À Svilengrad, une petite ville à la frontière bulgare, aux confins d’une Europe délaissée, Veska, archéologue, renoue avec Said, un ami d’enfance, dont la voiture vient d’être volée. En voulant l’aider, Veska glisse progressivement au coeur d’une société criminelle dont l’emprise règne sur la ville. Veska va devoir affronter ce monde à la fois trouble et dangereux.

L’aventure rêvée
Allemagne, 2026
De Valeska Grisebach

Durée : 2h42

Sortie : 15/07/2026

Note :

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Lors d’une scène de L’Aventurée rêvée, un personnage féminin qualifie les années 90 d’« âge d’or des hommes ». Que signifie a vos yeux cette expression ?

C’est une expression que j’ai entendue prononcée telle quelle, à plusieurs reprises, et qui a d’ailleurs servi de point de départ pour ce projet. J’avais déjà tourné mon film précédent, Western, en Bulgarie, et déjà à l’époque j’avais conscience que je ne voulais pas me séparer trop rapidement de cette région-là et que j’allais revenir y tourner. J’avais bien sûr mes doutes sur ma place là-bas en tant que réalisatrice allemande, mais je dirais justement que, pour la génération qui a connu les années 90, les habitants de cette région et les Allemands ont beaucoup en commun : nous avons vécu cette période d’espoir d’unification européenne mais nous en avons des souvenirs et des expériences très différents. Les Bulgares et moi avons traversé cette période de manière très différente, j’en avais conscience et je tenais justement à garder cela à l’esprit.

En parlant de cette période avec des Bulgares, une image récurrente revenait, celle de l’homme blanc héros d’une reconquête à grande échelle. Ce cliché est beaucoup moqué aujourd’hui, enfin disons que les hommes et les femmes en parlent très différemment. On pourrait dire que cette figure est devenue un mythe, une légende, et c’est justement à partir de là qu’elle m’intéresse, parce qu’elle devient alors une figure de cinéma, de fiction, une métaphore, un personnage de western ou de film de guerre. C’est à cela que fait référence cette expression d’« âge d’or des hommes ». Je me suis demandé quel écho pouvait bien trouver cette notion dans notre monde d’aujourd’hui, et qu’est-ce qui reste de ce supposé âge d’or dans l’Europe de 2026.

Votre film précédent s’appelait effectivement Western, L’Aventure rêvée tourne autour des figures du film de gangster ou de mafia, vous évoquez également le film de guerre, soit des genres très masculins. En quelque sorte votre cinéma s’attaque lui aussi à un « âge d’or des hommes ».

C’est vrai, d’ailleurs je voudrais dire que je ne fais pas vraiment de distinction claire entre ces différents genres. Il s’agit tout simplement du cinéma avec lequel j’ai grandi, je fais partie d’une génération où l’on grandissait toutes et tous avec ces modèles-là. La télévision des années 70 et 80 était remplie à ras bord de ces classiques hollywoodiens ou ces films de genre. Je me sens tout simplement chez moi dans ces registres. Un phénomène particulier avait lieu lorsque je découvrais ces films, et il se produit encore quand je les revois : parmi tous les personnages de ces films, c’est toujours au héros masculin que je m’identifiais, parce que ces films étaient construits ainsi. En tant que spectatrice, je suis fascinée par la complexité de cette question. Qui est-ce que je regarde et comment est-ce que je regarde lorsque je vois ces films ? Et aujourd’hui en tant que réalisatrice, je trouve que ces genres ont énormément de choses à nous apprendre sur le genre, sur le type d’action ou de réaction que l’on attend d’un personnage masculin ou féminin.

L’Aventure rêvée a été décrit comme un western au féminin et je crois que la formule me convient. Lorsque j’ai réalisé Western, j’avais bien sûr déjà conscience de l’énorme influence que ce genre avait eu sur moi, mais une fois le film terminé, je me suis demandé si je n’avais pas laissé passer l’occasion de faire davantage intervenir de personnages féminins. J’avais donc gardé à l’esprit le désir de revenir un jour au western mais en cherchant comment une héroïne pourrait justement interagir avec les codes très masculins du genre. Mon idée c’était vraiment de laisser débarquer une femme sur un plateau de tournage de western et de voir ce qui se passait. Ça aussi, ce fut un point de départ pour L’Aventure rêvée.

Je suis étonné de vous entendre parler d’occasion manquée à propos de Western. Que souhaitez-vous dire par là ?

Disons que mon désir de donner un rôle plus important aux personnages féminins était déjà présent à l’époque, mais je crois que je n’arrivais tout simplement pas à me défaire de ce satané cliché qui veut qu’une héroïne de film de genre soit simplement un décalque d’un personnage masculin. Dire qu’un personnage féminin est fort juste parce qu’on a écrit ses actions et dialogues exactement comme si c’était un homme, c’est trop facile. Un personnage féminin doit pouvoir être autre chose qu’un simple miroir pour les hommes. C’est quelque chose que j’ai voulu mettre au premier plan cette fois-ci.

Est-ce la raison pour laquelle l’héroïne de L’Aventure rêvée répond souvent à des situations de stress par un sourire inattendu, qui lui confère une sorte de force positive ?

Ce n’est pas quelque chose que j’ai consciemment imposé à Yana Radeva (l’actrice principale, ndlr), mais en y repensant c’est vrai que durant le début du tournage, elle avait tendance à interpréter Veska de façon plus dure et elle se moquait gentiment de moi à chaque fois que je lui demandais d’ajouter un petit peu de diplomatie ou de douceur. Je voulais qu’elle conserve en permanence son regard inquisiteur d’archéologue.

Pourquoi avoir justement choisi l’archéologie comme métaphore centrale du récit ?

Cela m’est arrivé par surprise ! Pendant longtemps, je n’avais aucune idée du type de métier que Veska allait avoir. Au début je ne pensais pas du tout à l’archéologie et je crois bien que si l’idée m’était venue en tête au moment où j’étais tranquillement en train d’écrire chez moi à Berlin, je me serais dit « Non mais quel cliché, c’est vraiment trop gros » (rires). Lors de mes recherches à la frontière entre Bulgarie et Turquie, j’ai fait la connaissance d’un groupe d’archéologues à la tête duquel se trouvait justement une femme de Sofia, et j’ai eu une sorte de révélation. Là-bas, au cœur d’un paysage immense, j’ai eu l’impression que cette femme n’était pas en train de déterrer des sales secrets mais bien en train d’ouvrir mon cœur et d’ouvrir le cœur de tout le monde présent à ce moment là. J’ai conscience qu’il y a une part de cliché dans ce choix mais j’ai décidé de l’assumer.

Vous mentionnez les recherches que vous faites avant le tournage et à chacun de vos projets il s’agit d’une période très longue. Qu’est-ce qui vous pousse à vous investir aussi longuement dans la préparation d’un film ?

Je savais que les recherches prendraient du temps sur ce film. En tant qu’étrangère débarquant dans un pays que je ne connais qu’à moitié, j’avais besoin de prouver, aux autres et à moi-même, mon désir de collaboration et contact. Qu’est-ce que faire un film, si ce n’est entrer en contact avec l’autre ? Je savais que ce serait long, mais dans mon processus, recherches casting et écriture marchent main dans la main. Quand je me lance dans un projet, souvent je ne connais même pas encore le pitch (rires) mais plutôt le sous-texte, les thèmes. La construction de la fiction se fait en parallèle de ma recherche approfondie de la réalité, et la relation entre les deux devient celle d’un boxeur et de son punchingball. Ce qui fait qu’en fin de compte, mes recherches ne s’arrêtent jamais (rires).

Quand sentez-vous que vous avez terminé ?

Ce n’est pas toujours facile. Faire des recherches c’est un peu comme retourner à l’école, j’emmagasine beaucoup d’informations. Il faut faire un effort pour redevenir actif, reprendre le dessus face à ces informations, s’en emparer d’un coup et dire « Voilà, ça je vais le transformer en fiction ».

Au moment où le tournage débute, avez-vous un scénario traditionnel fini de A à Z ?

(rires) Un scénario oui, mais pas un scénario traditionnel. C’est un texte qui est clair sur trois points : la construction du récit, l’atmosphère générale de chaque scène, et les enjeux de chaque dialogue. C ‘est un document que je ne partage pas avec les actrices et acteurs car je préfère leur transmettre tout cela à l’oral scène après scène. J’utilise mes propres mots pour leur décrire les enjeux de ce qu’ils s’apprêtent à tourner, afin qu’eux puissent à leur tour utiliser leurs propres mots.

Le rythme de vos films n’est jamais celui que l’on pourrait attendre d’un film de genre, mais il ne s’agit pas non plus de slow cinéma radical. Avez-vous une recette pour atteindre votre rythme idéal , ou bien est-ce surtout instinctif ?

C’est tout un procédé. Cela commence dès l’écriture, c’est quelque chose que je conserve toujours à l’esprit au moment du tournage, et qui se concrétise bien entendu au montage. J’ai eu de nombreuses discussions à ce sujet avec Lisa Bierwirth (coscénariste du film, ndlr). Pour trouver le rythme idéal du film il faut avoir sa structure en tête, mais pour avoir la structure en tête il fallait que nous prenions bien conscience du va-et-vient qui s’opérait entre d’un coté le récit, et de l’autre côté l’atmosphère du film. Un autre point que nous abordions régulièrement est la question du suspens. A quel point et à quelle dose en avions-nous besoin ? Quand est-ce qu’on peut se permettre de le laisser entièrement de côté ? Il a fallu jongler entre deux désirs : celui de malicieusement cacher le récit sous la table, et au contraire celui de jouer carte sur table d’un seul coup quand le moment s’y prête. Quant à Bettina Böhler (la monteuse du film, ndlr), pour moi c’est une magicienne. C’est un plaisir de travailler avec elle car elle ne parle pas de plans ou de durées mais plutôt de circulation du sous-texte et des émotions.

En parlant de structure narrative, tout le début de L’Aventure rêvée laisse à penser qu’il va s’agir d’une romance plutôt que d’un film de gangster. Qu’est-ce qui vous a donné envie d’entamer le film de cette manière ?

C’était présent dès les toutes premières versions du scénario et même dès mes recherches sur le film de genre car cela fait précisément écho à cette figure très archétypale du héros solitaire masculin qui doit accomplir une mission et qui rencontre une fille en cours de route. C’est une structure bien identifiée et qui donne l’impression que l’histoire d’amour, ou plutôt la conquête d’une femme, est offerte au héros comme récompense finale d’avoir bien mené son affaire. En contrepoint à toutes les histoires de guerre que j’aborde dans le film, je voulais donner au personnage la possibilité d’une ouverture, qu’il s’agisse d’une histoire d’amour ou bien d’une amitié forte, ou encore tout simplement de la possibilité d’entrer en empathie avec l’autre, de le comprendre. Je trouvais que le film avait besoin de ces ouvertures-là.

C’est à la fois une décision claire et un travail conscient de ma part que de réfléchir à comment déjouer les archétypes qui composent ces mondes cinématographiques très codés, mais aussi nos imaginaires. Je pense à tous les clichés qu’on obtient souvent en réponse dès qu’on pose des question du style « Qui est fort et qui est faible ? », « Qui est top et qui est bottom ? », « Ne faut-il pas se battre pour gagner sa vie ? ». Je ne nie pas la réalité pour autant : certains personnages masculins de L’Aventure rêvée sont proches de ces archétypes-là car cela correspond à ce que j’ai pu observer sur place. Faire ce film est en quelque sorte un acte de résistance contre cela.

Pour finir, qu’est-ce qui vous a amenée à choisir ce titre ?

A la base, cela ne devait être que le titre de travail, mais à chaque fois que j’essayais d’en imaginer un autre je n’étais pas satisfaite. Il m’est venu dans le cadre des mes réflexions sur le cinéma de genre et ses nombreux codes masculins. Je me suis mise à imaginer un film de genre comme une structure architecturale, la charpente d’un bâtiment si vous voulez, dans laquelle une femme ne peut pas rentrer et qu’elle n’a le droit de regarder que de l’extérieur. L’Aventure rêvée, c’est le moment où cette femme va justement décider d’entrer dans cette structure interdite, où elle va se donner à elle-même le feu vert. L’autre sous-entendu derrière ce titre c’est aussi bien sûr l’idéal d’une Europe unie et sans frontière qui a marqué les années 90, ce moment où un continent entier semblait rêver d’une démocratie capable de vaincre le capitalisme.

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 06 juillet 2026. Merci à Chloé Lorenzi et Kim Bourgeois-Mollier. Crédit photo Jens Koch.

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Le Festival de Karlovy Vary demeure mal connu chez nous mais c’est un des festivals les plus anciens du monde et c’est également un festival officiellement classé catégorie A (label décerné aux festivals mettant en avant des premières mondiales). Ses deux compétitions généralistes sont en effet entièrement composées de premières mondiales : la compétition internationale et la compétition Proxima (dédiée à des projets plus alternatifs ou avant-gardistes). Dans une compétition principale au niveau nettement plus relevé que l’an passé, le Cristal du meilleur long métrage a été décerné à Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe. C’est la première fois que le Myanmar remporte cette récompense. Ce drame élégamment mis en scène fait le portrait touchant de deux femmes, et de l’entente féminine face à la brutalité du capitalisme et du patriarcat. Doublement primé, The Guest du Danois Mads Mengel est un drame familial tel qu’on peut l’attendre du Danemark, mais celui-ci est efficacement mené, et transcendé par la performance de Trine Dyrholm en matriarche souffrant de troubles mentaux qui débarque lors du cérémonie où personne ne souhaite sa présence. A noter également au palmarès principal le prix d’interprétation décerné à la Suissesse Anna Schinz, convaincante dans le rôle de la mère précaire de A Happy Family, un drame inégal mais qui fait preuve d’une charmante richesse de tons.

Absent du palmarès, notre coup de cœur Cinco años, cuatro meses des Colombiens Esteban Hoyos García et Juan Miguel Gelacio Ramírez raconte le périple d’une mère à la recherche de son fils disparu sans explications et probablement assassiné. Ce long métrage épuré et émouvant fait une utilisation saisissante du réalisme magique – on parie que ce film devrait circuler dans d’autres festivals. Lauréat en 2019 avec La Saveur des coings, le duo bulgare Kristina Grozeva et Petar Valtchanov a eu moins de chance cette année mais Black Money for White Nights est néanmoins une comédie dramatique assez réussie et au féroce mauvais esprit, sur un couple de sexagénaires dont le voyage de rêve à Saint Petersbourg tourne au désastre avant même de partir.

Dans la compétition Proxima, deux fortes révélations se sont distinguées. Incinerator est réalisé par le Japonais Shuntaro Uchida (lire notre entretien). Le film fait le récit d’apprentissage d’une fillette triste et solitaire. Uchida, par la qualité remarquable de son écriture et de sa mise en scène, parvient à pénétrer le monde intérieur tumultueux d’une enfant quand tout autour d’elle ressemble à des non-événements. Incinerator, qui a reçu le Prix spécial du jury Proxima, correspond au meilleur de ce qu’on peut attendre du cinéma japonais indépendant. Absent du palmarès, l’incroyable The Ink-Stained Hand and the Missing Thumb de l’Indien Yashasvi Juyal est un flamboyant premier long métrage qui fait mine de raconter la vie simple d’un couple au nord de l’Inde. Après un drame inattendu, le film dépeint la rencontre stupéfiante du monde quotidien et du monde spirituel. Yashasvi Juyal est assurément un nom à retenir.

D’autres excitantes propositions ont été mises à l’honneur dans la compétition Proxima. Remarquée avec l’intrigant documentaire Victoria en 2020, la Belge Isabelle Tollenaere signe avec Paris Paris une attachante miniature sur le sort de quelques exilés dans la capitale. Tollenaere évite les clichés des drames sociaux sans personnalité et apporte une perspective sensible, entre comédie triste et chaleureuse empathie. Dans son documentaire My Friend the Porn Star, l’Autrichienne Rosa Friedrich raconte un échec (un documentaire sur son meilleur ami souhaitant tourner un porno, avant de se rétracter) pour mieux dessiner avec ludisme le portrait d’une sororité galvanisante et décomplexée. Parmi les talents à suivre, citons enfin le Croate Mate Ugrin dont le drame Petty Thieves est imparfait mais ce portrait de petit voleur qui se fait de l’argent lors de la saison touristique chérit ses ambiguïtés de façon prometteuse et sa mise en scène est inspirée.

Outre les premières mondiales et les nombreuses avant premières, le festival a, dans son programme anniversaire ou dans sa rétrospective de classiques, remis en lumière des perles du passé. Citons notamment le néoréaliste Barravento de Glauber Rocha, film fondateur du mouvement Cinema Novo, d’une grande modernité plastique, entièrement situé dans une communauté afrodescendante du Brésil, mais aussi Les Enfants d’Hiroshima, l’un des tout premiers films du Japonais Kaneto Shindo, dans lequel une enseignante se rend l’été sur les tombes des membres de sa famille assassinés lors du bombardement atomique. Réalisé quelques années seulement après la tragédie, Les Enfants d’Hiroshima est un film d’une précision et d’une pureté bouleversantes, rappelant le talent majeur d’un cinéaste qui n’est pas célébré à sa juste valeur en France. Dans un tout autre registre, Tainted Horseplay de la Tchèque Vera Chytilova est une rareté aux contrastes particulièrement gonflés. Le film, tourné à la fin des années 80 à Karlovy Vary, raconte les nuits de trois joyeux lurons faites de baises et de picole. Le film est une comédie sexy enivrée pendant 1h45 avant d’opérer pendant sa dernière demi heure un basculement de ton d’une radicalité qui laisse bouche bée. Quasiment tourné dans les lieux mêmes du festival, ce film a offert la meilleure traduction possible de l’excitant éventail cinématographique qui se déploie chaque année devant le public chanceux du KVIFF.

Retrouvez notre couverture du Festival de Karlovy Vary, composée d’une cinquantaine d’articles.

Nicolas Bardot

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Sur une île isolée battue par les vents au large des côtes chiliennes, Silvia vit de la récolte d’algues et mène une existence paisible aux côtés de son compagnon. L’arrivée d’un chiot errant, Yuri, illumine son quotidien. Lorsque l’animal disparaît soudainement, un traumatisme d’enfance refait surface.

La Perra
Chili, 2026
De Dominga Sotomayor

Durée : 1h52

Sortie : –

Note :

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Alors qu’il fait du vélo le long du Danube avec sa famille, Didac, 16 ans, rencontre un garçon mystérieux.

Strange River
Espagne, 2025
De Jaume Claret Muxart

Durée : 1h46

Sortie : –

Note :

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Un bateau revient mystérieusement dans le port d’un village 30 ans après avoir disparu. Deux hommes rejoignent son équipage, espérant que cela leur portera chance. De retour après leur premier voyage, ils se retrouvent transportés dans le temps.

Rose of Nevada
Royaume Uni, 2025
De Mark Jenkin

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

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Le Narcisse du meilleur film a été remporté par le film sudafricain Hen, premier long métrage du réalisateur Nico Scheepers. L’histoire de ce film : dans une ferme isolée, un enfant sauvage et craintif découvert dans un coffre, sème la folie parmi ceux qui l’accueillent. L’an dernier, ce prix était remis à La Tour de glace de la Française Lucile Hadzihalilovic.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Palmarès des longs métrages
Narcisse du meilleur film : Hen, de Nico Scheepers
Mention : Breeder, d’Alex Goyette
Prix des meilleurs décors : Sleep No More, d’Edwin
Prix de la critique : Breeder, d’Alex Goyette
Prix de la jeunesse : Sanguine, de Marion Le Coroller
Prix du public – compétition asiatique : My Daughter is a Zombie, de Pil Gam-Sung
Prix du public – compétition internationale : Hokum, de Damian Mccarthy

Palmarès des courts métrages
Narcisse du meilleur court métrage suisse : Le Miracle, Avril Lehmann, de Yael Vallotton
Prix de la jeunesse : The Last Jiangsh, d’Yu Chih-Chieh
Prix du public : Cosmonauts, de Leo Cernic

Nominations aux Méliès d’argent
Méliès d’argent du meilleur long métrage de fiction : Sie glauben an Engel, Herr Drowak?, de Nicolas Steiner
Méliès d’argent du meilleur court métrage européen : Le Mouvement tragique des sphères, de Simon Rieth

Le site officiel

Gregory Coutaut

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C’est Fruit Gathering du Myanmarais Aung Phyoe​​ qui a remporté le Cristal du meilleur film. L’histoire : deux jeunes femmes au Myanmar vivent des existences oppressantes. Travaillant dans une usine de textile à Yangon, elles font face à un travail épuisant, à la répression sociale et à l’incertitude économique. Bien que le rythme harassant de la vie quotidienne étouffe les liens humains, les deux femmes continuent de rêver d’intimité et d’évasion. Retrouvez notre critique du long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Compétition Globe de Cristal

Grand Prix : Fruit Gathering, d’Aung Phyoe
Prix spécial du jury : The Guest, de Mads Mengel
Prix de la mise en scène : Mads Mengel pour The Guest
Prix d’interprétation féminine : Anna Schinz pour A Happy Family
Prix d’interprétation masculine : Ghassan Saad pour Pipes

Compétition Proxima

Grand Prix : Lover, Not a Fighter (Milovník, nie bojovník), de Martina Buchelová
Prix spécial du jury : Incinerator (Shokyakuro), de Shuntaro Uchida
Prix de la mise en scène : A Whole Person Almost (Enas olokliros anthropos schedon), de Efthimis Kosemund-Sanidis
Mention spéciale : 33 Steps (33 krokov), de Anna & Šimon Domček

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Après de nombreuses années loin de chez lui, Jonás retourne à la campagne pour commencer à travailler comme tailleur de pierre. Dans un endroit marqué par la dureté de la vie, il s’ouvre à quelque chose d’intangible – une force qui imprègne le paysage, les corps et le temps lui-même

Against Nature
Mexique, 2026
De Axel Bertha

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

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La vie de Murad, 50 ans, est bouleversée quand il apprend que son frère cadet est gay. Murad aimerait soutenir son frère, mais leur famille musulmane traditionnelle ne l’accepte pas. Il se retrouve sous pression de tous les côtés – de son père, qui est très lié à l’imam local, et aussi du groupe d’amis de son frère.

Hijamat
Iran, 2026
De Nader Saeivar​​

Durée : 1h44

Sortie : –

Note :

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