Deauville - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Le palmarès du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2025

admin — Sat, 13 Sep 2025 19:23:20 +0000

La 51e édition du Festival du cinéma américain de Deauville s’achève ce dimanche. Son palmarès a été dévoilé.

C’est The Plague de Charlie Polinger qui a remporté le Grand Prix. L’histoire : dans un camp de water-polo pour garçons, un adolescent de douze ans est marginalisé par ses camarades selon une tradition cruelle qui veut que l’un d’eux soit dit porteur d’une maladie qu’ils appellent « La Peste ». Alors que frontière entre le jeu et la réalité devient de plus en plus floue, il commence à craindre que la blague ne cache quelque chose de réel. The Plague n’a pas encore de date de sortie française.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

The Plague

Grand Prix : The Plague, Charlie Polinger
Prix du jury : Olmo, Fernando Eimbcke & Omaha, Cole Webley (ex-aequo)

Prix de la révélation : The Chronology Of Water, Kristen Stewart
Prix de la critique : The Plague, Charlie Polinger
Prix du public : Eleanor The Great, Scarlett Johansson

Prix Canal+ : Sovereign, Christian Swegal
Prix d’Ornano-Valenti : Nino, Pauline Loquès

Source

Nicolas Bardot

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Festival du Cinéma Américain de Deauville 2025 : la sélection complétée

admin — Thu, 21 Aug 2025 11:33:20 +0000

La 51e édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville aura lieu du 5 au 14 septembre. Après la compétition dévoilée il y a quelques jours, c’est le reste de la sélection qui a été annoncé.

Parmi les avant premières hors compétition, citons Bugonia de Yorgos Lanthimos juste après sa première mondiale à la Mostra de Venise, mais aussi The Mastermind de Kelly Reichardt ou Vie privée de Rebecca Zlotowski.

Du côté des événements de cette édition : les actrices Kim Novak et Pamela Anderson recevront un prix à la carrière en plus de l’acteur et réalisateur Joel Edgerton et de l’actrice Zoey Deutch déjà annoncé.es, tandis qu’une carte blanche sera proposée à Kristen Stewart (dont la réalisation The Chronology Of Water est présentée en compétition). Un focus sera dédié au cinéaste Gregg Araki en plus de la rétrospective dédiée à la cinéaste Alice Guy précédemment dévoilée.

Retrouvez ces compléments de sélection ci-dessous.

Bugonia

Premières

Bugonia, Yorgos Lanthimos
Forge, Jing Ai Ng
Le Son des souvenirs, Oliver Hermanus
Left-Handed Girl, Shih-Ching Tsou
Les Lumières de New York, Lloyd Lee Choi
L’Intermédiaire – Relay, David Mackenzie
Libre échange, Michael Angelo Covino – ouverture
Nouvelle vague, Richard Linklater
The Astronaut, Jess Varley
The Mastermind, Kelly Reichardt
The Summer Book, Charlie McDowell
Train Dreams, Clint Bentley
Vie privée, Rebecca Zlotowski – clôture

Holding Liat

American Doc Stories

A 2000 mètres d’Andriivka, Mstyslav Tchernov
André is an Idiot, Tony Benna
Holding Liat, Brandon Kramer
Kim Novak’s Vertigo, Alexandre O. Philippe
Lowland Kids, Sandra Winther
Orwell 2+2 = 5, Raoul Peck
Viktor, Olivier Sarbil
Why We Dream, Meredith Danluck

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Festival du Cinéma Américain de Deauville 2025 : la compétition dévoilée

admin — Tue, 12 Aug 2025 07:52:57 +0000

Le Festival du cinéma américain de Deauville, dont la 51e édition aura lieu du 5 au 14 septembre, vient de dévoiler la liste des 13 films sélectionnés en compétition.

After This Death, de Lucio Castro
Eleanor The Great , de Scarlett Johansson
I Live Here Now, de Julie Pacino
In Transit, de Jaclyn Bethany
Lurker, de Alex Russell
Olmo, de Fernando Eimbcke
Omaha, de Cole Webley
Rebuilding, de Max Walker-Silverman
Sovereign, de Christian Swegal
The Chronology Of Water, de Kristen Stewart
The End, de Joshua Oppenheimer
The New West, de Kate Beecroft
The Plague, de Charlie Polinger

Le jury compétition sera présidé par l’actrice Golshifteh Farahani. L’an passé, le Grand Prix a été décerné à In the Summers d’Alessandra Lacorazza (lire notre entretien). Le reste de la sélection sera dévoilé prochainement.

Source

Gregory Coutaut

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DVD | Critique : Ham on Rye

admin — Mon, 02 May 2022 14:00:23 +0000

Tous les adolescents de la ville natale de Haley s’habillent pour ce qu’on appelle “ le jour le plus important de leur vie…” Avec une excitation nerveuse, ils effectuent un pèlerinage à travers la ville, attirés par un destin inconnu. Haley marche d’un pas plus réticent, sceptique quant à la tradition et à l’étrange rite de passage à l’âge adulte qui les attend à leur destination. Quand ils arrivent enfin chez Monty, le fast-food local, les groupes d’adolescents se réunissent pour une cérémonie surréaliste de nourriture, de danse et d’angoisse romantique qui déterminera le cours de leur vie pour toujours.

Ham on Rye
États-Unis, 2019
De Tyler Taormina

Durée : 1h25

Sortie : 08/12/2021 (03/05/2022 en dvd)

Note :

NOT ANOTHER TEEN MOVIE

On connaît par cœur les figures et motifs qui apparaissent dès le début de Ham on Rye, premier long métrage de l’Américain Tyler Taormina. Ce teen-movie là, ces gamins qui se préparent vraisemblablement pour un bal de fin d’année, cette banlieue américaine… Le film est d’abord avare en dialogues, comme s’il n’avait pas besoin de nous expliquer ce qui se passe. Des silhouettes adolescentes sont filmées à contre-jour sous un ciel rose et tout semble nous installer en terrain connu. Une fois le film vu, on se dit que le jeune cinéaste est assez habile avec le trompe-l’œil.

Mais de quoi parlent les personnages au juste ? Vers quoi se dirigent-ils ? On croit connaître sur le bout des doigts ce décor rebattu mais quelle est vraiment la destination de ces jeunes gens ? Ils sont endimanchés comme pour participer à une absurde mise en scène – un bal peut-être, une remise de diplômes, ou autre chose ? Un rituel en tout cas, et au sentiment charmant, cette mélancolie sous ciel de vanille, succèdent peu à peu une anxiété, une angoisse. On va danser dans Ham on Rye, mais la danse sera raide car une vie entière semble dépendre d’un étrange rituel.

Le film se déroule t-il aujourd’hui, il y a dix ans, dans les années 80, dans une temporalité indéfinie, parallèle ? Taormina efface les traces tout en laissant quelques indices. Privilégie, à partir de figures familières, une certaine distance avec le réel pour donner matière à l’allégorie. C’est un récit du passage à l’âge adulte, c’est l’histoire de ceux qui s’émancipent et parviennent à quitter leur banlieue, c’est l’histoire de ceux qui échouent et restent dans un entre-monde. Toute la dernière partie du film est habitée par une amertume hantée, nocturne. Le peu de péripéties nous rend attentifs aux quelques décrochages du film, à son étrangeté post-Twin Peaks. Et il y a un talent certain ici dans le minimalisme, dans cette manière d’inviter la bizarrerie en un simple fondu sur une baudruche collée au plafond.

>> Concours : 10 dvd à gagner de Ham on Rye. Bonne chance !

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par Nicolas Bardot

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A voir en ligne | Critique : Whitney

admin — Mon, 30 Nov 2020 08:15:15 +0000

Elle a vendu 200 millions d’albums. Elle détient le record du plus grand nombre de numéros 1 consécutifs. Sa chanson « I Will Always Love You » est le single le plus vendu par une chanteuse. Derrière les records, les rumeurs, les scandales, les secrets et la gloire, voici la vraie Whitney.

Whitney
Royaume-Uni, 2018
De Kevin Macdonald

Durée : 2h00

Sortie : 05/09/2018

Note :

SO EMOTIONAL

Que pourrait-il bien arriver de mal à cette magnifique jeune femme pleine de vie que l’on voit, au tout début du film, danser dans un décor ultra rose-bonbon ? On n’entend alors que la voix de Whitney, isolée de l’orchestration, ce qui offre deux clefs au sujet du passionnant documentaire réalisé par Kevin MacDonald. D’abord, ce qui apparaît comme la quintessence de la joie pop 80’s (le single I Wanna Dance with Somebody) se drape d’une étrangeté, voire d’une tristesse inédites. Ensuite, ce dépouillement indique que l’on va se concentrer sur le cœur de Whitney, sur ce qui a pu être entendu mais n’a pas été écouté.

Aux images rose-bonbon se superpose le récit par Whitney d’un cauchemar marquant. C’est cette juxtaposition rose-nuit qui rend poignant le documentaire. Ce dernier va bien au-delà du simple programme pour fans – Whitney est tellement dense et riche qu’il n’est d’ailleurs pas nécessaire d’être un admirateur de la chanteuse pour voir le film. Whitney explore des questions assez proches de celles de Moi, Tonya, le biopic consacré à Tonya Harding sorti en salles en début d’année. Qu’est-ce que des personnalités si populaires peuvent révéler de bien plus grand qu’elles ? Quelle noirceur et quelle tragédie se cachent derrière ces figures exagérément idéales (une patineuse à sequins faisant des pirouettes gracieuses sur la glace, une chanteuse à la voix d’ange faisant des roucoulades sur des morceaux d’amour) ?

Ce dialogue est passionnant car, dans des registres qui peuvent être considérés comme cheap (le patinage, la pop) voire de mauvais goût (les paillettes, le beat synthétique), Harding et Houston (appelons-les, comme le font leurs films, Tonya et Whitney – car il n’y a qu’une Tonya et qu’une Whitney) constituent de vertigineuses allégories. Whitney se penche de manière extraordinaire sur la dimension mythologique que peut prendre une icône pop – pas tant par son immense popularité, mais par la damnation mythologique dont elle semble être victime comme c’est le cas pour Whitney Houton.

« Elle eu une enfance idyllique », insistent des membres de la famille de Whitney venus témoigner pour le documentaire. Insistent d’ailleurs avec tellement d’aplomb qu’on finit par ne plus entendre que le contraire. Sans psychologiser à outrance, le documentaire raconte une histoire familiale complexe et ambiguë telle qu’une fiction n’aurait pas osé imaginer. On raconte la jeune Whitney à partir de précieuses images d’archive, celles émouvantes des premiers chants à l’église, celles drôles où l’on trolle Janet Jackson ou Paula Abdul. Et une violence peu à peu se dessine à travers, certes, la chute de Whitney, mais aussi ces témoignages. Si le doc est consacré à la chanteuse, il est aussi un document édifiant sur la masculinité toxique, qu’il s’agisse du père, du mari, ou dans une moindre mesure des frères de la chanteuse. « Ils étaient peut-être un peu homophobes » entend-on, avec des pincettes, pour parler de la relation entretenue par Whitney et son amante Robyn Crawford. Au-delà du portrait d’artiste, Whitney raconte de façon bouleversante le poids familial exercé sur une jeune femme qui conforme sa vie à recréer un idéal qui n’existe pas.

C’est aussi, d’une manière, une histoire de l’Amérique que l’on déroule ici, de Reagan à Clinton et tant d’autres images qui apparaissent à l’écran. De cette Whitney jugée trop blanche lorsqu’elle interprète une pop qu’on estime trop calibrée, ou de cette même Whitney se réappropriant de façon impressionnante l’hymne national américain lors du Super Bowl en 1991. Car le documentaire revient, bien sûr, sur les qualités exceptionnelles d’interprétation de Whitney, sur sa voix qui dans ses chansons met un sens que leurs compositeurs n’auraient pas imaginé. « Whitney est là quelque part, mais elle est prise au piège » : le film est un hommage et un souvenir, il est aussi un portrait tragique terriblement émouvant.

>> Whitney est visible en ligne sur la plateforme vod d’Outplay

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par Nicolas Bardot

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Le palmarès du Festival de Deauville 2020

admin — Sat, 12 Sep 2020 17:46:54 +0000

Le palmarès du Festival du Cinéma Américain de Deauville a été dévoilé. Le jury compétition était présidé par l’actrice et chanteuse Vanessa Paradis tandis que le jury révélation était présidé par la réalisatrice Rebecca Zlotowski. C’est un plébiscite pour The Nest de Sean Durkin qui obtient 3 prix, dont celui de la révélation ce qui doit ravir Durkin qui a réalisé le très remarqué et sélectionné à Cannes Martha Marcy May Marlene il y a bientôt… 10 ans. Découvrez le palmarès ci-dessous.

Grand Prix : The Nest, Sean Durkin
Prix du jury : First Cow, Kelly Reichardt & Lorelei, Sabrina Doyle (ex-aequo)

Prix de la révélation : The Nest, Sean Durkin
Prix de la critique : The Nest, Sean Durkin
Prix du public : Uncle Frank, Alan Ball

Nicolas Bardot

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Une affiche et une bande annonce pour « Kajillionaire » de Miranda July

admin — Thu, 30 Jul 2020 22:24:14 +0000

Kajillionaire est le nouveau film réalisé par l’Américaine Miranda July. Révélée par Moi, toi et tous les autres qui a obtenu la Caméra d’or à Cannes, July a confirmé avec son très singulier The Future. Kajillionaire a fait sa première mondiale en début d’année à Sundance. Ce film, soutenu par la Quinzaine des Réalisateurs, sera en compétition au prochain Festival du Cinéma Américain de Deauville. Retrouvez notre gros plan sur la compétition.

Le pitch : Theresa et Robert ont passé 26 ans à former leur fille unique, Old Dolio, à escroquer, arnaquer et voler à chaque occasion. Au cours d’un cambriolage conçu à la hâte, ils proposent à une jolie inconnue ingénue, Mélanie, de les rejoindre, bouleversant complètement la routine d’Old Dolio.

Au casting de ce long métrage, on retrouve Evan Rachel Wood, Gina Rodriguez, Debra Winger et Richard Jenkins. Kajillionaire sortira le 30 septembre en France. Une première affiche et une bande annonce ont été dévoilées, découvrez-les ci-dessous.

Source

Nicolas Bardot

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La compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2020 dévoilée

admin — Tue, 21 Jul 2020 11:51:27 +0000

La compétition du Festival du Cinéma Américain de Deauville a été dévoilée. Cette 46e édition du festival aura lieu du 4 au 13 septembre.

14 longs métrages figurent en compétition, parmi lesquels First Cow, le nouveau bijou de Kelly Reichardt, et l’excellent The Assistant de Kitty Green. Parmi les autres films attendus, citons Minari de Lee Isaac Chung, couronné par le Grand Prix à Sundance en début d’année, ou Kajillionaire de Miranda July, film soutenu par la Quinzaine des Réalisateurs.

Le jury compétition sera présidé par l’actrice et chanteuse Vanessa Paradis. Le reste de la sélection sera dévoilé ultérieurement. Découvrez en attendant les 14 longs métrages en lice pour succéder à Bull d’Annie Silverstein, primé l’an dernier.

FIRST COW de Kelly Reichardt

GIANTS BEING LONELY de Grear Patterson

HOLLER de Nicole Riegel

KAJILLIONAIRE de Miranda July

LORELEI de Sabrina Doyle

LAST WORDS de Jonathan Nossiter

LOVE IS LOVE IS LOVE d‘Eleanor Coppola

MINARI de Lee Isaac Chung

SHIVA BABY d’Emma Seligman

SOPHIE JONES de Jessie Barr

SOUND OF METAL de Darius Marder

THE ASSISTANT de Kitty Green

THE VIOLENT HEART de Kerem Sanga

UNCLE FRANK de Alan Ball

Source

Nicolas Bardot

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A voir en ligne | Critique : Swallow

admin — Fri, 15 May 2020 05:01:40 +0000

Hunter semble mener une vie parfaite aux côtés de Richie, son mari qui vient de reprendre la direction de l’entreprise familiale. Mais dès lors qu’elle tombe enceinte, elle développe un trouble compulsif du comportement alimentaire, caractérisé par l’ingestion d’objets dangereux…

Swallow
États-Unis, 2019
De Carlo Mirabella-Davis

Durée : 1h34

Sortie : 15/01/2020

Note :

NE PAS AVALER

Lors du premier plan de Swallow, Hunter, l’héroïne du film, contemple la vue incroyable qu’elle a de chez elle tout en remettant délicatement ses cheveux en place. Le décor est superbe mais on imagine rapidement le bel ennui de cet endroit haut perché dans l’Upstate New York. Carlo Mirabella-Davis (lire notre entretien) filme la splendide cage de verre dans laquelle Hunter, épouse au foyer, vit. Auprès de son mari, fils prodigue d’une famille d’ultra-riches, mais essentiellement seule. Et lorsque Hunter parle à son époux, on ne sait guère si elle s’adresse à lui ou si elle converse avec elle-même.

Si le film laisse une précieuse place à l’étrange et au malaise, ses métaphores ne sont pas un immense mystère. Le traitement de conte grotesque, avec des touches de comédie noire, est là pour donner des indices et une perspective particulière sur le réel. C’est l’un des choix les plus malins du film : tout semble d’abord ici trop visible, appuyé comme dans une farce, presque distancé… pour peu à peu décrire une situation parfaitement commune et réaliste. Sur les rapports de classe, avec cette jeune fille issue d’un milieu populaire et propulsée dans un monde auquel elle n’ose pas dire non. Sur la misogynie institutionnalisée, où l’on prend une épouse comme on embauche une domestique bénévole. Il faut, de nos jours, vivre dans une bulle pour imaginer que Swallow grossit le trait.

L’héroïne de Swallow se met à avaler n’importe quoi, au péril de sa propre santé. Pourtant, « tout le monde est bienveillant ici » lui assène t-on. Bienveillant comme peut l’être le paternalisme le plus toxique. Dans cette vie-là, Hunter doit avaler bien plus que des objets. Haley Bennett se sort brillamment de ce rôle de jeune candide glossy et le scénario de Carlo Mirabella-Davis a la bonne idée de ne pas faire d’elle qu’une poupée sacrificielle.

Bennett peut briser le cœur en un mot et le cinéaste sait nous embarquer auprès d’elle. Le long métrage ne commet qu’une vraie faute lors d’une séquence où l’on change de ton et où l’on se retrouve dans les conventions de ce cinéma indé américain dit « du pardon ». Des conventions que Swallow fuit habilement pendant le reste du film. A l’image du générique de fin, peut-être le plus beau de l’année – comme un clin d’œil à la magnifique ouverture de Portrait de femme de Jane Campion et qui raccroche la fantaisie au réel, l’héroïne de fiction à toutes les femmes.

>>> Swallow est visible en vod sur UniversCiné

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par Nicolas Bardot

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Critique : The Lighthouse

admin — Mon, 16 Dec 2019 21:07:06 +0000

Le récit hypnotique et hallucinant de deux gardiens de phare sur une île reculée et mystérieuse de la Nouvelle-Angleterre dans les années 1890.

The Lighthouse
États-Unis, 2019
De Robert Eggers

Durée : 1h50

Sortie : 18/12/2019

Note :

CETTE LUMIÈRE QUI VIENT DE LA MER

Lorsque The Lighthouse débute, ses deux héros ont les traits déjà exsangues. Voilà qui donne le ton du combat de boxe auquel nous convie l’Américain Robert Eggers, révélé par son formidable film d’horreur The Witch, et qui nous livre une fois encore ici un sacré morceau. Les deux longs métrages sont assez différents ; la sensibilité de The Witch diffère de la brutalité de The Lighthouse, le premier film était porté par une progression minutieuse jusqu’à un finale stupéfiant là où le second appuie très rapidement à fond sur la pédale d’accélération sans relâcher la pression. C’est une des limites de The Lighthouse qui est guetté par la répétition, c’est aussi une force qui rend régulièrement le film étourdissant et nous laisse au bord du KO.

S’il y a une chose qui réunit The Witch et The Lighthouse, c’est la façon d’aborder le fantastique. Il est dans les deux films une question de point de vue, une observation méticuleuse de ce moment où la raison peut vaciller avant que des manifestations merveilleuses n’apparaissent réellement à l’écran. L’étrange dans The Lighthouse s’invite d’abord par des rêves ou des trous dans le mur. Il y a le décor aussi : The Witch jouait sur la peur archétypale inspirée par les bois, et Eggers filmait les branches et arbres déracinés comme des occurrences monstrueuses. Le phare de son nouveau film n’est rien qu’un phare, mais il est regardé comme un monde parallèle lovecraftien, c’est une étrange lumière dans une nuit infernale, menacée par des vagues noires et des orages terribles. Le bizarre s’invite et les mouettes comme hier les boucs semblent avoir quelque chose à nous dire.

Tourné en 35mm avec la collaboration de Jarin Blaschke qui avait déjà fait merveille sur The Witch, le film est d’une grande beauté – notamment par son travail sur la lumière qui joue ici un vrai rôle narratif. The Lighthouse est peuplé de visions baroques qui laissent bouche bée. L’atmosphère tempétueuse ajoute au climat halluciné du long métrage, le mugissement des cornes de brume succèdent aux sinistres chœurs féminins de The Witch et Willem Dafoe est looké comme les woodsmen cauchemardesques de la saison 3 de Twin Peaks. Dafoe comme Pattinson sont tous les deux incroyables, livrant des prestations à la fois hantées et bouffonnes. Le film est à leur image : parfois épuisant, mais d’une intensité inouïe. On a ici le sentiment de découvrir un conte oublié et dont les visions grandioses et aveuglantes resurgissent comme celles d’un mauvais rêve.

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par Nicolas Bardot

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