Karlovy Vary - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Rose

admin — Tue, 08 Sep 2026 15:25:51 +0000

Au lendemain de la guerre de Trente Ans, un mystérieux soldat balafré s’installe dans un village isolé d’Allemagne. À force de labeur et de services rendus, il gagne la confiance des habitants et croit enterrer son secret. Alors que les villageois commencent à le considérer comme l’un des leurs, tout bascule lorsqu’ils se mettent à douter de sa véritable identité.

Rose
Autriche, 2026
De Markus Schleinzer

Durée : 1h33

Sortie : 09/09/2026

Note :

LE NOM DE LA ROSE

L’œuvre de l’Autrichien Markus Schleinzer est relativement rare (3 films en 15 ans) mais percutante à chaque fois. Et celle-ci voyage de plus en plus loin dans le temps : après le drame contemporain d’un gamin vivant avec un pédophile dans le glaçant Michael, après le récit au 18e siècle d’un esclave africain pris sous l’aile d’une comtesse européenne dans l’inédit en salles et brillant Angelo, nous voici désormais quelque part au début du 17e siècle, quelque part en Allemagne dans Rose. Les éléments contextuels ne sont pas si nets et la voix-off nous donne presque l’impression d’être dans un conte. Un conte hanté : il y a eu une guerre, la terre est encore fumante, les ossements s’empilent les uns sur les autres.

Rose est le héros de cette histoire. Le, car Rose vit comme un homme, soldat hier et homme de ferme aujourd’hui. Rose n’est pas trans, mais le jeu de rôles, dans une société aux esprits aussi étroit, semble être le seul espace où tout est possible – surtout pour les femmes qui ne s’appartiennent pas. Rose réussissant à tromper toute une communauté : voici la surprenante dynamique d’un quiproquo de boulevard, trempée dans un drame historique en noir et blanc, lui-même inspiré de faits réels. Rose n’a guère besoin que d’enfiler un pantalon pour être pris pour un garçon : le film adhère à ce parti-pris en soulignant l’absurdité des codes de genre. Pas de Dieu créateur dans ce monde-là pour la souveraine Rose : on s’imagine soi-même et on se crée.

Cette voix-off de conte semble tout nous dire, mais là encore les choses sont plus ambigües. « L’histoire de Rose ne commence pas là », nous prévient-elle sans en dire plus. Plus tard, la voix-off mentionne un secret révélé, tandis que les deux personnes concernées sont filmées floues à travers une fenêtre. La caméra et la narration de Schleinzer nous mettent dans une position particulière et dynamique vis-à-vis du récit. Elles laissent un espace actif, éloquent et expressif à ce qui n’est pas montré : le cinéaste prouve encore une fois sa capacité à mettre en scène une violence pourtant absente à l’écran. Et à installer un tempo à la fois lent et soutenu, participant à une totale immersion.

Beaucoup de choses sont absentes de l’écran dans Rose, ce qu’on y voit doit nous suffire à construire l’histoire et les personnages. Le film est court, son noir et blanc se débarrasse de toutes les nuances colorées de la nature. Ça ne l’empêche pas d’être profond, ça ne nous empêche pas de nous plonger au plus loin dans ses images magnétiques, au contraire. C’est simple et c’est comme ça : ce sont justement les explications simples de Rose qui rendent folles les personnes les plus ignares. Rose est un film qui se déroule il y a au moins 300 ans, mais c’est un film d’aujourd’hui sur l’obsession des réactionnaires pour ce qu’il y a dans la culotte des autres. Incarnée par la toujours extraordinaire Sandra Hüller (qui n’a parfois besoin d’aucune expression pour suggérer énormément), Rose est un personnage fantastique par ce qu’elle accomplit (son culot héroïque, sa manière de se jouer des normes sociales, son talent pour faire fuir les ours) et ce qu’elle révèle de la communauté. Lors d’un plan saisissant du début du long métrage, elle semble s’évanouir dans un carnaval tel un fantôme. Son ombre puissante traverse le film et plane longtemps encore après la séance.

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par Nicolas Bardot

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Critique : L’Inconnue

admin — Tue, 25 Aug 2026 14:50:16 +0000

À bientôt 40 ans, David Zimmerman est photographe mais personne ne le sait. Alors qu’il ne sort presque jamais de chez lui, des amis le traînent dans une fête insensée. Il y repère une femme dans la foule, ne peut en détacher le regard, la suit… Quelques heures plus tard, David se réveille : il est dans le corps de l’inconnue.

L’Inconnue
France, 2026
D’Arthur Harari

Durée : 2h20

Sortie : 26/08/2026

Note :

SOUFFREZ QU’UNE AUTRE EN MOI SE GLISSE

C’est l’histoire d’un mec qui se réveille dans le corps d’une femme. Le body switch ou body swappping, situation où deux personnages se retrouvent projetés par magie dans le corps de l’autre, est un motif si fantasque qu’il n’apparait presque jamais ailleurs que dans deux genres cinématographiques : le fantastique (un peu) et la comédie (surtout). Certes, peu de spectatrices ou spectateurs risquent de se rendre à une séance de L’Inconnue en espérant voir un remake français de Freaky Friday mais confirmons-le néanmoins : ce qui distingue avant tout le nouveau film d’Arthur Harari des autres récits de ce genre, c’est précisément son très grand sérieux.

Comme dans Onoda, 10 000 nuits dans la jungle, ce n’est pas parce que le récit possède une dimension invraisemblable que cela doit prêter à rire. Pas franchement fantaisiste, le cinéma d’Harari trouve un équilibre intrigant en se frottant concrètement au fantastique. Le cinéaste adapte ici Le Cas David Zimmerman, élégante bande dessinée qu’il a coécrit avec son frère en 2024, et pousse la fidélité très loin (il peut difficilement sans doute en être autrement lorsqu’on adapte son propre matériau). Une différence de taille est cependant à noter : le film est bien moins bavard et se paye même le panache d’avoir de longues plages sans quasiment aucun dialogue. Bien vu, pour un film sur la solitude. Solitaire même dans une fête gigantesque, David y fait pourtant la connaissance d’une inconnue, il couche avec elle sans attendre et se réveille le lendemain matin dans son corps à elle.

Comme la BD d’origine, L’Inconnue fait le choix curieux de ne jamais aborder, même du bout des doigts, cette aventure comme une parabole du vécu des personnes trans. D’abord terre à terre et urgente, l’enquête menée par David à la recherche de la mystérieuse inconnue et de son secret ouvre progressivement des pistes métaphoriques dignes des films d’horreur aux sous-textes les plus riches : une contamination mortelle par les rapports sexuels, un invincible mal-être générationnel, une tristesse contagieuse qui ne toucherait que les jeunes. Comme dans la BD d’origine, le crescendo disparait pourtant dans un dénouement en queue de poisson où ces belles promesses narratives se voient remplacées par le fantasme bien plus commun de changer de vie et tout recommencer à zéro.

Ce dernier acte frustrant donne l’impression que le très sérieux Harari ne sait pas vraiment quoi faire de la dimension poignante de son récit. D’ailleurs, la scène la plus émouvante du film, dans laquelle on retrouve Radu Jude en acteur (un choix méta qui n’est pas l’idée la plus pertinente ici à l’œuvre) s’avère en réalité n’être qu’un rêve. Cela peut se faire pardonner car ce mélange inattendu entre inquiétante mélancolie du récit et intransigeant réalisme de la mise en scène file par moment un sacré vertige. Filmer et raconter un personnage sans le faire parler, sans même parfois filmer son visage, cela demande en effet un sacré talent et le film peut compter sur celui de Léa Séydoux qui livre ici l’une des meilleures performances de sa carrière, aux cotés de France de Bruno Dumont et La Bête de Bertrand Bonello. Avec ce dernier, L’Inconnue ne partage peut-être pas autant que prévu la même folie, mais il fait preuve d’une ambition digne de la comparaison.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Soudain

admin — Wed, 12 Aug 2026 11:30:35 +0000

Directrice d’un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d’y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l’écoute et la dignité des résidents, malgré la réticence d’une partie de ses équipes. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire. En nouant une amitié profonde, les deux femmes engagent ensemble un combat pour “rendre possible l’impossible”.

Soudain
Japon, 2026
De Ryusuke Hamaguchi

Durée : 3h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

LE VOYAGE EN FRANCE

Y avait-il quelque chose d’inévitable à ce que Ryūsuke Hamaguchi vienne tourner en France ? Ceci semble être devenu un passage obligé (et effectué avec plus ou moins d’inspiration) pour les cinéastes japonais habitués de nos écrans: Kurosawa, Kore-eda et d’une certaine manière avec Kawase. La sélection de ce film tourné sous nos latitudes, au sein d’une compétition cannoise contenant déjà un très grand nombre films faits par des cinéastes étrangers avec des acteurs français (Farhadi, Kreutzer, Nemes), avait de quoi faire douter de la pertinence d’un tel voyage. Face aux scènes qui composent le début de Soudain, nos craintes sont à moitié confirmées puisque Hamaguchi se retrouve plongé dans le sous-genre roi du cinéma français contemporain : le film d’hôpital. Avec sa conviction habituelle, Virgine Efira joue non pas une infirmière mais une directrice d’ehpad, solide et presque parfaite (le genre de rôle que Léa Drucker endosse désormais dans un film sur deux). Avait-on vraiment besoin de faire venir de l’autre bout du monde un cinéaste aux films si libres pour le diluer dans des histoires de plannings de travail entre soignants ? Où est passé Hamaguchi ?

Eh bien il n’est pas très loin, et la suite de Soudain vient récompenser la patience dont il faut faire preuve devant cette mise en jambes (mais ne rangez pas votre patience définitivement). La directrice d’ehpad rencontre par hasard une metteuse en scène de théâtre. Elles se revoient, s’apprécient, s’admirent même. Elles ont des choses à se dire, beaucoup, que ce soit sur le travail, le bonheur ou même le capitalisme. Ces échanges laissés dans toute leur durée et qui mériteraient d’être chronométrés nous font alors retrouver avec bonheur le Hamaguchi qu’on connait, et même un Hamaguchi qu’on avait un peu perdu de vue, celui qui s’était imposé comme une révélation fulgurante en 2015 avec un film qui avait le culot de durer tout de même 5h17. A plusieurs moments, Soudain donne parfois l’impression d’être le film le plus radical du cinéaste depuis Senses. Parfois.

L’effet d’immersion à moitié hallucinée dans ces plages verbales est accentué par l’aisance stupéfiante dont Efira fait preuve en s’exprimant directement en japonais. Ces deux femmes savantes sans maris partent en logorrhée intellectuelle au cœur de la nuit, en partageant leur chambre, elles bâtissent des montagnes de savoir comme pour une parade nuptiale qui ne dit pas son nom. Soudain n’est peut être pas queer, mais il est sacrément cryptoqueer (comme on disait avant de remplacer ce terme par l’expression seulement à moitié équivalente queer coded) et cette dynamique de marivaudage intello évoque celle du déjà très crypto-lesbien Conte de printemps. De Rohmer, on trouve surtout ici un écho de L’Arbre, le maire et la médiathèque : dans la manière dont les personnages transforment chaque badinage en leçon docte, mais aussi dans cette façon de déposer un ton lunaire sur des discussions politiques. Tel est l’équilibre étrange du troisième acte de Soudain, où la stupéfiante radicalité verbeuse laisse place à une greffe ludique des mondes du théâtre et de l’hôpital.

Avec son titre qui ne correspond pas du tout à son rythme, Soudain est un film difficile à faire rentrer dans une case. Tantôt diablement exigeant, tantôt presque cheesy. Tantôt chastement sérieux et tantôt bouleversant de mélodrame retenu. Tantôt le film le plus bizarre de la filmographie d’Efira, tantôt le film le plus populaire de celle d’Hamaguchi. Le résultat n’est pas parfaitement équilibré, mais ces pas de côtés charment un peu plus qu’ils ne laissent perplexe. Marier ainsi les contraires est sans doute la marque des grands metteurs en scènes. Contre toute attente, Soudain vient donc paradoxalement réaffirmer la belle et franche bizarrerie qui traverse le cinéma d’Hamaguchi. Cela valait le voyage.

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par Gregory Coutaut

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Critique : L’Aventure rêvée

admin — Tue, 14 Jul 2026 15:16:07 +0000

À Svilengrad, une petite ville à la frontière bulgare, aux confins d’une Europe délaissée, Veska, archéologue, renoue avec Said, un ami d’enfance, dont la voiture vient d’être volée. En voulant l’aider, Veska glisse progressivement au coeur d’une société criminelle dont l’emprise règne sur la ville. Veska va devoir affronter ce monde à la fois trouble et dangereux.

L’aventure rêvée
Allemagne, 2026
De Valeska Grisebach

Durée : 2h42

Sortie : 15/07/2026

Note :

TOI LE COWBOY MOI L’INDIEN

L’œuvre de Valeska Grisebach (lire notre entretien) a beau être née au même moment que celles de ses collègues de l’Ecole de Berlin, au milieu des années 2000, et en avoir d’abord épousé toutes les caractéristiques d’écriture (son premier long métrage, le formidable et fantomatique Désir(s), mérite d’être redécouvert), la cinéaste allemande a suffisamment suivi ses propres chemins de traverse pour que sa filmographie, pourtant pas bien grande, ne puisse être confondue avec une autre. L’Aventure rêvée n’est en effet que le troisième long métrage réalisé par Grisebach en 20 ans, et déjà le deuxième tourné en langue bulgare, et si son titre pourrait évoquer une variation de The Dreamed Path d’Angela Schanelec, c’est au contraire dans un réel ensoleillé que nous plonge la cinéaste.

Interprétée avec une énergie lumineuse par Yana Radeva, ancienne géologue devenue actrice, Veska ne rêve pas. Elle n’a pas hérité d’un château de conte de fée mais c’est un tout petit peu comme puisqu’elle dirige une sorte de chantier archéologique autour d’une tour de guet perdue au milieu d’une campagne bulgare où l’herbe est roussie par la chaleur. Les manches retroussées, Veska n’a pas grand chose d’une aventurière non plus mais rien ne semble l’intimider sérieusement, en tout cas pas la ribambelle de petits mafieux qui opèrent dans la région et qu’elle peut difficilement ignorer. A travers cette héroïne en or, au prénom presque autobiographique, est-ce Valeska Grisebach elle-même qui s’imagine en protagoniste d’une aventurée rêvée ?

Dire que le long métrage raconte l’histoire d’une femme seule contre la mafia est à la fois tout à fait correct et un peu à côté de la plaque à force d’insuffisance. Il s’agit certes ce qui est au cœur du récit : l’ex mari de Veska, ce nouvel ouvrier qui pourrait bien devenir un nouvel amant, les petits caïds qui tournent autour de sa jeune protégée… tous les hommes du film trempent dans des magouilles et s’imaginent en cowboys au dessus des lois et souvent aussi au dessus des femmes. Face aux fanfaronnades de ces nostalgiques de « l’âge d’or des hommes », la solide Veska a toujours la même réaction : un gigantesque sourire qui n’a rien de naïf. La encore, la réaction de Veska est peut-être avant tout celle de Valeska.

Selon une recette pas très éloignée de celle de Kelly Reichardt, Grisebach se réapproprie avec un mélange de malice et de sérieux les codes de récits considérés comme exclusivement masculins plus ou moins proches du western (le film de pionnier ou de gentleman cambrioleur pour l’une, le film de mafia pour l’autre) et emploie un filtre bien à elle pour les débarrasser des clichés virils. Grisebach utilise pour cela un tempo bien particulier, une écriture subtile et une immersion parfois quasi documentaire. Pas de grande scène héroïque ou de suspens fou à signaler ici (dans ses premières scènes, L’Aventure rêvée ressemblerait même d’ailleurs presque plutôt à une romance placide) mais le plaisir de coller aux basques de cette femme shérif navigant sans craintes dans ce territoire masculin. A l’image de Western, le résultat se révèle d’un réalisme chaleureux et plein de relief.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary 2026 : notre bilan

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:43:01 +0000

Le 60e Festival de Karlovy Vary vient de s’achever et était à suivre sur Le Polyester. Bilan de cette édition anniversaire.

Fruit Gathering

Le Festival de Karlovy Vary demeure mal connu chez nous mais c’est un des festivals les plus anciens du monde et c’est également un festival officiellement classé catégorie A (label décerné aux festivals mettant en avant des premières mondiales). Ses deux compétitions généralistes sont en effet entièrement composées de premières mondiales : la compétition internationale et la compétition Proxima (dédiée à des projets plus alternatifs ou avant-gardistes). Dans une compétition principale au niveau nettement plus relevé que l’an passé, le Cristal du meilleur long métrage a été décerné à Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe. C’est la première fois que le Myanmar remporte cette récompense. Ce drame élégamment mis en scène fait le portrait touchant de deux femmes, et de l’entente féminine face à la brutalité du capitalisme et du patriarcat. Doublement primé, The Guest du Danois Mads Mengel est un drame familial tel qu’on peut l’attendre du Danemark, mais celui-ci est efficacement mené, et transcendé par la performance de Trine Dyrholm en matriarche souffrant de troubles mentaux qui débarque lors du cérémonie où personne ne souhaite sa présence. A noter également au palmarès principal le prix d’interprétation décerné à la Suissesse Anna Schinz, convaincante dans le rôle de la mère précaire de A Happy Family, un drame inégal mais qui fait preuve d’une charmante richesse de tons.

Cinco años, cuatro meses

Absent du palmarès, notre coup de cœur Cinco años, cuatro meses des Colombiens Esteban Hoyos García et Juan Miguel Gelacio Ramírez raconte le périple d’une mère à la recherche de son fils disparu sans explications et probablement assassiné. Ce long métrage épuré et émouvant fait une utilisation saisissante du réalisme magique – on parie que ce film devrait circuler dans d’autres festivals. Lauréat en 2019 avec La Saveur des coings, le duo bulgare Kristina Grozeva et Petar Valtchanov a eu moins de chance cette année mais Black Money for White Nights est néanmoins une comédie dramatique assez réussie et au féroce mauvais esprit, sur un couple de sexagénaires dont le voyage de rêve à Saint Petersbourg tourne au désastre avant même de partir.

Incinerator

Dans la compétition Proxima, deux fortes révélations se sont distinguées. Incinerator est réalisé par le Japonais Shuntaro Uchida (lire notre entretien). Le film fait le récit d’apprentissage d’une fillette triste et solitaire. Uchida, par la qualité remarquable de son écriture et de sa mise en scène, parvient à pénétrer le monde intérieur tumultueux d’une enfant quand tout autour d’elle ressemble à des non-événements. Incinerator, qui a reçu le Prix spécial du jury Proxima, correspond au meilleur de ce qu’on peut attendre du cinéma japonais indépendant. Absent du palmarès, l’incroyable The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb de l’Indien Yashasvi Juyal est un flamboyant premier long métrage qui fait mine de raconter la vie simple d’un couple au nord de l’Inde. Après un drame inattendu, le film dépeint la rencontre stupéfiante du monde quotidien et du monde spirituel. Yashasvi Juyal est assurément un nom à retenir.

Paris Paris

D’autres excitantes propositions ont été mises à l’honneur dans la compétition Proxima. Remarquée avec l’intrigant documentaire Victoria en 2020, la Belge Isabelle Tollenaere signe avec Paris Paris une attachante miniature sur le sort de quelques exilés dans la capitale. Tollenaere évite les clichés des drames sociaux sans personnalité et apporte une perspective sensible, entre comédie triste et chaleureuse empathie. Dans son documentaire My Friend the Porn Star, l’Autrichienne Rosa Friedrich raconte un échec (un documentaire sur son meilleur ami souhaitant tourner un porno, avant de se rétracter) pour mieux dessiner avec ludisme le portrait d’une sororité galvanisante et décomplexée. Parmi les talents à suivre, citons enfin le Croate Mate Ugrin dont le drame Petty Thieves est imparfait mais ce portrait de petit voleur qui se fait de l’argent lors de la saison touristique chérit ses ambiguïtés de façon prometteuse et sa mise en scène est inspirée.

Tainted Horseplay

Outre les premières mondiales et les nombreuses avant premières, le festival a, dans son programme anniversaire ou dans sa rétrospective de classiques, remis en lumière des perles du passé. Citons notamment le néoréaliste Barravento de Glauber Rocha, film fondateur du mouvement Cinema Novo, d’une grande modernité plastique, entièrement situé dans une communauté afrodescendante du Brésil, mais aussi Les Enfants d’Hiroshima, l’un des tout premiers films du Japonais Kaneto Shindo, dans lequel une enseignante se rend l’été sur les tombes des membres de sa famille assassinés lors du bombardement atomique. Réalisé quelques années seulement après la tragédie, Les Enfants d’Hiroshima est un film d’une précision et d’une pureté bouleversantes, rappelant le talent majeur d’un cinéaste qui n’est pas célébré à sa juste valeur en France. Dans un tout autre registre, Tainted Horseplay de la Tchèque Vera Chytilova est une rareté aux contrastes particulièrement gonflés. Le film, tourné à la fin des années 80 à Karlovy Vary, raconte les nuits de trois joyeux lurons faites de baises et de picole. Le film est une comédie sexy enivrée pendant 1h45 avant d’opérer pendant sa dernière demi heure un basculement de ton d’une radicalité qui laisse bouche bée. Quasiment tourné dans les lieux mêmes du festival, ce film a offert la meilleure traduction possible de l’excitant éventail cinématographique qui se déploie chaque année devant le public chanceux du KVIFF.

Retrouvez notre couverture du Festival de Karlovy Vary, composée d’une cinquantaine d’articles.

Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : La Perra

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:42:47 +0000

Sur une île isolée battue par les vents au large des côtes chiliennes, Silvia vit de la récolte d’algues et mène une existence paisible aux côtés de son compagnon. L’arrivée d’un chiot errant, Yuri, illumine son quotidien. Lorsque l’animal disparaît soudainement, un traumatisme d’enfance refait surface.

La Perra
Chili, 2026
De Dominga Sotomayor

Durée : 1h52

Sortie : –

Note :

UN SOIR, UN CHIEN

De Jueves a Domingo, Tiger Award à Rotterdam en 2012 ; Mar, sélectionné au Forum de la Berlinale en 2014, ; Tarde para morir Joven, prix de la mise en scène à Locarno en 2019 et aujourd’hui La Perra à la Quinzaine des cinéastes à Cannes. Les quatre premiers longs métrages de la réalisatrice chilienne Dominga Sotomayor ont été célébrés comme ils le méritent dans les plus grand festivals européens, alors qu’est-ce qui explique leur absence injuste des salles françaises ? On espère que les premiers pas de Sotomayor sur la Croisette (ou presque : en 2021 elle signait un segment de l’anthologie The Year of the Everlasting Storm, présenté en Séance spéciale) vont permettre au public français d’enfin rencontrer son œuvre brillante. Ca tombe bien, La Perra est un bon point de départ pour ce faire.

Tout commence ici avec une scène presque sortie d’une légende. Près d’une île où l’on raconte que même la mer est susceptible de prendre feu, une petite embarcation de pêche trouve un chien nageant seul loin du rivage. Comment le toutou a-t-il pu arriver là et survivre ? Hop, la question n’a pas vraiment le temps de se poser parmi les habitants de ce petit village de pêche. L’animal est sauvé et c’est bien le principal. Silvia, héroïne solitaire et taciturne de ce film réaliste, peut bien l’adopter sur un coup de tête. Comme dans ses films précédents, Sotomayor fait preuve d’un talent d’écriture et de mise en scène pour donner vie en quelques esquisses à peine à des personnages vibrants d’un étrange secret intérieur.

Dire que La Perra raconte l’amitié entre une femme et une chienne reviendrait à ranger le film sur la même étagère que Marley et moi avec Jennifer Aniston. Ce serait surtout faux, car le récit ne prend pas les directions attendues. Dominga Sotomayor ne filme jamais ce dramatique paysage marin du sud du Chili comme un terrain propice aux cartes postales, et la photo du chef opérateur chilien Simone D’Arcangelo (remarqué à l’image de La Légende du roi crabe, Les Colons ou encore Queer de Guadagnino) participe beaucoup à l’envoutante atmosphère de mélancolie nerveuse qui plane sur le film. La réalisatrice n’a pourtant pas peur du lyrisme, comme le prouve une scène où une cascade vient se superposer à un visage incapable de pleurer. La Perra est riche en chansons populaires sentimentales entendues à la télé ou chantées au karaoké, mais Silvia n’est pas le genre d’héroïne à laisser ses émotions s’exprimer publiquement, même à un chien.

Dominga Sotomayor adapte ici librement le plus célèbre roman de l’autrice colombienne Pilar Quintana, dont l’œuvre est riche en personnages de femmes rebelles. Ici, ce n’est pas tant Silvia qui rue dans les brancards que le récit lui-même. La temporalité peut soudain s’accélérer en un raccord aussi saisissant qu’un bourrasque, un flashback peut prendre une telle importance qu’on ne sait même plus si on souhaite revenir à l’instant présent. Le film se paye même le joli culot de presque alterner entre ses deux héroïnes, allant jusqu’à abandonner Silvia par moments par mettre sa caméra au niveau du sol et suivre la chienne à la trace. Les films précédents de Dominga Sotomayor étaient des récits d’apprentissages où la jeunesse était à la fois ardente et contrariée. Révéler comment La Perra s’inscrit dans cette continuité équivaudrait à en révéler trop de surprises, mais le film confirme une nouvelle fois le talent romanesque de la réalisatrice, même pour celles et ceux qui n’aiment pas les chiens.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Strange River

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:40:06 +0000

Alors qu’il fait du vélo le long du Danube avec sa famille, Didac, 16 ans, rencontre un garçon mystérieux.

Strange River
Espagne, 2025
De Jaume Claret Muxart

Durée : 1h46

Sortie : –

Note :

L’EDUCATION SENTIMENTALE

Papa, maman et leurs trois jeunes garçons font du vélo au soleil. Ensoleillées et bucoliques, les premières images de Strange River auraient presque l’air de sortir d’une pub pour la chicorée, ou en tout cas d’un énième film sur des vacances en famille. Les couleurs sont agréablement saturées, l’image possède une texture de pellicule au je-ne-sais-quoi de nostalgique. Il y a pourtant plus d’un caillou dans cette chaussure de randonnée, à commencer par ce regard caméra lancé nerveusement en notre direction par le plus grand des trois fils, alors même qu’il file à toute allure pour suivre le reste de sa famille. Tiens, tiens. Tous ont beau saisir la première occasion venue de faire trempette dans un paisible ruisseau, la musique à l’onirisme décalée semble venir nous chuchoter à l’oreille de nous tenir prêt et nous attendre à tout.

Premier long métrage du cinéaste catalan Jaume Claret Muxart, Strange River est effectivement tourné en langue catalane mais ne se déroule pas en Espagne. C’est le long d’un affluent du Danube que cette famille ibérique comme les autres a choisi de passer des vacances avec vélos, tentes et sacs à dos. Des vacances presque trop sportives pour êtres vraiment relaxantes, sans que pourtant nul ne s’en plaigne. A les voir peiner à remonter les routes en côte, on se dit pourtant que chacun des membres de cette familia fait autant d’effort que des poissons en train de remonter une rivière à contre-courant. Ce ne sont pourtant pas les brefs éclats de colère (qui n’a pas monté la tente à temps avant l’averse ?) qui viennent faire planer un curieux nuage au-dessus d’eux, les décrochages viennent d’ailleurs.

On ne s’en rend pas immédiatement compte, mais au long de leur randonnée, les protagonistes semblent ne jamais croiser qui que ce soit d’autre. Mais peut-être cette impression vient elle du fait que Strange River est, du moins dans sa première partie, composé presque uniquement de plans rapprochés qui viennent remplacer les paysages attendus par une invitation à analyser au microscope les dynamiques familiales, à moins qu’il s’agisse de tenter de rentrer dans l’inconscient de son protagoniste ado ? Après tout, celui-ci rêve-t-il lorsqu’il pense surprendre sa mère bien affairée sur une aire de cruising ? Les parents n’ont aucun problème avec l’homosexualité du protagoniste, mais cela ne les rend pas pour autant extrêmement adroits sur la question. Ce n’est pas parce qu’on a la liberté de dire certaines choses que tout est facile à exprimer.

Il y a du fantastique qui plane au-dessus de Strange River, mais pas du tout un fantastique inquiétant de film d’horreur. Plutôt un onirisme charmant, intrigant et puissant, qui passe par un mélange de tons inattendu. Il y a de quoi ricaner sous cape quand papa s’impose guide touristique et évoque ses souvenirs, mais à force de réminiscences pour chacun (« tu te rappelles de ton premier amour ? », « Imaginez que vous êtes encore étudiants »), le parcours estival commence à ressembler à une perte de repères presque digne d’un voyage dans le temps. Le fleuve suit son cours sinueux et chaque membre de la famille semble se trouver bercé par une temporalité flottante.

Jaume Claret Muxart mélange poésie, architecture et même clins d’oeil au cinéma allemand pour faire de Strange River une invitation à un voyage intérieur. Les secrets du dernier acte du film méritent de demeurer précieusement cadenassés mais ils viennent traduire de façon saisissante l’idée que l’on grandit autant en fuyant sa famille qu’en se nichant à l’intérieur, et qu’une éducation sentimentale se bâtit autant avec des personnes réelles qu’avec des souvenirs et des fantômes. Le résultat est l’une des meilleures révélations de l’année.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Rose of Nevada

admin — Sun, 12 Jul 2026 09:38:44 +0000

Un bateau revient mystérieusement dans le port d’un village 30 ans après avoir disparu. Deux hommes rejoignent son équipage, espérant que cela leur portera chance. De retour après leur premier voyage, ils se retrouvent transportés dans le temps.

Rose of Nevada
Royaume Uni, 2025
De Mark Jenkin

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

LES COULOIRS DU TEMPS

Il a fallu attendre sept longues années pour que Bait, le premier long métrage de l’Anglais Mark Jenkin, trouve enfin le chemin des écrans français, et ce malgré une reconnaissance internationale immédiate à l’époque : première mondiale à la Berlinale en 2019, Bafta du meilleur premier film en 2020, etc… (en France seul le Festival de La Roche-sur-Yon a eu suffisamment de flair pour le sélectionner). Récit fantomatique des ravages de la gentrification, Bait fut acclamé par sa manière radicalement novatrice de réinventer le cinéma social britannique, et Jenkin fut alors catalogué cinéaste politique, mais entre cette révélation et aujourd’hui, le cinéaste a eu le temps de réaliser deux autres longs métrages venus démontrer que cette étiquette n’était sans doute pas entièrement adéquate.

Depuis l’époque où il réalisait des courts métrages documentaires, Jenkin n’a cessé de faire le portrait de sa région natale, les Cornouailles. Il en a filmé la faune et la flore, les métiers et artisanats, les conditions de vie, et depuis son passage à la fiction il explore désormais les folklores et légendes locales. Enys men (sélectionné à la Quinzaine des cinéastes en 2022) était une fascinante expérimentation formelle autour de la folk horror, Rose of Nevada s’intéresse cette fois aux contes fantomatiques de pécheurs disparus et de fantômes marins. En effet, tout commence ici un matin, lorsque le Rose of Nevada, une petite embarcation de pêcheurs emportée par la tempête il y a belle lurette avec son équipage, est découverte amarrée au port du village. Seul indice d’une présence humaine passée à bord, un message gravé dans un recoin prévenant « Ne restez surtout pas à bord ». Cela ne suffit pas à dissuader les apprentis marins Nick et Liam de voir dans ce présage l’occasion d’enfin changer de vie.

Rose of Nevada est un film fantastique. Pleinement, mais pas que. Davantage accessible qu’Enys Men, le récit est ici moins celui d’un éprouvant film d’horreur qu’un élégant labyrinthe où les identités et les temporalités se brouillent et se superposent. Il ne s’agit pour autant pas du tout d’un film détaché du réel, et Jenkin attache autant d’importance au portrait réaliste de cette petite communauté locale qu’à l’exploration de cette dimension surnaturelle. Le cinéaste pousse même le culot jusqu’à inclure un passage quasi documentaire sur les gestes quotidiens qui composent la vie à bord d’un bateau de pèche. Filmer du fantastique avec le plus grand sérieux n’est pas une formule inédite (rien que dans ces dernières semaines, on peut penser à L’Inconnue de Harari), mais celles et ceux qui ont déjà vu des films de Jenkin savent que sa mise en scène proprement unique fait souffler un vent de folie sur les rivages qu’il filme.

Le paradoxe du cinéma de Jenkin est d’utiliser des techniques provenant d’un autre âge de l’histoire du cinéma pour aboutir à un résultat saisissant et moderne, qui ne ressemble à rien de connu. Jenkin ne tourne pas seulement en pellicule, la caméra qu’il utilise est si ancienne qu’elle ne permet ni les plans longs ni la prise de son en direct. Tout ce que vous entendrez, des dialogues au moindre bruit, a en effet été recréé en studio. Aussi fou que le travail sur le son est celui du montage, tout en surgissement et juxtapositions nerveuses. Le résultat ressemble à un rêve venu d’ailleurs, du temps du cinéma muet ou d’un recoin oublié des années 60, comme si le documentariste Robert Flaherty réalisait soudain un épisode de La Quatrième dimension. Ce formalisme pourrait sembler autocentré mais Jenkin n’oublie pas la dimension poignante de ses personnages, jeunes adultes peinant à trouver leur place d’homme, déboussolés face à un héritage en forme de malédiction.

La présence au casting, pour la première fois chez le cinéaste, de deux acteurs connus (George MacKay et Callum Turner) ne signifie pas que le cinéaste a mis de l’eau dans son vin pour séduire un plus grand public. Néanmoins, les fans du cinéaste ressentiront peut-être un léger manque de surprise (un comble), à défaut d’un manque de plaisir. Pour les connaissseur.euses, disons que Rose of Nevada se situe effectivement pile à la croisée de Bait et Enys Men. Du premier, Jenkin conserve un récit dialogué et des personnages masculins nuancés. De l’autre, il garde des couleurs féroces et le pouvoir hypnotisant de la répétition. Touchant dans sa richesse d’interprétation, Rose of Nevada se détache par un ton doux-amer autant qu’inquiétant. Une recette inattendue, qui vient confirmer que Jenkin reste l’un des cinéastes contemporains les plus singuliers, non seulement du cinéma fantastique mais du cinéma tout court. Un cinéma voguant si fièrement à contre-courant mérite d’être hautement célébré.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Karlovy Vary 2026

admin — Sat, 11 Jul 2026 17:48:00 +0000

La 60e édition du Festival de Karlovy Vary s’achève ce samedi soir. Vous avez pu la suivre en direct sur Le Polyester. Son palmarès a été dévoilé.

C’est Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe qui a remporté le Cristal du meilleur film. L’histoire : deux jeunes femmes au Myanmar vivent des existences oppressantes. Travaillant dans une usine de textile à Yangon, elles font face à un travail épuisant, à la répression sociale et à l’incertitude économique. Bien que le rythme harassant de la vie quotidienne étouffe les liens humains, les deux femmes continuent de rêver d’intimité et d’évasion. Retrouvez notre critique du long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Fruit Gathering

Compétition Globe de Cristal

Grand Prix : Fruit Gathering, d’Aung Phyoe
Prix spécial du jury : The Guest, de Mads Mengel
Prix de la mise en scène : Mads Mengel pour The Guest
Prix d’interprétation féminine : Anna Schinz pour A Happy Family
Prix d’interprétation masculine : Ghassan Saad pour Pipes

Lover, Not a Fighter

Compétition Proxima

Grand Prix : Lover, Not a Fighter (Milovník, nie bojovník), de Martina Buchelová
Prix spécial du jury : Incinerator (Shokyakuro), de Shuntaro Uchida
Prix de la mise en scène : A Whole Person Almost (Enas olokliros anthropos schedon), de Efthimis Kosemund-Sanidis
Mention spéciale : 33 Steps (33 krokov), de Anna & Šimon Domček

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival de Karlovy Vary | Critique : Against Nature

admin — Sat, 11 Jul 2026 14:04:49 +0000

Après de nombreuses années loin de chez lui, Jonás retourne à la campagne pour commencer à travailler comme tailleur de pierre. Dans un endroit marqué par la dureté de la vie, il s’ouvre à quelque chose d’intangible – une force qui imprègne le paysage, les corps et le temps lui-même

Against Nature
Mexique, 2026
De Axel Bertha

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

NATURE HUMAINE

Un écran gris ouvre Against Nature, long métrage dévoilé au Festival de Karlovy Vary. Mais ce n’est pas un monochrome statique : le gris se nuance peu à peu et à l’image se dessinent des ouvriers qui travaillent la roche. La nature sous différentes formes est parcourue dans le premier long métrage du Mexicain Axel Bertha, mais le lien entre les individus et celle-ci semble contrarié – comme le suggère le titre du film.

Jonás est de retour chez lui après des années d’absence et ce retour n’est pas dénué de sombres mystères. Mais peu importe : le monde a été empoisonné, tout a été massacré et personne ne nous regrettera. C’est le constat examiné par Against Nature, triste méditation métaphysique qui questionne le fait de se sentir étranger au monde. Il y a quelque chose d’engageant à ne pas délivrer un film de réponses, mais Against Nature est parfois, à nos yeux, figé dans une posture cryptique.

Le film, néanmoins, parvient à être ample malgré sa courte durée. Il évoque d’autres parentés mexicaines damnées comme Carlos Reygadas ou Amat Escalante. Si son manque d’explication peut rendre le récit aride, Against Nature se distingue par des compositions formelles spectaculaires – le regard d’Axel Bertha sur notre monde à bout de souffle est puissant et inspiré.

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par Nicolas Bardot

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