Actualité - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Cannes | Critique : Hope

admin — Mon, 18 May 2026 18:21:20 +0000

Alors que les secours sont mobilisés ailleurs et que toute communication est interrompue, les habitants de Hope doivent faire face seuls à une menace grandissante. Tandis que certains tentent de protéger le village, d’autres s’aventurent dans la montagne… mais deviennent à leur tour des proies. L’ignorance et la peur déclenchent une spirale incontrôlable aux conséquences dévastatrices.

Hope
Corée du Sud, 2026
De Na Hong-jin

Durée : 2h40

Sortie : prochainement

Note :

LA MÉTAMORPHOSE

Enfin une sélection en compétition officielle pour Na Hong-jin, qui a eu l’honneur d’être sélectionné à Cannes avec l’intégralité de ses longs métrages jusqu’ici. A chaque film, une nouvelle section, ainsi qu’une nouvelle ambition et un palier de plus franchi vers l’excellence et… vers le fantastique. Le très bon thriller The Chaser (Séance de minuit en 2008) était ainsi surpassé par The Murderer (Un certain regard en 2010) qui lui même s’est retrouvé éclipsé par The Strangers (Hors compétition en 2016) qui mariait de manière stupéfiante le film policier et la folk horror. Et après ? Les dix ans d’attente pour obtenir la réponse à cette question prennent fin, enfin.

Hope (le nom du village où se déroule l’intrigue) déboule aussi fort qu’un bœuf, tout en débutant en terrain familier. Au cours d’une séquence d’ouverture à la fois nerveuse et moqueuse, une équipe de policiers râleurs tombe sur le cadavre d’une vache ayant été visiblement tuée par un animal bien plus gros qu’elle. Peut-être un tigre? Notre ceinture de spectateur est à peine attachée que la dynamique (la dynamite ?) qui se met en place entre les différents registres rappelle les grandes heures du cinéma coréen et de sa machine à frissons. L’évocation est d’ailleurs presque un peu trop fidèle. Derrière l’eau qui nous vient à la bouche, cette mise en jambe ne brille pas non plus par une recherche d’originalité à tout prix.

Sauf que Hope ne ressemble pas tant que ça aux précédents films de Na Hong-jin. Il ne s’agit pas du film attendu en suite de l’évolution de son œuvre évoquée plus haut. Ni empesé de sérieux ni potachement réservé aux séance de minuit, Hope est avant tout spectaculaire. Appelons un chat un chat : c’est même un blockbuster. Cela signifie que chaque image est d’une générosité telle qu’elle doit se recevoir sur le plus grand écran possible. Cela signifie aussi que l’unicité quitte la place prioritaire pour laisser place à l’efficacité. Est-ce que Hope est un film original ? Pour ceux qui ne connaissent le cinéma coréen que par son versant auteur, ou n’auraient jamais vu The Host, sans doute. Et pourtant…

Alors que l’on pense avoir bien mémorisé le trajet de ce tour de grand huit et ses passages obligés, il faut bien dire que le film devant lequel on se retrouve à la fin ne ressemble plus vraiment à celui qu’on avait sous les yeux au tout début (gare à qui en révèlera trop et gâchera le plaisir du public). Hope s’est métamorphosé alors même qu’il faisait mine de ne proposer que des tours de magie dont on connait déjà le truc. Film catastrophe, comédie d’action, film de monstre, fable de science-fiction. Hope est tout cela à la fois et possède surtout une qualité en or que les blockbusters de Hollywood semblent avoir égaré depuis belle lurette : la joie. Est-ce que Hope se démarque dans la compétition cannoise comme un pétard allumé au milieu d’une bibliothèque ? Tout à fait, et pas seulement parce qu’il s’agit de toute évidence du film le plus cher de la liste. Découvrir le film dans ce contexte spécifique a d’ailleurs quelque chose de très rafraichissant.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Cannes | Critique : Everytime

admin — Mon, 18 May 2026 11:19:59 +0000

Jessie est une adolescente pleine de vie. Son seul problème est qu’elle partage sa chambre avec sa petite sœur. Ella, leur mère, est débordée mais attentive. Lorsqu’un drame survient, toute la famille est bouleversée.

Everytime
Autriche, 2026
De Sandra Wollner

Durée : 1h56

Sortie : prochainement

Note :

EVERYTIME EVERYWHERE ALL AT ONCE

Le quotidien et ses scènes anecdotiques caractérisent les premiers instants d’Everytime. Plus tard, le quotidien toujours, des discussions avortées, des scènes qui semblent prises en cours, l’héroïne arrose une tombe tandis qu’elle poursuit sa conversation au téléphone. Mais entre temps, une tragédie est arrivée – le film a basculé. Cela ne se ressent pas immédiatement auprès des protagonistes d’Everytime. On parle, on continue de vivre. Les photos accrochées à la maison ressemblent désormais à un silencieux monument aux morts. Des réactions au deuil ? Presque comme si de rien n’était.

Cinéaste autrichienne révélée par le stupéfiant The Trouble With Being Born, Sandra Wollner (lire notre entretien) sait pourtant mettre en scène le quotidien et son étrangeté sans jamais souligner celle-ci. L’enchainement-même des scènes, leur juxtaposition, créent de l’étrangeté dans Everytime. Le travail formel et narratif de Wollner rappelle le meilleur de l’École de Berlin : l’épure ouvre un vertige, le réalisme est poussé jusqu’à un précipice fantastique, et tout vibre différemment à l’image. Des rails sans tram. Une lumière orangée au petit matin. Ou plus tard un rayon du soleil qui balaie les montagnes. En apparence froid et austère, ce cinéma-là sait pourtant être profondément humain et à fleur de peau pour qui sait ouvrir sa porte invisible.

Lors d’un long plan incroyable et ensorcelant, la caméra à distance vient chercher des jeunes protagonistes au sommet d’un immeuble. On se pose souvent cette question dans Everytime : qui regarde ? De même, il y a beaucoup de vitres, de reflets, d’écrans dans le film. Qui regarde, et qu’y voit-on ? Il est important de ne pas trop en dévoiler sur le long métrage sous peine d’amoindrir son plaisir de découverte et le pouvoir magique de son mystère. Mais on peut évoquer sa traversée du miroir. Il y a une traversée du réel dans Everytime, un moment où l’on embrasse l’hésitation fantastique. Les spectres se dessinent, nous contactent, nous parlent. Nous n’avons pourtant pas quitté le quotidien et son réalisme. Plutôt qu’une traversée, impliquant que l’on se rend d’un endroit à un autre, il est peut-être plus juste de dire qu’Everytime examine des temporalités qui se superposent, des boucles temporelles dont on ne se sort pas – le deuil et son brouillard.

« Parfois, j’oublie », confie Ella, interprétée par l’extraordinaire Birgit Minichmayr. Elle oublie mais le visage de Minichmayr peut tout exprimer sans un mot. La profondeur de son regard bouleversé fait des merveilles dans le long métrage et rappelle qu’elle est l’une des meilleures actrices au monde. Les humains sont un peu éteints, anesthésiés dans Everytime. Dans la dernière partie du film, une explosion lyrique apporte un impressionnant contraire fort. Ce que font les personnages compte davantage que ce qu’ils disent. Wollner s’introduit dans le tourbillon de leur inconscient, son souffle finit par balayer le réel. La cinéaste nous invite dans ces interstices de solitudes, où la brutalité de la vie est baignée d’une electronica paisible. Il faut savoir écouter, et savoir regarder : les absent.es nous regardent, et nous pouvons les voir.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Cannes | Critique : Irish Travellers

admin — Mon, 18 May 2026 11:15:31 +0000

Le long d’une route oubliée, la famille O’Reilly vit dans une vieille caravane échouée au milieu des champs. Pa, Lisa et leurs dix enfants traversent les saisons dans ce fragile château de tôle, héritiers d’un mode de vie en sursis. Menacés d’expulsion, leur équilibre de fortune vacille mais ils résistent, fidèles à leurs traditions. Les enfants rient, les chiens aboient, la caravane tient encore, mais pour combien de temps ?

Irish Travellers
Irlande, 2026
De Alexander Murphy

Durée : 1h46

Sortie : prochainement

Note :

LES ENFANTS VONT BIEN

Quelques mois à peine après la sortie en salles de son premier film, Au-delà de Katmandou, le réalisateur franco-irlandais Alexander Murphy retrouve déjà les grands écrans avec la présentation en compétition à la Semaine de la Critique de ce nouveau long métrage tourné sous des latitudes bien différentes. Connaissez-vous les travellers irlandais ? Cette appellation désigne une communauté nomade de gens du voyage, victime de nombreux préjugés dans leur propre pays et de stéréotypes dans la culture populaire (vous voyez le personnage de boxeur irlandais de Brad Pitt dans Snatch ?). Une population que Murphy connait bien, ayant accumulé les images de ce documentaire pendant plus de cinq ans.

Irish Travellers n’est pas pour autant un reportage didactique. Murphy s’attache ici à une seule famille (certes nombreuse puisqu’elle est composée de dix enfants), sédentaire plutôt qu’en vadrouille (leurs deux caravanes semblent indéboulonnablement vissées au bord du même coin de route oublié), et particulièrement chaleureuse malgré leur précarité En effet, c’est la douceur qui frappe avant toute chose dans cette captation d’événements quotidiens où la caméra parvient à se faire entièrement oublier. Les événements graves (décès, prison) ne sont ni occultés ni soulignés, mais c’est toujours sur la réussite de cette famille aux enfants épanouis qu’est mis l’accent.

Tout public et particulièrement facile d’accès, Irish Travellers n’est pas naïf. Peut-être est-il un tout petit peu pittoresque, avec sa musique folk accueillante, sa lumière chaleureuse et ses touches d’humour (la réparation d’un générateur ressemble à un dialogue écrit par Ionesco). Les amateurs d’écritures documentaires nouvelles ou incisives prennent ici le risque de rester sur leur faim, et ceux qui ne sont pas attendris d’office par les enfants devront prendre leur mal en patience, mais la tendresse ici à l’œuvre ne doit pas pour autant faire oublier que Murphy réussit à éviter tout regard condescendant sur les membres de cette famille et parvient à conserver la dignité de chacun, tout en composant un portrait des dynamiques familiales allant à l’encontre des clichés d’un paternalisme viril et fier.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Cannes | Critique : Promised Spaces

admin — Mon, 18 May 2026 10:16:40 +0000

Sans sommeil, Sokun quitte son dortoir de chantier bondé et rejoint un groupe d’ouvriers qui vit dans un gratte-ciel inachevé, parmi tant d’autres. L’une de ces tours offre la résidence de luxe dont rêvait Seda, sa première occupante, qui se sent bientôt piégée dans ce vaste complexe sécurisé.

Promised Spaces
Serbie, 2026
De Ivan Markovic

Durée : 1h16

Sortie : –

Note :

UN LIEU A SOI

Le Serbe Ivan Markovic est l’un des directeurs de la photographie les plus remarquables en activité, et a collaboré ces dernières années avec Angela Schanelec, Marta Popivoda ou Dane Komljen. Mais c’est en tant que cinéaste qu’il est distingué au Festival de Cannes avec Promised Spaces, montré à l’ACID. Markovic avait déjà signé un premier long prometteur, From Tomorrow on, I Will, sélectionné il y a quelques années à la Berlinale et au sujet duquel nous l’avions rencontré. Les motifs de son premier long sont à nouveau explorés ici, déplacés de Pékin dans From Tomorrow à une ville cambodgienne dans Promised Spaces.

Magnifiez votre vie promet un panneau publicitaire aux abords d’un chantier. La promesse semble venir autant du passé que du futur car dans Promised Spaces, la ville-fantôme semble côtoyer la ville de demain. La caméra d’Ivan Markovic s’invite dans cet espace comme dans un secret. La nuit, on chante, un chat se promène, les vêtements sèchent. On essaie de trouver le sommeil malgré la chaleur moite qui fait briller la peau. La nuit ouvre une porte vers une autre réalité, c’est presque une traversée du miroir lorsque le soleil s’est couché. On y déambule, mais on déambule aussi de jour. Markovic dépeint différentes solitudes parmi les espaces pleins et les espaces vides.

Comme dans From Tomorrow on, I Will, il y a ici un talent frappant pour mettre en scène l’espace et l’architecture. Le béton est entouré par la végétation, comme si les buildings avaient poussé dans la nature. En un vertige, le gigantisme côtoie le minimalisme. Image saisissante : une bâche illustrée par un plan de la ville donne l’impression, poussée par le vent, que la cité est en relief. Le contraste entre les lieux denses et une narration épurée est frappant, et évoque le cinéma de Tsai Ming-liang dont Markovic est un admirateur. La composition du cadre chez le cinéaste serbe constitue un outil narratif sensoriel et expressif.

Pluie de jour, pluie de nuit : sur ce monde l’eau ne cesse de tomber. Elle s’infiltre dans les murs blancs, on a presque le sentiments que les humains ne devraient pas être là, ou qu’ils vont être emportés par une vague. « Je fonds », dit un personnage dans Promised Spaces. Au point de disparaître ? Tandis que rayonnent les lumières multicolores de la ville, Ivan Markovic filme des vies en sous-sol, métaphoriquement et littéralement. Et examine avec poésie cette question à la fois politique et philosophique : à qui appartient un lieu ? La possible réponse ici ressemble à un pied-de-nez : aux gens qui ne sont pas censés être là, ou aux fantômes.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Cannes | Critique : The Station

admin — Mon, 18 May 2026 08:04:44 +0000

Au Yémen, Layal gère une station-service exclusivement réservée aux femmes, un havre de paix dans un pays déchiré par la guerre. Les règles y sont simples : pas d’hommes, pas d’armes, pas de politique. Quand son tout jeune frère est mobilisé, Layal doit renouer avec sa sœur. Ensemble, elles n’ont que quelques heures pour le sauver.

The Station
Yémen, 2026
De Sara Ishaq

Durée : 1h52

Sortie : prochainement

Note :

ENTRE LES MURS

« Ni hommes, ni armes, ni politique » : c’est la règle dans la station service uniquement réservée aux femmes où se déroule The Station. Ni hommes, ni armes, ni politique, mais il est malgré tout beaucoup question d’hommes dans le long métrage, de la menace des armes et des conséquences de la politique. Comment s’extraire totalement de ce monde patriarcal ? La réalisatrice yéménite-écossaise Sara Ishaq filme cette utopie, les grands murs censés la protéger, et tous les trous au travers. Car quand une voix au haut parleur évoque le contrôle des femmes, ou lorsque le pouvoir vient chercher les jeunes frères ou fils pour les envoyer à la guerre, le mantra ni hommes, ni armes, ni politique ne pèse plus bien lourd.

Nommée à l’Oscar du meilleur court métrage documentaire pour Karama Has No Walls, Sara Ishaq signe son premier long métrage de fiction, dévoilé à la Semaine de la Critique. Elle ne filme jamais la guerre à proprement parler ; celle-ci, dans un intéressant parti-pris, demeure hors champ, mais sa présence et sa réalité imprègnent le long métrage. « Pas de bombes aujourd’hui ? », demande t-on avec une pointe d’ironie. Ici, dans ce refuge, les femmes rient, prient, chantent, racontent des histoires intimes. Ce sont elles qui assurent le maintien de la société lorsque les hommes disparaissent au front. Les hommes ? Un panneau dans la ville vante la guerre en indiquant « La gloire vous attend » et s’adresse aux hommes… de plus de 12 ans. Les affiches de martyrs, collées aux murs, ne sont pas loin.

Dehors, les garçons jouent à la guerre, puis parlent de comment faire la guerre. Le film a un sujet fort avec ses enfants aspirés par les conflits, dévorés par un ogre contre lequel les femmes sont bien désarmées. Si l’articulation du scénario nous a semblé un peu trop scolaire, The Station, par son regard chaleureux et nuancé, va contre les clichés déshumanisants. L’élégance colorée du long métrage est également une idée qui constitue un contrepoint efficace aux clichés attendus pour dépeindre une telle histoire. S’il y a des couleurs, celles-ci ne peuvent pas totalement recouvrir un monde terrible où tout le monde est perdant. Loin de la station-service, Sara Ishaq filme ce qui ressemble à un océan fleuri de tombes. Elle raconte l’espoir maintenu comme une flamme entre quelques murs, mais aussi, peut-être, le seul espoir qui reste : la fuite.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Cannes | Critique : Dora

admin — Sun, 17 May 2026 11:00:12 +0000

Une famille vient se ressourcer au bord de mer, loin de l’agitation de Séoul. La fille, Dora, souffre d’une mystérieuse maladie. Sa découverte de l’amour libère une énergie aussi puissante que dangereuse, qui n’est pas sans conséquence sur son entourage…

Dora
Corée du Sud, 2026
De July Jung

Durée : 2h17

Sortie : prochainement

Note :

LES EXPLORATIONS DE DORA

Une voiture roule sur un bitume chaud, et les routes empruntées sont de plus en plus étroites jusqu’à atteindre une maison perdue dans les bois. Les premiers instants de Dora, nouveau long métrage de la Coréenne July Jung, pourraient presque évoquer des codes du film d’horreur – ce que le long métrage n’est nullement. Dora examine d’ailleurs beaucoup d’idées préconçues pour mieux les retourner, et le cadre familial dans lequel se déroule le long métrage constitue le décor idéal pour cela. July Jung s’inspire librement du cas Dora selon Sigmund Freud, mais opère là aussi un basculement du point de vue. Son long métrage est habile pour tisser, observer, remuer les dynamiques entre ses différents protagonistes. Tout cela en offrant la place qu’elle mérite à sa singulière héroïne : Dora.

Quelque chose cloche chez Dora : son père parle à sa place de façon parfaitement passive agressive, elle est semble t-il atteinte d’un mal sur lequel on ne met pas de nom, elle a les cheveux dans les yeux pour ne pas vous voir et d’ailleurs elle préfère baisser le store de sa chambre plutôt que de profiter de l’horizon. Quelque chose cloche chez Dora, à moins que quelque chose ne cloche encore plus dans son entourage. Les rapports sont brutaux, les personnages ne se disent rien ou se disent trop. Les protagonistes se penchent sur Dora, souhaitent la peindre, la désirent, mais quid de ses désirs à elle ? July Jung raconte le chemin initiatique de son héroïne, son parcours d’affirmation dans des structures patriarcales, familiales, hétéronormées, qui ne veulent qu’une chose : le statu quo. Le film, lui, préfère le chaos.

Noyade, crise d’épilepsie, engueulades homériques : il se passe beaucoup, beaucoup de choses dans Dora. Les scènes sont d’abord courtes, les enchaînements sont vifs. La transformation de Dora accompagne une remise en question de l’ordre établi, notamment à ses dépens. Dora est un film moins net, moins poli, plus bancal que A Girl at My Door et About Kim Sohee, mais c’est précisément ce qui le rend plus intéressant à nos yeux. Il y a une ampleur dramatique dans le long métrage que l’on n’avait pas pressentie : celle-ci devrait être clivante et tant mieux. L’émancipation passe ici par des épisodes grand-guignols et même des actes répréhensibles. July Jung ne justifie en rien, mais le mauvais esprit invite à comprendre. Dora prend des risques et peut évoquer les Kim Ki-duk première période : par leur méchanceté, par l’exacerbation des sentiments, par cette zone grise entre réel et surréel, par son mystérieux élément marin.

Visuellement élégant, le long métrage apporte un soin particulier à la lumière et aux couleurs. Le film se distingue également par la qualité de son interprétation, de la découverte Kim Do-yeon dans le rôle titre à la toujours remarquable actrice japonaise Sakura Ando à ses côtés. Le film s’attache à faire ressentir ce que ses personnages portent sur et sous leur peau : l’audacieux chaos, chéri par la réalisatrice et ses actrices, réussit plutôt cela.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Cannes | Critique : Soudain

admin — Sun, 17 May 2026 08:43:35 +0000

Directrice d’un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d’y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l’écoute et la dignité des résidents, malgré la réticence d’une partie de ses équipes. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire. En nouant une amitié profonde, les deux femmes engagent ensemble un combat pour “rendre possible l’impossible”.

Soudain
Japon, 2026
De Ryusuke Hamaguchi

Durée : 3h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

LE VOYAGE EN FRANCE

Y avait-il quelque chose d’inévitable à ce que Ryūsuke Hamaguchi vienne tourner en France ? Ceci semble être devenu un passage obligé (et effectué avec plus ou moins d’inspiration) pour les cinéastes japonais habitués de nos écrans: Kurosawa, Kore-eda et d’une certaine manière avec Kawase. La sélection de ce film tourné sous nos latitudes, au sein d’une compétition cannoise contenant déjà un très grand nombre films faits par des cinéastes étrangers avec des acteurs français (Farhadi, Kreutzer, Nemes), avait de quoi faire douter de la pertinence d’un tel voyage. Face aux scènes qui composent le début de Soudain, nos craintes sont à moitié confirmées puisque Hamaguchi se retrouve plongé dans le sous-genre roi du cinéma français contemporain : le film d’hôpital. Avec sa conviction habituelle, Virgine Efira joue non pas une infirmière mais une directrice d’ehpad, solide et presque parfaite (le genre de rôle que Léa Drucker endosse désormais dans un film sur deux). Avait-on vraiment besoin de faire venir de l’autre bout du monde un cinéaste aux films si libres pour le diluer dans des histoires de plannings de travail entre soignants ? Où est passé Hamaguchi ?

Eh bien il n’est pas très loin, et la suite de Soudain vient récompenser la patience dont il faut faire preuve devant cette mise en jambes (mais ne rangez pas votre patience définitivement). La directrice d’ehpad rencontre par hasard une metteuse en scène de théâtre. Elles se revoient, s’apprécient, s’admirent même. Elles ont des choses à se dire, beaucoup, que ce soit sur le travail, le bonheur ou même le capitalisme. Ces échanges laissés dans toute leur durée et qui mériteraient d’être chronométrés nous font alors retrouver avec bonheur le Hamaguchi qu’on connait, et même un Hamaguchi qu’on avait un peu perdu de vue, celui qui s’était imposé comme une révélation fulgurante en 2015 avec un film qui avait le culot de durer tout de même 5h17. A plusieurs moments, Soudain donne parfois l’impression d’être le film le plus radical du cinéaste depuis Senses. Parfois.

L’effet d’immersion à moitié hallucinée dans ces plages verbales est accentué par l’aisance stupéfiante dont Efira fait preuve en s’exprimant directement en japonais. Ces deux femmes savantes sans maris partent en logorrhée intellectuelle au cœur de la nuit, en partageant leur chambre, elles bâtissent des montagnes de savoir comme pour une parade nuptiale qui ne dit pas son nom. Soudain n’est peut être pas queer, mais il est sacrément cryptoqueer (comme on disait avant de remplacer ce terme par l’expression seulement à moitié équivalente queer coded) et cette dynamique de marivaudage intello évoque celle du déjà très crypto-lesbien Conte de printemps. De Rohmer, on trouve surtout ici un écho de L’Arbre, le maire et la médiathèque : dans la manière dont les personnages transforment chaque badinage en leçon docte, mais aussi dans cette façon de déposer un ton lunaire sur des discussions politiques. Tel est l’équilibre étrange du troisième acte de Soudain, où la stupéfiante radicalité verbeuse laisse place à une greffe ludique des mondes du théâtre et de l’hôpital.

Avec son titre qui ne correspond pas du tout à son rythme, Soudain est un film difficile à faire rentrer dans une case. Tantôt diablement exigeant, tantôt presque cheesy. Tantôt chastement sérieux et tantôt bouleversant de mélodrame retenu. Tantôt le film le plus bizarre de la filmographie d’Efira, tantôt le film le plus populaire de celle d’Hamaguchi. Le résultat n’est pas parfaitement équilibré, mais ces pas de côtés charment un peu plus qu’ils ne laissent perplexe. Marier ainsi les contraires est sans doute la marque des grands metteurs en scènes. Contre toute attente, Soudain vient donc paradoxalement réaffirmer la belle et franche bizarrerie qui traverse le cinéma d’Hamaguchi. Cela valait le voyage.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Cannes | Critique : Le Bois de Klara

admin — Sun, 17 May 2026 08:39:06 +0000

Une maison située au bord d’un lac près de Berlin devient le témoin d’un siècle d’événements qui ont remodelé le monde qui l’entoure : la montée du nazisme et les ravages de la guerre, l’occupation soviétique, la réunification de l’Allemagne et l’aube d’une ère nouvelle.

Le Bois de Klara
Allemagne, 2026
De Volker Schlöndorff

Durée : 1h58

Sortie : prochainement

Note :

JE RENTRE A LA MAISON

Jeter un coup d’œil aux lignes les plus récentes de la page IMDB de Volker Schlöndorff a de quoi créer la surprise puisque le dernier crédit du très sérieux cinéaste allemand avant Le Bois de Klara s’avère être pour un clip des Pet Shop Boys, The Lost Room. L’excitation de cette alliance inattendue devient relative lorsqu’on réalise que ledit clip est en réalité uniquement composé d’images des Désarrois de l’élève Törless, le tout premier film réalisé par Schlöndorff en 1966. Il ne s’agit là que d’une anecdote ironique, mais peut-être est-elle révélatrice, mine de rien. 60 ans plus tard, en 2026, qu’attendre de Schlöndorff ?

Le Bois de Klara possède une tripotée de personnages, dont les existences s’étalent sur plus d’un demi-siècle, mais qui partagent un même lieu : une maison de vacances au bord d’un lac dont la destinée va épouser les transformations de l’Allemagne d’après-guerre. Un même lieu qui traverse les époques et révèle les vies intérieures de ses habitants ? On ignore si le désir de Schlöndorff de raconter cette histoire précède l’existence du film Les Échos du passé, mais le rapprochement est difficile à ignorer, et pas forcément à la faveur de Schlöndorff.

Le Bois de Klara ressemble de toute façon moins aux Échos du passé qu’à une saga familiale. Passée une brève et étonnante introduction où les personnages, toutes époques confondues, nous attendent au bord du lac comme des fantômes prêts à traverser le Styx, on comprend rapidement que la mise en scène très scolaire de Schlöndorff ne va pas prendre beaucoup de risques. D’un téléfilm, Le Bois de Klara possède certes la modestie technique et l’artificialité (les dialogues un peu explicatifs dans les engueulades politiques entre générations) mais aussi, disons-le, un allant romanesque assumé. Une qualité pas si fréquente dans les films historiques allemands. Surtout, il peut compter sur des interprètes plus convaincants que la moyenne, notamment Martina Gedeck et Lars Eidinger.

La période où le cinéaste allemand se montrait le plus percutant, à la fois politique et virulent, appartient désormais à une époque bien révolue. Il y a un anachronisme touchant à voir cet artiste revisiter une période qui correspond non seulement un moment clé de l’Histoire de son pays, mais aussi tout simplement à l’âge d’or de sa propre œuvre. Il est également émouvant de voir ce monsieur d’un certain âge parler d’Histoire en utilisant des métaphores très lisibles (un terrain coupé en deux, une autobiographie intitulée « Je rentre à la maison ») à l’heure où de jeunes réalisatrices allemandes (Mascha Schilinski donc, mais aussi Eva Trobisch) s’emparent de cet héritage avec bien plus d’imagination et de singularité. C’est peut-être cette dimension méta qui rend ce nouveau film finalement attachant malgré ses imperfections.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Cannes | Critique : Du fioul dans les artères

admin — Sat, 16 May 2026 16:41:36 +0000

Étienne est routier. Accroché à la route, il réduit sa vie affective à des rencontres anonymes et éphémères sur des parkings. Quand il croise Bartosz, un camionneur polonais, sa solitude est bouleversée.

Du fioul dans les artères
France, 2026
De Pierre Le Gall

Durée : 1h31

Sortie : 02/12/2026

Note :

ITINÉRAIRE BIS

Du fioul dans les artères. Si on vous dit que ce titre bouillant vient chapeauter une histoire d’amour inattendue entre deux chauffeurs routiers, vous vous attendrez peut-être à assister à des plans culs sauvages sur des aires d’autoroutes isolées. Pierre Le Gall (coscénariste du court métrage Les Belles cicatrices et qui réalise ici son premier long) a bien conscience des fantasmes et archétypes qui entourent ses personnages, mais si le film semble débuter exactement là et comment on l’attend, il ne tarde pas à prendre une sortie vers un itinéraire bis bienvenu.

Quand le sage et sérieux Etienne croise le polonais Bartosz, c’est effectivement dans une zone de cruising nocturne près d’un parking. Silhouette noire sur fond noir, Bartosz a même l’air un instant de sortir d’un film d’horreur, avant de dévoiler son visage bonhomme et inoffensif. Du fioul dans les artères dévoile lui aussi rapidement son cœur sensible. Il a beau y avoir quelques scènes de sexe, mettant en scène des mecs aux corps normaux et imparfaits (une vision très rafraichissante, à rebours des codes de beauté queer habituels), il s’agit là moins d’une histoire de fesse que d’une romance. Une romance, mais pas que.

Si la tendresse du scénario constitue sa première surprise, sa volonté de documenter avec un réalisme très détaillé les conditions de travail des routiers en est la seconde. L’alchimie entre les deux acteurs apporte une crédibilité touchante aux scènes de couple, ce qui peut rendre frustrants les longs détours faits sur les chemins bien balisés du cinéma social à la française, de désirs de grèves en injustices du capitalisme. Il plane sur le quotidien de ces protagonistes une grisaille finalement bien différente des poussées de fièvre que laissait espérer le beau titre du film.

Là où Du fioul dans les artères parvient le mieux à articuler ensemble ces deux tableaux, c’est lorsqu’il trouve les métaphores idéales pour traduire la perte de repères géographiques et temporels de ces travailleurs parcourant l’Europe à toute vitesse : quand les protagonistes se croisent sur un pont sur lequel il ne peuvent faire demi tour, ou quand la simple autoroute qui séparent leurs deux camions rend leur étreinte impossible. La route apparait alors moins comme un espace de liberté que comme un labyrinthe de désirs frustrés. Bien vu.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Cannes | Critique : Teenage Sex and Death at Camp Miasma

admin — Fri, 15 May 2026 21:43:42 +0000

La réalisatrice du remake d’un film d’horreur devient obsédée par l’actrice mystérieuse qui incarnait la « final girl » dans le film original…

Teenage Sex And Death At Camp Miasma
États-Unis, 2026
De Jane Schoenbrun

Durée : 2h00

Sortie : –

Note :

REFLETS DANS UN DIAMANT CAMP

Comment décrire un feu d’artifice ? Par quel bout commencer pour décrire le fabuleux kaléidoscope qu’est Teenage Sex and Death at Camp Miasma, film qui réussit la tâche herculéenne d’être à la hauteur de son titre? Cinéaste trans repéré.e il y a cinq ans à Sundance (et à Entrevues Belfort pour la France) avec son étrange premier long métrage, We’re All Going to the World’s Fair, Jane Schoenbrun était bien vite passé.e à la vitesse supérieure avec le très singulier I Saw the TV Glow, l’un des sommets de 2024 hélas sorti directement en VoD chez nous. Une injustice réparée par la sélection de ce nouveau long métrage en première mondiale à Cannes, en ouverture (rien que ça) de la section Un Certain Regard.

Un regard certain, voilà précisément une qualité que possède Schoenbrun dont l’œuvre pourtant très jeune ne ressemble à aucune autre, située à la croisée des représentations queer et d’un amour pour le cinéma d’horreur, pour reprendre la formule avec laquelle se présente la protagoniste, personnage dont on peut s’amuser à deviner l’origine autobiographique. Teenage Sex and Death at Camp Miasma vient poursuivre l’exploration de ce filon, à une importante différence près. Il s’agit ici d’une comédie. Celles et ceux qui trouvaient que ses films intenses flirtaient parfois avec le risque de se prendre un peu trop au sérieux seront rassurés par un ton farceur qui vient rendre plus accessible le catalogue d’obsessions contagieuses de Schoenbrun.

Cette comédie a de l’ironie à revendre, mais il ne s’agit pas du tout d’une parodie. L’amour de Schoenbrun et de ses personnages pour le pouvoir de fascination des images interdites est particulièrement authentique. Teenage Sex and Death at Camp Miasma est camp au sens originel : un amour qui est sincère et moqueur dans le même geste, sans qu’un niveau de lecture vienne annuler l’autre. A chaque apparition de Gillian Anderson, on ressent à la fois les probables fous rires sur le plateau au moment de choisir ses robes, mais également la pureté de cet hommage ému aux actrices oubliées et sacrifiées du cinéma d’horreur. Mais surtout, on reste ici en plein cinéma fantastique, et l’on ressort de la séance avec l’impression d’avoir fait un rêve vénéneux davantage que d’avoir vu un film.

Tout débute par un diaporama de divers objets de collection à l’effigie du slasher fictif Camp Miasma. Cette introduction pourrait faire craindre que le film n’a d’autre d’autre ambition que d’être un catalogue de clins d’oeil aux sagas horrifiques des années 80, juste bons à faire du fan service. Même si, de fait, on jubile effectivement de reconnaitre telle ou telle référence obscure au long du film, le réduire à cela serait occulter l’honnêteté avec laquelle, derrière les gags, Schoenbrun ausculte aussi les zones grises qui peuplent ce carrefour entre le queer et l’horreur : la représentation érotisantes des final girls, l’ambiguïté de genre de certaines boogeymen, mais aussi la manière dont les cinéastes hommes ont (indépendamment de leur talent) juxtaposé film après film la souffrance féminine et notre jubilation de spectateur.ice. Cette déclaration d’amour n’est pas dupe.

Farfelu et délicieusement labyrinthique à la fois, le scénario de Teenage Sex and Death at Camp Miasma possède, on doit bien le dire, un ventre mou agaçant au moment, non pas de donner des explications (ce n’est clairement pas le genre de la maison), mais d’articuler une bonne fois pour toutes les différents niveaux lectures de ce cauchemar. Il y a beaucoup à analyser sur la manière dont les identités queer se construisent effectivement grâce aux images interdites et surnaturelles, miroir finalement souvent plus efficace que ceux du monde réel, mais après tout peut-être existe-t-il aussi un chaos indémêlable dans cette alchimie là. Il n’y a aucune raison de penser à Yasujirō Ozu devant Teenage Sex and Death at Camp Miasma, si ce n’est que le film semble parfaitement illustrer sa citation : « Ce sont les films qui nous regardent », et non l’inverse.

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par Gregory Coutaut

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