Afin d’obtenir un document d’état civil pour ses études supérieures, Marina, adoptée depuis l’enfance, doit renouer avec une partie de sa véritable famille. Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend sur la côte atlantique et rencontre tout un pan de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas. L’arrivée de Marina va faire ressurgir le passé. En ravivant le souvenir de ses parents, elle va découvrir les secrets de cette famille, les non-dits et les hontes…

Romería
Espagne, 2025
De Carla Simón

Durée : 1h55

Sortie : 08/04/2026

Note :

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Dans un jardin botanique, un arbre veille et observe, témoin patient des siècles. En 1908, il suit Grete, qui lutte pour exister dans un milieu qui l’ignore. Dans les années 70, il voit Hannes s’éveiller à l’amour et au monde des plantes. Aujourd’hui, le vieil arbre parle avec Tony dans son langage secret. Autour de lui, certains se cherchent, d’autres se rencontrent. Lui demeure, ami silencieux, dans un temps plus vaste que le leur.

Silent Friend
Hongrie, 2025
De Ildiko Enyedi

Durée : 2h26

Sortie : 01/04/2026

Note :

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Au cours de votre carrière, vous avez réalisé des films de registres très différents dans des langues diverses avec des acteurs de nationalités très différentes. Cette fois, toutes ces variations se retrouvent à l’intérieur d’un même film.

Je vois bien ce que vous voulez dire. Avoir une sorte de style, avoir un langage cinématographique très défini, c’est à mon sens un moyen de défense, un peu comme porter une armure. Moi je travaille sans armure. Il y a bien des fois où je sens que je ça me met face à un certain danger, et c’est sûr que ce n’est pas toujours très pratique, mais je souhaite que chaque film soit une découverte. Je veux entrer dans des territoires inconnus à chaque fois et je pense qu’en faisant ainsi je m’accorde le plus grand luxe possible.

Quel est le territoire inconnu que vous avez souhaité explorer avec Silent Friend ?

Il s’agit de la toute première fois, et pour tout dire sans doute la dernière, que je ne me trouve pas à l’origine d’un de mes films. Reinhard Brundig, fantastique producteur allemand, connaissait mon travail et c’est lui qui m’a proposé de faire un film sur les plantes. Dans Simon le mage, il était déjà question d’une plante qui permet de résoudre une enquête policière, et dans Magic Hunter il était déjà question d’un chêne centenaire. C’est suite à son impulsion que je me suis mise à écrire le scénario de Silent Friend.

Je ressens de façon très aiguë les sentiments de séparation ainsi que le désir de se sentir reconnectée, telle est mon expérience personnelle de la vie. J’ai l’impression que beaucoup d’entre nous vivons dans une sorte de grande solitude. Je voulais explorer un désir de connexion pas seulement entre humains, mais entre les humains et la nature. Je voulais montrer les essais, les tentatives humaines pour approfondir ce lien avec la nature.

Je me suis aussi tout simplement posé la question « Qu’est-ce qui se passe dans la vie d’un arbre ? ». D’ailleurs j’ai choisi un arbre plutôt qu’une plante plus petite, même si ces dernières sont tout aussi intéressantes, justement pour traduire un point de vue humain. Nous, les humains, sommes les seules animaux à raconter des histoires et à écouter des histoires. Ce sont par elles que nous comprenons qui nous sommes. Or, pour faire une histoire, il faut un héros, et c’est facile d’imaginer un arbre pour héros. Tout est donc parti de cette image d’un arbre solitaire qui se retrouve loin de chez lui et de son milieu naturel. Ce qui est d’ailleurs le cas de toutes les plantes d’un jardin botanique : elles ne se trouvent pas là pour des raisons naturelles mais bien par volonté humaine.

Qu’est-ce qui vous a amenée à choisir cette structure narrative qui passe d’une époque, d’un protagoniste et d’une langue à l’autre ?

Pour la communication, nous utilisons la langue. Ca m’intéressait de savoir qu’est-ce qui se passe quand on a un désir de communiquer mais qu’on fait face à une impossibilité ou un empêchement de verbaliser. La structure narrative provient bien sûr du constat que le temps de vie d’un arbre est bien plus large que le temps humain. Une siècle, c’est beaucoup pour les humains qui étudient la science mais ce n’est rien pour un arbre. Il est clair que quand se déroule le récit le plus récent du film, les protagonistes du premier récit ne sont plus vivants. C’est justement cette fragilité qui définit et délimite nos vies, c’est elle que je souhaitait montrer.

De l’agent secret de Mole au capitaine de L’Histoire de ma femme, les personnages de vos films se retrouvent toujours en position d’observer secrètement un monde parallèle à travers une sorte de paroi invisible. Est-ce à cela que vous faites référence quand vous évoquez un désir de connexion?

Tout à fait. Le personnage incarné par Tony Leung est un neurologue qui étudie le comportement des bébés avant que ces derniers ne puissent commencer à parler. Il doit donc mener une enquête et tenter de deviner ce qui se passe dans l’âme et le cerveau de bébé. J’ai fait énormément de recherches pour ce film mais en réalité c’est un sujet qui m’intéresse et sur lequel je me renseigne depuis des années. Or, quand au moment du Covid ce personnage se retrouve seul sur le campus avec une seule autre personne qui ne partage pas sa langue, il doit tenter de trouver les moyens de surpasser la barrières de la langue. C’est la même chose avec les plantes et il faut accepter que même si on passe des barrières, on ne peut pas arriver à une compréhension totale.

C’est même chose que dans L’Histoire de ma femme, que je m’amuse à qualifier rétrospectivement de film bouddhiste. Le protagoniste est un homme solide, éduqué de façon traditionnelle, qui croit en la logique et qui pense qu’il est indispensable d’opérer une sorte de contrôle sur les choses. Or, cette homme apprend à perdre un peu le contrôle. Il se rend compte que la compréhension et la maîtrise totale sont des illusions, et que perdre cette illusion n’est ni grave ni douloureux. Il accepte de ne pas tout comprendre. Je suis très reconnaissante envers tous les spectateurs qui ont vu cet aspect-là du film parce qu’il s’agissait à mes yeux de sa dimension la plus importante.

C’est une très agréable surprise que vous ayez pu voir certains de mes anciens films, car plusieurs d’entre eux sont devenus presque invisibles. Vous avez raison en ce qui concerne Mole. Je n’y avais jamais pensé jusqu’à présent mais c’est vrai que dans tous mes films il y a une sorte de glace, une séparation entre mes personnages et le reste du monde. Ce n’est pas un mystère : cela vient de moi et de mon enfance. Je suis une enfant unique et ai toujours éprouvé de la difficulté à m’intégrer dans un groupe, même à l’adolescence. J’ai passé une bonne partie de ma jeunesse assise aux terrasses des cafés à regarder passer les gens et c’était d’une beauté et d’une richesse énormes. J’ai toujours ressenti cette distance et je crois même que j’en ai eu besoin. Le seul moment où cette distance se dissout, c’est quand je fais un film. Dans ces cas là, mon équipe et moi avons un but commun, tout devient instinctif, fluide et très chaleureux.

À travers les frustrations de ses personnages de scientifiques, Silent Friend parle aussi à sa manière de ce qui se passe quand on se confronte aux limites du savoir. Qualifieriez-vous également ce nouveau film de bouddhiste ?

Je suppose, mais en tout cas je ne voudrais pas le souligner par peur que cela enferme le film dans une sorte de boîte new age. Lors de la projection de presse du film la Mostra de Venise, on m’a dit qu’il y avait eu beaucoup de rires et c’était un immense soulagement pour moi. D’une part car ce film ne veut pas du tout, du tout, être prétentieux, et d’autre part car le rire, c’est toujours une sorte de court-circuit, un moment où le cerveau dérape de son rôle de pure compréhension. C’était indispensable pour moi de conserver cette part d’humour, tout en sachant que le rire c’est quelque chose qu’on ne peut pas provoquer à coup sûr, on ne peut que l’espérer.

La partie la plus contemporaine de Silent Friend est traversée de visions colorées un peu abstraites. Qu’est-ce qui vous a amenée à les inclure dans le film ?

Ce sont de véritables images microscopiques. Quand nous sommes face au récit le plus ancien du film, nous découvrons un univers très structuré, aux règles rigides. Quand le récit passe aux années 70, ce n’est pas un hasard si on passe au 16 mm, si des taches de couleurs commencent à éclore à l’image. Après tout, il s’agit d’une époque qui a beaucoup expérimenté avec toutes sortes de sensations. Quant à notre époque actuelle, nous possédons les moyens techniques d’entrer dans les structures invisibles de notre corps ou de tout autre être vivant, et je tenais à ce que cela se traduise par l’image. Nous avons fait des expériences avec un microscope électronique très puissant et ces visions en sont le résultat.

La scène d’ouverture provient en revanche d’un film scientifique japonais préexistant. On peut assister à quelque chose d’extrêmement rare, qui n’est pas exactement de l’ordre de la pollinisation traditionnelle puisqu’il ne s’agit pas de fleurs. Le sperme de l’arbre, pour ainsi dire, reste dans une petite poche végétale pendant quatre ou cinq mois à attendre l’automne, car c’est la saison où non seulement les fruits tombent à terre mais aussi où arrive la pluie. Dans les flaques qui se forment alors telles de petits océans, ces petits spermes commencent leur itinéraire, selon un processus très proche de notre sexualité humaine. C’est un phénomène très compliqué à filmer. Ce à quoi on assiste dans cette scène, c’est une sorte d’orgasme, le premier orgasme d’un arbre. Je ne voulais pas faire un film qui se déroule uniquement sur le plan du récit. Bien sûr, je conserve des points de repère narratifs pour que cela demeure une expérience agréable pour le spectateur, mais je voulais avant tout faire un film sensuel, faire un film sur le désir.

Les personnages de scientifiques solitaires auxquels vous vous attachez ici sont des femmes, un homme racisé… Était ce un moyen de commenter la place qui a été laissée aux femmes et aux minorités dans cette course au savoir scientifique ?

Non, le but était de montrer une large palette de différentes manières de percevoir le monde. Ce que l’on nomme réalité, on pense souvent qu’il s’agit de quelque chose d’immuable alors que c’est en réalité très mouvant, fragile et éphémère. J’ai bien sûr voulu montrer que les règles de la société évoluent, mais pour cela j’ai souhaité privilégier des moyens bien plus simples, par exemple la manière de filmer la pelouse du campus. Pour la partie située au siècle dernier, nous avons rasé la pelouse de façon minutieuse car personne n’était supposé marcher dessus. Pour la première scène de la partie située dans les années 70, j’ai au contraire non seulement laissé pousser l’herbe librement mais j’ai même posé la caméra directement entre les jeunes avachis parmi les fleurs sauvages. Quant aux personnages féminins, c’est vrai que selon les époques, ils ne bénéficient pas de la même liberté de mouvement, ne serait-ce que dans leurs vêtements. La première héroïne est très dominante, résolue et dynamique mais elle sait qu’elle doit lutter pour qu’on la prenne au sérieux. A l’inverse, le personnage d’Alice dans la partie contemporaine est certes plus jeune que son collègue scientifique, mais ils échangent d’égal à égal. On pourrait même la voir comme le mentor de ce dernier. C’est elle qui va lui faire réaliser en quelque sortes que ce que l’on nomme la réalité, cela n’existe pas vraiment.

Cette phrase pourrait servir de clé d’interprétation à tous vos films. Elle m’évoque la manière dont les protagonistes de Corps et âme ne parviennent à se retrouver qu’en rêve.

C’est vrai. Au tout début du scénario de Silent Friend, j’avais d’ailleurs prévu d’inclure une citation du scientifique anglais Anil Seth à laquelle je pense souvent, et qui dit à peu près ceci : « Nous hallucinons tous tout le temps ; lorsque nous nous mettons d’accord sur nos hallucinations, nous appelons cela réalité« .

Pour finir, comment avez-vous choisi cet arbre idéal pour ce film, et pourquoi vous avez attendu la toute fin pour nous le montrer en entier dans toute sa beauté?

C’est très difficile de montrer un arbre. Ça n’a pas un visage, ça n’a pas d’avant ou d’arrière. Ça n’obéit à aucune des structures qui régissent habituellement les humains et les animaux. Et puis nous, nous sommes collés à la terre, il y a des parties importantes de l’arbre qui ne nous sont pas accessibles, ou bien difficilement. Alors, avant de montrer cet arbre, un peu blessé et qui possède visiblement un passé, je voulais préparer un peu le public afin qu’il puisse vraiment pouvoir apprécier ce qu’il va voir. Connaissez-vous le concept de cécité botanique ? Quand on croise un petit animal, on l’aperçoit tout de suite, mais on a tendance à oublier presque totalement les plantes qui sont autour de nous. En faisant ce film, j’ai souhaité travailler sur cette sorte de sensibilité.

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 17 octobre 2025. Un grand merci à Estelle Lacaud, Vanessa Fröchen et Laurence Granec. Crédit portrait : Hanna Csata.

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Argentine, 2009. Trois hommes blancs tentent d’expulser les membres de la communauté autochtone Chuschagasta, revendiquant la propriété des terres. Armés, ils tuent le chef de la communauté, Javier Chocobar. Le meurtre est filmé, et en 2018, après neuf ans d’impunité et des siècles d’histoire coloniale, le procès s’ouvre.

Nuestra tierra
Argentine, 2025
De Lucrecia Martel

Durée : 1h52

Sortie : 01/04/2026

Note :

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Revisitant un béguin d’adolescente pour une professeure, Angelica Ruffier entreprend un voyage à travers la mémoire et le désir. 

La Belle année
Suède/France, 2026
D’Angelica Ruffier

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

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La fascinante et incroyable histoire vraie d’Ann Lee, fondatrice du culte religieux connu sous le nom de Shakers. Cette prophétesse passionnée, qui prêchait l’égalité entre les genres et la justice sociale et était adorée par ses fidèles.

Le Testament d’Ann Lee
Etats-Unis, 2025
De Mona Fastvold

Durée : 2h17

Sortie : 11/03/2026

Note :

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Scarlet, une princesse médiévale experte en combat à l’épée se lance dans une périlleuse quête pour venger la mort de son père. Son plan échoue et grièvement blessée elle se retrouve projetée dans un autre monde, le Pays des Morts. Elle va croiser la route d’un jeune homme idéaliste de notre époque, qui non seulement l’aide à guérir mais lui laisse également entrevoir qu’un monde sans rancœur ni colère est possible. Face au meurtrier de son père, Scarlet devra alors mener son plus grand combat : briser le cycle de la haine et donner un sens à sa vie en dépassant son désir de vengeance.

Scarlet et l’éternité
Japon, 2025
De Mamoru Hosoda

Durée : 1h52

Sortie : 11/03/2026

Note :

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Colin, un jeune homme sans histoire, rencontre Ray, le leader charismatique d’un club de motards. Il l’introduit dans sa communauté queer et fait de Colin son soumis.

Pillion
Royaume-Uni, 2025
De Harry Lighton

Durée : 1h43

Sortie : 04/03/2026

Note :

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Pouvez-vous nous parler de l’implication des habitant•es du quartier de Delfshaven dans votre film ?

Le point de départ de This Is Your Captain Speaking était d’interviewer des personnes à propos du fantasme d’avoir un super-pouvoir et d’utiliser ces interviews dans le film. C’était, entre autres, une exploration de la voix et de son utilisation dans un film d’animation. Pour s’assurer que chaque voix serait clairement reconnaissable et distincte au niveau sonore, nous recherchions une grande variété de voix dans le film ; jeunes et âgées, des personnes ayant différentes manières de parler et différents accents. Nienke a réalisé les interviews, et comme elle venait de s’installer à Rotterdam, elle n’avait pas encore un large réseau incluant une grande variété de voix. Une étape logique et pratique a été d’interviewer ses voisin.es.

Rotterdam est une ville portuaire où plus de la moitié de la population est d’origine étrangère. En raison de la composition démographique du quartier de Delfshaven, les personnes interrogées ont naturellement des parcours variés – Cap-Vert, Suriname, le nord et le sud des Pays-Bas, l’Allemagne, mais il y a aussi quelqu’un qui a vécu toute sa vie à Rotterdam. En conséquence, leurs qualités vocales et leurs sonorités sont très diverses, ce qui était formidable en termes de son.

Mais ce qui nous a frappées du point de vue narratif, c’était de réaliser qu’il y avait beaucoup de points communs dans la façon dont les gens fantasment de voler, même s’iels mènent des vies très différentes. Les fantasmes révèlent à la fois quelque chose de personnel sur chaque individu, et en même temps ils renvoient à quelque chose de collectif. Nous avons réalisé qu’interviewer des voisin.es était une belle façon de rassembler le récit : différentes personnes partageant leurs fantasmes, reliées par le simple fait qu’elles vivent toutes dans le même quartier.

Comment avez-vous collaboré pour réaliser ce film, aviez-vous une répartition spécifique des tâches pour chacune de vous ?

Nous travaillons ensemble depuis maintenant neuf ans. Auparavant sur les courts métrages de Nienke, Bloeistraat 11 et The Miracle, où Digna était l’animatrice principale. Nous avons rapidement ressenti une forte connexion créative et nous nous sommes servi mutuellement de caisse de résonance. Il y avait une alchimie qui nous permettait de faire évoluer les idées de chacune. Au début du développement de This Is Your Captain Speaking, notre collaboration s’est approfondie. C’est pourquoi nous avons choisi de ne pas travailler simplement en tant que réalisatrice et directrice de l’animation, mais en tant que co-réalisatrices.

Il y a une grande douceur qui émane du design et des couleurs dans This Is Your Captain Speaking, pouvez-vous nous en dire davantage sur votre approche visuelle ?

Les décors sont dessinés au crayon sur papier. Des dessins dans lesquels tout n’est pas rempli de manière hermétique. En laissant certaines choses de côté, nous voulions évoquer la sensation de voir une fantaisie prendre forme lentement, comme si elle se cristallisait sous vos yeux. L’aspect numérique des personnages contrastait joliment avec les décors dessinés à la main. Nous voulions que chaque décision visuelle contribue au sentiment de magie et d’émerveillement que le vol peut évoquer. Les couleurs ont joué un rôle important dans ce processus, la palette de couleurs suivant l’arc de la journée, du lever au coucher du soleil. Nous nous sommes particulièrement concentrées sur les teintes plus extrêmes et vibrantes qui définissent souvent le ciel d’automne.

Parce que nous voulions éviter toute confusion sur qui était qui, nous avons décidé de donner à chaque personnage un élément distinctif. Maria porte un collier avec une croix, Helen transporte un sac dans lequel elle collecte des fruits pour ses voisins, et Jenilee, par exemple, a des cheveux très longs. Pour éviter qu’elles aient l’air nues, nous avons suggéré des vêtements avec seulement quelques lignes minimalistes plutôt que de concevoir entièrement leurs tenues. Finalement, nous avons réparti les personnages entre les différent.es animatrices et animateurs. Quelqu’un a animé toutes les scènes de Ulla en combinaison de surf, et quelqu’un d’autre a animé toutes les scènes de Jenilee volant dans l’espace. Cette approche a permis plus de place pour l’interprétation individuelle et la liberté créative, ce qui a rendu le processus plus agréable pour l’équipe.

Comment êtes-vous arrivée à cette décision d’avoir des personnages sans nez ni bouche ?

Nienke est une grande passionnée de podcasts, et ce qu’elle trouve si magique dans ce format, c’est à quel point on peut apprendre rien qu’en écoutant la voix de quelqu’un ; son âge, son sexe, son parcours, et même sa personnalité, tout en laissant de la place à l’imagination de l’auditeur pour combler les lacunes. En concevant les personnages de notre court métrage, nous voulions capturer ce même sentiment d’ouverture. Comme nous ne travaillions pas avec de la prise de vues réelle, les personnages sont naturellement plus des représentations que de véritables êtres humains. Nous avons passé beaucoup de temps à expérimenter sur la quantité de détails à inclure ou à omettre. Qu’est-ce qui est absolument nécessaire pour que le public reconnaisse un personnage, et qu’est-ce que nous pouvons laisser ambigu ? Pour ce film, nous avons décidé que les personnages n’avaient pas besoin d’avoir un nez ou une bouche. En les simplifiant de cette manière, nous visons à ce qu’ils deviennent une sorte de « toile blanche » permettant au public de projeter ses propres idées et son imagination sur les personnages.

La musique joue un rôle important dans l’atmosphère de votre film. Comment avez-vous travaillé sur ce point en particulier ?

Mark Schilders, le compositeur du film, avait également travaillé avec Nienke sur des projets précédents, donc la communication a été vraiment fluide. Il comprenait déjà nos sensibilités et notre goût général. Il a rejoint le projet tôt, lorsque nous avions l’animatique en place et quelques clips animés de manière approximative. Nous avions quelques idées initiales sur l’endroit où la musique pourrait être utilisée et partagions des exemples d’ambiances que nous aimions. Nous avons également parlé de la qualité tactile des visuels et voulions que la musique reflète cette sensation.

Mark a eu l’idée intelligente de commencer par le cœur émotionnel du film, quand Maria retrouve sa mère au Cap-Vert, et de travailler à rebours à partir de là. Il a apporté quelques propositions, et nous avons immédiatement été séduites par le chant choral. Il a également produit un rythme qui semblait tactile, tout comme les images. Cela nous a donné la sensation d’être à l’intérieur d’un corps entendant le battement du cœur et le flux de sang. Une fois la pièce musicale la plus importante établie, il a pu développer des variations et tisser les thèmes musicaux tout au long du reste du film.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 18 février 2026. Merci à Luce Grosjean.

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Ainara, 17 ans, élève dans un lycée catholique, s’apprête à passer son bac et à choisir son futur parcours universitaire. A la surprise générale, cette brillante jeune fille annonce à sa famille qu’elle souhaite participer à une période d’intégration dans un couvent afin d’embrasser la vie de religieuse. La nouvelle prend tout le monde au dépourvu. Si le père semble se laisser convaincre par les aspirations de sa fille, pour Maite, la tante d’Ainara, cette vocation inattendue est la manifestation d’un mal plus profond …

Les Dimanches
Espagne, 2025
D’Alauda Ruiz de Azúa

Durée : 1h55

Sortie : 11/02/2026

Note :

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