Karlovy Vary - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Le Mystérieux regard du flamant rose

admin — Tue, 17 Feb 2026 16:31:25 +0000

Début des années 1980, dans le désert chilien. Lidia, 11 ans, grandit au sein d’une famille flamboyante qui a trouvé refuge dans un cabaret, aux abords d’une ville minière. Quand une mystérieuse maladie mortelle commence à se propager, une rumeur affirme qu’elle se transmettrait par un simple regard. La communauté devient rapidement la cible des peurs et fantasmes collectifs. Dans ce western moderne, Lidia défend les siens.

Le Mystérieux regard du flamant rose
Chili, 2025
De Diego Céspedes

Durée : 1h44

Sortie : 18/02/2026

Note :

LA VIE AU RANCH

La jeune Lidia grandit dans un contexte qui n’a rien d’habituel. Non seulement elle réside en plein désert mais elle partage son habitation avec un groupe de femmes trans et de drag queens (des autoproclamées travestis, selon le mot espagnol qui peut justement englober les deux). Les raisons qui l’ont amenée à vivre ainsi entourée de marraines queer n’est expliqué que du bout des doigts et après tout tant mieux. C’est comme ça et pas autrement, et c’est même très bien comme ça : à peine Lidia se fait-elle emmerder par les ados débiles du coin que tout ce ranch trans se met joyeusement en branle pour aller rétablir la justice à coup de poings. Si vous cherchez la bagarre, vous l’avez trouvée.

De la castagne, il y en a régulièrement dans le quotidien de Lidia et sa famille. Ces femmes fières ne sont pas du genre à se laisser marcher sur les pieds et ce n’est pas qu’une métaphore. Des films queer qui incitent à une fière rébellion, on en a vu des tas, mais la récurrence avec laquelle ce drôle de récit nous incite à une saine colère exprimée à coups de torgnole témoigne d’un mauvais esprit réjouissant. Le Mystérieux regard du flamant rose ne ressemble pourtant pas du tout à une version queer de Shérif, fais-moi peur. S’il possède bel et bien des parenthèses humoristique, le ton général est à… oui tiens, à quoi d’ailleurs ? Comment qualifier la drôle d’atmosphère digne et rageuse à la fois qui règne sur le film ?

Une légende plane sur ce coin du Chili. L’action se déroule au début des années 80 et les vieux du coin raconte que les femmes trans et autres homosexuels seraient capable de transmettre une maladie mortelle rien que par le regard. La métaphore n’a pas besoin d’être davantage surlignée et le cinéaste Diego Céspedes trouve l’équilibre judicieux pour la manier sans lourdeur, avec poésie et recueillement. Le Mystérieux regart du flamand rose possède quelques imperfections de rythme mais son scénario n’a pas peur de virages, des variations de tons inattendues (certaines bulles oniriques méritent d’être découvertes sans spoiler) et se permet même le culot talentueux de changer de protagoniste en cours de route. Poignante et merveilleuse à la fois, voilà une histoire de transmission queer entre générations telle qu’on aimerait en croiser plus souvent.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Urchin

admin — Wed, 11 Feb 2026 05:00:38 +0000

À Londres, Mike vit dans la rue, il va de petits boulots en larcins, jusqu’au jour où il se fait incarcérer. À sa sortie de prison, aidé par les services sociaux, il tente de reprendre sa vie en main en combattant ses vieux démons.

Urchin
Royaume-Uni, 2025
De Harris Dickinson

Durée : 1h39

Sortie : 11/02/2026

Note :

LA RUE DE LA HONTE

« Les amis, avez-vous déjà entendu parler de Jésus ? » : voilà la première réplique entendue dans Urchin ; il s’agit de propos tenus à la cantonade, dans la rue. Le protagoniste d’Urchin, Mike, déjà plus vraiment un gamin comme le suggère le titre du film, est un marginal, sans domicile fixe, atteint d’addictions. Pas grand-chose à attendre de Jésus, merci, et plus grand-chose à attendre de qui que ce soit dans une société ravagée par les politiques d’austérité outre-Manche. Urchin est le premier long métrage en tant que réalisateur de l’acteur britannique Harris Dickinson, vu chez Eliza Hittman, Ruben Östlund ou plus récemment dans Babygirl. Ce film a fait sa première mondiale au Festival de Cannes dans la section Un Certain Regard ; voilà qui est prestigieux mais on connaît aussi la complaisance du festival vis-à-vis de « films d’acteurs » qui parfois ressemblent davantage à de confortables séances de gala qu’à des révélations cinématographiques marquantes.

Bonne surprise : Urchin fait assez régulièrement preuve d’un vrai point de vue. Également scénariste, Dickinson parvient à nous synthétiser la situation de son personnage en quelques scènes : Mike est une anomalie dans la rue, demande des sous à répétition, trouve des excuses pour dormir ici ou là, déroule son matelas dans des endroits isolés. Cette succession de scènes courtes impriment une dynamique au film tout en nous informant sur ce qu’on doit savoir. La caméra est à distance, comme si l’on était dans la foule, ou sur le trottoir d’en face. Mais il n’y a pas de froide distance entre le regard de José Deshaies (talentueuse directrice de la photographie qui a collaboré à plusieurs reprises avec Bertrand Bonello) et Mike. Dickinson filme un personnage vivant plutôt qu’un sujet d’étude.

De fait, la finesse d’écriture donne de l’espace au personnage, son parcours n’est pas une ligne droite, il ne s’agit pas que d’un bloc sur un « marginal pauvre ». Voilà qui donne de la complexité et qui essaie d’être à la hauteur de son sujet. Urchin parvient aussi de manière assez fine à questionner notre point de vue. Sans en atteindre les sommets, le film est plus proche de l’aspérité qu’on peut trouver dans les premiers Ken Loach, que de ses derniers films plus lisses. Ainsi, lorsque Mike agresse un homme qui l’aide, le long métrage déjoue ce qu’on peut redouter de mièvre ou de facilement réconfortant. La situation n’est pas confortable, les sentiments ne le sont pas non plus, à l’image du paternalisme et de la condescendance avec lesquels on s’adresse à Mike, même pour l’assister.

Mike est aspiré par l’existence, comme l’eau qui s’écoule dans le siphon de la douche. Mais, à l’autre bout des canalisations, aussi surprenant que cela puisse paraître, il y a peut-être quelque chose. Dans la tête de Mike, il y a des images mentales, une échappée possible. Ces ruptures surprennent, comme surprend l’usage d’une musique électro inattendue dans ce cadre de cinéma social britannique. Jusqu’au bout, Urchin parvient s’écarter, même juste un peu, de ce qu’on peut attendre. Rien n’est aussi simple et bêta que les slogans de développement personnel écoutés par Mike. Le dénouement du film nous laisse à nous aussi de l’espace, évitant au long métrage d’être un simple sujet des Dossiers de l’écran. Urchin peut également compter sur la prestation remarquable de son acteur principal, Frank Dillane, investi dans son rôle avec autant de charisme que de failles.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Avant/Après

admin — Mon, 19 Jan 2026 02:55:49 +0000

Jérémy et Baptiste se rencontrent par pur hasard, mais ils réalisent rapidement qu’ils ont quelque chose en commun : le désir de se sentir bien dans leur peau à nouveau et de trouver une solution à leur calvitie.

Avant/Après
Belgique, 2025
De Manoël Dupont

Durée : 1h20

Sortie : 02/12/2026

Note :

EFFETS SECONDAIRES

Quel film peut bien se cacher derrière ce titre aussi neutre et factuel qu’un mode d’emploi ? Paradoxalement : tout l’inverse, c’est à dire un film vibrant, touchant et surtout difficile à définir de façon évidente. « Comment me décrirais-tu? » demande l’un des protagonistes à l’autre lors d’une mise à nu vulnérable. Le film entier parait poser la même question à son public, pas dans le sens où il ressemblerait à un rébus complexe à résoudre mais plutôt car il prend la forme d’une singulière et chaleureuse invitation à venir partager des choses intimes, rarement abordées telles quelles dans d’autres films.

Tout débute dans l’habitacle d’une voiture. Deux hommes qui semblent ne pas si bien se connaitre roulent en pleine nuit vers une destination inconnue. Plusieurs interrogations sur le lien qui unit ses personnages et leur identité demeurent délibérément floues (mais juste ce qu’il faut). Le film laisse des points d’interrogation un peu partout, parfois émouvants, parfois nerveux (pourquoi le simple fait de partager un Sundae chez Mcdo devient compliqué ?) ou drôles (pourquoi l’un des deux doit-il s’éclairer au flambeau dans sa propre maison ?).

« Comment me décrirais-tu? » en guise de réponse, le mot chauve pointe rapidement son nez. On découvre que les deux héros ont pour projet commun de se rendre en Turquie pour bénéficier d’une greffe de cheveux. La caméra les suit à la trace, captant au passage à même la rue la réalité du pays qui les entoure (le film a été tourné au moment des élections). Mais cet effet de réel n’est qu’un amuse-bouche par rapport à la manière dont le reste du film se déploie. De rencontres avec des vrais professionnels et authentiques explications scientifiques, les acteurs (qui portent les mêmes noms que leurs personnages) se retrouvent impliqués concrètement et physiquement dans ce qui ressemble de plus en plus à un documentaire, au point de subir réellement ces greffes.

Si grande soit-elle, cette surprise n’est pas l’unique du film. A travers différentes ruptures de tons, de coups de théâtre narratifs et de virages secs et flous entre fiction et réalité, le film bâtit une imprévisible mosaïque de vulnérabilité masculine. Ces deux compères aux yeux mélancoliques, qui ont chacun du mal à s’exprimer dans leur anglais naze, paraissent traverser la vie sans amarres. Avant/Après est à la fois doux/amer et très tendre dans sa manière de raconter le rapprochement intime et inattendu de ces deux hommes. Le film ne ressemble jamais à une histoire d’amour classique et pourtant il parvient à nous briser le cœur sec et le recoller en même temps.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Les Échos du passé

admin — Tue, 06 Jan 2026 10:46:35 +0000

Quatre jeunes filles à quatre époques différentes. Alma, Erika, Angelika et Lenka passent leur adolescence dans la même ferme, au nord de l’Allemagne. Alors que la maison se transforme au fil du siècle, les échos du passé résonnent entre ses murs. Malgré les années qui les séparent, leurs vies semblent se répondre.

Les Échos du passé
Allemagne, 2025
De Mascha Schilinski

Durée : 2h29

Sortie : 07/01/2026

Note :

NOUS ÉTIONS A LA MAISON, MAIS

Le lien entre le territoire et l’identité, la manière dont les lieux où l’on réside nous définissent définitivement ou non, traversent le cinéma allemand moderne. C’est ce qui a participé à faire des œuvres de Wenders et Herzog des perpétuelles explorations sans frontières, mais c’est aussi aussi ce qui transforme chaque portrait psychologique de l’Ecole de Berlin en poignants films de fantômes sans attache. Cette question est ici au cœur même du récit et de son concept. Quatre jeunes filles d’âges différents, quatre époques distinctes, mais un seul et même lieu : une ferme familiale qui passe de génération en génération. Ces récits ne paraissent pas avoir de liens immédiatement évidents entre eux, ils s’alternent et se répondent selon une logique non chronologique. Les Échos du passé voyage dans le temps à mesure que l’on explore cette demeure pièce par pièce.

Le film n’a pas besoin de davantage de quelques minutes, d’un cut et d’un changement de ton sec pour faire de cette chaumière un terrain de jeu, une prison et un mausolée à la fois. Il y a bien quelques scènes en extérieur au fil de ces deux heures et demi, mais l’horizon de ces héroïnes ne s’étend guère plus loin que vers le ruisseau d’à côté. La cinéaste allemande Mascha Schilinski (qui n’avait jusqu’ici signé qu’un seul film, inédit en France) filme ces différentes époques dans un même code couleur sépia qui les rend délibérément moins aisées à distinguer les unes des autres, soulignant que rien ne change vraiment. Chacune de ces héroïnes doit faire face à ses propres enjeux (ceux de son âge, de son époque et de son statut familial), mais une même malédiction semble planer sur toutes. Ces femmes sont toutes chez elles, elles ne sont pas explicitement en danger dans la maison et pourtant quelque chose cloche. Unetelle rit toujours au mauvais moment, une autre est victime d’un hoquet révélateur… Mais quel est cet héritage qui semble ne jamais pouvoir quitter les murs de cette maison quasi hantée ?

Ces perpétuels va-et-vient temporels donnent aux Échos du passé un rythme particulier, qui demande d’autant plus de patience que le film bâtit son ambition et son étrangeté progressivement. La récompense est que, telle une éponge imbibée d’eau, le long métrage paraît ne jamais devoir cesser de gonfler et de s’amplifier. Les Échos du passé ne choisit ni la voix du réalisme social en mode almanach champêtre, ni celle du film historique sagement appliqué, Schilinski (lire notre entretien) a beaucoup plus de singularité à offrir que cela. Que faisaient les femmes pendant que les hommes étaient au champs, à la guerre, au cimetière ? Elles pensaient. D’abord discrètes, les voix off des protagonistes se libèrent progressivement. A défaut d’avoir l’occasion ou le droit de s’exprimer dans la vraie vie, leur monologue intérieur joue des coudes pour prendre la place qu’il mérite, et décolle du réalisme pour faire pencher tout le film vers… vers quoi exactement ? Bien malin qui arrivera à réduire en une seule phrase ou slogan de quoi parle Les Échos du passé.

Rétrospectivement , ce n’est pas un hasard si plusieurs des premières scènes sont filmées à travers des serrures ou des trous dans le mur, telles des vues subjectives craintives et cachées. Ce sont en effet les flux inconscients des héroïnes qui se libèrent progressivement et tissent une poésie à la dimension morbide inattendue. Gothique n’est pas un adjectif qu’on a souvent l’occasion de coller au cinéma allemand contemporain mais c’est sans doute celui qui colle le mieux aux Échos du passé, dont les scènes les plus stupéfiantes méritent de conserver toute leur surprise mais sont portées par des pulsions de mort dont le jaillissement et l’ampleur laissent coi. Cette fresque philosophique fait partie de cette famille de films où il semble à première vue ne pas se dérouler grand chose mais comme l’exprime magistralement l’un des meilleurs dialogues du long métrage : « on dit que ce sont les actes qui comptent, mais je pense plutôt que l’on est ce qui l’on pense ».

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par Gregory Coutaut

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Critique : En garde

admin — Tue, 30 Dec 2025 22:10:30 +0000

Jie, un jeune talent prometteur de l’escrime, renoue avec son frère aîné Han, récemment libéré après sept ans de prison pour la mort accidentelle d’un adversaire lors d’une compétition. En secret, Han soutient Jie dans son entraînement, l’aidant à viser une qualification aux championnats nationaux. Mais une dispute éclate, et Jie commence à douter de l’innocence de son frère.

En garde
Singapour, 2024
De Nelicia Low

Durée : 1h49

Sortie : 31/12/2025

Note :

MASQUE POUR MASQUE

Coproduit par Taiwan, Singapour et la Pologne, En garde est le premier long métrage de la cinéaste Singapourienne Nelicia Low. Avant de se lancer dans le cinéma, cette dernière pratiquait l’escrime, et c’est justement cette discipline qu’elle impose à ses protagonistes. Ce sport à l’élégance cinégénique (tenues strictes, masques intrigants et combats aux chorégraphies brèves et intenses) donne ici lieu à de jolies séquences de captation, mais son intérêt ne s’arrête pas là. Dans le récent film chinois Brief History of a Family (également présenté à Karlovy Vary, où En garde a fait sa première), cette discipline masquée allait comme un gant à un protagoniste se faisant passer pour un autre. Low pousse la métaphore plus loin, symbolisant la relation ambivalente de deux frères cherchant à anticiper et parer chacun des mouvements de l’autre.

Han sort de prison pour avoir causé il y a des années la mort de son adversaire lors d’un combat d’escrime. Il jure qu’il s’agissait d’un accident, mais seul Jie, son petit frère, semble prêt à le croire. Il faut dire qu’Han a sauvé Jie de la noyade quand il était petit, l’admiration sans borne que celui-ci lui porte en retour ne peut donc souffrir aucune nuance. Le titre du film fait référence aux protections vestimentaires indispensables à la pratique du sport, ainsi qu’aux dangers représentant un fleuret (délibérément ?) cassé, mais on peut aussi le lire comme une référence aux doutes qui s’immiscent peu à peu dans l’amour fraternel de Jie pour Han. L’innocence clamée par celui-ci n’est elle qu’un masque de plus ?

A chaque apparition, Han a l’air d’un méchant sorti d’un film d’action. Jie au contraire, est demeuré un garçon sensible aux yeux écarquillés et au badge Naf Naf. Cette opposition pourrait enfermer En garde dans une binarité convenue, mais Low sait elle aussi esquiver nos attentes et faire d’élégants pas de côté. Elle nous fait ainsi passer avec fluidité du drame familial au film à suspens en passant par la comédie romantique gay : grâce à son bad boy hétéro de frère, Jie trouve enfin le courage de parler au garçon de ses rêves dans ce qui constitue une adorable intrigue parallèle. Han serait-il un vrai gentil?

L’ambiguïté que Low met au cœur de son scénario est entourée de beaucoup de douceur. Les angles sont ici gentiment arrondis au point d’émousser régulièrement le sentiment de potentiel danger imminent (même si là encore, le récit possède ses surprises). Si le scénario ronronne un peu par moments, l’élégance esthétique d’En garde convainc et charme sans réserve. D’une rivière brumeuse jusqu’aux néons roses de la ville, chaque décor est mis en valeur par la superbe photo du chef opérateur polonais Michal Dymek , dont le travail crevait déjà l’écran dans EO, The Silent Twins, Cold War ou plus récemment encore La Jeune femme à l’aiguille. Sans doute un peu moins lisse qu’il n’y parait tout en restant très accessible, ce drame fraternel est le plus immédiatement plaisant des films de la compétition de Karlovy Vary.

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par Gregory Coutaut

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Critique : L’Amour qu’il nous reste

admin — Tue, 16 Dec 2025 18:00:06 +0000

La trajectoire intime d’une famille dont les parents se séparent. En l’espace d’une année, entre légèreté de l’instant et profondeur des sentiments, se tisse un portrait doux-amer de l’amour, traversé de fragments tendres, joyeux, parfois mélancoliques. Un regard sensible sur la beauté discrète du quotidien et le flot des souvenirs qui s’égrènent au rythme des saisons.

L’Amour qu’il nous reste
Islande, 2025
De Hlynur Pálmason

Durée : 1h49

Sortie : 17/12/2025

Note :

TOUT C’QUI NOUS SÉPARE

Des gosses, un chien, une partie de basket en fin de journée : la famille représentée dans L’Amour qu’il nous reste ressemble à n’importe quelle famille. Et comme tant d’autres familles, celle-ci est un échec : papa et maman se séparent. Cette séparation est à peine dite mais la subtile écriture de l’Islandais Hlynur Pálmason est suffisamment éloquente, et l’on peut être reconnaissant vis-à-vis du cinéaste car ce dernier fait, tout au long du film, confiance en l’intelligence de ses spectatrices et spectateurs et n’a jamais vraiment recours à des démonstrations scolaires.

L’Amour qu’il nous reste compose ainsi un portrait familial cassé, mais plutôt que des scènes factuelles de déchirements ou de tendresse, Pálmason illustre plutôt ce qui est ressenti. Comment, en termes visuels, représenter la peur irrationnelle, les mauvaises pensées des protagonistes, l’absurdité qui semble régir l’existence – même quand on imagine celle-ci parfaitement réglée ? Comment mettre en scène des sentiments plus grands que le quotidien ? Le ton de L’Amour qu’il nous reste est toujours libre, et si le film n’est jamais aussi radical que son premier essai Winter Brothers, Hlynur Pálmason infuse dans un cadre relativement grand public une bonne dose de personnalité et d’originalité.

Dans L’Amour qu’il nous reste, on assiste en quelques plans à la vie d’un poussin qui devient un coq avant de disparaître. Pálmason aime mesurer le temps qui passe et joue avec les échelles de manière à la fois ludique et poignante. Des inventaires de la vie, le quotidien des hommes et des femmes à l’ombre de la nature, des plans de baies ici, de champignons là. Le temps passe et passe et passe encore comme dans ces plans répétés autour d’un épouvantail immobile – finira-t-il par remuer ? C’est improbable mais cela peut arriver, à l’image des surprenantes touches d’horreur qui s’invitent dans le récit (à la télé avec L’Étrange créature du lac noir ou dans un coin de cuisine où trainent des couteaux aiguisés). Oui, le récit d’une famille disloquée peut tourner au film d’horreur, mais là encore c’est une perspective sensible et poétique. Car rien n’est si littéral dans L’Amour qu’il nous reste : tout est sérieux et rien n’est si sérieux.

Le long métrage s’ouvre par de surprenantes images d’une maison vidée et dont le toit s’envole. C’est, là encore, quelque chose de très concret (s’agit-il de travaux ? d’une destruction ?), mais difficile de dire précisément ce qui se passe et pourquoi. On ressent pourtant ce qui cloche dans le foyer, qui peut être cosy et rempli de tension, baigné dans une lumière qui parvient à être à la fois chaleureuse et triste. Les cadres inventifs ne le sont pas par simple vanité : la mise en scène expressive de Hlynur Pálmason réussit à rendre vivant et émouvant un sujet qu’on pourrait penser figé ou rebattu.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Cabo Negro

admin — Tue, 02 Dec 2025 12:15:12 +0000

Deux jeunes de Casablanca, Soundouss et Jaâfar, arrivent dans une luxueuse villa de la station balnéaire de Cabo Negro. La villa est louée par l’amant de Jaâfar, un riche Américain qui est censé les rejoindre plus tard. Mais quelque chose ne va pas : ce dernier n’est toujours pas là et ils ne parviennent pas à le joindre par téléphone. Livrés à eux-mêmes, ils décident, malgré leur situation financière et personnelle incertaine, de profiter de leurs vacances autant que leur esprit et leur corps le leur permettent.

Cabo Negro
France/Maroc, 2024
D’Abdellah Taïa

Durée : 1h16

Sortie : 03/12/2025

Note :

NOUS AVONS, VOUS AVEZ, LA MAISON

Quoi de plus parfait que des vacances d’été sans adultes quand on a l’âge des premiers amours ? Soundouss et Jaâfar s’apprêtent à passer un séjour idéal, loin de leur quotidien, dans une villa de Cabo Negro au Nord du Maroc. La villa est confortable, le soleil caresse déjà les corps pressés de se mette en maillot. Jaâfar le sensible attend impatiemment la venue de son mentor Jonathan, le propriétaire des lieux qui leur a prêté les clés, tandis que la sage Soundouss envoie des messages enflammés à son amante restée à Casablanca. Tout a l’air réuni pour des vacances idéales, mais les invités attendus amoureusement par les protagonistes peinent décidément à donner des nouvelles. Le désir adolescent laisse peu à peu place à une attente circonspecte et mélancolique.

Quoi de plus confortable qu’un film d’été ? Dans cette famille de films, très souvent représentée dans le cinéma français, les codes varient rarement pour raconter l’éveil sentimental de jeunes adultes au soleil. Le romancier marocain Abdellah Taïa (Le Jour du roi, Un pays pour mourir), dont Cabo Negro est le deuxième film, n’a au contraire pas peur des virages et apartés. Il tisse ici un scénario délicat, très proche de la sensibilité de ses personnages, et pourtant imprévisible, riche de contrepieds amenés sans tambour ni trompette. A force d’attendre Godot, Soundouss et Jaâfar vont en effet grandir, mais pas selon les clichés cinématographiques habituels. Rien n’est trop facile ici, on y ressent plutôt le poids d’une sourde malédiction contre laquelle tout rituel est bon à prendre.

L’échelle de Cabo Negro demeure somme toute assez réduite, et cela peut donner la fausse impression que le résultat ne va pas dépasser le stade de l’anecdotique ou du convenu (dans certaines scènes, le phrasé articulé peut évoquer les interprètes de Rohmer). Il y a pourtant beaucoup de personnalité dans cette carte du tendre aux chemins zigzagant par-dessus les frontières. Les différentes rencontres qui vont ponctuer ces quelques jours de vacances vont agrandir le cœur des protagonistes et en même temps élargir l’ambition du scénario dans des directions poignantes et étonnantes. Le résultat final serre le cœur avec une intensité qu’on n’avait pas vue venir.

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par Gregory Coutaut

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Festival Chéries-Chéris | Critique : Lesbian Space Princess

admin — Mon, 24 Nov 2025 03:56:30 +0000

Saira, princesse introvertie et fille des reines de la planète Clitopolis, se fait larguer par sa petite amie. Lorsqu’elle découvre que son ex a été enlevée par les Straight White Maliens, Saira part en mission inter-gay-lactique pour sauver Kiki des griffes des incels maléfiques.

Lesbian Space Princess
Australie, 2025
De Emma Hough Hobbs et Leela Varghese

Durée : 1h27

Sortie : –

Note :

LIVE, LAUGH, LESBIAN

Lesbian Space Princess : voilà tout un beau programme promis par le titre du film réalisé par Emma Hough Hobbs et Leela Varghese, originaires d’Australie et qui signent ici leur premier long métrage. Dévoilé en première mondiale au Panorama de la Berlinale, Lesbian Space Princess a remporté le Teddy Award du meilleur film de fiction – devenant ainsi le premier film d’animation à gagner la plus prestigieuse des récompenses queer.

Généreux crowd pleaser, Lesbian Space Princess peut s’adresser à un public potentiellement adolescent : les couleurs flashy et le design naïf ne sont pas spécifiquement propres à un film d’animation « pour adultes ». Le film est certes grand public, mais sans diluer tout ce qui peut faire la spécificité de ce spectacle profondément queer, absolument camp, brassant des références allant de The L Word à La Vie d’Adèle tout en pratiquant une discipline de base de toute personne queer qui se respecte : se foutre de la gueule des hétéros.

Si Lesbian Space Princess ne se retient jamais d’être queer, le film évite avec habileté un ton de fan service qui pourrait volontiers tourner à l’infantilisation digne d’un programme de Netflix. Le ton du long métrage est bon enfant, mais il sait aussi trouver un peu de sel dans sa faculté à être très malin dans son idiotie (a-t-on précisé que le film débute sur une planète qui s’appelle Clitopolis, notoirement dure à trouver ?). Le dénouement un peu précipité de de récit initiatique et sentimental n’est pas le point fort de Lesbian Space Princess mais le film donne suffisamment pour pardonner ses défauts.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Trans Memoria

admin — Tue, 18 Nov 2025 20:00:03 +0000

Un journal intime documentaire dans lequel l’artiste conceptuelle Victoria Verseau retourne en Thaïlande où, en 2012, elle a bénéficié d’une chirurgie d’affirmation de genre.

Trans Memoria
France/Suède, 2024
De Victoria Verseau

Durée : 1h12

Sortie : 19/11/2025

Note :

MODE D’EMPLOI

L’œuvre de l’artiste pluridisciplinaire Victoria Verseau prend divers chemins et divers visages pour explorer l’intimité. Il n’est pas question de ses œuvres dans Trans Memoria, mais celles que l’on aperçoit en introduction évoquent des herbiers décalés, des accumulations archéologiques. Pour ce documentaire de cinéma, Verseau a choisi la forme familière du journal intime, mais c’est également d’une archéologie de l’intime dont il est ici question. Deux Victoria apparaissent a l’écran. Il y a celle d’il y a douze ans, en larmes dans sa chambre d’hôtel thaïlandaise à la veille d’une opération très attendue de réaffirmation de genre. Il y a aussi la Victoria d’aujourd’hui, de retour dans la même ville, dans la même chambre. Cette dernière est accompagnée de deux amies également trans, mais également d’un quasi fantôme : l’absence de Meril, une amie disparue et sans doute décédée.

Il y a donc une double enquête dans Trans Memoria, ou plutôt une double exploration car le documentaire est voilé d’une certaine mélancolie, comme un deuil face aux réponses et certitudes dont on sait qu’elles ne viendront jamais. La réalisatrice dit vouloir « documenter mon parcours tel qu’il a été » et de fait, il y a une place importante laissée ici aux descriptifs des étapes médicales et autres éléments objectifs. Comme dans ses œuvres, Verseau compile à l’image des lieux anonymes (chambres d’hôtels ou d’hôpital), et on ne peut que deviner les gloires et drames personnels qui s’y sont joués.

Cette confrontation de l’impersonnel et du personnel est parfois sèche, mais au-delà du concept, le film sait in fine se recentrer sur l’humain. Avec une honnêteté brutale, Trans Memoria n’occulte pas la violence des parcours des femmes trans qu’elle évoque ici. Il est question de douleurs physique, de « trou qui ne marche pas » et de suicide, même si ce dernier est évoqué dans un grand éclat de rires. L’échelle de ce document personnel demeure sans doute un peu réduite, mais il possède un ton doux-amer étonnant, prouvant que la réalisatrice sait faire naître la chaleur humaine même derrière de froides apparences.

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par Gregory Coutaut

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Critique : On vous croit

admin — Tue, 11 Nov 2025 07:30:00 +0000

Aujourd’hui, Alice se retrouve devant un juge et n’a pas le droit à l’erreur. Elle doit défendre ses enfants, dont la garde est remise en cause. Pourra-t-elle les protéger de leur père avant qu’il ne soit trop tard ?

On vous croit
Belgique, 2025
De Charlotte Devillers & Arnaud Dufeys

Durée : 1h18

Sortie : 12/11/2025

Note :

MA PAROLE

On vous croit n’a besoin que de quelques secondes à peine pour filer à vive allure et nous emporter. Un visage de mère essoufflée et en larmes, des enfants agités laissés entièrement hors champ et un format d’image carré qui resserre sec sur l’action composent ce qu’il convient d’appeler un démarrage canon. Parmi les nombreuses qualités de ce long métrage coréalisé par le duo franco-belge Charlotte Devillers et Arnaud Dufeys (lire notre entretien), le rythme est sans doute la plus spectaculaire. On vous croit est un huis clos sur une poignée de personnages qui parlent dans un bureau, mais c’est aussi un film d’action particulièrement haletant. Ce mélange, qui n’est paradoxal qu’en apparence, traverse déjà certaines des meilleures révélations récentes du cinéma belge francophone (Un monde, Julie se tait), mais Devillers et Dufeys accélèrent encore davantage la cadence des battements de cœur de leur film.

On vous croit, c’est une phrase qu’Alice et ses enfant brûlent d’entendre. Ils ont tous trois été convoqués au tribunal pour un face à face avec leur père. Aucun flashback ou dialogue trop explicatif ne vient nous donner d’explication superflue : passées quelques scènes brèves et tendues qui collent à la nervosité des trois protagonistes à fleur de peau, le bureau de la juge accueille enfin ces derniers avec leurs avocats puis se referme derrière eux. L’audience peut commencer et On vous croit va nous donner à la vivre en temps réel pendant près d’une heure. Une heure pendant laquelle chacun va donner son point de vue sur les faits dont est accusé le père, une heure où la froideur de la langue judiciaire va tenter de cohabiter avec l’urgence des émotions véhiculées. Une heure incroyablement vivante et dynamique, qui font de ce film l’une des plus fortes révélations de cette Berlinale.

Le mérite de la brillante réussite d’On vous croit est à répartir entre bien des sources. Croisée a plusieurs reprises chez les frères Dardenne, Myriem Akheddiou livre l’une des performances de l’année dans le rôle de cette mère en panique, toujours au bord de se noyer dans ses propres mots. La cohabitation d’acteurs professionnels et de véritables avocates, avec la variation de phrasés et de langages que cela implique, apporte une imprévisibilité supplémentaire à un scénario déjà riche en suspens. La finesse d’écriture d’On vous croit se reconnaît sans doute justement à ce dernier point : le film évite le mauvais goût de placer son suspens sur la question de la culpabilité du père ou sur la nature exacte des faits reprochés. La tension tourne toute entière autour de la parole, ou plutôt de l’écoute, car c’est surtout de cela dont il est question ici. En filmant autant, voire souvent davantage, qui reçoit la parole plutôt que qui la délivre, On vois croit met en scène autant qu’il écrit la plus angoissante des questions : qui m’écoute, et qui me croit ?

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par Gregory Coutaut

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