Actualité - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Locarno | Critique : Los Días libres

admin — Sat, 08 Aug 2026 11:41:56 +0000

Dans un futur proche, par un été sans fin où l’on attend une éclipse solaire, Bego, 12 ans, cherche sa place dans la famille et parmi les filles de son âge. Alors que la Lune semble éclipser les animaux et les gens qui l’entourent, elle rencontre REN__, une amie virtuelle, qui l’initie au « shifting », pratique par laquelle les adolescents croient avoir accès à d’autres réalités par le rêve lucide.

Los Días libres
Argentine, 2026
De Lucila Mariani

Durée : 1h24

Sortie : –

Note :

LE CIEL EN LOGICIEL

Bego, douze ans, n’arrive pas à dormir. Dans le cocon obscur de sa chambre d’ado, elle est confortablement posée seule devant l’écran de son ordinateur et regarde des vidéos bizarres sur internet, et c’est comme si rien n’existait en dehors de cette bulle privée. Le résumé de Los Días libres, premier long métrage de la réalisatrice argentine Lucila Mariani, a beau nous indiquer que l’action se déroule dans un futur proche, il y a quelque chose d’étrangement rétro qui plane au-dessus de Bego. Le film s’ouvre d’ailleurs par l’une de ses vidéos qu’elle regarde en ligne : dans un noir et blanc à gros grain digne des fichiers QuickTime les plus lourds des années 2000 et des pires Webcam de Cdiscount, une fille de son âge est paisiblement endormie sur un drap blanc, à moins qu’elle ne soit en réalité décédée et que cette vidéo s’apprête à virer à l’autopsie clandestine à la Roswell ?

La vie entière de Bego a l’air de se dérouler là, entre elle et son écran. Elle possède pourtant une famille et des amies et elle finit même par sortir de sa chambre pour leur parler. Maman a beau être compréhensive (les cinéphiles reconnaitront dans ce rôle Laura Paredes, visage incontournable du cinéma argentin contemporain : Bélen, Los Delincuentes, Trenque Lauquen, La Flor…), Bego peine à se sentir connectée aux autres autant qu’au monde virtuel. Tout le monde autour d’elle ne parle que de la mystérieuse éclipse à venir, l’ado mélancolique ne pense qu’à une chose : le shifting, une méthode d’autohypnose supposée permettre d’accéder à des réalité parallèles et « modifier ce que l’on nomme la réalité ».

Le surnaturel le plus vertigineux semble toujours sur le point d’arriver (des gens peuvent ils vraiment se faire « éclipser » et disparaitre rien qu’en regardant la lune ?), mais Los Días libres ne franchit jamais le pas et demeure jusqu’au bout dans la suggestion, épousant la langueur frustrée de son héroïne solitaire. A force de rester d’un côté de la frontière et de regarder le fantastique par le trou de la serrure, le film finit par devenir étriqué à la longue. C’est d’ailleurs moins le récit que l’atmosphère qui brille ici. Lucila Mariani décrit son film comme une « lettre d’amour à un internet qui n’existe plus, un refuge où les marginaux pouvaient rêver ». L’élégant habillage visuel qu’elle compose ici donne en effet aux meilleures scènes du film des airs de merveilleux rêves numériques oubliés à la Jane Schoenbrun.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : Roma Elastica

admin — Sat, 08 Aug 2026 02:38:16 +0000

1982. Eddie est une actrice qui a eu son heure de gloire américaine. Accompagnée de Valentina, sa fidèle maquilleuse, elle accepte le rôle principal d’un film de science-fiction tourné à Rome, qui pourrait bien être son ultime film…

Roma Elastica
France, 2026
De Bertrand Mandico

Durée : 1h47

Sortie : 23/12/2026

Note :

CIMETIÈRE DE LA SPLENDEUR

Eddie est une scream queen, autant dire quelqu’un de terriblement important pour chaque cinéphile déviant.e qui se respecte, ce qui inclut bien entendu Bertrand Mandico. La séquence d’ouverture nous montre cette héroïne alors qu’elle vraisemblablement contrainte de tourner l’ultime scène d’une série Z de pas très haute volée, mais dès qu’elle daigne sortir de sa caravane, il n’y a aucun doute : derrière son regard brouillé de femme perdue dans ce décor toc, Eddie est une star, une géante, une divinité tel qu’on n’en croise presque que dans les films de Mandico. Or, on a à peine le temps de poser les yeux sur cette charismatique comète qu’elle est déjà happée ailleurs.

Flanquée de son assistante et unique amie (Noémie Merlant, pure dynamite), voilà Eddie dans l’avion pour Rome, où elle est invitée à tenir le rôle principal d’un film de science fiction. Le Rome où elle atterrit, où elle se retrouve plutôt plongée comme en apnée, ne ressemble ni à la réalité ni à une carte postale. Bertrand Mandico a tourné dans les studio de Cinecittà et Roma Elastica ressemble surtout à une succession de tableaux dans des décors rétro à l’artifice assumé, presque des maquettes. L’action du film se déroule entre la fin des années 70 et le début des années 80, mais son atmosphère nébuleuse vise un mélange plus grand encore.

Dans un catalogue de références et clins d’oeil, la haute culture et la culture alternative se superposent. D’un coté, Cocteau (cette idée de statues revêtues de peau humaine semble sortir directement de son œuvre) et bien sûr Fellini, notamment les visions baroques de ses derniers films. De l’autre, Franco Nero et tout un imaginaire de cinéma de genre à la mauvaise réputation, qu’il soit italien ou non. Le film qu’Eddie est censée tourner dans ce cirque est une sorte de remake féministe de New York 1997, et c’est une formule qu’on pourrait offrir en compliment à Roma Elastica dans son ensemble. Un futur fantasmé de science fiction s’y superpose avec la nostalgie d’une civilisation qui est déjà en ruines sans s’en rendre compte. L’ironie a sa place dans cette étrange comédie fantastique, mais pas le cynisme.

Film-rêve et film-cauchemar, il peut avoir l’air difficile de trouver la porte de sortie ou même une fenêtre pour respirer dans Roma Elastica, mais Mandico ne se contente pas de nous proposer une partie de Memory pour cinéphiles. Situé dans une sorte de réalité parallèle, son long métrage est pourtant bel et bien relié à notre monde d’aujourd’hui. La scénariste du film-dans-le-film s’avère trouver son inspiration dans son don de médium et les visions qui lui arrivent de notre futur. Cette idée malicieuse permet à Mandico de creuser ce qui est une nouvelle piste de son cinéma, ouverte dans ses derniers courts, concernant le rôle politique des artistes dans le monde d’aujourd’hui face à l’IA, la censure et le fascisme.

La générosité de Mandico se retrouve également ailleurs. Bien entendu dans sa galerie de personnages féminins plus riches, puissants et hors-normes que n’importe où ailleurs, et qui font de Roma Elastica non pas une simple cité des femmes mais une planète de femmes. Mais aussi dans sa direction d’actrices. On n’a tout simplement jamais vu Marion Cotillard ainsi. Rien que la manière que Mandico a de filmer ses yeux donne l’impression de découvrir pour la première fois son visage pourtant familier. Après le superbe La Tour de glace de Lucile Hadzihalilovic, Roma Elatisca vient poursuivre la passionnante entreprise consistant à enfin débarrasser la star française des apparats bourgeois qui l’enfermaient dans un sage cinéma à la Studio Magazine, pour remettre en avant son charisme, son étrangeté et l’excellence de son jeu.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : Soudain

admin — Sat, 08 Aug 2026 01:43:35 +0000

Directrice d’un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d’y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l’écoute et la dignité des résidents, malgré la réticence d’une partie de ses équipes. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire. En nouant une amitié profonde, les deux femmes engagent ensemble un combat pour “rendre possible l’impossible”.

Soudain
Japon, 2026
De Ryusuke Hamaguchi

Durée : 3h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

LE VOYAGE EN FRANCE

Y avait-il quelque chose d’inévitable à ce que Ryūsuke Hamaguchi vienne tourner en France ? Ceci semble être devenu un passage obligé (et effectué avec plus ou moins d’inspiration) pour les cinéastes japonais habitués de nos écrans: Kurosawa, Kore-eda et d’une certaine manière avec Kawase. La sélection de ce film tourné sous nos latitudes, au sein d’une compétition cannoise contenant déjà un très grand nombre films faits par des cinéastes étrangers avec des acteurs français (Farhadi, Kreutzer, Nemes), avait de quoi faire douter de la pertinence d’un tel voyage. Face aux scènes qui composent le début de Soudain, nos craintes sont à moitié confirmées puisque Hamaguchi se retrouve plongé dans le sous-genre roi du cinéma français contemporain : le film d’hôpital. Avec sa conviction habituelle, Virgine Efira joue non pas une infirmière mais une directrice d’ehpad, solide et presque parfaite (le genre de rôle que Léa Drucker endosse désormais dans un film sur deux). Avait-on vraiment besoin de faire venir de l’autre bout du monde un cinéaste aux films si libres pour le diluer dans des histoires de plannings de travail entre soignants ? Où est passé Hamaguchi ?

Eh bien il n’est pas très loin, et la suite de Soudain vient récompenser la patience dont il faut faire preuve devant cette mise en jambes (mais ne rangez pas votre patience définitivement). La directrice d’ehpad rencontre par hasard une metteuse en scène de théâtre. Elles se revoient, s’apprécient, s’admirent même. Elles ont des choses à se dire, beaucoup, que ce soit sur le travail, le bonheur ou même le capitalisme. Ces échanges laissés dans toute leur durée et qui mériteraient d’être chronométrés nous font alors retrouver avec bonheur le Hamaguchi qu’on connait, et même un Hamaguchi qu’on avait un peu perdu de vue, celui qui s’était imposé comme une révélation fulgurante en 2015 avec un film qui avait le culot de durer tout de même 5h17. A plusieurs moments, Soudain donne parfois l’impression d’être le film le plus radical du cinéaste depuis Senses. Parfois.

L’effet d’immersion à moitié hallucinée dans ces plages verbales est accentué par l’aisance stupéfiante dont Efira fait preuve en s’exprimant directement en japonais. Ces deux femmes savantes sans maris partent en logorrhée intellectuelle au cœur de la nuit, en partageant leur chambre, elles bâtissent des montagnes de savoir comme pour une parade nuptiale qui ne dit pas son nom. Soudain n’est peut être pas queer, mais il est sacrément cryptoqueer (comme on disait avant de remplacer ce terme par l’expression seulement à moitié équivalente queer coded) et cette dynamique de marivaudage intello évoque celle du déjà très crypto-lesbien Conte de printemps. De Rohmer, on trouve surtout ici un écho de L’Arbre, le maire et la médiathèque : dans la manière dont les personnages transforment chaque badinage en leçon docte, mais aussi dans cette façon de déposer un ton lunaire sur des discussions politiques. Tel est l’équilibre étrange du troisième acte de Soudain, où la stupéfiante radicalité verbeuse laisse place à une greffe ludique des mondes du théâtre et de l’hôpital.

Avec son titre qui ne correspond pas du tout à son rythme, Soudain est un film difficile à faire rentrer dans une case. Tantôt diablement exigeant, tantôt presque cheesy. Tantôt chastement sérieux et tantôt bouleversant de mélodrame retenu. Tantôt le film le plus bizarre de la filmographie d’Efira, tantôt le film le plus populaire de celle d’Hamaguchi. Le résultat n’est pas parfaitement équilibré, mais ces pas de côtés charment un peu plus qu’ils ne laissent perplexe. Marier ainsi les contraires est sans doute la marque des grands metteurs en scènes. Contre toute attente, Soudain vient donc paradoxalement réaffirmer la belle et franche bizarrerie qui traverse le cinéma d’Hamaguchi. Cela valait le voyage.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : Princesa burro

admin — Fri, 07 Aug 2026 14:12:34 +0000

Diana est la princesse d’un royaume ancestral. Son père, le roi Arthur, interdit l’amour. Lorsque Diana tombe amoureuse de Lalo, il le bannit. Grâce à un bracelet magique, Diana voyage dans d’autres mondes, à la recherche de son bien-aimé. Ayant découvert que son père manipule ses décisions, elle doit affronter ses peurs et changer son destin.

Princesa Burro
Chili, 2026
De Cristóbal León et Joaquín Cociña

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

CONTE A REBOURS

Par quel bout commencer pour décrire un kaléidoscope ? La question s’applique aussi bien à l’imprévisible Princesa Burro qu’à la carrière de son duo de cinéastes. Où et comment les Chiliens Joaquín Cociña et Cristóbal León se sont-ils fait repérer pour la première fois ? Avant leur passage à la Quinzaine des cinéastes en 2024 avec l’énigmatique The Hyperboreans, ils avaient signé l’un des meilleurs films d’animation de la décennie, le stupéfiant La Casa lobo (sélectionné à la Berlinale en 2018), mais aussi des clips vidéo (dont I Inside the Old I Dying pour PJ Harvey), l’étonnant passage animé de Beau is Afraid d’Ari Aster et, étalés sur une quinzaine d’années, de nombreux courts en stop motion ressemblants à de rêves aussi angoissants que fascinants. Autant dire que l’on entre dans la salle de projection de Princesa burro sans aucune idée de là où ils vont nous emmener, et donc forcément avec l’eau à la bouche.

Comme face à un cocktail inconnu, il faut faire fi de l’étrange impression donnée par la première gorgée : les premières minutes du récit sont si confuses qu’on a l’impression de perdre le fil avant même de réaliser qu’on l’avait entre les doigts. Heureusement ce brouillard se dissipe vite et, si Princesa Burro ne devient jamais limpide à proprement parler, le charmant labyrinthe se suit avec plaisir et même émerveillement. Princes et princesses, malédictions et talismans, animaux enchantés et épreuves héroïques : les éléments de départ sont ici ceux du conte médiéval. Héroïne confrontée à un amour impossible et un père tyrannique, Diana se débat dans un monde aux splendides artifices mais trop étriqué pour elle. Cela tombe bien car elle hérite d’un bracelet magique lui permettant d’ouvrir la porte de mondes parallèles. Attachez vos ceintures.

Princesa Burro se découvre avec l’impression de lire un grimoire ivre où les pages de différents livres auraient été mélangées par mégarde, ou bien comme une délicieuse version bricolo-cartoon de La Bête de Bertrand Bonello. En révéler davantage sur le récit équivaudrait à gâcher d’importantes surprises. En revanche, ce que l’on peut et doit décrire avec louanges, c’est l’incroyable richesse visuelle de l’ensemble. Cociña et León ne filment ici que des scènes très courtes, et passent d’un univers esthétique à un autre avec une vitesse presque agaçante, mais que de beautés s’offrent à nous : la prise de vue réelle dans des décors à la théâtralité assumée (la forêt de Diana ressemble à celle de Kate Bush dans The Sensual World) se mélange au stop motion, des oiseaux bleus en 2D à la Blanche Neige sont directement superposés à l’image, des trucages désuets à la Cocteau côtoient des étonnants jeux de transparence (un squelette qui luit à l’intérieure d’une jeune fille !), des éclairages néons et des gimmicks de VHS. Princesa Burro possède sa part d’ironie, et même de folie, mais il n’y a pas de cynisme derrière le plaisir contagieux de ce chatoyant coffre à trésor qui rend autant hommage à l’histoire du cinéma qu’à la culture pop.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : I is Another

admin — Fri, 07 Aug 2026 14:06:11 +0000

Automne 1952 : la journaliste Hedda et son mari Winfried tendent un piège à Felix Kersten, l’ancien masseur du chef de la SS, Heinrich Himmler. Kersten affirme avoir contribué à libérer des milliers de détenus des camps de concentration sous le régime nazi. Mais Hedda est sceptique et ce qui commençait comme un simple entretien devient bientôt un jeu psychologique du chat et de la souris.

I is Another
Allemagne, 2026
De Felix Randau

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

CONFESSIONS NOCTURNES

« Je est un autre » nous prévient le titre du film, citant Arthur Rimbaud. On a au contraire bien l’impression de savoir exactement à quel type de film nous faisons face ici : un film historique allemand sur le Troisième Reich. L’action d’I is Another a beau se dérouler en 1952, il y a suffisamment de flashbacks à l’œuvre pour que les nazis soient en effet bel et bien présents à l’écran. La vertu éducative d’une partie de la production cinématographique allemande, assumée comme telle, n’est évidement pas à démontrer, mais y a-t-il suffisamment de cinéma dans I is Another pour qu’on ait moins l’impression de rentrer dans un salle de classe que dans une salle de cinéma ? La réponse est : plutôt oui.

Commençons par déterminer la limite du film : si les secrets que s’évertue à dévoiler la protagoniste sont odieux et tordus, la mise en scène opérée par Felix Randau est au contraire bien lisse. De la photo convenue à la musique d’Erik Satie, il règne ici un confort de visionnage qui endort un peu le regard à force de le bercer. Mais un élément qui vient apporter une épice bienvenue dans cette sage recette : c’est le décor. Cette joute verbale entre une journaliste manipulatrice et un possible collabo pourrait vite virer au bavardage sans fin mais Randau fait preuve d’une idée maline : quitte à filmer un huis clos, autant faire en sorte que celui-ci roule très vite, littéralement. De couloirs exigus en cabines d’apparat, le train de nuit cossu où se déroule presque intégralement I is Another est en effet l’un des points fort du film, évoquant comme un écho d’Agatha Christie et de giallo.

Ce dialogue nocturne en mouvement entre un homme et une femme aboutit moins à une profonde exploration inconsciente qu’à une révélation au bout du tunnel, et on se surprend à fantasmer là où atterrirait le film s’il osait dérailler un peu, mais si le décor est la meilleure surprise du film (ou peut-être simplement l’une des rares), il ne s’agit pas pour autant de son unique qualité. A défaut de beaucoup de personnalité esthétique, Felix Randau fait preuve de savoir-faire narratif et trousse son petit suspens avec le rythme qu’il faut, et il peut surtout compter sur un duo d’acteurs convaincus et donc convaincants : l’Autrichienne Valerie Pachner (Une vie cachée, Seule la vie) et le Danois Claes Bang (The Square, L’Inconnu de la Grande Arche). Pour un film de nazis aux airs si convenus, il ne manque pas d’ironie qu’aucun des deux interprètes principaux ne soit allemand.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : Rehmat

admin — Fri, 07 Aug 2026 12:14:14 +0000

Trois histoires entrelacées dans le Pendjab contemporain. Dans sa maison, une femme abrite en secret un inconnu blessé. La famille de celui-ci porte le poids d’un deuil impossible, alors qu’un vieil homme arrive au village. Il prétend être Dieu.

Rehmat
Inde, 2026
De Gurvinder Singh

Durée : 2h37

Sortie : –

Note :

LAISSEZ-MOI VOUS AIDER

S’il fallait chercher une nouvelle preuve que le cinéma indien peine à trouver autant qu’il le mérite le chemin traditionnel des salles françaises, il suffirait de se pencher sur la carrière de Gurvinder Singh, dont auccun film n’a été distribué chez nous depuis, et malgré, sa révélation à Cannes il y a onze ans pour La Quatrième voie. Ironiquement, le titre de ce film de 2015 pourrait presque servir de slogan pour décrire le cinéma de Singh. En effet, parmi les nombreux visages du cinéma indien, les plus identifiés chez les spectateurs occidentaux sont sans doute le traditionnel film musical, le genre policier appelé Mumbai Noir et un cinéma d’auteur radicalement minimaliste. Or Rehmat n’appartient à aucune de ces trois familles-là.

Drame réaliste où l’économie et la dignité règnent, Rehmat s’ouvre par un carton venant rappeler la particularité de l’histoire de la région du Pendjab, qui fait qu’aujourd’hui encore les tensions avec le Pakistan voisin se font sentir. Adapté de plusieurs nouvelles de l’autrice pakistanaise Ajeet Cour, Rehmat raconte trois histoires d’apparition et de disparition aux abords de la frontière : un déserteur qui cherche une cachette à tout prix, une famille soudain endeuillée, et un vieillard anglais qui débarque au village en prétendant être Dieu. Soit trois histoires où la paranoïa et la méfiance sont évoquées, davantage que vraiment présentes à l’écran. En effet, on ne peut pas dire que la tension règne sur Rehmat, où les rares mouvements de caméra sont plutôt pépères, et où il est finalement surtout question d’empathie, fut-elle entravée.

Gurvinder Singh privilégie une observation discrète des codes sociaux du quotidien et surtout de tout ce qui n’est pas formulé entre leurs lignes. La moitié des personnages de Rehmat ont besoin d’aide, l’autre moitié sont susceptible de leur apporter leur soutien, mais un labyrinthe de conventions historiques, religieuses et le plus souvent masculines entrave toute harmonie. Ce portrait commence avec un amusant faux semblant (une jeune femme pleurant en cachette s’avère en réalité en train d’éplucher des oignons), mais cette ironie est vite remplacée par un rythme fort contemplatif qui donne souvent l’impression que le film est en fait réalisé par une personne très âgée. Il faut faire preuve d’un peu de patience pour parvenir au troisième récit, où la métaphore historique d’une réunion des peuples, souhaitée mais impossible, se trouve traduite avec une certaine poésie lunaire. Bien caché derrière cette sérieuse lenteur, on retrouve alors un certain mordant bienvenu.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Locarno | Critique : Manhunt

admin — Thu, 06 Aug 2026 14:59:37 +0000

Deux jeunes hommes fuient une vie sans avenir et prennent la route pour le nord. Transformant une affaire criminelle en parabole, Manhunt explore solitude, masculinité et désir colonial d’un nouveau départ – mais la quête de sens dégénère en une violence inéluctable.

Manhunt
Canada, 2026
De Wayne Wapeemukwa

Durée : 1h43

Sortie : –

Note :

MAÎTRES DES LIEUX

La compétition de l’édition 2026 du Festival de Locarno s’ouvre aujourd’hui avec Manhunt, film canadien anglophone qui suit le road trip de deux jeunes incels. Bien qu’inspiré de faits réels survenus en Canada en 2019, Manhunt n’est pas une stricte reconstitution de ces derniers, et bien qu’il soit question de meurtres, la violence reste ici quasiment hors-champ. Il n’y a aucune scène vraiment éprouvante à signaler dans ce film dont l’éventuel sens du malaise vient plutôt de l’atmosphère amère qui entoure la solitude des deux petits cons cyniques servant de protagonistes. Leur seul plaisir se trouve dans leur obsession pour les jeux vidéos, et même la rencontre fortuite avec un couple de filles téméraires ne parvient pas à les secouer et les ancrer dans le réel.

Il est sans doute difficile de mettre en scène un sentiment de déconnexion et d’ennui général tel que celui qui va pousser ces deux gamins au meurtre, sans que celui-ci ne contamine le public. Le réalisateur Wayne Wapeemukwa a par instants la main un peu lourde (probablement censé évoquer la violence d’internet, un plan où Hitler succède à des filles à poil en ligne a surtout l’air ringard), mais le plus souvent trop légère à force d’éviter longuement les scènes attendues. Lorsque, dans une scène pivot du récit, la voiture des deux garçons tombe justement en panne, on se demande si, ironiquement, ce ne serait pas le scénario qui ne saurait plus où mener leur errance mélancolique. Au moment où on en vient à se demander ce que Manhunt a à apporter d’unique à cet énième récit d’ados sinistres, le film parvient justement à nous prendre par surprise. Cela arrive certes tardivement, mais le dernier tiers du film vient donner un coup d’accélérateur excitant.

Le cliché grotesque veut que les jeux vidéos mènent soi disant à la violence. Manhunt présente un cheminement presque inverse. A force de traverser des paysages de plus en plus déserts, la frontière entre le réel et les fantasmes héroïques des protagonistes s’amincit. Le crane rasé, filmés de loin et progressivement privés de dialogues, ils perdent leurs signes distinctifs et se transforment en silhouettes de soldats anonymes et interchangeables. La désaturation progressive des couleurs qui transforme la forêt canadienne autour d’eux en monochrome couleur rouille, rose vif ou rouge sang (geste formel fort qui évoque Gus Van Sant où certaines oeuvres du slow cinéma d’Amérique Latine) accentue ce basculement de manière saisissante. Mais c’est sans doute dans son épilogue que Manhunt trouve son visage le plus inattendu. Complètement absents du reste du récit, des Indiens des premières nations ouvrent et closent le film avec des scènes énigmatiques qui n’offrent pas de réponses claires mais invitent à repenser sous un autre angle cette histoire d’apprentis fascistes qui se rêvent maitres du monde mais peinent à trouver leur ancrage où que ce soit.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Home Stories

admin — Tue, 28 Jul 2026 18:45:51 +0000

Léa a 16 ans, un petit frère, une grande amie, des parents récemment divorcés, et une tante qu’elle admire. Au cœur des forêts majestueuses de l’ex-Allemagne de l’Est, ses grands-parents gèrent un hôtel au passé glorieux aujourd’hui menacé par la faillite. Dans cette famille, chacun cherche sa place et son horizon. Léa, elle, a un talent pour le chant, et se prépare à participer à une émission de téléréalité.

Home Stories
Allemagne, 2026
De Eva Trobisch

Durée : 1h56

Sortie : 29/07/2026

Note :

PERSONNAGES EN QUÊTE D’AUTEUR

Quelle chance! Lea vient d’être retenue aux auditions pour participer à son émission de télé réalité musicale favorite. Elle est contente, papi et mamie sont contents, papa et maman ont l’air contents aussi (même si papa a inscrit Lea dans le dos de maman – premier caillou dans la chaussure de cette sucess story amère) et même le principal de l’école est content. Dès lors, pourquoi a-t-on l’impression nerveuse que rien ne fonctionne comme sur des roulettes ? Pourquoi Home Stories s’ouvre-t-il sur une scène où des personnages se retrouvent face à la tâche herculéenne de pousser à mains nues un cheval à l’agonie ?

La réalisatrice allemande Eva Trobisch continue de ne pas suivre du tout le chemin attendu depuis sa révélation en 2019 avec Comme si de rien n’était, et quelque part tant mieux. Après ce stupéfiant coup d’éclat au sujet féministe fort (lauréat du prix du meilleur premier film à Locarno), Trobisch s’est en effet payé le culot de déjouer les attentes avec un deuxième film à la protagoniste très peu aimable (Ivo) et propose aujourd’hui ce Home Stories qui n’a du portrait familial classique que les apparences. Difficile ici de pointer du doigt quel est le sujet du film, le ton employé, où même d’en dire qui en est le protagoniste. Ce ne sont pas des lacunes mais au contraire des chemins de traverse délibérés qui témoignent d’une richesse d’écriture et d’une sacrée personnalité.

L’émission de Lea ne prend finalement pas tant de place dans Home Stories, qui s’intéresse presque autant à la maison d’hôtes tenue par mamie, au château rénové par tata qu’au rabibochage de papa et maman. Le fait que Lea n’a rien d’une vedette même dans son propre film est révélateur. Si elle n’est pas la candidate idéale pour la téléréalité, ce n’est pas qu’une question de talent. Quand on lui demande de se présenter à la caméra et d’expliquer ce qu’il y a de spécial chez elle, elle ne peut que balbutier, incapable de répondre. Le reste de la famille n’est pas idéale non plus, incapable de doser entre l’intime et l’anecdotique au moment de filmer des magnétos face à des interlocuteurs consternés. La famille, ce n’est pas inné. Personne ici ne sait exactement comment tenir le rôle qu’on attend de lui et ça n’a rien à voir avec la présence d’une caméra.

Home Stories est un drame étrange qu’on a parfois l’impression de devoir débroussailler pour en saisir tous les enjeux, mais au-delà du plateau de The Voice, la manière dont Trobisch mène son récit tout en virages traduit mine de rien une vraie ambition philosophique. En effet, les événements vécus par les autres membres de la famille de Léa soulèvent progressivement une même question : à qui appartient l’histoire. L’histoire avec un grand H (mamie peut elle accepter des ex-nazis dans son gite ? Pourquoi tata s’enquiquine-t-elle à rénover le château d’autrui ?) et l’histoire familiale. Léa est souvent mise face à l’exercice de devoir se dépeindre, raconter des souvenirs familiaux et vendre un irrésistible récit. Elle échoue une fois, deux fois, tout le temps, et Home Stories dévoile avec un élégant sens du malaise une famille sans narrateur, où chaque membre réalise la fragilité de son existence qui ne vaut même pas une anecdote. Voilà un film fort curieux, bien plus ambitieux qu’il n’y parait, qui oscille entre l’austère, le grinçant et le vertige existentiel.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Tommy Guns

admin — Tue, 28 Jul 2026 18:40:10 +0000

1973, guerre coloniale en Angola. Tchissola, adolescente et aide de camp, est froidement agressée et tuée par un soldat portugais. Des années plus tard, Zé, jeune soldat exemplaire, se retrouve plongé dans une guerre sans début ni fin. Lui et ses camarades sont enfermés dans des casernes encerclées par un mur infini, dont ils cherchent désespérément à s’évader.

Tommy Guns
Portugal, 2022
De Carlos Conceição

Durée : 2h00

Sortie : 29/07/2026

Note :

PASSÉ SOUS SILENCE

Le titre original de Tommy Guns (Nação Valente) signifie nation vaillante, et ce sont parmi les premiers mots de l’hymne national portugais. « Héros de la mer, noble peuple, nation vaillante et immortelle, montrez aujourd’hui de nouveau la splendeur du Portugal ! ». Ce chant patriotique fait notamment écho au passé colonialiste du pays. Tommy Guns se déroule justement dans une ancienne colonie portugaise, l’Angola, et nous sommes précisément en 1974, à la veille de l’indépendance du pays. On s’attend à ce que le film raconte ce basculement, mais tout est plus complexe dans le second long métrage de Carlos Conceição.

Cinéaste portugais né en Angola, Conceição fait d’abord le récit violent de la présence de colons en Afrique. C’est un crépuscule, mais la page de 400 ans de colonialisme se tourne t-elle aussi facilement ? Le passé imprègne forcément le présent dans Tommy Guns. Des protagonistes peuvent bien être éliminés brutalement, mais la tension fantomatique persiste. Parfois de manière allégorique, dans un étrange silence. Parfois de manière beaucoup plus explicite à l’écran : les tombes ne sont peut-être pas fermées pour toujours.

« Depuis quand êtes-vous là ? En quelle année sommes-nous ? » : des soldats portugais errent ici, et l’on finit par ne plus savoir vraiment pourquoi. C’est une présence qui devient incongrue, comme ce grand portrait de Brigitte Bardot qui resurgit de l’eau, au cœur de la jungle. La nuit zebrée d’orages a quelque chose à dire et à réveiller. La démarche de Carlos Conceição rappelle celle des Brésiliens Marco Dutra et Caetano Gotardo sur Todos os mortos, qui se servent du cinéma de genre pour parler non seulement du colonialisme passé mais aussi de la persistance d’un esprit colonialiste.

La bizarrerie va crescendo dans Tommy Guns et le film se déploie de plus en plus. Ça n’est pas une ligne droite et c’est souvent par ses détours et ruptures que le film brille, comme lors de cet épisode où apparaît une travailleuse du sexe (interprétée par Anabela Moreira, vue récemment dans Diamantino, By Flávio et Feu follet). Celle-ci danse sur Spring, Summer, Winter And Fall d’Aphrodite’s Child mais le temps est une matière bien plus malléable qu’une simple succession de saisons dans ce long métrage.

Ce trouble est une puissante interrogation sur l’Histoire et son héritage. Conceição installe en premier lieu des archétypes du film de guerre qu’il saborde peu à peu, par sa grammaire du fantastique ou son regard sur la masculinité. La boussole de Tommy Guns ne nous est jamais réellement confiée en avance et cela participe à l’excitation procurée par le film. Peuplé de visions impressionnantes et généreuses, fantastique et politique, le long métrage de Carlos Conceição est un remarquable ovni qui raconte avec intelligence un présent hors-champ.

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par Nicolas Bardot

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Critique : The Ugly

admin — Tue, 28 Jul 2026 17:50:29 +0000

Aveugle de naissance, un maître artisan, admiré pour la beauté des sceaux qu’il grave, vit reclus avec son fils unique. Mais cette paix vole en éclats lorsque les autorités exhument les ossements de sa femme, disparue quarante ans plus tôt. Son fils entreprend alors de mener l’enquête sur ce passé. Cette quête de vérité va dévoiler de lourds secrets, de ceux qui touchent à la laideur humaine.

The Ugly
Corée du Sud, 2025
De Yeon Sang-ho

Durée : 1h42

Sortie : 29/07/2026

Note :

LES LAIDS

Le harcèlement scolaire, la religion comme système d’oppression aliénant, une société entière dont les membres se transforment en zombies : en trois brillants films d’animation (The King of Pigs, The Fake et Seoul Station), le Coréen Yeon Sang-ho s’est fait un nom et a imposé une patte d’une noirceur insensée. Néanmoins, c’est surtout son film suivant, Dernier train pour Busan, qui l’a consacré à l’international. Un efficace film de zombies en prises de vues réelles, mais malgré cela, ce blockbuster n’était peut-être pas, à nos yeux, aussi percutant que ses films d’animation radicaux et sauvages.

Après quelques grosses machines qui ont globalement déçu, Yeon Sang-ho revient à ses premières amours avec The Ugly. Certes, ce n’est pas un film d’animation, et non, le film n’est pas aussi explicitement violent que ses premiers longs métrages. Mais c’est une plus petite production à budget plus léger, et dont l’esprit radicalement sombre renoue avec les excès de ses débuts. Les restes de l’épouse disparue d’un maître artisan (brillant Kwon Hae-hyo, visage familier du cinéma de Hong Sangsoo) sont retrouvés, et une enquête s’ensuit. Très vite, l’absence de tact, d’éducation et d’intelligence émotionnelle de la famille de la défunte interroge – on sait le cinéma coréen plus habile que les autres avec les ruptures de ton, mais dire d’une morte « elle était d’une laideur monstrueuse » n’est pas précisément l’éloge funèbre attendu.

The Ugly du titre, c’est elle, cette femme visiblement d’une spectaculaire mocheté, que son compagnon aveugle n’a jamais pu constater, et qui était la risée de celles et ceux qui la côtoyaient. Pour qui a déjà vu des films de Yeon Sang-ho, the ugly, c’est aussi et surtout la société coréenne elle-même. Dans le long métrage, la laideur est une disgrâce pire que tous les défauts – ce qui trouve un écho allégorique particulier quand on connaît le poids du marché de la beauté en Corée. La mocheté présumée de celle qu’on ne voit jamais semble être un motif suffisant pour moquer, harceler et disqualifier celle qui finira en tas d’ossements. Noir c’est noir, et on reconnaît bien là le regard critique du cinéaste coréen.

Structuré en différents entretiens, The Ugly réussit le pari d’être un thriller efficace dont la tension réside exclusivement dans des scènes de dialogues. Le cinéaste fait preuve d’un savoir-faire appréciable pour découper et articuler ses scènes parlées, tout en incorporant ses flashbacks avec fluidité. Dans son dénouement qu’on ne dévoilera évidemment pas, The Ugly va plus loin que la simple efficacité et touche du doigt un vertige absurde qui donne un relief particulier au long métrage.

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par Nicolas Bardot

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