Le Polyester

Critique : Notre salut

admin — Tue, 29 Sep 2026 12:45:23 +0000

Septembre 1940, le régime de Pétain se met en place. Henri Marre, 49 ans, débarque à Vichy sans le sou, sans contact, loin de sa femme et ses enfants. Il voit dans la nouvelle administration l’opportunité de trouver enfin la place qu’il mérite. Dans sa valise, son traité politique édité à compte d’auteur, Notre Salut, où il défend ses convictions patriotiques et ses méthodes d’ingénieur. Son credo : « gagner en efficacité » pour relever la France de la débâcle. Mais peut-être qu’Henri cherche avant tout à fuir sa propre débâcle…

Notre salut
France, 2026
De Emmanuel Marre

Durée : 2h30

Sortie : 30/09/2026

Note :

TOUJOURS DU BON CÔTÉ

Apprendre à gueuler correctement « Vive le Maréchal ! » pour célébrer Pétain n’est pas chose si aisée. C’est ce qu’expérimentent quelques personnages dans une scène de Notre salut : la voix est parfois timide, la honte bloque tout dans la gorge. D’autres, en revanche, n’ont ni ces difficultés ni ces états d’âme et crient « Vive le Maréchal ! » avec autant de simplicité que de naturel, comme s’ils poussaient un « Allez les Verts » à un quelconque match de foot. Le nouveau film du Français Emmanuel Marre, révélé avec le formidable moyen métrage D’un château l’autre, raconte la France de la Seconde Guerre Mondiale – et pas vraiment du côté des héros. Lorsque Marre filme une discussion épineuse au tout début du long métrage, la caméra reste concentrée sur Henri (prodigieusement interprété par Swann Arlaud) qui écoute. On s’attend comme par réflexe à ce qu’il intervienne, qu’il soit un héros, qu’il soit un résistant – c’est tout le contraire qui arrive et ce sera le sujet du film.

Le réalisme de Notre salut est à la fois dû à la façon qu’a Emmanuel Marre de refuser la romantisation du récit national (combien de films de résistants a-t-on vu au cinéma contre combien de récits de collabos ?) mais aussi tout simplement au matériel qu’il adapte, même librement. Le personnage principal de Notre salut se nomme Henri Marre, c’est tout simplement l’arrière-grand-père du cinéaste, et ce dernier s’est inspiré de ses correspondances pour écrire son film. Mais si le long métrage semble dépeindre la Seconde Guerre Mondiale et la collaboration de façon réaliste et comme on ne les avait jamais vues, c’est aussi grâce à ses artifices. A de nombreuses reprises, les personnages semblent toustes plongé.es dans le noir, comme éclairé.es de manière brutale, maladroite, avec un air de cauchemar, à la lampe de poche. Voilà un parti-pris formel saisissant pour mettre en scène ce monde sur lequel la nuit la plus lugubre est tombée.

La caméra à l’épaule invite une forme de déséquilibre à l’image, comme si les personnages claudiquaient, marchaient sur des œufs. C’est que nous sommes dans une période urgente, une époque dramatique où tout peut s’emballer très vite – et certains n’ont pas besoin d’être poussés longtemps pour se rallier aux pires causes. Le Pétainisme était une opportunité : voilà entre autres ce que raconte le film. Henri Marre était un médiocre, Notre salut est l’histoire d’un trou du cul. Mais un trou du cul qui a compris que sa condition de petit mec pathétique pouvait être un atout s’il savait se poser au bon endroit, auprès des bonnes personnes. Henri Marre est un « fanfaron opportuniste » comme on le décrit dans le long métrage, c’est un perdant qui n’a pas les codes, un guignol lâche et pathétique comme d’autres collabos – ce pauvre type est fascinant et à travers lui on regarde l’Histoire autrement, et probablement mieux qu’à travers les déguisements héroïsants d’autres récits épiques.

Notre salut est un drame historique de 2h30 mais il ne pèse jamais sur lui la raideur qui guette ce type de reconstitution. On a parlé de son approche formelle qui dynamite les clichés, mais il y a également un trouble qui garde Notre salut toujours vivant et jamais figé. Le film n’est pas une parodie, mais il peut être une comédie très noire et cinglante. Les discussions de décisionnaires, entre deux picoles et une tarte aux pommes (bien sucrée), semblent sorties d’un mockumentary. Certains propos tenus dans Notre salut ressemblent comme deux gouttes d’eau à des propos politiques lamentables que l’on entend aujourd’hui : Henri Marre et ses potes vivent dans les années 40 mais on croirait voir une caméra cachée dans des bureaux de macronistes. « Les Allemands sont beaucoup plus polis que les Français » dit une dame élégante, passant d’ores et déjà sur le fait que ces gens polis sont des nazis.

Emmanuel Marre saisit de manière à la fois grinçante et grotesque une époque, mais aussi, plus profondément, ce que cette déchéance a d’humain. Dans D’un château l’autre, on apercevait déjà un protagoniste au bord du précipice, se questionnant sur son possible vote RN. Parmi les collabos de Notre salut, on a sauté le pas et le basculement tragique narré par Marre peut avoir des conséquences très rapides. Son impressionnant long métrage est vu avec des yeux de 2026 et comme on l’entend durant le film : « Je ne suis pas sûr que le monde change tant que ça ».

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par Nicolas Bardot

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Critique : Un hiver russe

admin — Tue, 29 Sep 2026 11:40:19 +0000

Entre Paris et Istanbul, Margarita, Yuri et leurs amis, un groupe de jeunes exilés russes, cherchent leur place dans un monde qui ne semble plus être le leur.

Un hiver russe
France, 2026
De Patric Chiha

Durée : 1h27

Sortie : 30/09/2026

Note :

RIEN NE SERT DE MOURIR

On a pu voir ces dernières années de très nombreux documentaires remarquables sur les conséquences de la guerre en Ukraine, mais Un hiver russe de l’Autrichien Patric Chiha adopte un autre point de vue rarement abordé : celui de jeunes Russes qui ont fui leur pays suite à l’invasion à grande échelle de l’Ukraine. Le film de Chiha n’est pas guidé par le désir d’offrir un contrechamp aux souffrances de l’Ukraine, mais plutôt par l’envie d’explorer un sujet encore peu traité. Et qui n’a pas de réponse : lorsque tout s’est écroulé dans le pays de ces jeunes gens, lorsque personne ne veut d’elleux ailleurs, où aller ?

« J’ai choisi d’être un vagabond, je sais pas pour combien de temps ». L’incertitude réunit les protagonistes de ce documentaire sélectionné au Panorama de la Berlinale. Impossible de prévoir son avenir en Russie, impossible de savoir où mènera in fine l’étape à Istanbul, impossible de visualiser nettement un avenir en France. Voilà l’expérience d’usure destructrice que filme Chiha, dont les protagonistes sont paradoxalement souvent mis en scène dans des lieux paisibles. Mais solitaires, dans la nature comme dans la ville, allongé.es comme pour mieux se confier. Cette expérience existentielle de la solitude pose de nombreuses questions : quelle place reste t-il encore pour la joie et les émotions ? Est-ce que fuir un régime autoritaire fait de moi une bonne personne ? Qu’est-ce qu’on laisse derrière soi ? La réponse est parfois réduite à des actions simples : pour le moment, « je cours, je m’arrête, j’attends ».

L’hiver russe paralyse indéfiniment le pays, les décors sont enneigés, les autoroutes froides. Dans ce monde lugubre, glaçant et figé, ces jeunes gens sont sans défense, sans droits, sans avoir fait quoi que ce soit de mal. « Pourquoi êtes-vous si morose ? » demande une journaliste télé à un groupe de punk. Il y a de quoi dans un pays qui dévore ses enfants, et où les pères sans aucun entraînement s’engagent aveuglément à la guerre pour s’y faire dézinguer. Un hiver russe évoque cette rupture patriarcale – l’autorité des pères mais aussi l’autorité exercée par le Pouvoir. Une douleur fantôme s’installe, Moscou est déjà peu à peu oubliée par les personnages. Si leur sort paraît pour le moment immobile, Patric Chiha (dont la stylisation ici ou là de la mise en scène semble superflue) raconte pourtant un mouvement qui s’engage, des déplacements qui humainement comptent comme des pas de géants.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Possible Love

admin — Mon, 28 Sep 2026 20:21:30 +0000

Les vies entremêlées de deux couples mariés menant des existences complètement opposées. À mesure que leurs mondes se heurtent, des fissures commencent à apparaître dans leur quotidien.

Possible Love
Corée du Sud, 2026
De Lee Chang-dong

Durée : 2h44

Sortie : –

Note :

TU MÉRITES UN AMOUR

« Si tu veux pleurer, pleure » : cette réplique réconfortante, entendue au début de Possible Love et adressée par le mari à son épouse, est assez surprenante dans le cadre d’un long métrage où les sentiments peuvent être aussi entravés. C’est un peu comme si Lee Chang-dong, imperceptiblement, nous donnait l’une des clefs de son film dès les premières minutes. Grand Prix à la Mostra de Venise, Possible Love raconte les conséquences dévastatrices d’une grève importante menée par des ouvriers – avec parmi eux Ho-seok, incarné par Sul Kyung-gu, partenaire de longue date de Lee Chang-dong (Peppermint Candy, Oasis). Cette grève est un échec et certains ouvriers se suicident. Mais socialement, quelle différence y a-t-il avec ceux qui survivent ? On apprend en effet que les ouvriers qui ont perdu leur emploi sont désignés littéralement comme « morts ».

Si, concernant le commentaire sur les inégalités sociales en Corée, il pouvait y avoir quelque chose de grinçant et jouant avec malice entre les tonalités dans L’Ivresse de l’argent d’Im Sang-soo ou Parasite de Bong Joon-ho, Possible Love est plus strictement un drame. Un drame très riche, à la fois subtil et cinglant, mais pas un film qui piocherait dans différents genres. Possible Love raconte comment Ye-ji, une néo-cinéaste (Cho Yeo-jeong, vue récemment dans Parasite ou My Daughter is a Zombie), s’intéressant au couple formé par Ho-seok et Mi-ok (Jeon Do-yeon, toujours l’une des meilleures actrices au monde) et plus généralement à la classe ouvrière en souffrance, décide de leur consacrer un documentaire. Ho-seok n’a, à première vue, pas envie de s’épancher, tandis que Mi-ok a beaucoup de choses à dire.

Depuis quelle position Ye-ji filme t-elle ? La différence de classe se dessine rapidement et de plus en plus entre le couple modeste formé par Ho-seok et Mi-ok, et la bourgeoise Ye-ji mariée selon ses dires à un ultra riche (même pour elle qui a été élevée à Gangnam). Ye-ji n’a semble t-il que des bonnes intentions même si sa déconnexion est de plus en plus visible, venant filmer des prolos avec son sac à main hors de prix au bras, et déclarant avec maladresse qu’elle est cinéaste car « imaginer des choses est mon hobby ». Mi-ok est candide, car elle ne voit pas. Peu de choses, concrètement, « se passent » ou se voient dans Possible Love, mais la brutalité sociale est réelle, et la tension psychologique est puissante. Difficile de ne pas être dans les chaussures de Mi-ok lorsque, suite à un incident, le beau et riche Sang-woo lui passe presque la bague au doigt au début du film. « Rien » ne s’est passé pourtant. Lorsque Mi-ok arrive dans la luxueuse maison de vacances de Ye-ji et Sang-woo, celle-ci lui rappelle une demeure de romans – même si elle n’en lit jamais. Voilà qui ressemble à un clin d’œil à l’inoubliable scène de mandarine invisible dans Burning.

Pour le surpuissant Sang-woo, Ho-seok et Mi-ok sont dans le champ mais plus ou moins invisibles, on se marre un coup avec ou on les utilise mais ça ne va pas plus loin. Pour Ye-ji, les choses semblent différentes, mais sait-elle vraiment les regarder avec sa caméra ? Ce sont deux mondes qui, presque sur un malentendu, se côtoient – mais attention à la brûlure. Ye-ji filme les visages et les émotions de Ho-seok et Mi-ok en gros plan, mais dans ce monde bourgeois humiliant, l’exploitation doit rester invisible. Avec une finesse qui ne l’empêche pas d’être incisif, Lee Chang-dong dépeint un rapport de force déséquilibré, qui se reproduit et qui n’est pas prêt d’être renversé. Les succès des uns se suivent, les échecs des autres se succèdent. « J’étais certaine qu’on gagnerait car on avait raison », déclare t-on avec une trop grande innocence (ou trop d’idéalisme) lors du mouvement de grève.

Il n’y a, in fine, pas de naïveté dans Possible Love. Il y a des scènes acides, mais le regard du cinéaste n’est pas cruel et ses personnages complexes ne sont pas des marionnettes. Possible Love passe par une vertigineuse gamme d’émotions, et la surprenante douceur de la réplique citée au début de cet article (« Si tu veux pleurer, pleure ») trouve un écho chaleureux dans ce dénouement sous la lune, où les protagonistes paraissent tant bien que mal, et pour citer deux précédents films de Lee Chang-dong, avoir peut-être trouvé une oasis et un secret sunshine.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Naza

admin — Mon, 28 Sep 2026 14:13:31 +0000

Filmé de nuit sur les toits de Tel Aviv, le film décrit en détail les systèmes derrière le massacre de civils palestiniens à Gaza par Israël.

Naza
Royaume-Uni, 2026
D’Yuval Abraham et Rachel Szor

Durée : 1h20

Sortie : 12/10/2026

Note :

DANS LES TÉNÈBRES

Prix du meilleur documentaire et prix du public (oui, à la fois) à la Berlinale puis Oscar du meilleur long métrage documentaire, le film No Other Land avait marqué l’année 2024. Ce documentaire aux images rares, captées au mépris du danger, était alors signé de quatre militants : deux Palestiniens (Basel Adra et Hamdan Ballal) et deux Israéliens (Yuval Abraham et Rachel Szor). Ce sont ces derniers que l’on retrouve aujourd’hui derrière Naza et immédiatement après la présentation du film à la Mostra de Venise il y a quelques semaines (où il a remporté le Prix spécial du jury), l’état israélien a menacé de les destituer de leur nationalité.

Abraham et Szor ne filment pas la Palestine, Naza est tourné en plein Tel Aviv, mais entièrement de nuit, en cachette sur les toits de la ville. Le duo recueille les confessions (que l’on devrait plutôt qualifier de simples considérations, vu leur absence de honte) de différents membres des services secrets israéliens, rendus évidemment anonymes par un travail sur l’obscurité et la modification de voix. Ces derniers expliquent comment, selon quelle stratégie et avec quelle réflexion sont mis en place les bombardements sur Gaza et le massacre des civils innocents. On devrait plutôt parler d’absence de réflexion car l’une des révélations les plus abjectes de ce documentaire est de confirmer que c’est l’IA qui décide qui sera la prochaine victime, et qui peut justifier de tuer 500 innocents juste pour éliminer un seul suspect.

Il n’y a pas beaucoup d’images choc dans Naza, dont le titre signifie « victimes collatérales ». Ce sont les récits qui sont violents, mais aussi le ton incroyablement détaché qu’emploient ces hommes et ces femmes. Exemples vivants des théories d’Hannah Arendt sur la banalité du mal, iels ne remettent jamais en question la légitimité du système qui les transforment en assassins. Iels n’ont ni doute, ni remords au moment de confirmer que le génocide est non seulement bien réel, il est surtout intentionnel. Certain.e.s vont même plus loin, comparant des étapes des bombardement à des parties de jeux vidéos, iels parlent de moment « incroyablement fun ». « Dans cette position tu finis par te prendre pour Dieu » confie l’un d’eux avec presque un sourire dans la voix.

Naza n’est pas un reportage télévisé. Si la rareté et la folie des témoignages qu’iels transmettent est d’une force rare, les cinéastes ont à cœur de créer une œuvre visuelle où la mise en scène vient également traduire les idées du film, sans prendre le dessus sur le propos. Intégralement plongée dans la nuit, comme dans les ténèbres métaphoriques qui ont recouvert la région, la caméra capte pourtant une source lumineuse récurrente : celles des appartements privés où la vie quotidienne continue et où des écrans télés géants déversent sans cesse la propagande des journaux télés d’état. A travers cette immersion sans porte de sortie, Abraham et Szor parviennent à nous faire ressentir l’aveuglement qui paralyse une nation entière.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de San Sebastian 2026

admin — Sat, 26 Sep 2026 21:22:40 +0000

La 74e édition du Festival de San Sebastian, que vous avez pu suivre en direct sur Le Polyester, vient de s’achever ce samedi soir. Le palmarès vient d’en être dévoilé.

Le jury présidé par le cinéaste américain Ira Sachs a décerné la Concha de oro du meilleur film à Tender Loving Care du Britannique Mike Leigh. L’histoire : Amy est une travailleuse sociale dévouée qui met tout son cœur et son énergie dans son travail pour prendre soin de ceux dans le besoin. À la maison, cependant, elle se retrouve face à de nouveaux défis alors que son père bien-aimé commence à avoir des problèmes. Sa mère et elle doivent apprendre à accepter leur nouvelle réalité. Retrouvez notre critique du long métrage et découvrez le palmarès ci-dessous.

Tender Loving Care

Concha de oro du meilleur film : Tender Loving Care, Mike Leigh
Prix spécial du jury : Border, Ah Biao
Prix de la mise en scène : Amanda Kernell pour Brace Your Heart
Prix d’interprétation ex aequo – premier rôle : Kate O’Flynn dans Tender Loving Care et Asta Kamma August dans Growth of the Soil
Prix d’interprétation – second rôle : Javier Camara pour 5 minutos más
Prix du scénario : Mike Leigh pour Tender Loving Care
Prix de la photographie : Oskar Dahlsbakken pour Growth of the Soil

Body of Glass

Prix New Directors : Body of Glass, Naëmi Ada
Mention spéciale New Directors : The World of Before, Yoon Dan-bi

Prix Horizontes Latinos : La Ilusión de un verano sin fin, Alessandra Sanguinetti
Mention spéciale Horizontes Latinos : Moscas, Fernando Eimbcke

Prix Zabaltegi-Tabakalera : Teenage Sex and Death at Camp Miasma, Jane Schoenbrun
Mentions spéciales Zabaltegi-Tabakaler : A veces me entra tristeza, otras veces rebelión, María Aparicio

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Méli-Mélo

admin — Sat, 26 Sep 2026 21:15:25 +0000

Sarah, artiste et militante dans le San Francisco des années 1990, retourne dans sa petite ville d’origine en raison de la maladie d’Alzheimer de sa mère, elle se retrouve dans un tourbillon familial aussi tendre que chaotique. Entre une relation amoureuse naissante, des ambitions professionnelles qu’elle refuse d’abandonner et des proches aussi fantasques que démunis face à la maladie, elle tente de maintenir le cap.

Méli-mélo
États-Unis, 2026
De Leah Nelson

Durée : 1h42

Sortie : 20/01/2027

Note :

ENTRE GRIS CLAIR ET GRIS FONCÉ

Le Grand désordre – Alzheimer, ma mère et moi est un roman graphique signé par l’Américaine Sarah Leavitt, et Méli-mélo de sa compatriote Leah Nelson en est l’adaptation cinématographique. Sélectionné à Cannes et doublement primé au Festival de Deauville, Méli-Mélo a un style graphique relativement fidèle au matériel original : en noir et blanc et avec un trait épuré. Ce dépouillement vient se concentrer sur l’essentiel : les protagonistes, leurs interactions et leurs émotions.

Sarah est lesbienne et il y a de la joie lesbienne dans sa vie. Ce pourrait être un détail mais c’est un élément qui compte dans Méli-mélo. Sarah est la fille de sa mère et c’est là que se noue le drame du long métrage : lorsque l’héroïne découvre que sa maman est atteinte de la maladie d’Alzheimer. Comment cela arrive, comment prend-on soin de l’autre, comment se souvient-on ? Leah Nelson raconte, dans ce contexte, l’inévitable glissement des rôles familiaux. La tendresse humaine est confrontée à l’impitoyable cruauté de la maladie, le film navigant de fait entre douceur et amertume.

La musique est un peu en sauce dans Méli-mélo, les angles sont souvent arrondis et le film cherche souvent à plaire. Ce n’est pas un péché mais cela lisse un peu trop le long métrage – qui reste émouvant malgré tout. Le feu d’artifice comme le carnaval sont en noir et blanc dans Méli-mélo mais la réalisatrice parvient plutôt, comme pour ses personnages, à en traduire les couleurs.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : The World Before

admin — Sat, 26 Sep 2026 08:00:07 +0000

Jin, 17 ans, n’a jamais quitté l’île où elle est née — un endroit sans route vers le continent, où la mer dicte tranquillement le rythme de la vie quotidienne. Quand Dujae revient pour les funérailles de sa grand-mère, il reste seul dans la maison qu’elle a laissée derrière elle. Jin commence à trouver des excuses pour lui rendre visite, et petit à petit, le voir devient une partie de sa vie de tous les jours.

The World Before
Corée du Sud, 2026
De Yoon Dan-bi

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

ADIEU MONDE CRUEL

Moving On, le précédent et premier long métrage de la jeune Coréenne Yoon Dan-bi, est resté inexplicablement inédit dans les salles françaises malgré un plébiscite important en festivals (gagnant à Busan, Rotterdam et aux 3 Continents) ainsi qu’une alliance entre sa subtile réussite et sa dimension grand public. Son nouveau film, The World Before, est d’une veine assez voisine, avec sa succession de non-événements apparents et sa manière de décadrer le portrait de famille. S’il est à nouveau question de famille dans The World Before, le portrait est moins collectif et se recentre davantage sur son héroïne adolescente.

Jin a 17 ans et n’a jamais quitté sa belle île. Elle s’y promène à vélo, salue une mamie qui lui est chère, s’endort. C’est le quotidien paisible d’une ado mais celle-ci est bientôt une adulte et va quitter « le monde d’avant ». La lumière du soleil est douce, le décor est paradisiaque, mais ça n’empêchera pas la brutale sortie de l’adolescence. Jin retrouve un garçon qu’elle n’avait plus vu depuis des années, et qui est revenu sur l’île pour les funérailles de sa grand-mère. Dujae est beau, Dujae a bougé de son île. Jin est restée là, et d’ailleurs « y’a quoi de mal à vivre ici ? » dit son père. Jin et Dujae ne sont plus vraiment dans le même monde et la première est indiciblement attirée par le second.

Il existe mille et un récits d’apprentissage avec en leur cœur une désillusion amoureuse, mais il existe aussi mille et un récits familiaux comme Moving On – ce qui distinguait ce dernier film, c’était le regard et la sensibilité de Yoon Dan-bi. Si The World Before nous paraît plus fragile, il confirme néanmoins la finesse de son autrice. Il faut un talent d’écriture pour tenir le rythme des non-événements, et y convoquer non-dits et tensions larvées. Le film pourrait avoir des partis-pris formels plus forts – on a parfois le sentiment que la réalisatrice ne se laisse pas toujours assez de temps. Son portrait de lose adolescente, avec la dimension pathétique qui la caractérise, est réussi et poignant. Poignante aussi est la façon qu’a Yoon Dan-bi de nous faire ressentir ce monde d’avant qui s’éloigne de Jin. Si elle et Dujae vivent désormais des réalités différentes, que leurs trajets ont été différents, ce sont leurs chagrins qui se rejoignent.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Sants

admin — Sat, 26 Sep 2026 07:22:49 +0000

Alors qu’elle fait face à la mort imminente de sa mère, Lali rejoint un gang spécialisé dans le vol d’artefacts religieux.

Sants
Espagne, 2026
De Mikel Gurrea

Durée : 1h43

Sortie : –

Note :

ALL SAINTS

Révélé il y a quatre ans au Festival de San Sebastian avec son premier long métrage Suro (sorti chez nous durant l’été 2023), l’Espagnol Mikel Gurrea fait son retour dans la compétition du festival avec son second long, intitulé Sants. Une jeune femme (Victoria Luengo, très en vue cette année à la fois chez Pedro Almodovar et Rodrigo Sorogoyen) s’occupe de sa mère très gravement malade et fait la rencontre d’un gang spécialisé dans le vol d’artefacts religieux. Les affaires nocturnes sont souvent nimbées de mystère dans Sants – voilà de quoi nourrir la tension de ce singulier récit.

Histoire religieuse de suppliciée, mention de fantômes de la putréfaction : les choses spirituelles pourraient occuper une large place dans Sants, mais les protagonistes n’ont pas beaucoup de difficultés à se défaire de l’idée du sacré. C’est une piste intéressante du long métrage : à l’heure où les églises vides ressemblent à des morgues, qu’est-ce que le sacré ? Où met-on celui-ci ? Les questionnements moraux de Sants ont du potentiel mais le film manque, à nos yeux un peu, de relief formel comme de ressource narrative.

Une longue séquence de vol dans la dernière partie du long métrage vient néanmoins récompenser les spectatrices et spectateurs les plus patient.es au bout de ce slowburner. Ces voleuses et voleurs constituent-iels une famille, une secte, un simple groupe de guignols ? Au fil du récit, Mikel Gurrea apporte un soin appréciable à redéfinir ce que chacune et chacun tient comme certain.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : Josephine

admin — Sat, 26 Sep 2026 02:28:54 +0000

Après avoir été accidentellement témoin d’un crime dans un parc, Joséphine, huit ans, est traumatisée.

Josephine
États-Unis, 2026
De Beth de Araújo

Durée : 1h59

Sortie : –

Note :

ÂGE TENDRE ET TÊTE DE BOIS

« Tu es prête ? » sont les premiers mots qu’on entend dans Josephine, second long métrage réalisé par l’Américaine Beth de Araújo. Josephine est prête pour aller courir avec son papa sportif (incarné par Channing Tatum), comme pour plein de choses adaptées à une fillette de son âge, mais elle n’est certainement pas prête pour ce dont elle va être témoin dans des bois ce matin-là. Son père, paniqué comme n’importe qui le serait, ne laisse aucun espace à sa fille en voulant la protéger : ne dis rien, ne fais rien, non tu n’as pas peur. Dans ce drame psychologique incisif, Beth de Araújo raconte une réalité bien plus complexe que de simples consignes parentales à suivre.

Témoin d’un viol, la jeune Joséphine tendre et joufflue n’a même pas vraiment de mot pour qualifier ce qu’elle a vu. Elle est pourtant la principale témoin de ce crime, mais comment une fillette peut-elle témoigner auprès de policiers ou à la barre d’un tribunal quand elle est comme sidérée par le choc ? Avec une grande intelligence d’écriture, la cinéaste examine ce qui est inexplicable. Les parents (maman sage, papa muscles, chacun son rôle) passent d’ailleurs beaucoup de temps à expliquer qu’ils n’arrivent pas à expliquer. Le fonctionnement des adultes tout comme les procédures mises en place sont incompréhensibles pour une jeune enfant amenée à grandir trop vite. Particulièrement bien croqué et loin des fréquents clichés, le personnage de Josephine ne ressemble d’ailleurs jamais à une gosse qui parlerait comme une adulte.

Moins évident et là aussi particulièrement bien cerné, Josephine raconte également la solitude enfantine face à des parents ou même des adultes en général qui ne peuvent la comprendre, a fortiori dans une situation aussi particulière. Josephine est seule avec son trauma, hantée par l’agresseur. Josephine attend dans la voiture, assise aux côtés de la victime, comme invisibilisée. Le point de vue de la fillette est parcellaire, mais la société est-elle organisée, malgré tous ses protocoles, pour bien l’écouter et la comprendre ? « Nos cerveaux sont des choses délicates » dit-on dans Josephine, et de fait les interactions dans le long métrage ressemblent souvent à des parties de Mikado.

Si les adultes, malgré leur bonne volonté, peinent à trouver la bonne place pour Josephine, Beth de Araújo parvient à se mettre à sa hauteur et à son service. Par l’écriture on l’a dit, mais aussi par sa mise en scène, par l’utilisation d’une caméra subjective, également par des prises longues qui donnent suffisamment d’espace aux interprètes et, à travers elleux, aux personnages qu’iels incarnent. Lors du dernier segment de Josephine, la tension est à couper au couteau, mais celle-ci n’est jamais construite au détriment de l’émotion. Grand Prix au tout récent Festival de Sundance avant d’être présenté en compétition à la Berlinale, Josephine est un drame puissant et d’une grande honnêteté sur l’enfance blessée, la parole des enfants, l’écoute dont sont capables les adultes – et sur tout ce qui peut leur échapper.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Entretien avec Karla Condado

admin — Sat, 26 Sep 2026 01:37:00 +0000

Miriam est une lettre filmée, dédiée à la tante de Karla Condado qui a été assassinée par son compagnon. Celle-ci est devenue une silhouette fantôme sur quelques photos – et la réalisatrice lui adresse ses pensées dans ce court métrage dévoilé à la Berlinale et au programme cette semaine à San Sebastian. Miriam est un film intime mais qui traite plus largement des féminicides, où les mots pudiques inscrits à l’écran prennent le relais quand la voix vacille. Tandis que sa mémoire pâlit, la cinéaste brise le silence dans cet exercice cathartique à la mise en scène poétique. Karla Condado est notre invitée.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de raconter l’histoire de votre tante ?

Ma peur. J’ai grandi avec beaucoup de peur simplement parce que je suis une femme dans mon pays ; et maintenant je comprends pourquoi. Alors j’ai décidé de réaliser ce film, pour dire à voix haute ce que cela a été de grandir dans ce contexte de féminicides.

Comment avez-vous abordé le traitement visuel d’un tel projet ?

Eh bien c’était très intuitif. La seule chose qui était assez claire, c’est que je voulais que ce soit comme un journal intime, que ma tante puisse voir ma vie quotidienne, alors je portais toujours avec moi mon petit Bolex pour filmer ma famille, mes ami.es, mon travail, ma vie de tous les jours. Et après cette première règle, León et moi avons commencé à expérimenter avec l’image. León est un artiste visuel qui aime expérimenter avec les nouvelles technologies et moi je viens de l’équipe analogique, donc nous avons mélangé les deux, nous avons essayé des doubles expositions directement sur le film, et des doubles expositions numériques avec Touch Designer.

Nous aimons aussi pousser la caméra à son maximum, la dernière séquence était presque dans le noir total, nous cherchions des lucioles dans les bois donc nous n’avions pas de lumière artificielle, alors nous avons pris la caméra numérique, ouvert le plus possible l’obturateur, le plus haut ISO possible et l’objectif complètement ouvert, pour essayer de voir quelque chose, et cela a donné un très bon résultat ; maintenant j’ai une belle image d’une petite fille avec son père dans les bois et pour le films ça a beaucoup de sens.

Comment avez-vous choisi ce qui serait dit à haute voix et ce qui serait plutôt écrit à l’écran dans votre film ?

Au début c’était difficile, parce que nous avons essayé juste le texte écrit, puis juste la version avec voix-off. Mais pour moi, ce n’était pas suffisant, alors nous avons pensé que nous pourrions les mélanger, mais nous devions trouver un rythme, ça ne pouvait pas être juste les deux langages en même temps. Alors un de mes amis m’a dit « écoute cette chanson » (une chanson ranchera) et j’ai dit, c’est ça, je dois les mélanger pour qu’elles se complètent. De plus, certaines choses écrites sont des choses que je ne peux pas encore dire à voix haute, des choses qui font encore mal.

Dans quelle mesure diriez-vous que ce court métrage dédié à la mémoire de Miriam était aussi pour vous une expérience cathartique ?

C’était complètement cathartique. Quand j’ai commencé à travailler sur ce projet, je n’arrivais pas à finir d’écrire la lettre parce que je pleurais beaucoup. Mais ensuite j’ai commencé une thérapie spécialement pour ça et j’ai pu vraiment travailler dessus. Et puis il y a eu toute l’histoire avec ma famille, bien sûr j’avais peur de leur dire que je faisais ce film parce que j’ai toujours pensé que je n’avais pas le droit d’en parler car j’étais juste un enfant quand tout cela s’est passé, mais j’en avais vraiment besoin. (Et tout s’est très bien passé avec eux, donc je suis contente).

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Jonas Mekas, Wong Kar Wai, Alexandre Larose, Chris Marker, Chantal Akerman.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 26 février 2026.

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