Le Polyester

La sélection du Festival Entrevues Belfort 2026

admin — Thu, 22 Oct 2026 09:45:39 +0000

La 41e édition du Festival Entrevues Belfort aura lieu du 16 au 22 novembre. Sa sélection a été dévoilée.

En compétition internationale, on retrouve des coups de cœur évoqués sur Le Polyester comme Incinerator du Japonais Shuntaro Uchida (lire notre entretien) ou encore I Plant My Hand in the Garden de l’Iranienne Hoda Taheri et le Serbo-Monténégrain Boris Hadžija. Découvrez les films en lice ci-dessous.

I Plant My Hand in the Garden

AT NIGHT de Béatrice Gibson
CHICKEN SOUP de Caroline Milcent
COME IN FROM THE COLD d’Abe Callard
ÉLÉGIE POUR LES LILAS d’Alain Kassanda
EL ESPEJISMO de Bingham Bryant
I HEARD THAT THEY ARE NOT GOING TO SEE EACH OTHER ANYMORE de Ka-Ki Wong
I PLANT MY HAND IN THE GARDEN de Boris Hadžija et Hoda Taheri
INCINERATOR de Shuntaro Uchida
NOS PAS BRÛLENT LA NUIT de Manon Ott et Grégory Cohen
TEAR GAS d’Uta Beria

Également au menu : des rétrospectives consacrées à Françoise Lebrun et à Samir Guesmi en leur présence, un focus dédié aux joueuses et joueurs au cinéma, ou encore un programme intitulé Cinéma & Histoire : 1996, année queer et féministe.

Retrouvez tous les détails sur le site officiel.

Nicolas Bardot

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Critique : La Gradiva

admin — Wed, 21 Oct 2026 04:16:13 +0000

Un groupe de lycéens français part en voyage scolaire à Naples pour découvrir les ruines de Pompéi et ses corps pétrifiés par le Vésuve. C’est là que le vertige les saisit brutalement. L’un après l’autre, ils se laissent submerger par le désir et la colère jusqu’à s’y abandonner complètement.

La Gradiva
France, 2026
De Marine Atlan

Durée : 2h25

Sortie : 21/10/2026

Note :

C’EST COMME UN TREMBLEMENT DE TERRE

« Il ne s’agit pas de comprendre, il s’agit de perdre connaissance ». Voilà un conseil qui semble passer loin au dessus de la tête des élèves de cette classe que nous suivons en voyage scolaire à Pompei. L’histoire locale et la science des volcans n’intéressent qu’une poignée d’entre eux, les autres ayant surtout à l’esprit une camaraderie chahuteuse, des premiers désirs à assouvir ou encore une colère intérieure à tenter d’assoupir. Le cinéma français ne manque certainement pas de films sur l’école mais, par son atmosphère et par l’ambition de sa mise en scène, l’imprévisible La Gradiva vise et atterrit bien au-dessus des archétypes du genre.

La Gradiva est certes un film réaliste, mais de la même manière que certains films de Bonello ou Noé sont également réalistes. Le film se compose de nombreuses discussions aux enjeux a priori banals, qu’il s’agisse des cours dispensés ou des moqueries méchantes que s’échangent les élèves, et pourtant on sent que sous ce quotidien ensoleillé, les plaques tectoniques grondent fort. C’est d’ailleurs ce que sous-entend la sublime séquence d’ouverture, filmée à bord d’un train où les élèves à moitié endormis paraissent plongés en état d’hypnose et où se réveille alors un inconscient à la fois voyeur et morbide, dans une formule qui évoque le court métrage Dieu est timide.

Brillante chef opératrice pour de nombreux jeunes cinéastes français ou francophones (L’Engloutie, Les Reines du drame, Le Ravissement, Foudre, Nos cérémonies…) Marine Atlan réalise ici son premier long métrage et cette poignée de plans d’ouverture suffisent à asseoir son talent rare. Et il en faut du talent, pour faire passer aussi vite ces 2h25 en compagnie de cette bande de petits cons. Le travail de montage n’est pas seulement sensationnel par sa gestion du rythme, et chaque séquence prise indépendamment possède ses propres variations d’intensité. Hyper vivant jusqu’au vertige, La Gradiva est perpétuellement rêveur et nerveux dans le même geste.

Il est interdit de révéler la direction dans laquelle se dirige le film, mais il y a une parabole politique flagrante dans le portrait de cette incapacité des uns et des autres à s’écouter, mais aussi à regarder le passé dans les yeux, résultant en un poignant sentiment d’échec collectif. Mais le titre du film, inspiré de l’héroïne éponyme fantomatique d’une nouvelle historique ayant beaucoup inspiré Freud, nous rappelle que La Gradiva est moins un exposé qu’un sacré numéro de funambule entre rêverie et cauchemar. Le résultat est si puissant que lorsque l’un des protagonistes dit à son pote « Raconte mieux, frère », on jurerait entendre Marine Atlan mettre au défi quiconque d’atteindre les mêmes sommets qu’elle.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Marie Madeleine

admin — Wed, 21 Oct 2026 01:13:00 +0000

À Jacmel, en Haïti, la mer, les églises et les esprits façonnent la vie. Marie Madeleine est une femme libre. Elle vit de la prostitution et traverse les nuits sans se soumettre aux règles de ceux qui sauvent les âmes. Sa route croise celle de Joseph, un jeune évangéliste. Une relation se noue entre ces deux êtres que tout oppose. Alors que Joseph vacille dans sa foi, Marie Madeleine l’entraîne vers un monde dans lequel désir et quête de liberté ouvrent un espace où tout peut être réinventé.

Marie Madeleine
Haïti, 2026
De Gessica Geneus

Durée : 1h44

Sortie : 21/10/2026

Note :

SAINTE COLÈRE

C’est au Festival de Cannes, à Un Certain Regard, que la réalisatrice haïtienne Gessica Geneus (lire notre entretien) a été révélée sur la scène internationale avec Freda. Le film a ensuite effectué un remarquable parcours en festivals avant de sortir chez nous à l’automne 2021. Et c’est à Cannes que la cinéaste fait son retour, cette fois à Cannes Première, avec son nouveau film Marie Madeleine. Le long métrage s’ouvre par un geste d’empathie : Joseph, jeune évangéliste, vient en aide à Marie Madeleine, prostituée. Gessica Geneus emploie des figures bibliques pour mieux les déplacer dans ce récit attaché aux personnes les plus marginalisées de la société.

Jésus le roi des rois, Vive le sang de Jésus, Cœur de Jésus entre autres : la ville de Jacmel en Haïti semble recouverte par des messages religieux. La voix de radio Jésus est partout, comme si les individus étaient continuellement sous surveillance. Quelle place reste t-il pour celles et ceux qui ne se conforment pas à l’autorité religieuse ? Le joli Joseph est un garçon sage et candide dont on devine assez vite la sensibilité, tandis que les pratiques de Marie Madeleine (aussi fière que l’héroïne de Freda) ne sont évidemment pas du goût des hommes de Dieu. Lorsque l’église et le bordel se font face dans Marie Madeleine, séparés par une rue, c’est presque à un antagonisme de comédie qu’on assiste.

Si Gessica Geneus dépeint la cruauté des faux prophètes, le film trouve un contrepoint visuel en mettant en valeur les chaleureuses couleurs des rues et des chambres dans ce dur quotidien. « C’est l’église qui décide pour nous ? » : cette interrogation outrée sur l’ordre établi sonne comme une mise au défi. La cinéaste, qui interprète également le rôle-titre, examine la liberté possible mais entravée de ses protagonistes, soumis.es à l’hypocrisie religieuse. Le film, à nos yeux, finit par manquer de relief d’un point de vue narratif, mais son élégance formelle ainsi que son propos humaniste sont notables.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-Sur-Yon 2026 : notre bilan

admin — Tue, 20 Oct 2026 13:56:28 +0000

La 17e édition du Festival de La Roche-Sur-Yon, que vous avez pu suivre en direct comme chaque année sur Le Polyester, s’est achevée ce weekend. Revenons sur les temps forts de cette édition.

Wild Horse Nine

Test cinéphile : savez-vous où ont eu lieu les premières françaises des films oscarisés Hamnet, A Real Pain, Call Me By Your Name et Manchester by the Sea, mais aussi de presque tous les derniers films de Yorgos Lanthimos (Bugonia, Pauvres créatures, La Favorite) et Martin McDonagh (Wild Horse Nine, Les banshees d’Inisherin, 3 Billboards – Les trois panneaux de la vengeance) ? Pas au Festival de Cannes, mais bien à celui de La Roche-sur-Yon. Savez-vous quel festival fut le premier à proposer chez nous une rétrospective Joanna Hogg, à une époque où ses films n’avaient jamais été diffusés en France, et aussi le premier à proposer dès 2013 un hommage à Kelly Reichardt, en sa présence ? Qui fut le premier festival à programmer Eva En Août, film sans distributeur signé d’un Jonas Trueba encore inconnu, qui a pourtant fini nommé aux César l’année suivante ? Qu’on se le dise (et qu’on le dise plus fort, nom d’un chien) : année après année, la tranquille ville vendéenne continue d’accueillir l’une des manifestations cinéphiles les plus précieuses et excitantes de France. Vous n’y êtes encore jamais allé ? Qu’attendez-vous ?

Naza

Savez-vous également qu’un nouveau film de Jonathan Glazer vient de faire sa première française ? Coréalisé avec la compositrice Mica Levi, le moyen métrage documentaire Joy of Joys, dans lequel des enfants ukrainiens, soudanais et palestiniens filment l’enregistrement d’un album caritatif aux studios londoniens d’Abbey Road, était diffusé cette année à La Roche-sur-Yon à peine trois semaines après sa première mondiale au festival de New York, et cinq jours seulement après sa première européenne au Festival de Londres. C’était sans doute là l’un des plus beaux « coups » de cette édition 2026, qui n’a pas manqué de qualités. Gâté, le fidèle public vendéen s’est montré une nouvelle fois curieux, remplissant les salles pour des films du Bangladesh, du Kazakhstan ou d’Indonésie, et participant activement aux nombreuses rencontres organisées avec les invités. Le prix du public est par ailleurs revenu à Naza, documentaire glaçant sur l’aveuglement irresponsable des israëlien.ne.s qui participent à l’organisation des bombardements sur Gaza.

Mailin, de María Silvia Esteve

C’est devenu une spécialité du festival que de rendre hommage à des réalisatrices étrangères encore peu ou mal connues en France. Rien que depuis 2020, année où Charlotte Serrand est devenue la nouvelle déléguée générale et directrice artistique du festival, on a pu redécouvrir en détails les œuvres de Joanna Hogg, Sally Potter, Julia Hart, Clio Barnard, Gia Coppola, Andrea Arnold et Chloé Robichaud. Cette année un focus fut proposé sur la documentariste américaine multi-oscarisée Barbara Kopple, dont le travail témoigne de plusieurs décennies de luttes sociales et syndicales aux Etats-Unis, ainsi que sur l’Argentine María Silvia Esteve, dont les films courts comme longs redonnent la parole au femmes à travers une forme unique, à cheval entre archives intimes ou collectives et surgissement fantastiques.

Tristan Forever

Le grand prix de cette édition fut remis au beau Tristan Forever, coréalisé par le Suisse Tobias Nölle et le Français Loran Bonnardot. Tourné au bout du monde sur l’île Tristan da Cunha, ce documentaire intime et rêveur possède une intrigante manière de s’approcher de la fiction. En ce sens, ce gagnant est représentatif d’un fil rouge qui a traversé de nombreux films de cette édition : les mille et une manières de brouiller la frontière entre le vrai et le faux. Documentaires contenant leur part de fiction (les fantasmes adolescents de La Belle année, les inquiétants paysages intérieurs de María Silvia Esteve, les émouvantes maquettes et marionnettes de Yo, Love is a Rebellious Bird), fictions inventées autour de personnes réelles (Le Dernier roi du blues), mises en abyme ludiques ou hypnotisantes (qui est narrateur dans le bien nommé Douglas Gordon by Douglas Gordon, ou bien quand Albert Serra filme Ingrid Caven racontant sa vie en chansons dans le fascinant Seize moments de ma vie ?) ou autres équilibres inclassables (où ranger les très intrigants Closure ou I Deserve a Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms Raging Across the Skies?)… Ce n’est pas que cette édition 2026 s’est amusée à nous mener en bateau, c’est plutôt qu’elle nous a lancé une chaleureuse invitation à repenser la hiérarchie traditionnelle entre ce qui est factuel et ce qui est imaginé ; elle est venue nous rappeler que la rêverie est un composant fondamental de nos vies, nos identités et nos quotidiens. Quand l’héroïne éponyme de l’incroyable A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra de Jacqueline Lentzou s’entend dire depuis l’au-delà « fais tes adieux à la narration que tu pensais être toi-même », c’est bien moins une menace qu’une fenêtre soudain ouverte comme par magie.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra

Il y a du ludisme dans la manière dont le festival nous invite également à repenser la hiérarchie des formats cinématographiques (courts et longs concourent côte-à-côte au sein de la compétition Nouvelles Vagues, tandis que l’habituelle sélection de clips contemporains est venue replacer sur le grand écran qu’elles méritent ces œuvres à la mise en scène ambitieuse) mais aussi les frontières entre les arts. Presque dix ans après Manifesto, le festival a ainsi montré le montage cinématographique d’Euphoria, nouvelle installation du vidéaste allemand Julian Rosefeldt , tandis que le jury lycéen a remis son prix Trajectoires à Takkuuk, œuvre tournée dans le grand nord, à cheval entre clip immersif et documentaire. Mais encore plus que dans ces exemples, l’invitation à abolir les frontières s’est retrouvée dans l’une des œuvres phares de cette édition : Artou, moyen métrage en VR aux compositions remarquables, mettant en scène des rituels d’enterrement sous un ciel immense, signé du cinéaste mauritanien Abderrahmanne Sissako (qui présentait par ailleurs une intégrale de son travail). Le cinéma le Concorde ayant fait l’acquisition de plusieurs dizaines de casques de VR, on espère que le plaisir vertigineux de ce voyage à 360 degrés puisse à nouveau nous être proposé dans les futures éditions.

Artou

NOS ARTICLES SUR CETTE EDITION 2026 :

Film de clôture
Fatherland

Compétition Internationale
A Day In The Life Of Jo: Chapter Phaedra
Le Dernier Roi Du Blues
The Difficult Bride
Tristan Forever
Wild Horse Nine
Yo (Love is Rebellious Bird)

Compétition Nouvelles Vagues
Atlantic Rhapsody
Closure
Heat
La Belle Année
Light Pillar

Séances Spéciales
I Deserve A Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms (critique à venir)
Making Marie Antoinette
Naza
Queen At Sea
Un peu avant minuit

Perspectives
Extra Geography
Mouse (critique à venir)
Union County (critique à venir)

Variété
Sleep No More

Music Hall
Seize moments de ma vie

Continuités
Notre Salut
Rose of Nevada

Avant-Premières
Club Kid
Everytime
Le bois de klara
Sanguine

Focus María Silvia Esteve
Mailin

Jeune Public
A Mighty Adventure (critique à venir)
Muyi, la légende du village des femmes (critique à venir)
Papaya

Entretiens
Maria Silvia Esteve
Andrea Szelesova
Sandra Wollner
Priscilla Kellen

News :
Le palmarès
La sélection

Le site officiel

Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de Varsovie 2026

admin — Mon, 19 Oct 2026 09:50:57 +0000

La 42e édition du Festival de Varsovie, que vous avez pu suive en direct sur LePolyester, vient de s’achever ce week-end, et le palmarès vient d’en être dévoilé. Le grand prix a été attribué à What Belongs to Others, solide drame polonais au ton acide sur une voleuse découvrant un cadavre dans un appartement qu’elle cambriole. Notre grand coup de cœur de cette édition, le stupéfiant film chinois Suzhou Quartet, repart quant à lui avec un prix de la mise en scène mérité. Retrouvez l’intégralité du palmarès ci-dessous :

What Belongs to Others

COMPETITION INTERNATIONALE
Grand prix : What Belongs to Others, de Grzegorz Dębowski
prix de la mise en scène : Suzhou Quartet, de Cai Chengjie
Prix spécial du jury : Maria Dębska pour sa performance dans Through the Wall de Maciej Sobieszczański.
Mention spéciale : Bloody Men, de Jens Sjögren

COMPETITION 1-2
Prix 1-2 : Aiga, de Lorin Terezi
Mention spéciale : Everything That’s Wrong with You, de by Urša Menart

COMPETITION DOCUMENTAIRE
Prix du meilleur documentaire : Meanwhile in Namibia, de Jonas Spriestersbach
Mention spéciale : Like Any Other Mortal, de María Molina Peiró.

COMPETITION COURTS METRAGES
Grand prix : Meteorit, d’Elisabeth Werchosin
Meilleur court en prises de vue réelles : Meteorit, d’Elisabeth Werchosin
Meilleur court d’animation : Knowing Gaze, de Dylan Glynn
Meilleur court documentaire : A Letter to Home, de Sina Aghazadeh

PRIX DU PUBLIC
Fiction : Josephine, de Beth de Araujo
Documentaire ex aequo : Meanwhile in Namibia, de Jonas Spriestersbach et Tede. Forever RAP de Krystian Kuczkowski

Le site du festiv al

Gregory Coutaut

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Festival de Varsovie | Critique : Mentor

admin — Sun, 18 Oct 2026 11:24:50 +0000

Adolescents, Ryunosuke et Takumi ont provoqué un incendie qui a détruit l’appartement d’à côté et coûté la vie à la femme et à l’enfant de Nomoto. Quinze ans plus tard, Ryunosuke essaie de mener une vie « normale » tout en réprimant sa culpabilité, tandis que Takumi reste émotionnellement prisonnier du passé. Quand Nomoto réapparaît soudainement, le face-à-face attendu n’a jamais lieu. À la place, il montre une gentillesse déconcertante. Bientôt, la vie des trois commence à changer de manière à modifier irrémédiablement leur avenir.

Mentor
Japon, 2026
De Keisuke Yoshida

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

TOUTES MES EXCUSES

Il n’y a pas de quoi rire. Tout débute par un incendie accidentellement provoqué par deux gamins jouant dans le jardin avec des feux d’artifice. Quelques secondes à peine suffissent à embraser l’immeuble du voisin, et les images du corps noirci et brûlé de ce dernier lorsqu’il sort de chez lui, sa femme décédée dans les bras, sont prêtes à durablement traumatiser les deux garçonnets. C’est en tout cas le cas d’un d’entre eux, Takumi. Bien des années plus tard, le culpabilité le condamne à une vie de marginal incapable de tourner la page. L’autre garçon, Ryunosuke, est en revanche devenu un jeune homme qui va bien, merci pour lui, mais leur amitié n’a pas survécu à la tragédie.

Lorsque Takumi recroise par hasard la route du voisin, au visage désormais couvert de cicatrices, il se recroqueville de peur de que celui-ci le frappe mais c’est au contraire un câlin qu’il reçoit. Voilà presque la métaphore inverse de ce que propose Mentor. Le public occidental a tôt fait de classer tous les drames japonais sur les enfants et adolescents comme des miniatures inoffensives toutes en douces réconciliations, mais le cinéaste Keisuke Yoshida (dont les précédents longs métrages ont été présenté à Kinotayo sans connaître de sorties salle chez nous) a de la personnalité à revendre. Sans se diriger non plus vers l’excès inverse d’un éventuel film de vengeance, Mentor propose une singulière histoire de pardon impossible.

Entre l’un qui fait de la culpabilité toute sa personnalité (« Je ne suis bon qu’à une chose : présenter mes excuses »), l’autre qui s’en lave les mains, et le voisin qui se découvre mentor généreux en leçons de sagesse creuse, le triangle de protagonistes soudain inséparables vire à la thérapie zinzin, jusqu’à ce qu’une révélation cruelle et particulièrement farfelue en même temps (la meilleure scène du film) vienne rendre l’affaire encore plus maboule. Si la caméra de Yoshida ne cherche pas à inventer ou magnifier quoi que ce soit, sa plume possède en revanche une réjouissante imprévisibilité.

Mentor est un drame, possède un sujet sérieux, et pourtant le public du Festival de Varsovie (où le film vient de faire sa première mondiale) n’a pas caché son plaisir rigolard devant les nombreuses scènes psychologiquement absurdes et les coups de théâtres gentiment moqueurs face à ses personnages incapables de présenter ou d’accepter des excuses normalement et de se laisser mutuellement en paix. Si le résultat ne déborde pas d’ambition artistique, il a pour mérite de venir jusqu’au bout tordre joyeusement le cou aux clichés sur la supposément sacrée politesse japonaise.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Varsovie | Critique : Conversation With the Sea

admin — Sun, 18 Oct 2026 10:26:37 +0000

À Jérusalem, Kamal, un Palestinien de 60 ans, se voit ordonner par un tribunal israélien de payer une grosse dette de sécurité sociale soi-disant due par son fils Wael. Mais Wael s’est noyé dans la mer Rouge il y a des décennies. Lorsqu’aucun document officiel de son décès ne peut être trouvé, Kamal suit le seul indice restant pour découvrir ce qui est arrivé à son fils.

Conversation With the Sea
Palestine, 2026
De Muayad Alayan

Durée : 1h56

Sortie : –

Note :

SEUL CONTRE TOUS

Signé d’un cinéaste palestinien (Muayad Alayan, Amours, larcins et autres complications), Conversation With the Sea se déroule pourtant entièrement à Jérusalem. On y suit Kamal, un sexagénaire solitaire qui a toujours fièrement refusé d’apprendre l’hébreu. Les rares personnes qui s’intéressent à lui en dehors de ses amis sont donc tenues de lui parler en anglais si elles veulent être comprises. Ce n’est pas comme si Kamal attendait de bonnes nouvelles de toute façon, les seules visites qu’il reçoit sont celles d’un vautour immobilier pressé de lui racheter sa masure pour en faire un foyer digne d’être redistribué à des colons.

Un jour, le ciel tombe sur la tête de Kamal, sous la forme d’un courrier le plongeant dans une parabole kafkaïenne qu’on dirait tout droit sortie d’un film iranien. Bien que survenue il y a des années, la noyade accidentelle de son fils n’a jamais été enregistrée et ce dernier a donc accumulé une dette administrative exorbitante que Kamal est pressé de rembourser. Plongé dans la tâche absurde de devoir prouver qu’un mort est bien mort, il n’a d’autre option que d’aller demander l’aide de ses proches. Plus facile à dire qu’à réaliser quand on fait fuir sa famille à force de la maltraiter. Kamal se lance alors dans une tournée de pénitence.

La structure narrative de Conversation with the Sea, toute en face-à-face successifs, permet à Muayad Alayan de faire en parallèle un double portrait. D’une part, face à ce mauvais père de protagoniste, il n’y a quasiment pas un seul personnages israélien qui soit sympathique ou même empathique. D’autre part, le film liste entre les lignes tout un catalogue de manières de résister à la cohabitation forcée. Avant sa présentation en compétition au Festival de Varsovie, Conversation With the Sea a fait sa première à la Mostra de Venise dans la section Venice Spotlight, dédiée aux films d’auteur grand public. Derrière son ton effectivement très accessible de drame humain et chaleureux, le résultat possède pourtant une hargne parfois surprenante, parfois traduite à l’écran certes sans subtilité mais surtout sans détour, comme quand le héros filmé en vue subjective crache directement sur la caméra. C’est néanmoins sur la note d’une réconciliation (de la famille, des générations, et des gens globalement de bonne volonté) que tout cela se termine.

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par Gregory Coutaut

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Fatherland

admin — Sun, 18 Oct 2026 07:01:06 +0000

En 1949, Thomas Mann, lauréat du prix Nobel de littérature, retourne pour la première fois en Allemagne depuis la fin de la guerre, accompagné de sa fille Erika, actrice, écrivain et pilote de rallye. Au volant d’une Buick noire, ils entreprennent un voyage éprouvant dans un pays qu’ils ont fui, seize ans plus tôt, lors de la prise de pouvoir du parti nazi. De Francfort, sous domination américaine, jusqu’à Weimar, contrôlée par les Soviétiques, père et fille traversent une Allemagne en ruines, coupée en deux par la guerre froide.

Fatherland
Allemagne, 2026
De Pawel Pawlikowski

Durée : 1h22

Sortie : 02/12/2026

Note :

JE REVIENS

Huit ans que l’on était sans nouvelles ou presque de Pawel Pawlikowski, depuis la présentation de Cold War en compétition à Cannes en 2018. Huit années plus tard, à nouveau dans le cadre de la compétition, le retour du cinéaste polonais était fort attendu, au point qu’on ne sait pas bien si l’on doit être surpris ou non de le retrouver… quasiment là où on l’avait laissé, comme si on l’avait quitté la veille. En effet, on pourrait extraire à l’aveugle n’importe quel plan de Fatherland et les admirateurs d’Ida et Cold War reconnaitraient sans hésitation la patte du cinéaste.

Fatherland est à nouveau un film historique en noir et blanc centré sur un couple de personnages emportés par l’Histoire. Pawlikowski remonte le temps un peu plus loin cette fois-ci, jusqu’au lendemain de la seconde guerre mondiale, son film se déroule non pas en Pologne mais en Allemagne, et la paire de protagonistes n’est pas un duo d’amoureux mais un père et sa fille. Et pas n’importe quel père, puisqu’il s’agit du célèbre auteur allemand Thomas Mann qui, au moment où nous le suivons, revient de plusieurs années d’exil et s’apprête à recevoir deux décorations honorifiques à quelques jours d’intervalle. L’une en Allemagne de l’Ouest sous présence américaine, l’autre en Allemagne de l’Est régie par les Russes.

D’hôtels chics en réceptions militaires, entre collabos et survivants, le duo voyage à travers sa mère patrie (ou plutôt sa père patrie comme l’indique le titre du film). Grand sujet, image rigoureuse, acteurs de renom, références littéraires et nombreux dialogues… les nombreux signes extérieurs de très grand sérieux dont se pare Fatherland peuvent faire craindre un moment de se retrouver face à une interro d’Histoire ou de lettres pour laquelle on aurait oublié de réviser. Le tour de magie qui vient balayer très loin cette inquiétude se trouve justement aussi dans la trousse à outils de Pawlikowski. En effet, si le cinéaste utilise ici ces codes visuels et narratifs habituels, il n’oublie certainement pas la qualité en or de ces précédents films : la concision.

Ce n’est pas qu’une question de durée totale. Le montage a beau être moins immédiatement nerveux que dans Cold War, lorsque Fatherland se termine au bout d’1h22, on s’en trouve le souffle coupé comme si l’on s’était approché trop près d’un précipice sans le réaliser. A coup de scènes brèves, où la beauté règne sur chaque plan et où les enjeux sont expertement dosés tant par le scénario que par la qualité d’interprétation de Sandra Hüller et Hanns Zischler, le film se transforme. Sans que l’on puisse pointer du doigt le moment exact où cela s’opère, le sage film en costumes devient un film de fantômes sans domiciles, à la fois poignant et incisif.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de La Roche-sur-Yon 2026

admin — Sat, 17 Oct 2026 19:55:16 +0000

La 17e édition du Festival de La Roche-sur-Yon se déroule jusqu’à ce dimanche. Le festival est à suivre actuellement sur Le Polyester. Son palmarès a été dévoilé.

Le Grand Prix a été décerné à Tristan Forever du Suisse Tobias Nölle et du Français Loran Bonnardot. L’histoire : depuis trente ans, Loran, médecin parisien, revient à Tristan da Cunha, l’île habitée la plus isolée au monde. À 50 ans, il embarque une dernière fois, décidé à s’y installer pour toujours. Un savant mélange des genres cinématographiques, une odyssée drôle et envoûtante aux confins du monde, entre rêve d’évasion et quête de soi. Retrouvez notre critique du long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Tristan Forever

GRAND PRIX DU JURY INTERNATIONAL

Tristan Forever, Tobias Nölle et Loran Bonnardot

PRIX SPÉCIAL DU JURY INTERNATIONAL

Radio bonheur, Valéry Rosier

MENTION SPECIALE

Yo (Love is a Rebellious Bird), Anna Fitch & Banker White

PRIX NOUVELLES VAGUES

Atlantic Rhapsody, Zhong Kaifeng

MENTIONS SPÉCIALES NOUVELLES VAGUES

Light Pillar, Xu Zao

Heat, Jacqueline Zünd

PRIX TRAJECTOIRES

Takkuuk, Zak Norman & Charlie Miller

PRIX VARIÉTÉ

L’Île des souvenirs, Januel Mercado & Joel Crawford

PRIX DU PUBLIC

Naza, Yuval Abraham et Rachel Szor

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : A Day In The Life of Jo – Chapter Phaedra

admin — Sat, 17 Oct 2026 11:02:58 +0000

Jo, jeune fille de 15 ans, se réveille d’un rêve cosmique et part pour une journée de lycée où tout va basculer.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra
Grèce, 2026
De Jacqueline Lentzou

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

LA DANSE, LA FORÊT ET LA SOLITUDE

« Envoie-lui le rêve » sont les premiers mots énigmatiques de A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra, le nouveau long métrage de la Grecque Jacqueline Lentzou. Le mystère de ces premiers mots sera peu à peu dissipé au fil du long métrage, mais la jeune filmographie de Lentzou n’a de toute façon pas peur des secrets, des charades, des trous noirs et des vertiges. La cinéaste s’est construit en quelques films (ses courts métrages dont The End of Suffering ou son premier long Moon, 66 Questions) un style et une voix à part, parmi les plus prometteuses d’Europe. A Day in the Life of Jo nous emmène immédiatement dans ses incertitudes : les différentes couleurs de sous-titres nous suggèrent déjà qu’il y a plusieurs narrateurs. Et pourtant, en un cut, on se retrouve en plein récit d’apprentissage en apparence simple.

Jo a 15 ans et elle est comme bien des ados, dans un quotidien d’ados. Elle est en rébellion contre sa mère (et les rôles familiaux semblent redistribués comme dans Moon, 66 Questions), tandis qu’au CDI elle est entourée d’ados qui pleurent ou d’ados qui s’embrassent. C’est très commun, mais Jacqueline Lantzou a un point de vue formel dans chaque scène et son regard singulier rafraîchit la plupart des figures imposées du récit initiatique. Et puis A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra ne peut pas être si simple : un carton au début du long métrage nous promet « un film sur le souffle, les mains et la solitude ». Cette mention est-elle un peu fanfaronne ? C’est mal connaître l’ambition poétique du cinéma de Lentzou, qui signe bel et bien un film sur le souffle, les mains et la solitude.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra est souvent filmé proche des visages, avec une importante dimension sensorielle et à fleur de peau. Cette sensibilité adolescente infuse le long métrage qui disperse des signes à analyser, autant dans les décalcomanies enfantines que dans les forces astrales. Qu’est-ce qui est écrit dans la paume des mains ? Qu’est-ce qui attend Jo qui ne fait que commencer sa vie ? Les objets qui apparaissent inexplicablement dans le ciel au début du film sont-ils des petits cailloux qu’il faut suivre dans le long métrage ? Les questionnements de A Day in the Life of Jo ont beau être sérieux, le film n’oublie jamais vraiment d’être ludique. Le dernier segment du film nous rappelle que si tout paraît sérieux, rien n’est si sérieux.

Il serait criminel de dévoiler la nature du décrochage radical qu’opère le long métrage dans sa dernière partie, mais celui-ci fait écarquiller les yeux. Lentzou, qui poursuit le destin de sa jeune héroïne, compose un très singulier mélange d’onirisme et d’humour dont le résultat est explosif. Voilà le recul existentiel que l’on peut prendre sur sa vie, sur ce qu’on est et ce qu’on a été – rien que ça. Le long métrage élargit infiniment le champ du simple récit adolescent, ouvre une réflexion sur l’identité de Jo (« La narration que tu pensais être toi-même ») et sur la mémoire (« L’architecture de l’oubli est la plus parfaite »). « Il y a de la mélancolie », entend-on, et effectivement il y a de la mélancolie sur la terre ferme, comme dans cette dernière scène bouleversante et dont le cœur bat fort.

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par Nicolas Bardot

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