C’est le constat examiné par Against Nature, triste méditation métaphysique qui questionne le fait de se sentir étranger au monde. Il y a quelque chose d’engageant à ne pas délivrer un film de réponses, mais Against Nature est parfois, à nos yeux, figé dans une posture cryptique.

Le film, néanmoins, parvient à être ample malgré sa courte durée. Il évoque d’autres parentés mexicaines damnées comme Carlos Reygadas ou Amat Escalante. Si son manque d’explication peut rendre le récit aride, Against Nature se distingue par des compositions formelles spectaculaires – le regard d’Axel Bertha sur notre monde à bout de souffle est puissant et inspiré.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Hijamat

admin — Sat, 11 Jul 2026 13:55:18 +0000

La vie de Murad, 50 ans, est bouleversée quand il apprend que son frère cadet est gay. Murad aimerait soutenir son frère, mais leur famille musulmane traditionnelle ne l’accepte pas. Il se retrouve sous pression de tous les côtés – de son père, qui est très lié à l’imam local, et aussi du groupe d’amis de son frère.

Hijamat
Iran, 2026
De Nader Saeivar

Durée : 1h44

Sortie : –

Note :

TU ES MON AUTRE

Réalisateur de La Femme qui en savait trop (sorti chez nous l’an passé), l’Iranien Nader Saeivar, qui signe ici son quatrième long métrage, demeure assez méconnu en France en tant que cinéaste. Mais il a été un proche collaborateur d’un de ses compatriotes les plus illustres, en participant aux scénarios de Trois visages et de la Palme d’or Un simple accident de Jafar Panahi. Panahi prend d’ailleurs part lui-même à Hijamat (dévoilé en compétition au Festival de Karlovy Vary) en tant que producteur et monteur.

En un saisissant contraste d’échelle, une main tendue vers un enfant au début de Hijamat donne l’illusion qu’un membre de géant vient cueillir un minuscule garçon. Il s’agit d’une scène de fête, l’enfant est célébré, la caméra se met à sa place. Mais la fête est interrompue lorsqu’un jeune homme est frappé – soulignant des rapports familiaux plus qu’ambivalents. Hijamat se déroule en Allemagne et pas en Iran, mais il y questionne les différentes façon d’être musulman. Si le poids religieux est important dans Hijamat, le film questionne, de manière plus générale, comment l’on peut faire famille.

Le jeune héros du film est gay et son orientation sexuelle fait la honte de son entourage. Voilà qui met en lumière l’hypocrisie familiale, à laquelle s’ajoute le chantage émotionnel et la pression de l’imam. On repense à la main de géant et le garçonnet au début du film : veut-elle le saisir pour le protéger ou pour l’écraser ? Malgré ses enjeux forts, le scénario d’Hijamat est alourdi par une narration assez scolaire et bavarde, tandis que de très maladroits protagonistes secondaires (interprétés par Nastassja Kinski et Moritz Bleibtreu) semblent jouer dans un autre film. Hijamat intrigue davantage lorsqu’il met en scène son secret dans un secret, et interroge de manière inattendue le lien qui unit le jeune protagoniste à son frère plus âgé. Derrière la désillusion causée par l’abandon des croyances, il y a aussi une transmission que l’on n’avait pas vue venir.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Ton animal maternel

admin — Sat, 11 Jul 2026 09:35:05 +0000

De retour au Costa Rica après des études en Europe, Elsa retrouve sa petite sœur Amalia, seule dans la maison familiale. De plus en plus insaisissable, celle-ci semble enfermée dans des croyances ésotériques. Elsa essaie d’alerter leurs parents, mais ni le père, trop occupé par ses nouvelles conquêtes, ni la mère, absorbée par la réédition des poèmes érotiques de sa jeunesse, ne semblent prendre la mesure de la situation. Le retour d’Elsa engage les trois femmes à interroger leur lien indéfectible.

Ton animal maternel
Costa Rica, 2026
De Valentina Maurel

Durée : 1h45

Sortie : 07/10/2026

Note :

ROYAUME ANIMAL

De passage dans son pays de naissance, le Costa Rica, alors qu’elle s’est établie en Belgique, Elsa se retrouve enfermée dehors. C’est-à-dire que la serrure de la maison habitée par sa sœur Amalia a été changée, et à vrai dire Amalia semble également enfermée mais à l’intérieur. Tout le monde a l’air prisonnier d’une situation aliénante dans Ton animal maternel, l’évier lui-même est bouché et la petite sœur surenchérit : « tout est bouché ».

La maison d’Amalia est un capharnaüm, des losers complotistes y squattent, et il y a un gros tag « Puta » qui est inscrit au mur. Bref, rien ne va chez elle qui semble perdre le contact avec le réel et est persuadée de protéger la maison des fantômes. D’ailleurs, qui regarde lors de ces plans répétés en plongée ? Des esprits perchés au sommet de la ville ? La caméra vive de Valentina Maurel, qui filme ses héroïnes dans la foule, est attentive au pouls de la cité. Il y a quelque chose de poreux et qui circule entre l’électricité de la ville et l’électricité du clan familial. Le concert de klaxons se transforme d’ailleurs en mélopée de cuivres et les murs ne semblent protéger de rien.

Ton animal maternel compose un portrait de famille particulièrement orageux, avec des parents semi-démissionnaires. La mère veut plus de temps pour elle – ce qui semble être une manière polie de dire qu’elle ne pense qu’à sa gueule. Ironie dans ce contexte brutal : elle est une autrice… de poésie. Maurel filme avec nerf et écrit avec un mélange d’attachement et de férocité des relations familiales contraintes, où les individus sont à la fois des intimes et des étrangers. On juge et on mord ; Elsa revenue dans sa famille se retrouve victime de gaslighting : « Ne dis pas que c’est ta sœur la folle, tu es un hot mess aussi ». Il y a peut-être quelque chose de vrai dans cette affirmation : la famille, à l’opposé des clichés mièvres, est vue ici comme un organisation mutante dont personne ne peut sortir intact, et dont les membres sont incapables de ne pas se faire du mal.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb

admin — Fri, 10 Jul 2026 11:59:15 +0000

Santosh et Rajji vivent ensemble dans un coin isolé du nord de l’Inde. Un jour, une tragédie bouleverse leurs vies.

The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb
Inde, 2026
De Yashasvi Juyal

Durée : 2h07

Sortie : –

Note :

ENTRE DE BONNES MAINS

Au tout début de The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb, le vaste monde est chanté lors du générique d’une émission qui passe à la télé. Le vaste monde, et les vastes questions qui s’y posent, abordées par un présentateur vieux sage. Contrechamp : on voit un couple qui regarde la télé, sur son lit, dans sa maison – tout ce qu’il y a de plus simple et quotidien. Les considérations deviennent plus terre-à-terre que celles de l’émission qui parle des secrets du temps et du cosmos. Dans son flamboyant premier long métrage, l’Indien Yashasvi Juyal manie à merveille ce type de contrastes entre la miniature et l’infini, la simplicité et l’inexplicable.

« Peut-être que je ne peux pas expliquer », confie d’ailleurs le protagoniste Santosh. Ce n’est pas vraiment un spoiler car cet élément arrive très vite dans The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb (mais vous avez encore le temps d’arrêter la lecture de cet article) : lors d’un accident terrible, Santosh meurt. On ne le voit pas mourir, mais on le devine à travers un plan puissant sur les yeux de sa compagne, Rajji. Santosh n’est plus, mais ceci n’est une vérité que pour les individus les plus rationnels. Entre réalisme magique et pur fantastique, The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb explore des mondes invisibles, ceux qui les peuplent et nous rendent visite. Ainsi, pourtant mort, Santosh réapparaît. Est-ce Santosh lui-même, ressuscité ? Est-ce un fantôme ? Est-ce un dieu ? The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb chérit précieusement et assez longtemps son mystère. Mais même lorsque des explications sont données, le long métrage garde une large partie de son énigme.

The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb (La Main tachée d’encre et le pouce manquant, quel titre!) est un film qui demande beaucoup, en termes de rythme et de narration. Mais c’est un film qui, en contrepartie, donne énormément. Le travail de Yashasvi Juyal et de quiconque a œuvré visuellement sur le film est magnifique. Le moindre plan sur des rails, sur un cours d’eau, sur un miroir, est superbe. Voilà l’écrin brillant pour ses personnages à la fois au bord du réel et en plein dedans. Il y a dans The Ink-Stained… un fascinant va-et-vient entre le surgissement magique et la rétention sibylline qui évoque le cinéma d’Anocha Suwichakornpong. Cela peut-être, à la fois, un drame banal et la plus grande aventure possible. Et le film va à l’encontre de cette conception très occidentale – en tout cas mise en avant dans les festivals occidentaux – que les films de l’hémisphère sud doivent avant tout documenter sur leur monde.

Si The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb n’a donc rien d’un exposé, il raconte un peu son monde… à sa manière. Un monde où le temps s’écoule selon son propre sablier dans la nature. Un monde spirituel, au temps étiré ou en boucle, sous les étoiles, à l’ombre de la forêt, au bord de la rivière. Santosh est attaché au lieu de son accident : une station de péage, comme un passage entre les mondes. Tout cela circule dans The Ink-Stained… : c’est cryptique, poétique, ludique (car le film est sérieux… mais pas si sérieux). Le film joue sa propre musique discrète tout en offrant un excitant vertige. Voici là l’une des révélations de l’année.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Papaya

admin — Fri, 10 Jul 2026 10:08:30 +0000

Passionnée par les airs, une minuscule graine de papaye dans la forêt amazonienne doit continuer à bouger pour éviter de s’enraciner. Grâce à sa persévérance, elle découvre la puissance de ses racines, déclenchant une révolution qui transforme son monde et réalise ses rêves de manière inattendue.

Papaya
Brésil, 2025
De Priscilla Kellen

Durée : 1h14

Sortie : –

Note :

C’EST ÇA, ÊTRE DE TOUTES LES COULEURS

Y’a-t-il une couleur de l’arc-en-ciel qui ne figure pas dans Papaya ? Réalisé par la Brésilienne Priscilla Kellen (lire notre entretien) et sélectionné à la Berlinale dans la section Generation dédiée au jeune public, Papaya peut évoquer le très bon souvenir du resplendissant Le Garçon et le monde, réalisé par son compatriote Alê Abreu et sorti chez nous en 2014. Ce nouveau film est produit par Abreu, et parvient encore une fois à créer de l’animation poétique et imaginative qui ne prend pas les enfants pour des idiots.

Papaya est une explosion de couleurs et sa beauté ravissante est déjà à elle seule un spectacle. La cinéaste effectue un habile travail sur les échelles avec ce film entre minimalisme et gigantisme, dont le design est composé de formes géométriques à la fois riches et simples. C’est une avalanche de séduisantes gommettes, dans un film qui rend une certaine forme d’abstraction parfaitement accessible. Papaya est formellement d’une douceur enveloppante mais fait également preuve d’un dynamisme visuel tout à fait efficace.

Avec cette épopée d’un minuscule grain de papaye, Priscilla Kellen signe une fable écologique qui souligne le pouvoir magique et réconfortant de la nature. Sous le regard de la cinéaste, la nature peut ressembler à un décor de science-fiction, et l’on peut se retrouver avalé par la menace d’un monde tout-industriel. Si le film a peut-être un peu de mal à se conclure, il est rehaussé par la qualité de sa bande originale et se sort très correctement du défi représenté par sa narration muette. Tout à fait adorable, Papaya nous semble promis à un succès mérité.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Priscilla Kellen

admin — Fri, 10 Jul 2026 10:04:00 +0000

Présenté à la Berlinale et au programme de Karlovy Vary cette semaine, Papaya raconte l’épopée d’une graine de papaye dans la forêt amazonienne. La Brésilienne Priscilla Kellen signe une fable écologique visuellement resplendissante, produite par son compatriote Alê Abreu (Le Garçon et le monde). Elle nous en dit davantage sur ce film d’animation aussi spectaculaire que ravissant.

**Pouvez-vous nous parler de votre approche d’une animation à la fois minimaliste et géométrique, mais aussi très riche et spectaculaire dans Papaya ?**

Avant même de commencer le développement de Papaya, pendant mes études de fin d’études et plus tard en tant que graphiste, j’avais l’habitude de collecter toutes sortes de références visuelles, comme des papiers cadeaux spéciaux, de l’art abstrait géométrique, des motifs ethniques dans l’artisanat, des tissus vintage, des étiquettes de tous les jours, des livres pour enfants, des choses que je trouvais jolies. En travaillant comme illustratrice de contenu pour enfants, j’ai réalisé que la plupart des dessins destinés à ce public étaient trop descriptifs. J’ai senti que les bébés et les enfants méritaient d’être en contact avec des représentations graphiques moins littérales, plus abstraites, laissant plus de place à leur perception visuelle pour « combler les lacunes », dans le respect de leur imagination en développement.

J’ai cherché des moyens d’appliquer un peu d’abstraction et de géométrie à mon travail, en m’exerçant notamment sur les collages. Lorsque j’ai commencé à créer l’histoire de Papaya, j’ai élargi cette recherche imagée aux artisanats des régions d’origine du fruit de la papaye (Amérique centrale, sud de l’Amérique du Nord et région amazonienne d’Amérique du Sud), où j’ai découvert des motifs de design incroyablement colorés et beaux.

Comment avez-vous travaillé sur cette narration dépourvue de dialogues ?

Je voulais raconter l’histoire de Papaya de manière sensorielle, pour la rapprocher de la façon dont les bébés et les jeunes enfants découvrent le monde qui les entoure. La décision de créer une histoire totalement non verbale, sans narrateur ni dialogue, est survenue au cours du développement, lorsque j’ai structuré le scénario à travers une description détaillée des situations, des actions basées sur le langage corporel et les expressions faciales. J’ai également pris des notes sur les éléments sonores et les sensations environnementales qui seraient importantes pour faire avancer l’intrigue. L’étape suivante a été de croquer les scènes dans un storyboard, et de créer un animatique (une sorte de croquis vidéo) où l’histoire continuait d’évoluer dans le temps.

La musique joue un rôle important dans l’atmosphère de votre film. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet élément en particulier ?

Lors de la réalisation de l’« animatique », des sons et de la musique de référence ont été ajoutés, marquant les atmosphères et les points culminants. Avec la partie visuelle du film presque finalisée, Talita Del Collado, la directrice musicale, l’a regardée et a proposé une réinterprétation profonde de ces références, créant une bande originale pour Papaya à travers un processus artisanal de plusieurs mois. Elle a développé des éléments musicaux inspirés des sons de la nature et, à partir de ceux-ci, a composé les thèmes musicaux principaux inspirés de la musique populaire brésilienne de différentes régions, contextualisant également culturellement l’environnement de Papaya. En dialogue avec les compositions de Talita, l’équipe du studio Submarino Fantástico a créé et monté les effets sonores et les réactions des voix (dirigées par la doubleuse Melissa Garcia). Enfin, la chanteuse brésilienne Tulipa Ruiz, qui prête sa voix à la fois douce-amère et puissante au personnage de « Mère-Arbre » dans le film, interprète également la chanson finale, Borboleta, composée par son père Luiz Chagas et produite par son frère Gustavo Chagas.

Y a-t-il une couleur au monde qui ne soit pas dans votre film ?

Hahahah ! Quelle question pleine d’esprit ! J’ai essayé d’utiliser autant de couleurs que possible. En tant qu’enfant qui aimait visiter le magasin de fournitures artistiques, rêvant simplement d’avoir toutes ces crayons de couleur, peintures et crayons de cire, j’ai l’impression d’avoir pris ma revanche.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Pour être complètement honnête, je ne suis pas une grande cinéphile. Encore moins depuis que je suis devenue mère, car je n’ai plus beaucoup de temps pour regarder des films. Cela dit, ma vision cinématographique est certainement influencée par les films du Cinema Novo brésilien et les animations du Studio Ghibli, Michel Ocelot, Marjane Satrapi, ainsi que d’autres cinéastes acclamé•es des années 90 et 2000 tels qu’Anna Muylaert, Lais Bodanzky, Pedro Almodóvar, Spike Jonze, Jean-Pierre Jeunet, Danny Boyle, Michel Gondry, Lars Von Trier, et par les clips musicaux d’artistes comme Björk, Air et Daft Punk, mais je me suis également toujours inspirée d’artistes d’autres domaines, tels que des artistes visuels comme Beatriz Milhazes, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Burle Marx et bien d’autres artistes contemporains moins connus.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 11 février 2026. Merci à Barbara Van Lombeek.

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