Rotterdam - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Gavagai

admin — Tue, 21 Jul 2026 13:00:41 +0000

Au cours du tournage chaotique d’une adaptation de Médée au Sénégal, l’actrice allemande Maja trouve refuge dans une liaison avec son partenaire Nourou. Quelques mois plus tard, ils se retrouvent à la première du film à Berlin. Les sentiments refont surface, mais un incident raciste vient troubler leurs retrouvailles. Tandis que la tragédie antique se joue à l’écran, un drame moderne se déploie dans la vie réelle.

Gavagai
Allemagne, 2025
De Ulrich Köhler

Durée : 1h31

Sortie : 22/07/2026

Note :

MAYDAY

Parmi les figures importantes de l’Ecole de Berlin, on trouve en très bonne place Ulrich Köhler (lire notre entretien), qui a signé deux chefs d’œuvre appartenant à ce mouvement : Montag en 2006 et La Maladie du sommeil en 2011. Le cinéaste avait déjà mis un peu d’eau dans son vin avec l’un peu plus mainstream (mais néanmoins brillant) In My Room en 2018. Gavagai, son nouveau long métrage, est clairement son film le plus grand public. De la comédie électrique au drame bourgeois, Ulrich Köhler emploie des codes moins radicaux, moins déstabilisants que dans ses œuvres phares. On retrouve néanmoins des qualités propres à l’École de Berlin, comme cette aisance à mettre en scène le réalisme.

Pour les personnages de Gavagai, sur un tournage de cinéma comme dans la vie, tout est simple mais tout est compliqué, tout est sérieux mais rien n’est si sérieux. C’est sur cette dynamique vivante que Köhler retrace le tournage d’un film, une nouvelle version de Médée au Sénégal. Sa réalisatrice (Nathalie Richard, excellente comme toujours) pète un câble sur le tournage, celui-ci n’est pas un fleuve tranquille, jusqu’à l’attente d’une première en festival. Évacuons d’emblée notre principale réserve vis-à-vis de Gavagai : ce film dans le film prend beaucoup de place, jusqu’à rendre l’ensemble assez bancal.

Gavagai trouve son chemin lorsqu’il se resserre sur ses protagonistes principaux. Il y a Maja, incarnée par Maren Eggert, qui illumine chacune de ses scènes et confirme qu’elle est l’une des meilleures actrices au monde. Mais dans Gavagai, il y a surtout Nourou, incarné avec talent par Jean-Christophe Folly, qui retrouve Köhler des années après La Maladie du sommeil. Le glissement progressif d’un personnage à l’autre témoigne d’une qualité d’écriture – les scènes « hors Médée » font preuve d’un solide savoir-faire narratif. Peu à peu, le long métrage parvient de manière convaincante à traiter des dynamiques de pouvoir, du privilège blanc, des micro-agressions racistes, du racisme ordinaire qui n’est jamais ordinaire. Si Gavagai sait être une efficace comédie, Ulrich Köhler peut aussi se montrer plus amer et cinglant. Le film n’atteint pas les sommets de la période or de son auteur mais propose néanmoins une satire percutante.

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par Nicolas Bardot

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Festival d’Annecy | Entretien avec Jack Wedge

admin — Sat, 27 Jun 2026 01:30:00 +0000

La vie dans une cité dystopique filmée par une équipe de tournage : voilà la réalité immersive dans laquelle Acid City nous invite. Présenté en compétition au Festival de Rotterdam et cette semaine à Annecy, ce court métrage d’animation des Américains Jack Wedge et Will Freudenheim est riche d’un imaginaire romanesque, d’un design surprenant et d’une énergie grisante. Acid City est un envoûtement nocturne et rayonnant que nous présente son co-réalisateur, Jack Wedge.

**Comment vous y êtes-vous pris pour mêler le vrai/faux documentaire au monde fictionnel d’Acid City ?**

La plupart de ce qu’on entend dans le film provient d’interviews authentiques à New York que j’ai réalisées sur une période d’environ deux ans. Il était important pour nous d’inclure de vraies personnes dans le film. Cela donne à la ville une atmosphère qu’on ne peut pas simuler. Les enregistrements sur le terrain avec le microphone directionnel contribuent également à ce style documentaire brut et désordonné. Deux ou trois des interviews proviennent de personnages fictifs que nous avons inventés et que des acteurs ou connaissances ont interprétés. Mon professeur de yoga, Carlos, est la voix de l’un de ces personnages, et c’est aussi un vieil ami de la famille.

Pouvez-vous nous en dire plus sur votre choix d’avoir des personnages aux design très hétéroclite ?

Le design des personnages vient d’un mélange de mes propres dessins ainsi que de personnes réelles que je trouvais inspirantes ou intéressantes visuellement. Je dessine beaucoup depuis que je suis enfant et j’ai développé un style assez unique. J’ai commencé à travailler avec l’animation 3D à l’université et j’ai été surpris de voir à quel point le style 2D se transposait facilement dans le travail en 3D. Il y a, je suppose, une nature universelle dans l’apparence de quelqu’un. Je collectionne les personnages que je rencontre dans le monde et les intègre dans mon travail.

**La voix d’Anne Twomey apporte quelque chose de très enveloppant à la narration d’Acid City. Comment avez-vous souhaité utiliser la voix-off dans votre court métrage ?**

Nous savions que l’idée du film aurait besoin d’une sorte de structure ou de guide. Je regardais beaucoup de films de Chris Marker. Je voulais que la narration donne un peu l’impression d’une correspondance ou d’un journal. Herzog a toujours été une grande source d’inspiration, Les Villes invisibles d’Italo Calvino également. Je voulais que le film ait l’air objectif, comme si on s’était contenté d’allumer la caméra et d’enregistrer ce qui était déjà là, sans donner trop de place aux opinions ou aux émotions de cette équipe de tournage fictive. Ce n’est qu’à la toute fin que le film devient beaucoup plus émouvant et poétique.

Vous utilisez des couleurs spectaculaires et chaleureuses dans Acid City, ce qui contraste avec ce à quoi on peut être habitué dans les récits dystopiques. Pouvez-vous nous parler de ce point en particulier ?

La couleur provient d’un mélange de nombreuses références différentes. Les actualités étaient probablement la référence principale, mais d’autres influences incluaient des films et des artistes que nous admirons. Acid City est composé de nombreuses vraies villes à travers le monde : New York, Karachi, Delhi, Tokyo, Dhaka, Taipei. New York en particulier a été un moteur énorme derrière le film, car c’est de là que nous venons. Comme nous travaillons avec l’animation 3D, nous avons un contrôle considérable sur la composition et l’image. Le résultat est un mélange qui recontextualise de vraies perspectives et personnalités dans un monde animé vaste et surréaliste.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Terrence Mallick, Ridley Scott, Masaaki Yuasa, Werner Herzog, Chris Marker, Katsuhiro Otomo, Kleber Mendonça Filho, Federico Fellini.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 15 janvier 2026. Un grand merci à Luce Grosjean.

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Festival d’Annecy | Critique : 58th

admin — Mon, 22 Jun 2026 03:21:17 +0000

En 2009, Esmael Mangudadatu, un candidat politique progressiste aux Philippines, a envoyé sa femme et une équipe de journalistes dans la ville de Maguindanao pour déposer sa candidature au poste de gouverneur. Tous les membres du convoi furent brutalement massacrés par les forces dirigées par la puissante famille Ampatuan, alliée au gouvernement oppressif d’Arroyo. 58th raconte cette histoire tragique à travers les souvenirs de la fille d’un photojournaliste surnommé Bebot, et sa campagne inlassable pour trouver des preuves et obtenir une reconnaissance officielle de la mort de son père lors du massacre.

58th
Philippines, 2026
De Carl Joseph E. Papa

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

LA VICTIME MANQUANTE

« C’est l’œuvre du diable », commente-t-on dans 58th pour qualifier un massacre aux motivations politiques, survenu en 2009 aux Philippines. C’est l’œuvre du diable : on n’en doute guère lorsqu’est détaillée la sauvagerie avec laquelle ont été exécutées une cinquantaine de personnes – des rivaux politiques, des journalistes. Mais le diable est bel et bien réel dans ce documentaire qui, paradoxalement, choisit la distance de l’animation pour dépeindre ces événements. Voilà un procédé qui rappelle The Missing, le précédent long métrage du Philippin Carl Joseph E. Papa, déjà sélectionné à Rotterdam il y a deux ans et passé chez nous au Festival d’Annecy. L’animation recrée, mais chez le cinéaste elle est toujours étroitement liée à la réalité.

Le 58e dont il est question dans le titre de ce long métrage est la seule personne du convoi attaqué qui demeure portée disparue. La protagoniste de 58th est la fille de ce photojournaliste très certainement assassiné comme les autres par les alliés du gouvernement Arroyo – mais pas de corps, pas d’assassinat, pas de jugement. L’héroïne se bat pour faire reconnaitre ce qui est arrivé à son père. A travers l’animation, Carl Joseph E. Papa trouve une distance, peut mettre en scène les souvenirs, et donne une perspective aux sentiments qui traversent les protagonistes.

L’animation vient aussi représenter ce qu’on peut difficilement filmer – mais le film inclut également de nombreuses images télévisées qui rendent compte de la violence de l’attaque. S’il n’est pas question de poser un voile pudique sur la barbarie à l’œuvre, l’inclusion de certains plans nous semble assez discutable. Mais, comme on nous l’indique dans le long métrage, la violence est presque « normale » aux Philippines. A la violence des balles s’ajoute une violence supplémentaire lorsque les crimes ne sont pas reconnus comme tels. Le film est certes très chargé, mais Carl Joseph E. Papa parvient à être le passeur efficace de cette édifiante tragédie.

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par Nicolas Bardot

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TIFF | Critique : Variations on a Theme

admin — Fri, 19 Jun 2026 20:20:32 +0000

Ouma Hettie est une bergère âgée vivant dans une village d’Afrique du Sud. Victime d’ une escroquerie lui promettant le salaire jamais reçu par son père pendant la guerre, elle voit ses rituels sont perturbés et son indépendance menacée.

Variations on a Theme
Afrique du Sud, 2026
De Jason Jacobs et Devon Delmar

Durée : 1h05

Sortie : –

Note :

IL ETAIT UNE BERGÈRE

Variations on a Theme est une chronique bucolique. Enfin on dirait bien. Dans un village d’Afrique du Sud où tous les habitants ont l’air d’avoir un âge vénérable et où la chose la plus grave qui puisse arriver est que quelqu’un ait triché lors d’une partie de dominos, Ouma Hettie veille à son troupeau de chèvres. Quelques chats paisibles paressent dans des rayons de soleil tandis que chaque jour ressemble au précédent, à moins que tout le récit ne se déroule qu’en une seule journée – le film a sa manière bien à lui d’instaurer ce doute malin en filmant exactement dans le même décor et le même angle de caméra des scènes pourtant supposées ne pas se dérouler au même moment. Tiens, tiens.

Variations on a Theme est un drame digne raconté avec ce qu’on pourrait qualifier de signes extérieurs de richesse : une photo superbe qui met en valeur la beauté sobre des paysages, un découpage en chapitres débutant tous par des questions quasi philosophiques, une voix off omnisciente qui vient commenter tout ce qui passe par la tête de l’héroïne, une certaine lenteur et un air classique au piano à la délicatesse presque guindée.

Variations on a Theme est pourtant aussi une comédie moqueuse, bien qu’elle n’en possède que peu d’apparences. Tombée dans un quelconque panneau, Ouma Hettie ne se rend même pas compte qu’elle s’est fait pigeonner d’une belle somme d’argent, assurant à qui veut l’entendre que tout est sur le point de se régler à coup d’arguments zinzins (« Tu comprends c’est la reine Victoria qui devait me rembourser mais elle est morte »). Dans ce coin de campagne du bout du monde, le surréalisme n’est pas loin lorsqu’un voisin creuse dans le sol de sa chambre un trou à n’en plus finir.

Variations on a Theme est tout ça à la fois, mélange inclassable et (et c’est sans doute plus improbable encore) particulièrement homogène. Pour leur second long métrage, le duo des réalisateurs sud-africains Jason Jacobs et Devon Delmar (lire notre entretien) propose une recette qui n’appartient qu’à eux et compose un long métrage qui évolue sur un fil de funambule entre rigueur soutenue (le film reste sur la même note tout du long) et poésie d’une douceur enveloppante, et cette pirouette n’est pas vaine. La dignité d’ Ouma Hettie et ses compatriotes demeurent tout du long l’enjeu principal de ce cours d’Histoire vraiment pas comme les autres sur l’héritage inconscient de la violence coloniale.

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par Gregory Coutaut

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TIFF | Critique : Far From Maine

admin — Mon, 15 Jun 2026 01:44:41 +0000

Hanté par le meurtre de son ami d’enfance palestinien Aseel Asleh par la police israélienne en 2000, le cinéaste arabo-juif queer et militant contre l’occupation Roy Cohen revisite leur amitié à travers une lettre cinématographique adressée à Aseel. Les deux se sont rencontrés adolescents dans un camp de paix dans le Maine, partageant des idéaux politiques et une vision de coexistence.

Far From Maine
France, 2026
De Roy Cohen

Durée : 1h39

Sortie : –

Note :

FAR FROM HEAVEN

« Rien n’a commencé le 7 octobre, mais tout a changé depuis » : on peut entendre cette affirmation dans Far From Maine, documentaire réalisé par l’Israélien Roy Cohen. De fait, à partir du génocide actuel commis par Israël à Gaza, défini comme tel par la plupart des spécialistes allant de l’ONU à Amnesty International, Roy Cohen remonte le temps. Il y a 25 ans, son meilleur ami, un activiste palestinien prénommé Aseel, est assassiné par la police israélienne. Avant ce drame, Roy et Aseel se sont côtoyés dans un camp d’été (dans le Maine, comme l’indique le titre du long métrage) réunissant des adolescents israéliens et palestiniens pour une réflexion commune sur la paix. Roy Cohen examine l’utopie, et comment celle-ci s’est fracassée.

Dans ce camp qui constituait un lieu de discussion, Cohen se souvient avoir connu un autre jeune garçon qui est aujourd’hui pilote, et qui largue des bombes sur Gaza. L’échec des espoirs adolescents a un goût particulièrement amer aujourd’hui. Au-delà des horreurs qui se déroulent à Gaza, Far From Maine questionne surtout le génocide depuis le côté israélien. Qu’est-ce que cela signifie, de vivre en Israël, ou de continuer à vivre en Israël aujourd’hui ? Comment Cohen peut-il expliquer l’injustifiable à sa fille ? Comment les jeunes d’Israël peuvent s’extraire du point de vue ethnonationaliste et militariste qu’on leur enseigne ? De quels futurs adultes parle t-on ?

Après le documentaire Holding Liat de Brandon Kramer, présenté à la Berlinale l’an passé et qui sortira en salles en avril 2026, Far From Maine ouvre la discussion côté Israéliens. Dans le long métrage, les protagonistes déménagent, reviennent. On parle du sentiment de honte, du besoin d’un bouclier contre la déshumanisation. Interroger le défunt Aseel, à travers ses lettres, c’est transmettre aujourd’hui ses idéaux, c’est un moyen de questionner le présent. Lui demander de rendre des comptes. Peut-on changer les choses en tant qu’individu en restant sur place, alors que les manifestations pacifistes sont réprimées ? Roy Cohen continue encore et encore à échanger. Notamment, lors d’un échange glaçant, avec sa propre sœur qui explique « ressentir de la joie à être ici », ici étant une zone pavillonnaire depuis laquelle on entend parfaitement le bruit des explosions.

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par Nicolas Bardot

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TIFF | Critique : Butterfly

admin — Sun, 14 Jun 2026 01:28:51 +0000

Deux sœurs vivant séparées l’une de l’autre se retrouvent à la Grande Canarie suite au décès de leur mère, survenu dans un centre de retraite ésotérique.

Butterfly
Norvège, 2026
De Itonje Søimer Guttormsen

Durée : 2h00

Sortie : –

Note :

PAPILLONS DE LUMIÈRE

Telle une fée, maman monte dans une sorte de fusée et ne reviendra pas : Butterfly commence-t-il comme un conte surnaturel ou une sorte de mythe étrange ? Que nenni, ce début apparemment farfelu est bien la stricte réalité. Deux sœurs norvégiennes apprennent en effet que leur mère, qui vivait selon des croyances adoptées aux îles Canaries, est morte dans de curieuses circonstances. La révélation Gritt, le premier long métrage tour à tour angoissant, émouvant et magique réalisé en 2021 par la Norvégienne Itonje Søimer Guttormsen, nous avait déjà préparés à ne pas savoir sur quel pied danser. Butterfly est en apparence plus classique. Ces deux sœurs diamétralement opposées se retrouvant dans le pire endroit au monde pour gérer un deuil (un club de vacances all inclusive) semblent en effet obéir à des règles de comédie très familière, mais le film sait surprendre à sa façon.

L’une (interprétée par Renate Reinsve) est plutôt gin tonic, l’autre plutôt Fanta, la première est une artiste contemporaine glaciale, la seconde claudique pépère auprès de son chien. Elles sont pourtant les filles de la même mère mais les relations familiales semblent de toute façon complètement déglinguées dans Butterfly. Nous notions que dans Gritt, l’héroïne était « à la recherche d’une porte de sortie face à une pression sociale et une injonction à la normalité ». Voilà qui s’applique à la mère défunte ; voilà qui s’applique peut-être à ses filles qui ne le savent pas encore.

Quel est le meilleur moyen de se trouver un refuge ? Telle était déjà la question posée par Gritt. Avec sa structure narrative audacieuse, Butterfly opère un questionnement similaire qui semble surprendre les protagonistes elles-mêmes, même si elles ont de quoi juger leur mère et que leur passif familial paraît dodu. Ont-elles une hésitation lorsqu’on leur demande : « êtes-vous prêtes à comprendre votre mère ? ». Sont-elles prêtes à se comprendre elles-mêmes ? Butterfly examine toutes les trajectoires possibles vers le rétablissement. Ce n’est pas un guide de développement personnel new age, il y a parfois des fausses routes, mais il y a en tout cas un moteur de cinéma excitant à suivre ce film tout en ruptures, aux émotions qui débordent dans tous les sens et qui parvient (comme Gritt) à changer de peau. A l’image des personnages, à l’image peut-être de leur public.

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par Nicolas Bardot

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TIFF | Critique : I Shall See

admin — Fri, 12 Jun 2026 12:05:27 +0000

Lot, 17 ans, perd la vue lors d’un accident. Son monde s’arrête brusquement. Elle est alors envoyée dans un centre de réadaptation pour personnes malvoyantes.

I Shall See
Pays-Bas, 2025
De Mercedes Stalenhoef

Durée : 1h36

Sortie : –

Note :

HISTOIRE D’UN REGARD

Comment grandir, se construire, expérimenter, et devenir adulte lorsqu’on se sent condamnée à 17 ans ? La vie de Lot est très loin d’être terminée, la jeune femme va vivre, mais ce dont elle est atteinte n’est plus réparable : Lot a perdu la vue. I Shall See, réalisé par la Néerlandaise Mercedes Stalenhoef, ne raconte pas un compte à rebours ou le cheminement d’un mal incurable car en effet, Lot devient aveugle tout à coup, suite à un accident idiot. Comme une punition absurde, qui lui tombe dessus, à un âge où les bêtises ne devraient pas avoir de conséquences aussi dramatiques.

I Shall See débute par une scène de plongée sous-marine – et dès le commencement du long métrage, c’est Lot qui regarde. Le film, dévoilé au Festival de Rotterdam dans la section non-compétitive Limelight, suit son parcours pas à pas et, au-delà de la cécité de son héroïne, I Shall See s’inscrit dans les codes plutôt classiques et efficaces du récit d’apprentissage. L’apprentissage de Lot est plus singulier que celui de ses camarades, mais certaines épreuves et découvertes sont universelles.

L’écriture de I Shall See nous a parfois paru un peu sage, privant l’ensemble de plus de relief. Si le chemin du personnage incarné de manière convaincante par Aiko Beemsterboer peut naturellement se révéler laborieux, cela vient parfois contaminer le film lui-même. I Shall See se distingue néanmoins par son approche sensorielle et ses respirations. Tandis que la jeune femme continue de voir dans ses rêves, Mercedes Stalenhoef met en scène un réel qui n’est plus vu, mais perçu autrement : par les bruits de la nature, le son d’une fête, la sensation de l’eau ou celle d’un baiser. Une manière habile et expressive d’être au plus près de sa protagoniste.

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par Nicolas Bardot

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Critique : ChaO

admin — Tue, 12 May 2026 02:59:47 +0000

Dans un monde où humains et sirènes coexistent, Stephan, un employé de bureau ordinaire fait la rencontre de Chao, une princesse du royaume des sirènes. Après une demande en mariage à son insu, Stephan n’a pas le temps de comprendre ce qui lui arrive et doit partager sa vie avec cette fille adorable mais imprévisible. L’amour sincère que Chao a pour lui le pousse à tout remettre en question. Commence alors une romance inattendue et touchante entre deux êtres que tout oppose.

ChaO
Japon, 2025
De Yasuhiro Aoki

Durée : 1h30

Sortie : 13/05/2026

Note :

PÊCHE MIRACULEUSE

Dans la plupart des contes, les jeunes filles en détresse tombent volontiers en pamoison pour leur valeureux sauveur. ChaO, réalisé par le Japonais Yasuhiro Aoki, est un conte – mais pas n’importe quel conte. Celui-ci renverse les codes familiers : c’est cette fois un jeune homme, Stephan, qui est sauvé par une héroïne – une sirène à la place d’un chevalier. Mais sous une certaine lumière, ladite sirène ressemble juste… à un poisson. Jovial et kawaï, mais un poisson quand même. Lorsque ce sauvetage implique que Stephan et la princesse ChaO vont devoir se marier, le film tourne à la réjouissante comédie non-sensique.

ChaO s’appuie sur un univers exotique et séduisant, un Shanghai de fantaisie où les décors se montrent particulièrement riches. C’est l’une des pattes du Studio 4°C (Mind Game, Amer béton, Les Enfants de la mer) qui a produit le film, comme ce design anguleux qui caractérise nombre de personnages. Les designs ont du relief dans ce film essentiellement dessiné à la main, où le refus de la ligne nette donne une grisante vibration à l’ensemble. Autre idée efficace et source de rires : les différentes échelles de personnages, où l’apparence physique vient traduire l’énergie qui les traverse – à chaque personnage, son énergie.

Si ChaO parvient à se distinguer, le long métrage obéit également à certaines règles essoufflées comme la traditionnelle course-poursuite de dénouement de film. Mais cette fable d’apprentissage sait très habilement s’y prendre d’un point de vue narratif : ChaO est très mouvementé mais toujours maîtrisé, et ne tombe pas dans le piège de l’agitation. Cette comédie fantastique et très cute propose un spectacle aussi généreux que chatoyant. Lauréat du prix du jury lors du dernier Festival du Film d’Animation d’Annecy, ChaO signale Yasuhiro Aoki, qui signe ici son premier long métrage, comme un créateur à suivre.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Romería

admin — Wed, 08 Apr 2026 14:10:57 +0000

Afin d’obtenir un document d’état civil pour ses études supérieures, Marina, adoptée depuis l’enfance, doit renouer avec une partie de sa véritable famille. Guidée par le journal intime de sa mère qui ne l’a jamais quittée, elle se rend sur la côte atlantique et rencontre tout un pan de sa famille paternelle qu’elle ne connait pas. L’arrivée de Marina va faire ressurgir le passé. En ravivant le souvenir de ses parents, elle va découvrir les secrets de cette famille, les non-dits et les hontes…

Romería
Espagne, 2025
De Carla Simón

Durée : 1h55

Sortie : 08/04/2026

Note :

PORT D’ATTACHE

Marina vient de quitter le domicile parental barcelonais pour se rendre à l’autre bout du Pays, à Vigo. Ce n’est pourtant pas une envie de vacances qui l’attire dans cette ville au bord de l’eau. Désormais majeure, elle peut enfin avoir accès à l’identité de ses parents biologiques, tous deux décédés avant son adoption. La belle baie de Vigo, où réside cette famille qu’elle s’apprête à découvrir, est remplie d’embarcations qui tanguent au soleil, mais Marina a les pieds sur terre. Son visage secret et fier à la fois ne traduit ni déracinement ni naïveté. Elle n’a tout simplement pas peur de ce qui l’attend, ni les amers secrets familiaux ni la sévérité guindée de sa nouvelle abuela qui ne trouve rien de mieux à dire en l’accueillant que « Tu en a mis du temps pour venir nous voir ».

Heureusement, tout le monde dans cette ancienne/nouvelle famille n’est pas aussi grinçant. Si les tantes n’ont que l’argent à la bouche, les hommes de la famille ont l’air plus détendus, qu’il s’agisse des cousins ados ou d’un oncle à moitié renié. Mais les vraies brebis galeuses restent les parents de Marina. Méprisés même dans leur mort, les détails de leur existence sont cachés à coups d’euphémismes (on prévient les enfants de ne pas toucher Marina si elle saigne) et d’approximation. La contradiction entre les informations que Marina recueille parcimonieusement entre deux portes pourrait presque prêter à rire, mais Carla Simón (lire notre entretien) est une scénariste trop fine pour se contenter d’enfermer son récit dans un ton unique.

Avec des métaphores finement dosées et quelques éclats poétiques, Romerìa vient confirmer avec succès le talent dont la cinéaste espagnole faisait déjà preuve dans ses précédents films, Été 93 et Nos soleils, et fait même preuve d’une ambition narrative qui grandit au fil du récit. Simón trouve un équilibre élégant et harmonieux entre chronique douce amère et questionnements philosophiques (chaque chapitre s’ouvre par un sujet de dissertation). Tout à l’écran a l’air d’un réalisme simple et pourtant Romería aborde la question de la transmission avec une richesse qui touche en plein cœur.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Silent Friend

admin — Tue, 31 Mar 2026 06:22:40 +0000

Dans un jardin botanique, un arbre veille et observe, témoin patient des siècles. En 1908, il suit Grete, qui lutte pour exister dans un milieu qui l’ignore. Dans les années 70, il voit Hannes s’éveiller à l’amour et au monde des plantes. Aujourd’hui, le vieil arbre parle avec Tony dans son langage secret. Autour de lui, certains se cherchent, d’autres se rencontrent. Lui demeure, ami silencieux, dans un temps plus vaste que le leur.

Silent Friend
Hongrie, 2025
De Ildiko Enyedi

Durée : 2h26

Sortie : 01/04/2026

Note :

BIOPHILIA

Cela fait plus de 35 ans que la filmographie de la cinéaste hongroise Ildikó Enyedi (lire notre entretien) papillonne à cheval sur les pays, les genres et les langues. Ce n’est pas seulement que celle-ci est imprévisible, c’est qu’elle voyage avec la logique des rêves, passant de la fable à la comédie, du film en costumes au film scientifique. Or, les songes d’Enyedi ne sont pas que douceur, ils possèdent leur aspérité et ont des choses anguleuses à nous murmurer. Excellent résumé de son œuvre tout en s’en imposant déjà comme un point d’orgue, Silent Friend passe justement d’une époque et d’une langue à l’autre, entremêlant trois récits situés à des époques différentes dans une université des sciences en Suisse.

De l’agent secret de Mole au capitaine de L’Histoire de ma femme, les personnages d’Enyedi se retrouvent toujours en position d’observer secrètement un monde parallèle à travers une sorte de paroi invisible. Les protagonistes de Silent Friend sont des scientifiques partageant un appétit de connaissances pour le monde végétal, mais aucun d’entre eux ne ressemble vraiment à ce qu’on attendrait d’une personne de science. En dépit de leur expertise, ils sont frappés de doute, de mélancolie ou de frustration. « Face à un jardin botanique, je ne vois que des âmes solitaires qui s’ennuient probablement à mourir », se lamente poétiquement une chercheuse interprétée par Léa Seydoux.

Les trois parties de Silent Friend, où l’on évoque les âmes et le sexe des plantes, racontent des quêtes émerveillées de savoir mais il s’agit aussi de trois récits de solitude et de rejet. Enyedi se penche sur différentes époques, différentes étapes du savoir scientifique, et différentes étapes de la place laissée aux femmes et aux minorités dans cette course à la connaissance ultime. L’autre point commun entre ces explorateurs solitaires, c’est un arbre centenaire (sans doute l’ami silencieux évoqué par le titre du film) planté majestueusement en plein milieu du campus. Ce dernier a beau être considéré comme un temple du savoir, le film nous parle ausis beaucoup de tout ce qui n’est pas encore su, ce qui est tu ou qui n’est pas compris.

« Et si les plantes nous observaient, tout comme nous les observons ? » se demande un autre personnage. Ces récits nous sont racontés comme en sourdine, reliés par une série d’échos singuliers et de visions poétiques parfois abstraites qui finissent par prendre autant d’importance que le scénario en lui-même. Ildikó Enyedi ne fait pas que miroiter un langage naturel (sa mise en scène laisse énormément de place à la nature, ses bruits, son silence, son rythme et son mystère), et en nous invitant à réinventer notre place dans le monde qui nous entoure, elle retrouve ici la puissance de la métaphore onirique et politique de ce qui était jusqu’à aujourd’hui son meilleur film, Corps et âme.

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par Gregory Coutaut

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