À la fin des années 1990, une famille de six personnes emménage dans une nouvelle maison sur l’île de Vancouver. Leur dynamique familiale se révèle progressivement à travers ce que vit Sasha, la benjamine. Cette nouvelle vie est interrompue par le comportement de plus en plus dangereux de l’aîné, Jeremy.

Blue Heron
Canada, 2025
De Sophy Romvari

Durée : 1h30

Sortie : 24/06/2026

Note :

L’article Critique : Blue Heron est apparu en premier sur Le Polyester.

Blue Heron est inspiré de vos propres souvenirs d’enfance, mais contrairement à beaucoup de récits d’apprentissage autobiographiques vous n’offrez ni explication ni solution trop simple à ce que traversent les personnages. Comment vous êtes-vous assurée d’éviter les clichés du genre ?

Eviter les clichés n’est pas une mince affaire, je pense que le seul moyen d’y parvenir est de regarder beaucoup, beaucoup de films et d’essayer d’analyser les schémas récurrents et les stéréotypes. Ce n’est pas nécessairement que j’essaie de les éviter à tout prix, d’ailleurs. Je pense qu’il nous arrive à toutes et tous d’avoir l’impression de vivre quelque chose d’unique avant qu’on se rende compte que c’est une histoire qui a déjà été racontée mille fois. Comme Blue Heron est un film personnel, je savais qu’il serait ancré dans une expérience réelle et authentique, mais comme il s’agit d’une œuvre de fiction, j’avais une très grande liberté artistique. C’est cet équilibre qui m’a permis de m’y retrouver parmi tous ces archétypes du récit d’apprentissage, jusqu’à aboutir à un résultat qui me semble à la fois honnête et personnel.

La manière dont j’ai grandi ne ressemble pas à la manière dont les enfants grandissent dans la plupart des récits d’apprentissage. Dans la plupart de ces films, un adolescent vit soudain une expérience intense qui va modeler le reste de sa vie et d’un seul coup il réalise qu’il est devenu adulte pour de bon, juste comme ça. Il ne m’est jamais rien arrivé de tel. En tant qu’adulte aujourd’hui, quand je me repenche sur mon enfance et mon adolescence, je réalise qu’il y avait énormément de choses qui m’échappaient. Tenter de rendre compte de ce sentiment là était un défi très stimulant. J’ai envisagé Blue Heron à la fois comme le portrait le plus fidèle possible de cette expérience qui fut la mienne, mais aussi comme une tentative d’utiliser au maximum les possibilités visuelles offertes par le médium du cinéma. Rien que d’utiliser le montage pour voyager dans le temps, je trouve ça très excitant.

La 2e partie du film nous invite à réenvisager ce que l’on a vu dans la 1ere partie. Peut-on dire que votre but n’était pas tant de reconstituer des souvenirs que de démontrer l’impossibilité de se fier à ses souvenirs ?

A 100%. Le film parle justement de la nécessité de faire face au fait que cela est impossible, et d’accepter les limites inévitables d’une telle entreprise. Après avoir vu le film, de nombreux spectateurs et spectatrices s’imaginent que c’est mot pour mot que s’est déroulée ma jeunesse, or ce n’est absolument pas le cas. Blue Heron est un film de fiction dans le sens où certains éléments du récit sont authentiquement vrais, d’autres ont été plus ou moins modifiés, et d’autres sont entièrement inventés, car il n’existait pas une seule et unique manière de retranscrire authentiquement mon expérience personnelle. Tant mieux si, au final, le film a l’air entièrement crédible, mais cela peut donner lieu à une certaine frustration quand j’ai l’impression que les choix artistiques que j’ai opérés se retrouvent invisibilisés. Faire un film personnel est une chose, faire un film personnel qui soit également une proposition artistique réfléchie en est une autre.

Est-ce pour cette raison que le mystérieux personnage du frère n’a quasiment aucune ligne de dialogue ?

Ce personnage est basé sur mon propre frère mais lorsque j’ai commencé à imaginer Blue Heron j’ai très vite réalisé que je ne pouvais tout simplement pas recréer mon frère. Ce n’était même pas la peine d’essayer de trouver un comédien qui se comporterait exactement de la même manière. J’ai engagé un acteur non professionnel, qui n’avait jamais joué auparavant, parce qu’il avait une très belle présence à l’écran et une sorte d’énergie nerveuse, très différente de celle de mon frère mais cette différence était justement utile au film. En effet, je me suis retrouvée avec la sensation de ne pas entièrement reconnaitre mon frère, ce qui était exactement l’impression que j’avais en grandissant. A partir de ce moment où je ne n’allais pas le recréer tel qu’il avait été, pourquoi aurais-je fait le choix artificiel de mettre des dialogues dans sa bouche ?

Le scénario ne nomme jamais le mal dont il souffre, lui-même ne s’exprime presque pas, et pourtant le film est rempli de cartes qu’il dessine. Qu’est-ce qui vous a amenée à inclure ces dernières à l’image ?

La particularité des cartes que je montre dans le film est qu’elles sont réelles, ce sont bel et bien des cartes dessinées par mon frère à l’époque, mais c’est aussi bien sûr une métaphore. La vie nous offre parfois des métaphores sur un plateau et on ne peut les ignorer. C’est pour cela que je me suis autorisée à inclure cet objet réel dans ce film de fiction. Le porte-clés est quant à lui complètement inventé, de nombreuses personnes viennent me demander si je suis toujours en possession de cet objet supposément offert par mon frère, mais en réalité nous l’avons créé nous-mêmes en préparation du tournage. La rencontre du réel et de la fiction est ce qui m’intéresse le plus. Je pense souvent que, d’une certaine manière, même les documentaires ne sont pas réels car chaque film est une expérience artistique composée par un ou une cinéaste. Il y a bien sûr de la vulnérabilité dans Blue Heron car c’est basé sur ma propre vie, mais au final je dirais que ma devise c’est « vrai, mais pas réel ».

Est-ce pour cette raison que vous avez engagé de véritables travailleurs sociaux pour la deuxième partie du film, plutôt que des interprètes professionnels ?

Il s’agit effectivement de véritables travailleurs sociaux que l’on a engagés pour qu’ils et elles jouent elleux-mêmes en quelque sorte, mais ils ne se connaissaient pas les uns les autres. Nous avons tourné dans la salle de réunion de mon ancienne école de cinéma. Amy Zimmer, qui joue le rôle de Sasha adulte, menait cette conversation de groupe sous forme d’improvisation, mais ces travailleurs réagissaient à des documents authentiques concernant mon frère. Nous avons laissé cet échange durer trois heures et nous avons utilisé trois caméras pour le capter. Cela m’a semblé être le meilleur moyen pour, là encore, non pas créer un documentaire mais obtenir des performance et des dialogues crédibles.

En dehors du cinéma de genre, il n’est pas fréquent de voir le zoom autant utilisé qu’ici. Qu’est-ce qui vous a donné cette envie ?

J’aime utiliser le zoom pour un certain nombre de raisons, à vrai dire, mais la première est tout simplement esthétique, cela me renvoie à un certain cinéma des années 70 qui me plait particulièrement. Les drames de cet époque n’hésitaient pas à employer le zoom, que ce soit dans Conversation secrète ou bien les films de Cassavetes ou Altman, deux de mes principales références visuelles pour Blue Heron. Cela répondait à une sorte de défi : comment utiliser le langage cinématographique pour parvenir à véhiculer les plus de choses possibles dans un seul plan. Quoi de mieux pour cela que de commencer par un plan large et soudain amener le regard du public sur un détail ? Utiliser différentes prises de vue, du champ/contrechamp ou des effets de montage m’aurait paru être une antithèse à l’acte même de se souvenir.

Une autre source d’inspiration provient des films de famille que mon père avait l’habitude de tourner avec nous. Il filmait souvent l’intérieur de notre maison depuis une certaine distance, en nous regardant à travers une fenêtre par exemple, de telle sorte que chaque plan contenait à la fois l’intimité et l’idée de distance. Cela m’a beaucoup inspirée au moment de trouver comment recréer cette impression d’intimité sans pour autant planter ma caméra à quelques centimètres du visage de mes interprètes. Filmer ces derniers depuis une certaine distance permettait par ailleurs de leur offrir davantage de liberté, surtout les enfants. Enfin, c’était aussi une question de budget : utiliser le zoom nous permettait de nous passer de matériel couteux sans pour autant mégotter sur l’image.

On ne devinerait pas que le budget était restreint devant la réussite de la direction artistique, dont l’économie évite là encore les clichés de la reconstitution.

Allison Deleo, la directrice artistique, a effectivement fait un travail formidable, alors qu’il s’agissait là de son tout premier long métrage. Globalement, j’ai surtout engagé des gens qui n’avaient pas fait de long métrage auparavant afin que l’on partage toutes et tous une énergie similaire. Allison possède un don pour les couleurs, les nuances, les textures. Je crois que lorsque l’on tourne un film d’époque, on se focalise souvent sur des pièces très révélatrices comme une voiture, un modèle d’ordinateur ou bien un vêtement à la mode, mais je pense que la question principale qui se pose c’est plutôt « qu’est ce qu’on ne met pas dans cadre, qu’est ce qu’on enlève ? » car beaucoup de détails insignifiants en apparence sont susceptibles de rompre l’illusion sans même qu’on s’en rende compte.

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 19 juin 2026. Merci à Célia Mahistre et Cilia Gonzalez.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Entretien avec Sophy Romvari est apparu en premier sur Le Polyester.

Ju-young, malentendante, découvre que sa sœur a mystérieusement disparu de son appartement. En cherchant des réponses, elle se heurte à des voisins terrifiés, obsédés par le silence, et à une atmosphère de plus en plus oppressante. La nuit, des bruits inexpliqués résonnent dans l’immeuble déserté, éveillant une présence invisible. Ce qu’elle croyait être une simple disparition devient une plongée terrifiante dans un cauchemar hanté par le silence.

Noise
Corée du sud, 2024
De Kim Soo-jin

Durée : 1h35

Sortie : 24/06/2026

Note :

L’article Critique : Noise est apparu en premier sur Le Polyester.

Pouvez-vous nous parler de la conception de la créature de Praying Mantis ? Quelles ont été vos influences, comment l’avez-vous conçue ?

Depuis que j’ai commencé à faire de l’animation, j’ai toujours voulu créer mon propre monstre. Pour Praying Mantis, elle devait posséder une belle apparence en même temps que des instincts maternels. J’ai commencé à chercher l’inspiration dans le maquillage et les vêtements exagérés et flamboyants des femmes des années 90. Et par ailleurs, j’adore toutes les formes uniques des insectes. Parmi eux, je trouve que la mante religieuse a la silhouette la plus gracieuse. C’est donc sur la forme de la mante religieuse que j’ai conçu mon monstre.

Quelle est votre relation au cinéma d’horreur ?

Je suis un grand fan de films d’horreur. J’adore les éléments fantastiques et les représentations de la nature humaine qu’ils offrent.

Pouvez-vous me parler de la technique d’animation que vous avez utilisée pour Praying Mantis ?

J’ai d’abord utilisé l’animation image par image pour créer les animations des personnages. Ensuite, j’ai utilisé des crayons pour créer la texture de chaque image. Enfin, j’ai utilisé un logiciel informatique pour ajouter de la couleur, y compris toutes les images de fond, qui étaient elles aussi dessinées au crayon.

Comment avez-vous collaboré avec votre producteur Yonfan sur ce projet ?

J’ai travaillé sur No 7 Cherry Lane, un long métrage d’animation que Yonfan a réalisé. Et depuis cette collaboration, il a été un excellent mentor et conseiller pour tous mes projets. Je suis très reconnaissant pour son aide. Il m’a donné beaucoup de conseils utiles, depuis le scénario jusqu’à toutes les étapes de la production. Il m’a transmis des idées brillantes sur le jeu des personnages, le montage et le design sonore.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 23 février 2026. Merci à Luce Grosjean.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Festival d’Annecy | Entretien avec Joe Hsieh est apparu en premier sur Le Polyester.

Qu’est-ce qui vous a fait choisir cette nouvelle de Katherine Mansfield en particulier ?

La nouvelle de Katherine Mansfield, Daughters of the Late Colonel, a été écrite il y a près d’un siècle, mais ses thèmes résonnent encore aujourd’hui. Elle raconte l’histoire de deux femmes et de leur rôle en tant que filles d’âge moyen d’un père autoritaire. Elles dépendent de leur père et, une fois qu’il meurt, il est difficile de voir comment elles pourraient prendre les décisions les plus simples. Ma productrice Abigail Addison et moi avons adoré les personnages, l’humour et les indices visuels dans l’histoire, bien que, lors de l’adaptation, je me sois écartée du texte original pour offrir aux filles un avenir plus prometteur.

Daughters of the Late Colonel est unique visuellement, pouvez-vous nous en dire davantage sur votre technique d’animation ?

Je peins directement sur le papier avec de l’encre et de la peinture et je filme chaque dessin pendant qu’il est encore humide, avec un appareil photo numérique pointé vers le bas sur le papier (en animation, cela pourrait s’appeler un rostrum ou un down-shooter). Le papier n’est pas spécial, j’utilise le verso de papiers peints ou de paquets de céréales, et l’image est assez petite, entre 7 et 12 cm de large. Il n’y a pas de compositing, toute la scène est dessinée là, sur le papier.

Votre animation est très expressive tout en utilisant des éléments minimalistes. Quelle liberté cette approche vous donne t-elle ?

J’ai réalisé de nombreux courts métrages au cours des 25 dernières années et à chaque fois j’essaie d’en apprendre un peu plus sur la manière de raconter une histoire passionnante avec moins d’informations visuelles. De cette façon, il y a plus de place pour la narration dans le design sonore et l’incroyable musique de Hutch Demouilpied. Cela peut également laisser plus de place au public pour participer. Avoir moins d’éléments sur la page, et l’échelle plus petite mentionnée ci-dessus, me donnent également la liberté d’essayer chaque plan encore et encore afin de pouvoir mieux ou plus efficacement articuler les lignes et les expressions.

Il y a une tension assez folle qui traverse votre film et c’est une idée brillante pour raconter le quotidien hanté des sœurs et leur lutte pour s’émanciper. Comment avez-vous abordé cette atmosphère intense ?

Merci ! Je peux revendiquer le mérite de l’animation intense, mais je ne peux pas revendiquer le mérite de la façon dont la tension se construit tout au long du film. Je travaille avec un monteur brillant, Mark Jenkins, et pendant toute l’année de production, nous avons travaillé très dur ensemble sur le rythme et la structure dramatique, en changeant toutes les scènes, et en incorporant lentement les bons sons, les dialogues et la musique, le processus a été vraiment amusant. Avoir un financement pour le film a vraiment aidé à créer l’espace pour que l’équipe prenne le temps de travailler le matériau de manière aussi réfléchie ensemble, donc pour cela je dois remercier Animate Projects, Fabian&Fred et Phil Davies.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Il y en a tellement ! Bien sûr j’adore Robert Breer, Jan Švankmajer, Norman McLaren, Lotte Reiniger et Yuri Norstein. Mais voici également des cinéastes dont la pratique actuelle m’inspire beaucoup : Gina Kamentsky, Florence Miailhe, Kim Noce, Kōji Yamamura, Jessica Ashman, Maryam Mohajer, Anna Mantzaris et Izabela Plucinska.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 9 juin 2026. Merci à Estelle Lacaud.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Festival d’Annecy | Entretien avec Elizabeth Hobbs est apparu en premier sur Le Polyester.

L’usine de la famille Obinata, spécialisée dans les feux d’artifice, est sur le point d’être fermée administrativement. Autrefois nichée au cœur d’une forêt verdoyante, le site est désormais recouvert de panneaux solaires, et une route départementale doit bientôt traverser l’emplacement de l’usine. Depuis quatre ans, Keitaro s’est enfermé dans cette usine désaffectée, où il fabrique seul des feux d’artifice. Il est obsédé par le mystère du shuhari, un feu d’artifice fantôme censé représenter l’univers, que son père avait créé juste avant de disparaître. Avant la confiscation de l’usine, Keitaro est déterminé à lancer le shuhari de son père. Hanté par ses souvenirs, il fait appel à son frère Chicchi et à son amie d’enfance Kaoru pour faire éclater Une Aube Nouvelle.

Une aube nouvelle
Japon, 2026
De Yoshitoshi Shinomiya

Durée : 1h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

L’article Festival d’Annecy | Critique : Une aube nouvelle est apparu en premier sur Le Polyester.

En 2009, Esmael Mangudadatu, un candidat politique progressiste aux Philippines, a envoyé sa femme et une équipe de journalistes dans la ville de Maguindanao pour déposer sa candidature au poste de gouverneur. Tous les membres du convoi furent brutalement massacrés par les forces dirigées par la puissante famille Ampatuan, alliée au gouvernement oppressif d’Arroyo. 58th raconte cette histoire tragique à travers les souvenirs de la fille d’un photojournaliste surnommé Bebot, et sa campagne inlassable pour trouver des preuves et obtenir une reconnaissance officielle de la mort de son père lors du massacre.

58th
Philippines, 2026
De Carl Joseph E. Papa

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

L’article Festival d’Annecy | Critique : 58th est apparu en premier sur Le Polyester.

Quel a été le point de départ de Dieu est timide ?

Dieu est timide nait d’une envie de faire un court métrage, souvent évoquée mais jamais entamée, jusqu’à ce qu’elle soit concrétisée par Ugo et Felix les deux créateurs du studio Remembers dans lequel je travaille ; Sachant que je trouve l’inspiration sous la contrainte, ils m’ont imposé de leur fabriquer une animatique (storyboard animé) d’une minute dans les deux mois qui ont suivi notre discussion. J’ai alors, sans réfléchir, tout de suite mis à l’image mes idées, en créant par le storyboard, sans écriture au préalable. Mon seul fil rouge était que je voulais dessiner des scènes que j’aurais envie de voir en tant que spectateur.

Ce film était aussi l’opportunité de consolider et concrétiser mon univers artistique. Pendant la réalisation du clip Hématome pour le groupe L’Impératrice, j’ai développé avec ma co-réalisatrice Roxane Lumeret, le sujet de la monstruosité, qui est devenu un thème récurrent dans mon travail. Dans le clip How Do I Make You Love Me pour l’artiste The Weeknd, que j’ai réalisé et imaginé seul, j’ai poussé un degré de plus dans l’horreur, allant parfois jusqu’au « gore », avec de la décomposition, du sang, des visages horrifiques. Tout cela m’a donné des clés et des idées de scènes que je désirais mettre au service d’une histoire originale et plus personnelle.

Je suis également fasciné par les questionnements métaphysiques, l’astronomie, l’inconscient. Mon précédent court métrage, réalisé en groupe, avait pour thème la zététique, c’est à dire l’étude rationnelle opposée aux sciences occultes. Je crois que j’ai toujours aimé ces sujets, et ils sont naturellement venus à moi pendant la création de ce film, comme guidés par mon subconscient.

Il y a dans votre film une dimension horrifique hallucinée qui tend vers le grotesque, et qui m’a évoqué les mangas d’horreur comme ceux de Junji Ito par exemple. Est-ce que cela constituait une influence ou aviez-vous d’autres inspirations ?

Bien vu ! Je suis en effet assez fan du travail de Junji Ito. J’ai d’ailleurs réalisé en 2021 avec la chaîne américaine Adult Swim, qui diffusait une adaptation du manga Spirale de Junji Ito, une animation hommage à cette œuvre. Je suis très influencé par la narration visuelle japonaise, que ce soit en manga ou en animation, et il faut avouer qu’ils sont les maîtres dans les histoires à destination des adolescents / adultes. Là où en occident, l’animation ou la bd restent plutôt cantonnés à un public très jeune. J’ai aussi été très inspiré par les frères Coen pour le mélange entre burlesque et violence, et plus récemment par les frères Safdie pour leurs trips effrénés et haletants, enrobés de beaucoup de poésie.

Comment vous est venu l’idée de caster Danièle Evenou pour cette voix particulièrement importante du film, et pouvez-vous nous parler de votre collaboration ?

Pour être honnête, Danièle n’était pas la première voix à laquelle j’avais pensé. J’ai voulu une voix capable d’improviser, qui avait du caractère, qui paraissait déjà déjantée sans même voir son visage. Je voulais que la comédienne n’ait presque pas à jouer, juste à être elle-même. Avec mes producteurs, nous avions contacté Béatrice Dalle qui aurait évidemment grandement imprégné le film de sa personnalité (peut-être trop après considération ?). Finalement cela n’a pas pu se concrétiser avec Béatrice, et après des heures de visionnage de comédiennes sur internet, je suis tombé sous le charme de la personnalité de Danièle, notamment une interview dans laquelle elle parle de ses relations passées. La projection était aisée étant données les similitudes entre son récit et le thème de mon film, nous l’avons donc contactée et elle a accepté avec beaucoup de gentillesse.

Finalement, n’ayant qu’une journée d’enregistrement pour 15mn de film, je n’ai pas pu m’offrir le luxe d’essayer l’improvisation avec Danièle, j’ai senti que la singularité de l’histoire, le contexte de notre rencontre et son expérience passée ne l’avaient pas aidée pour ce type d’exercice. Mais elle a pu tout de même insuffler énormément de personnalité à mon texte, et je suis très fier du résultat.

Votre utilisation des couleurs est frappante et suit davantage les émotions qu’une représentation réaliste. Comment avez-vous approché ce surprenant usage des couleurs ?

La couleur est évidemment un curseur essentiel d’émotions. Le bleu et le violet du train amènent une froideur qui prépare l’évènement dramatique à venir, et les couleurs chaudes du paysage qui défile nous invitent dès le départ à voir la nature comme un échappatoire plus réconfortant. Les personnages, eux, sont très souvent dotés de couleurs très saturées, pour ramener de la légèreté, presque un côté enfantin à leurs apparences. Les couleurs saturées ont disparu progressivement depuis les années 60, il y a eu un déclin dans tous les domaines, mobilier, objets, vêtements, et même dans la bande dessinée et la pop culture plus généralement.

En plus de la légèreté, pour moi elles amènent aussi de l’humour, comme une façon de se prendre moins au sérieux. Je pense par exemple à la figure de Superman, dans les années 50, les couleurs étaient saturées, les poses, les décors, tout était stylisé, avec beaucoup de symbolisme. Aujourd’hui, les comics ou les films adoptent des couleurs ternes, se prennent très au sérieux, le costume de Superman est devenu presque gris : je trouve ça dommage.

Qu’est-ce qui vous a dirigé vers ce thème de la peur, pouvez-vous nous en dire davantage sur ce que vous souhaitiez explorer à travers ce film et ses récits horrifiques enchevêtrés ?

Je trouve que le genre de l’horreur est un genre « populaire » qu’on associe souvent à tort à de la sous-culture, un genre moins noble que celui du drame ou de la romance. C’est pourtant le seul qui peut réellement ajouter une nouvelle émotion à notre palette d’émotions de spectateur : la peur. Comme une nouvelle couleur, on peut l’associer à d’autres, la mélanger, l’effacer ou l’étaler.

Je suis fasciné par le travail de Ari Aster, qui a su esthétiser l’horreur par son originalité dans la mise en scène et dans les situations qu’il crée. J’aimerais insuffler de l’humour dans ces situations, comme il a pu le faire dans son dernier film Beau is Afraid, ou comme pourrait le faire Jordan Peele dans ses films. J’ai également été très touché par le chef d’œuvre coréen The Strangers, qui mélange les genres, les tons, et qui revisite les films de possession avec le chamanisme et le folklore coréen.

Se raconter des histoires d’horreur a toujours été le petit plaisir des adolescents et mêmes des plus âgés : le fantasme de l’histoire au coin du feu, qui nous fait frissonner. C’est, comme avec les couleurs, une volonté d’amener de la légèreté dans la forme, du divertissement, pour mieux jouer, par contraste, avec un fond plus poétique.

De plus, l’animation étant un medium extrêmement chronophage (animer un personnage se déplacer d’une pièce à l’autre, d’un endroit à un autre, étant si long et fastidieux à fabriquer) que l’idée de se raconter des histoires est aussi un moyen de gagner du temps, de jouer avec mon medium : elle m’autorise à me téléporter d’un décor à un autre, avoir comme une succession d’illustration, comme une suite de petits GIF. Je crois que ça me plait de fonctionner ainsi.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 7 mai 2025. Un grand merci à Andréa Goncalves.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Festival d’Annecy | Entretien avec Jocelyn Charles est apparu en premier sur Le Polyester.

C’est Lionel de l’Espagnol Carlos Saiz qui a remporté le Grand Prix. L’histoire : l’été de Lionel, 25 ans, commence avec une mauvaise nouvelle. Il apprend qu’à ses 26 ans, il perdra l’allocation de soutien familial qui lui permet de vivre depuis la mort de sa mère. Alors que ses amis quittent peu à peu le quartier pour les vacances, son père, absent depuis des années, débarque tout à coup pour lui proposer un voyage… 

Parmi les autres films distingués, citons Memory de Vladlena Sandu, Variations on a Theme de Jason Jacobs et Devon Delmar (lire notre entretien), Y de Maria Popistașu et Alex Baciu, Don’t Let Me Die d’Andrei Epure, Truly Naked de Muriel d’Ansembourg (lire notre entretien) ou encore Les Dimanches d’Alauda Ruiz de Azúa (lire notre entretien), tous évoqués avec enthousiasme sur Le Polyester.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Compétition internationale

Grand Prix : Lionel, Carlos Saiz
Prix de la mise en scène : Titanic Ocean, Konstantina Kotzamani
Prix du jury : Ou Father, Goran Stanković
Prix d’interprétation : L’ensemble du cast de Truly Naked
Prix du public : Feels Like Home, Gábor Holtai

Compétition What’s Up Doc ?

Grand Prix : Memory, Vladlena Sandu
Mention spéciale : Variations on a Theme, Jason Jacobs et Devon Delmar

Compétition Romanian Days

Grand Prix : Y, Maria Popistașu et Alex Baciu
Mention spéciale : The Circle, Valeriu Andriuță
Prix du premier film : Back and Forth, Cristian Bota
Prix du court métrage : County Captain, Dan Panaet

Prix Fipresci : Don’t Let Me Die, Andrei Epure
Prix du jury jeunes : Les Dimanches, Alauda Ruiz de Azúa

Source

Nicolas Bardot

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Le palmarès du Transilvania Film Festival 2026 est apparu en premier sur Le Polyester.

Margot débute son internat aux urgences, où elle peine à s’adapter. Très vite, elle fait face à des patients de son âge aux symptômes inexpliqués. La récurrence de ces cas exceptionnels l’interroge, d’autant qu’elle observe, sur son propre corps, des manifestations de plus en plus inquiétantes…

Sanguine
France, 2026
De  Marion Le Corroller

Durée : 1h43

Sortie : 28/10/2026

Note :

L’article Critique : Sanguine est apparu en premier sur Le Polyester.