Beaune - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

A voir en ligne | Critique : Rojo

admin — Tue, 12 May 2020 10:28:18 +0000

Argentine, 1975. Claudio, avocat réputé et notable local, mène une existence confortable, acceptant de fermer les yeux sur les pratiques du régime en place. Lors d’un dîner, il est violemment pris à parti par un inconnu et l’altercation vire au drame. Claudio fait en sorte d’étouffer l’affaire, sans se douter que cette décision va l’entraîner dans une spirale sans fin.

Rojo
Argentine, 2018
De Benjamin Naishtat

Durée : 1h49

Sortie : 03/07/2019

Note :

LA LIGNE ROUGE

« Créer un dispositif bizarre pour raconter le réel ». C’est par ces mots que Benjamin Naishtat présentait son travail, lorsque nous l’avions rencontré lors de la sortie de son premier film. Dans Historia del miedo (sorti en 2014), le questionnement politique était déjà soumis à une narration singulière et théorique. Cette fois encore, Naishtat expérimente autour des genres cinématographiques mais à la place d’une hybridation entre film d’horreur et art vidéo, il joue cette fois avec les attentes d’un genre plus immédiatement familier : le film policier. De fait, Rojo est plus accessible qu’Historia del miedo.

Si le lieu où l’action se déroule est volontairement tu (« une banlieue en Argentine »), l’année (1975) est en revanche le premier mot qui apparaît à l’écran. Le travail de reconstitution est partout à l’image : dans les téléphones à cadran, les puzzles accrochés au mur en guise de décoration, où dans une partie de Risk en famille. Elle est aussi présente dans une mise en scène qui assume généreusement son artifice formel : zooms, fondus enchaînés, ralentis flous, etc. Mais Rojo ne se limite pas à un exercice de style.

Ainsi, on est loin d’avoir fait le tour de ce que le film a à offrir formellement. C’est un film noir au couleurs dingues. Le rouge bien sûr, mais aussi le jaune crasseux. Les couleurs déformées d’une éclipse, ou celles flamboyantes d’un coucher de soleil qui n’en finit pas. Narrativement, c’est aussi un film noir aux tons (oui, au pluriel) quand même bien singuliers. Là encore, le registre de la comédie policière a l’air familier, grâce notamment à un personnage de détective aux traits quelque peu forcés, mais paradoxalement, cet humour participe plutôt à une étrange perte de repères.

A l’image de la mystérieuse scène d’ouverture (un plan fixe sur une villa abandonnée), Rojo donne l’impression de pouvoir basculer aussi bien vers le rire que la violence. Ainsi, il est ici beaucoup question de personnes qui disparaissent et réapparaissent, dans la rue, dans le désert, pendant un tour de magie ou suite à des menaces. Faut-il s’en inquiéter ? Dans chaque cas, la peur s’accompagne d’un arrière-goût absurde et bouffon, qui fait qu’on ne sait pas trop sur quel pied danser, jusqu’au malaise.

« Je voulais privilégier la sensation, parce que la politique se retrouve aussi dans la sensation, dans le ressenti quotidien » nous disait Benjamin Naishtat. En faisant mine de nous faire rire, il nous inquiète. En faisant mine de mettre énormément de distance – via cette mise en scène non-réaliste – par rapport à son sujet, il nous renvoie à sa modernité. Il y a quelque chose de pourri dans ce monde qui implose dans la méfiance, dans cette Argentine paranoïaque et corrompue des années 70, mais ce dont parle Rojo, c’est avant tout de nos sociétés d’aujourd’hui.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Golden Glove

admin — Tue, 25 Jun 2019 21:09:55 +0000

Hambourg, années 70. Au premier abord, Fritz Honka, n’est qu’un pitoyable loser. Cet homme à la gueule cassée traîne la nuit dans un bar miteux de son quartier, le « Gant d’or » (« GoldenGlove »), à la recherche de femmes seules. Les habitués ne soupçonnent pas que Honka, en apparence inoffensif, est un véritable monstre.

Golden Glove
Allemagne, 2019
De Fatih Akin

Durée : 1h55

Sortie : 26/06/2019

Note :

LE MOUFFLE CROTTÉ

De Fatih Akin, on était resté sur la désagréable impression de In the Fade, téléfilm à nos yeux simpliste et vide aux effets kitsch. Golden Glove confirme (et de quelle manière) le naufrage artistique du réalisateur de Head On (il y a 15 ans) et de De l’autre côté (il y a 12 ans). Akin s’empare d’un fait divers qui a secoué l’Allemagne et Hambourg en particulier lors des années 70. Cela s’est passé hier, mais ce monstre misogyne pourrait aussi parler d’aujourd’hui. L’usage du conditionnel s’impose car sans point de vue, Golden Glove ne fait que relayer avec une complaisance façon Nouveau détective des meurtres terribles en esquissant à peine des personnages (le protagoniste est très moche et a du mal à avoir des érections – ça s’arrêtera là).

On pense un instant qu’Akin aura pris le parti du grotesque pour traiter de l’absurde laideur humaine. Un fait divers relaté façon Gros dégueulasse de Reiser. A ce titre, la première scène fonctionne plutôt bien dans le registre de la comédie extrêmement noire : on ne distingue pas trop si le héros (ou plutôt antihéros) baise mal ou fait mal à sa victime. Mais de toute façon, on a tort de voir si loin : lors de la conférence de presse, Akin parle de « dignité » (alors qu’on a rarement vu film plus indigne) tandis que le dossier de presse vend de l' »empathie« . Rapidement, le film empile effet sordide sur effet sordide. C’est la méthode Sorrentino : Akin parle de l’horreur, du sordide, du vulgaire, persuadé d’être sur sa jolie chaise d’arbitre bien lustrée. Mais ses outils et son cinéma sont horribles, sordides et vulgaires. La complaisance beauf atteint ici un niveau assez stellaire et le film, malgré sa direction artistique soignée, ressemble à un gros pâté.

Un mot enfin sur le traitement de la haine misogyne. Il y a peu de temps, sous forme de farce noire, Lars Von Trier proposait un début de réflexion et d’introspection, sans trop se ménager, dans The House That Jack Built. Ici, il n’y a aucune différence entre le regard atroce du protagoniste sur les femmes et celui du réalisateur, ni aucune réflexion. Les photos des victimes sont ajoutées au générique de fin, une insultante faute de goût lorsqu’on voit à quel point celles-ci sont traitées dans le film : actrices enlaidies, ridiculisées, filmées comme de la viande par le réalisateur. Le résultat serait irresponsable si le film n’était pas aussi nigaud.

par Nicolas Bardot

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TIFF 2019 | Critique : The Miracle of the Sargasso Sea

admin — Wed, 05 Jun 2019 01:11:23 +0000

Dans une petite ville vivent une policière mutée par obligation et une employée d’église un peu paumée. Les deux ne se connaissent pas encore, mais elles partagent le même espoir : fuir le cauchemar qui les entoure.

The Miracle of the Sargasso Sea
Grèce, 2019
De Syllas Tzoumerkas

Durée : 2h01

Sortie : –

Note :

LA MER DES MONSTRES

Qu’elle est loin de la Grèce, la mer des Sargasses. C’est pourtant là, à l’autre bout de l’Atlantique, que les anguilles grecques se rendent pour se reproduire puis mourir. On raconte qu’au fil de ce voyage, leurs yeux s’agrandissent pour s’accommoder à la profondeur de l’océan. Prendre sa respiration pour partir enfin à l’autre bout du monde, quitte à s’épuiser en route, voilà le rêve que partagent deux femmes très différentes de la même petite ville. Voilà le miracle qu’elles espèrent. Et face à leur SOS en forme d’étrange film noir, ce sont nos yeux qui vont s’écarquiller de plus en plus.

The Miracle of the Sargasso Sea (lire notre entretien avec le réalisateur) est visuellement chatoyant, mais son fil narratif n’est pas des plus aisés à suivre, il glisse volontairement entre nos doigts comme un courant de conscience, comme une anguille. Le film ressemble à un rêve décalé qui tournerait peu à peu à cauchemar fiévreux. Tout le monde a l’air un peu fou dans ce village du bord de mer, et si pendant un temps, les rapports entre les personnages sont sciemment laissés un peu flous, on comprend très vite le principal : il y a une violence souterraine larvée partout. Dans les rapports de classe, de nationalité, de sexe. Cela s’exprime de façon souvent grotesque, c’est à dire à la fois bouffonne et inquiétante : le sexe vire à l’humiliation, et la folie se cache partout, y compris derrière une inoffensive chanson chantée dans un bar.

Ce qu’on devine également, c’est que ce pays-là, comme tant d’autres, n’est pas fait pour les marginaux : les Albanais, les mecs sensibles, et surtout les femmes. Le film débute par un flashback, à l’époque où Elisabeth (la charismatique Angeliki Papoulia, vue plusieurs fois chez Lanthimos) travaillait au commissariat d’Athènes. On la voit tenir tête à une bande de jeunes terroristes virils, ricaner face à leur désir de voir « un tremblement de terre si fort qu’il ferait tomber les murs de la ville ». Elle y est sûre d’elle comme une flic de série télé. The Miracle of the Sargasso Sea a du charme, du mystère en veux-tu en voilà, mais fait également preuve d’une réelle amertume sur l’omniprésence des bandes de sales mecs. Le chemin pour se délivrer de cette malédiction masculine est ici un singulier voyage, qui tangue et fascine à la fois.

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par Gregory Coutaut

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TIFF 2019 | Entretien avec Syllas Tzoumerkas

admin — Wed, 05 Jun 2019 01:01:12 +0000

Encore méconnu chez nous, le Grec Syllas Tzoumerkas signe avec The Miracle of the Sargasso Sea son troisième long métrage. Celui-ci, dévoilé à la Berlinale, est un très singulier vrai-faux thriller dont l’héroïne est une flic badass qui va croiser la route d’une autre femme abimée par la vie dans un coin solaire et poisseux de la Grèce. Syllas Tzoumerkas, sélectionné cette semaine au Transilvania Film Festival, nous en dit davantage sur ce film dont vous réentendrez certainement parler cette année…

**Quel a été le point de départ de The Miracle of the Sargasso Sea ?**

Les anguilles. Le fait que ces créatures habitant la Terre depuis si longtemps reçoivent un appel mystique et inexplicable qui les force à changer d’environnement lorsqu’elles atteignent leur maturité sexuelle. Elles viennent du marais, se précipitent dans la mer, se transforment physiquement, violemment, en créatures d’eau de mer et entament une migration incroyablement longue entre la Grèce et la Mer des Sargasses à Cuba. Youla Boudali et moi avons écrit le scénario ensemble, inspirés par ce phénomène. Nous avons créé ce voyage parallèle, à la fois subconscient, existentiel et physique, de deux femmes : Elisabeth et Rita. Pour moi, cette quête d’un paradis constituait la colonne vertébrale du film – ça, et comment s’affrontent deux versions différentes du paradis. Tous les paradis décrits dans le film sont authentiques à mes yeux : le paradis religieux, le paradis sexuel, le paradis comme un combat vers la liberté, le paradis comme désir ardent et le paradis comme quelque chose de douloureusement perdu, abîmé à jamais.

La manière dont cette région de Grèce est décrite dans votre film joue un rôle important dans l’atmosphère de The Miracle of the Sargasso Sea. Pourquoi avez-vous choisi ce lieu en particulier ?

Mesolongi, ville d’un romantisme emblématique en ce qui concerne les combats pour la liberté, est arrivée dans le projet avec les anguilles : c’est l’endroit en Grèce où elles vivent et son élevées. Et puis l’atmosphère marécageuse et mystique, la beauté électrique du soleil et ses reflets sur les lacs, les rivières et la mer, le côté profondément white trash de la région – tous ces éléments collaient totalement à l’atmosphère onirique de l’histoire. Celle-ci se situe dans un pays en crise, une crise qui l’a appauvri et l’a plongé dans des limbes sans aucune direction ni maîtrise de la situation. Les héroïnes sont perdues depuis longtemps dans ce paysage étrange, et ce de manière à la fois métaphorique et physique, avant qu’elles ne trouvent leur force intérieure pour reprendre leur vie en main.

Comment avez-vous abordé le style visuel de votre film avec votre directeur de la photographie, Petrus Sjövik ?

Avec Petrus, ça a vraiment été une collaboration magique. Nous avons littéralement plongé dans la boue ensemble pendant des semaines de tournage. J’adore la chaleur, la vibration et l’humanité de son travail et il aimait le côté onirique de l’histoire, les acteurs, les paysages. Et il était en phase avec ma tendance à faire des prises longues et intenses. Nous avons longuement travaillé en amont pour que la photographie exprime une atmosphère d’éblouissement et de trouble autour des personnages, et pour que les éléments naturels puissent brouiller la frontière entre le rêve et la réalité. Nous voulions mettre en valeur l’intensité et la vibration naturelles des couleurs, et grâce à l’utilisation de zooms et du format 1:1.66, nous somme allés vers un sentiment rétro 70s et un regard venu « d’en haut ».

Mais le plus fun et intrigant, c’était la décision aventureuse de préparer et répéter de manière approfondie trois des scènes les plus cruciales du film (je ne peux pas vraiment les nommer dans spoiler). Et ce afin qu’elles puissent être filmées à l’aube ou au coucher du soleil, en temps réel, en une prise qu’on a pu découper au montage, capturant ainsi la progression naturelle de la lumière en même temps que le sentiment d’ « agonie » vécu par les personnages.

Angeliki Papoulia est très impressionnante dans ce rôle inhabituel. Pouvez-vous nous en dire davantage sur votre collaboration sur ce film ?

Nous sommes allés dans la direction opposée de notre précédente collaboration, Une déflagration, où Angeliki avait recréé des personnages d’ingénue de manière très personnelle. Angeliki joue ici une femme plus mûre, une vraie « bad cop », grande gueule, qui jure comme un charretier, autodestructrice, qui ne s’excuse jamais, qui est sexuellement mature. Une orpheline par choix, une femme provocante, scandaleuse, trash, amère, pleine d’esprit, ambiguë, et qui n’en a rien à faire de savoir si elle plaît ou pas. Et c’était tellement fun et libérateur de créer ce personnage, de trouver à la fois son aspect physique, ses nuances, sa vulnérabilité, son sens de la justice. Le travail de Marli Aliferi sur les costumes a aussi été très important dans notre jeu sur le machisme et la féminité, la brutalité et le manque de soin d’Elisabeth. Je trouve ça amusant (et assez révélateur) que les gens soient un peu choqués par son personnage et ne la comparent qu’à des acteurs masculins, de Gene Hackman à Nicolas Cage.

Quels sont vos réalisateurs favoris et/ou ceux qui vous inspirent ?

Il y en a tellement et de si différents, comme vous pouvez l’imaginer. De tous temps et de toutes origines, qu’il s’agisse de vieux maîtres comme Kurosawa et Cassavetes ou de modernes comme Kathryn Bigelow, de réalisateurs du cinéma d’horreur ou des films pornos de Fred Halsted. Ceux que j’avais le plus en tête ces dernières années sont, je pense, William Friedkin, Nicolas Roeg, Robert Altman et le Paul Verhoeven de la période néerlandaise.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent ?

Ça m’arrive souvent et c’est ce qu’il y a de meilleur. J’ai adoré Hérédité d’Ari Aster cette année, les courts métrages de Konstantina Kotzamani sont un vrai délice tout comme ce film mexicain de 2015, El Placer es mio de Elisa Miller. C’est un film qui à mes yeux n’a pas été mis en valeur comme il le méritait. Pendant le tournage de Sargasso, c’était génial de découvrir l’étendue du talent de Christian Culbida, qui joue le fils ado d’Elisabeth, et qui a parfaitement saisi toutes les nuances de ses scènes difficiles dans le film.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 1er mars 2019. Un grand merci à Maria Drandaki.

Crédit portrait : Kiki Papadopoulou

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Critique : Piranhas

admin — Tue, 04 Jun 2019 13:30:44 +0000

Six garçons parcourent sur leur scooter les rues étroites de Naples. Ils veulent faire de l’argent et s’entrainent au fusile d’assaut sur les toits de la ville. Ils vont peu à peu chercher à contrôler le quartier…

Piranhas
Italie, 2019
De Claudio Giovannesi

Durée : 1h50

Sortie : 05/06/2019

Note :

LES PETITS GARÇONS

On ne donne pas immédiatement d’âge aux protagonistes de Piranhas (La Paranza dei bambini) – et eux-mêmes essaient de mentir pour avoir le droit de rentrer en boite. Petits malfrats bientôt gangsters, les jeunes garçons du long métrage de l’Italien Claudio Giovannesi ne perdent visiblement pas de temps. Le sujet, inspiré par le livre de Roberto Saviano, pourrait être fort. Le film, à nos yeux, est un ratage total tant il manque de profondeur – à moins qu’une scène où le jeune héros prend conscience de lui-même en se regardant tristement dans le miroir (ce genre de cliché psychologique !) corresponde à une quelconque définition de « profondeur ».

Fascination pour les armes, fascination pour les liasses de billets, fascination pour la déco dorée à la Scarface : Piranhas liste une par une toutes les figures lessivées du genre sans aucun point de vue. C’est ce qui fascine les enfants, et on peut le comprendre, mais c’est aussi ce qui semble amuser le réalisateur – et on le suit moins. Il n’y a pas un moment du film qui traite de cela. Jusqu’au bout, dans un bel élan de camaraderie virile, les garçons se soutiennent, se font un hug viril et poursuivent leurs jeux traités comme tels. Les personnages sont peu écrits, le contexte ne l’est pas plus.

Le public a ri à plusieurs reprises devant La Paranza dei bambini, et c’est tout à fait bien qu’il passe un bon moment. Mais c’est à nos yeux la limite rédhibitoire du long métrage : on rit, on trouve ça sympathique parce qu’il est confortable, se suit sans douleur. Mais sa violence ne fait jamais mal, rien ne fait rien et rien n’est vraiment grave. Le jeune héros, à la beauté de soap opera, participe à tout lisser. Il boit son café à la fenêtre et lance du buongiorno, à croire que le cinéma italien reste obsédé par cette idée de vendre une Italie séduisante – même quand le sujet ne l’est pas.

On passera sur la sainte trinité des personnages féminins (personnages étant un bien grand mot) qui se limite de la plus littérale des manières à la maman adorée, la copine jolie (elle aimerait être miss) et aux putes. Piranhas, vu son sujet, pourrait être filmé comme on dit « à hauteur d’enfant » – mais le film donne surtout l’impression d’avoir été réalisé par un enfant.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Alpha – The Right to Kill

admin — Tue, 16 Apr 2019 21:22:02 +0000

Dans les quartiers pauvres de Manille, la lutte antidrogue fait rage. Un officier de police et un petit dealer devenu indic tentent coûte que coûte de faire tomber l’un des plus gros trafiquants de la ville, mettant en jeu leur réputation, la sécurité de leur famille… et leur vie.

Alpha – The Right to Kill
Philippines, 2018
De Brillante Mendoza

Durée : 1h34

Sortie : 17/04/2019

Note :

EN IMMERSION

Brillante Mendoza ne plaisante pas avec le réel. Fidèle aux paradigmes de sa méthode d’écriture habituelle (qu’il nomme avec humour le Found Story, comme une variation du Found Footage), c’est en se basant uniquement sur des anecdotes et histoires réelles qu’il a conçu Alpha the Right to Kill. Outre le style ultra-réaliste qu’on lui connait également à la mise en scène, le cinéaste a ici poussé le souci d’authenticité jusqu’à mélanger de véritables policiers philippins aux comédiens. La méthode porte ses fruits : le résultat est une nouvelle fois d’une immersion sans pareil.

Immersion n’est pas un vain mot, tant on a ici à nouveau l’impression d’être plongé dans un bain bouillant. Les personnages de Brillante Mendoza ne sont pas du genre à se lamenter sur le bout de trottoir. Tout comme les grand-mères de Lola ou les mères courages de Ma’Rosa ou Thy Womb, les flics et les trafiquants d’Alpha n’ont pas le luxe de s’arrêter. Ça court, ça crie, ça plonge en pleine tempête, défie les éléments et ça défonce les portes comme on abattrait des montagnes. Dans les dix-huit mois ayant suivi l’élection de Duterte, il est estimé que son programme de guerre contre la drogue a fait entre 15 000 et 20 000 victimes. Le mot guerre n’est pas exagéré. La caméra de Mendoza se faufile partout et nous plonge avec virtuosité dans une chaos dont on sort secoué nous aussi.

Il manque sans doute à Alpha – The Righ to Kill la profondeur qu’ont les meilleurs mélos de Mendoza (qui d’ailleurs, ressemblent eux-même à des films d’action). Mais quel que soit le registre, Mendoza demeure avant tout un fin analyste des mécaniques de groupes – et ce, alors même qu’il passe paradoxalement davantage par le physique que par le psychologique. Qu’il s’agisse de liens familiaux ou de ceux d’une communauté, les interactions entre l’individu et le groupe sont toujours au cœur de ses films. Cela peut-être une famille qu’on essaie de sauver à bout de bras, ou bien un tissu social qui enferme comme une prison. Le plan d’ouverture d’Alpha sur une marche militaire ne trompe pas : c’est ici un pays entier qu’on voit se battre et de débattre jusqu’au KO.

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par Nicolas Bardot

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Le palmarès du Festival du Film Policier de Beaune 2019

admin — Mon, 08 Apr 2019 07:14:47 +0000

La 11e édition du Festival du Film Policier de Beaune vient de s’achever ce weekend. Retrouvez notre couverture du festival sur notre page spéciale. Le jury de la compétition internationale était présidé par le réalisateur français Benoit Jacquot, tandis que celui de la compétition Sang Neuf était mené par le réalisateur et écrivain français Samuel Benchetrit. Le palmarès du festival a été dévoilé.

Le Grand Prix de la compétition a été décerné au Taïwanais Face à la nuit du Malaisien Wi Ding Ho. Face à la nuit a été découvert en septembre dernier au Festival de Toronto dont il a remporté la compétition (sous son titre international, Cities of Last Things). Son pitch : Trois nuits de la vie d’un homme. Trois nuits à traverser un monde interlope, qui ont fait basculer son existence ordinaire. Il est sur le point de commettre l’irréparable. Mais son passé va le rattraper… Face à la nuit sortira en France le 10 juillet.

Le prix du jury est allé ex-aequo au Philippin Alpha, the Right to Kill de Brillante Mendoza et à l’Italien Piranhas de Claudio Giovannesi. Alpha, nouveau film du réalisateur de Serbis, Lola ou Ma’Rosa, est une plongée dans les quartiers pauvres de Manille, la lutte antidrogue fait rage. Ce film sortira le 17 avril en salles. Piranhas raconte le quotidien de tout jeunes gangsters à Naples. Ce film sortira prochainement en France.

La compétition Sang Neuf a été remportée par l’Américain Dragged Across Concrete de S. Craig Zahler (Bone Tomahawk). Ce thriller avec Mel Gibson et Vince Vaughn raconte l’histoire de deux officiers de police sont suspendus à la suite de la diffusion d’une vidéo sur les réseaux sociaux dans laquelle leur méthode musclée est montrée au grand jour. Ils s’enfoncent dans les bas-fonds du crime et vont devoir affronter plus déterminés qu’eux… Dragged Across Concrete sortira prochainement en VoD.

Le palmarès complet

Nicolas Bardot

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Gros plan sur la compétition Sang Neuf du Festival du Film Policier de Beaune 2019

admin — Wed, 03 Apr 2019 20:23:43 +0000

Le Festival du Film Policier de Beaune a débuté ce mercredi et durera jusqu’au 7 avril. Nous vous présentions hier sa compétition internationale. On retrouve également au programme la compétition Sang Neuf, dédiée plus particulièrement aux nouveaux talents. Le réalisateur et écrivain Samuel Benchetrit préside le jury de cette compétition. L’an passé, c’est le thriller indien Ajji de Devashish Makhija qui a été primé. Ce long métrage est resté inédit dans les salles françaises à ce jour.

La compétition Sang Neuf comprend 6 longs métrages. A noter la présence du très singulier The Miracle of the Sargasso Sea du Grec Syllas Tzoumerkas (lire notre entretien), l’Américain Dragged Across Concrete avec Vince Vaughn et Mel Gibson réalisé par S. Craig Zahler (le western horrifique Bone Tomahawk) ou encore le buzz Donnybrook avec Jamie Bell.

Découvrez les films sélectionnés ci-dessous ainsi que notre gros plan en images.

Chained, Yaron Shani (Israël)
Donnybrook, Tim Sutton (Etats-Unis)
Dragged Across Concrete, S. Craig Zahler (Etats-Unis)
Duelles, Olivier Masset-Depasse (Belgique)
Nevada, Laure de Clermont-Tonnerre (France)
The Miracle of the Sargasso Sea, Syllas Tzoumerkas (Grèce)

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Par Nicolas Bardot

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Gros plan en images sur la compétition du Festival du Film Policier de Beaune 2019

admin — Wed, 03 Apr 2019 06:24:34 +0000

Jour J pour le Festival du Film Policier de Beaune ! La 11e édition du festival se déroulera du 3 au 7 avril. Qui succèdera à Une pluie sans fin du Chinois Dong Yue, lauréat en 2018, et au Caire confidentiel du Suédois Tarik Saleh, sacré en 2017, et qui ont tous les deux été des succès en salles par la suite ?

Le jury présidé par le réalisateur français Benoit Jacquot devra choisi entre 8 longs métrages. Parmi les films retenus, citons Savage du Chinois Cui Si Wei couronné à Busan, Face à la nuit du Malaisien Ho Wi Ding plébiscité à Toronto, Alpha, the Right to Kill du Philippin Brillante Mendoza primé à San Sebastian, Rojo de l’Argentin Benjamin Naishtat également distingué à San Sebastian ou encore Piranhas de l’Italien Claudio Giovannesi qui a (généreusement) hérité d’un prix à la Berlinale. C’est ce dernier film qui fait l’ouverture du festival.

Retrouvez l’intégralité de la compétition ci-dessous ainsi que notre gros plan en images dans notre galerie. Les temps forts du Festival du Film Policier de Beaune seront à suivre sur Le Polyester.

Alpha, The Right to Kill, Brillante Mendoza (Philippines)

El Reino, Rodrigo Sorogoyen (Espagne)

Face à la nuit, Ho Wi Ding (Taïwan)

Factory, Yuri Bykov (Russie)

Les Oiseaux de passage, Cristina Gallego & Ciro Guerra (Colombie)

Piranhas, Claudio Giovannesi (Italie)

Rojo, Benjamin Naishtat (Argentine)

Savage, Cui Siwei (Chine)

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Par Nicolas Bardot

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La sélection du Festival du Film Policier de Beaune 2019

admin — Wed, 13 Mar 2019 19:40:51 +0000

La 11e édition du Festival du Film Policier de Beaune se déroulera du 3 au 7 avril. Sa sélection a été dévoilée. Qui succèdera à Une pluie sans fin du Chinois Dong Yue, lauréat en 2018, et au Caire confidentiel du Suédois Tarik Saleh, sacré en 2017, et qui ont tous les deux été des succès en salles par la suite ?

8 longs métrages composent la compétition internationale. Parmi les films retenus, citons Savage du Chinois Cui Si Wei couronné à Busan, Cities of Last Things du Malaisien Ho Wi Ding plébiscité à Toronto, Alpha, the Right to Kill du Philippin Brillante Mendoza primé à San Sebastian, Rojo de l’Argentin Benjamin Naishtat également distingué à San Sebastian ou encore Piranhas de l’Italien Claudio Giovanelli qui a (généreusement) hérité d’un prix à la Berlinale.

6 longs métrages figurent dans la compétition Sang Neuf, plus particulièrement dédiée aux talents prometteurs. Parmi ces films, l’étrange Grec The Miracle of the Sargasso Sea de Syllas Tzoumerkas (lire notre entretien).

Retrouvez tous les détails concernant la programmation sur le compte Twitter du festival.

Source : Le Public Système

Nicolas Bardot

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