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Critique : Fuxi – Four Tales of Feasting

admin — Thu, 29 Oct 2026 13:56:02 +0000

À travers quatre millénaires, le Soleil et la Lune sont témoins de quatre histoires de festins : des funérailles d’un ancêtre préhistorique au rite printanier d’un roi mythique, du banquet d’un poète exilé à l’anniversaire d’un garçon orphelin, où vivants et morts, dieux et fantômes se rassemblent pour savourer la joie quotidienne de la nourriture.

Fuxi: Four Tales of Feasting
Chine, 2026
De Qiu Jiongjiong

Durée : 2h15

Sortie : –

Note :

EN AVANT LES HISTOIRES

En dialecte du Sichuan, Fuxi désigne la joie du ventre. Et en effet, on mange beaucoup, et avec joie, dans Fuxi : Four Tales of Feasting, réalisé par le Chinois Qiu Jiongjiong. Découvert notamment avec New Old Play qui fut primé au Festival de Locarno avant de sortir (discrètement) sur les écrans français l’an passé, Qiu possède un style reconnaissable au premier coup d’œil avec son ample cinéma qui fait appel au théâtre et à la peinture. Fuxi : Four Tales of Feasting (dévoilé cette semaine en première mondiale au Festival de Tokyo) élargit encore le champ artistique puisque le film a été décliné en une installation présentée à la rentrée en Chine, à Chengdu.

Quatre contes, quatre époques, et des banquets en fil rouge : voici le dispositif narratif de son nouveau long métrage. A la grandeur des mythes se mêlent les histoires de la vie de tous les jours – et pourtant rien ne semble vraiment quotidien dans Fuxi. Qiu Jiongjiong a filmé entièrement en studio et ses artifices sont visibles, qu’il s’agisse des décors ou des costumes, des perruques ou des masques, des maquillages ou des têtes artificielles. Voilà qui participe à rendre le film différent, poétique et inventif. On ne sait jamais trop ce que le Fuxi va nous réserver visuellement et voilà une qualité que l’on aimerait retrouver dans plus de longs métrages.

La structure en différentes histoires permet également au film de trouver une respiration qui manquait à New Old Play, même si le long métrage finit par manquer de dynamisme sur ses 2h15. Mais cet ovni qui se déploie de la préhistoire au vingtième siècle offre un spectacle d’une générosité qui efface quelque peu ses défauts. Qiu Jiongjiong et son équipe ont accompli un travail remarquable et exquis sur les couleurs, sur l’utilisation de la lumière, sur la composition du cadre. Cette beauté parvient à ne pas être figée grâce à son atmosphère de fantaisie qui laisse une place précieuse à l’humour. Les repas s’enchainent au rythme des vies flottantes, sous le soleil et la lune. Récit dans le récit dans le récit, Fuxi : Four Tales of Feasting est un coffre à histoires dont l’imaginaire trouve peu de concurrents cette année.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Ma nudité ne sert à rien

admin — Tue, 27 Oct 2026 05:25:54 +0000

Paris, de nos jours. Marina de Van bataille avec ses relations sentimentales, sa propre image et sa nudité à une époque où les applis de rencontres et les échanges en ligne sont légion. Dans cet autoportrait cru d’une femme approchant la cinquantaine et ce qu’on appelle « l’ère de la transparence des femmes qu’on ne désire plus », la réalisatrice s’affranchit des limites, avec humour et sincérité.

Ma nudité ne sert à rien
France, 2019
De Marina de Van

Durée : 1h25

Sortie : 28/10/2026

Note :

CORPS ET ÂME

« Je sais que c’est une histoire » entend-on assez vite dans Ma nudité ne sert à rien, le nouveau long métrage de Marina de Van qui pourtant, à première vue, tient davantage du documentaire que de la fiction. Et il y a dès les premiers instants de Ma nudité ne sert à rien un sentiment d’authenticité totale de la part de sa réalisatrice. C’est elle qui parle à la première personne, son corps est nu et elle semble se livrer entièrement. Il y a cette froideur et cet aspect direct auxquels on a été familiarisé dans ses écrits tels que le bien nommé Stéréoscopie qui puise dans sa propre expérience et dont on reconnait la langue. Une lucidité brutale que l’on retrouve ici mais dont l’honnêteté évite la provocation. « Je suis comme morte mais mon corps reste chaud » : le film, lui-même, est porté par cette tension.

Dans Ma nudité ne sert à rien, Marina de Van se tire la peau, la masse et la malaxe. Les plans sur la chair de poule, sur les marques, sur les plis et les grains de beauté se succèdent ; et l’on se souvient bien sûr que le premier (impressionnant) long métrage de la réalisatrice s’appelle Dans ma peau. Le regard ici est à la fois mécanique (on manipule le corps comme une machine) et charnel (la nudité totale semble parfaitement naturelle) et le film intrigue par cette valse-hésitation. Car si, dans ce journal intime, la cinéaste se livre entièrement, il est aussi beaucoup question de rôle à jouer. De l’effort pour interagir ou du jeu de séduction. Il y a une angoisse, et une résignation. « Je suis à l’âge de la transparence » dit-elle, tandis que son corps occupe tout l’écran.

On nous prévient dans le long métrage : l’artiste puise dans le réel sans se confondre avec lui. Certaines scènes de Ma nudité ne sert à rien sont jouées (mais jouées pour incarner le réel), et lorsque la réalisatrice porte un masque de beauté, cela sonne comme une mise en garde : est-ce bien elle qu’on regarde ou porte t-elle littéralement un masque ? Doit-elle (doit-on) porter un masque pour vivre, séduire ou se confronter aux autres ? Les couples ici semblent venir d’une autre planète tandis que Marina de Van, scrollant sur les applis de drague, nous assure qu’elle ne convoite rien. Du trivial le plus absolu (Marina de Van qui mange un Yes), le film pousse le réel jusqu’au romanesque dans un dénouement qui a des airs de clin d’oeil au Rayon vert. Et qui confirme que ces confessions brutes sont drapées depuis le début d’un étrange trouble.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Hope

admin — Tue, 27 Oct 2026 03:21:20 +0000

Les renforts sont partis maîtriser des feux de forêt et toutes les communications sont coupées. Au poste de police de Hope, Bum-seok et Sung-ae se démènent pour défendre leur village à la population vieillissante. Pendant ce temps, Sung-ki et ses amis partent à la poursuite de la bête dans la montagne mais se retrouvent eux-mêmes pris pour cible. Le malheur émane de l’ignorance. Après des avis divergents, il se transforme en une catastrophe qui touche l’univers entier.

Hope
Corée du Sud, 2026
De Na Hong-jin

Durée : 2h40

Sortie : 28/10/2026

Note :

LA MÉTAMORPHOSE

Enfin une sélection en compétition officielle pour Na Hong-jin, qui a eu l’honneur d’être sélectionné à Cannes avec l’intégralité de ses longs métrages jusqu’ici. A chaque film, une nouvelle section, ainsi qu’une nouvelle ambition et un palier de plus franchi vers l’excellence et… vers le fantastique. Le très bon thriller The Chaser (Séance de minuit en 2008) était ainsi surpassé par The Murderer (Un certain regard en 2010) qui lui même s’est retrouvé éclipsé par The Strangers (Hors compétition en 2016) qui mariait de manière stupéfiante le film policier et la folk horror. Et après ? Les dix ans d’attente pour obtenir la réponse à cette question prennent fin, enfin.

Hope (le nom du village où se déroule l’intrigue) déboule aussi fort qu’un bœuf, tout en débutant en terrain familier. Au cours d’une séquence d’ouverture à la fois nerveuse et moqueuse, une équipe de policiers râleurs tombe sur le cadavre d’une vache ayant été visiblement tuée par un animal bien plus gros qu’elle. Peut-être un tigre? Notre ceinture de spectateur est à peine attachée que la dynamique (la dynamite ?) qui se met en place entre les différents registres rappelle les grandes heures du cinéma coréen et de sa machine à frissons. L’évocation est d’ailleurs presque un peu trop fidèle. Derrière l’eau qui nous vient à la bouche, cette mise en jambe ne brille pas non plus par une recherche d’originalité à tout prix.

Sauf que Hope ne ressemble pas tant que ça aux précédents films de Na Hong-jin. Il ne s’agit pas du film attendu en suite de l’évolution de son œuvre évoquée plus haut. Ni empesé de sérieux ni potachement réservé aux séance de minuit, Hope est avant tout spectaculaire. Appelons un chat un chat : c’est même un blockbuster. Cela signifie que chaque image est d’une générosité telle qu’elle doit se recevoir sur le plus grand écran possible. Cela signifie aussi que l’unicité quitte la place prioritaire pour laisser place à l’efficacité. Est-ce que Hope est un film original ? Pour ceux qui ne connaissent le cinéma coréen que par son versant auteur, ou n’auraient jamais vu The Host, sans doute. Et pourtant…

Alors que l’on pense avoir bien mémorisé le trajet de ce tour de grand huit et ses passages obligés, il faut bien dire que le film devant lequel on se retrouve à la fin ne ressemble plus vraiment à celui qu’on avait sous les yeux au tout début (gare à qui en révèlera trop et gâchera le plaisir du public). Hope s’est métamorphosé alors même qu’il faisait mine de ne proposer que des tours de magie dont on connait déjà le truc. Film catastrophe, comédie d’action, film de monstre, fable de science-fiction. Hope est tout cela à la fois et possède surtout une qualité en or que les blockbusters de Hollywood semblent avoir égarée depuis belle lurette : la joie. Est-ce que Hope se démarque dans la compétition cannoise comme un pétard allumé au milieu d’une bibliothèque ? Tout à fait, et pas seulement parce qu’il s’agit de toute évidence du film le plus cher de la liste. Découvrir le film dans ce contexte spécifique a d’ailleurs quelque chose de très rafraichissant.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Sanguine

admin — Tue, 27 Oct 2026 01:32:09 +0000

Margot débute son internat aux urgences, où elle peine à s’adapter. Très vite, elle fait face à des patients de son âge aux symptômes inexpliqués. La récurrence de ces cas exceptionnels l’interroge, d’autant qu’elle observe, sur son propre corps, des manifestations de plus en plus inquiétantes…

Sanguine
France, 2026
De Marion Le Corroller

Durée : 1h43

Sortie : 28/10/2026

Note :

J’AI MAL AU TRAVAIL

On ne juge pas un livre par sa couverture mais peut-on juger un film à sa séquence d’ouverture ? Celle de Sanguine n’y va pas de main morte avec ses couleurs pop criardes, son humour vachard qui tache et son surgissement de violence fun sortie d’un cartoon. Puis hop, comme pour coller à l’ambiance de rentrée des classes de l’héroïne qui vient juste d’être engagée dans un service d’urgences, le film revient illico à des choses plus sérieuses. L’horreur ne provient plus d’un jet de sang furieux et grossier mais de quelque chose de bien plus réel et sinistre : le monde du travail. Margot veut être la meilleure, veut être à la hauteur des attentes de sa garce de supérieure, quitte à ce que le stress la dévore presque au sens propre.

Il y a une particularité récurrente du cinéma de genre français à vouloir accompagner ses récits horrifiques d’un commentaire social bien visible. Parfois superflue, cette précaution peut même donner la désagréable impression d’un mot d’excuse venu négocier le droit d’être pris au sérieux, venu confirmer que le film a bien « des choses à dire ». Une fois passé sa séquence d’ouverture, Sanguine semble se réveiller dans ce cas de figure, et la présence au casting de Karin Viard, si inattendue dans ce registre fantastique, ferait presque craindre le miscast. Si certaines scènes évoquent davantage un thriller hospitalier réaliste, Marion Le Coroller n’oublie pas de faire bel et bien du body horror qui gratte. Le cinéma coréen aussi a pour habitude de pousser ses thrillers sociaux jusqu’à un curseur terrifiant, peut-être que l’équilibre de Sanguine est à chercher dans une formule similaire.

Difficile de ne pas penser à Grave de Julia Ducournau devant se récit de jeune fille plongée en pleine horreur hospitalière. Mais pourquoi punir un film de genre pour ressembler un peu à un autre quand 95% des drames ou films policiers du monde se ressemblent déjà entre eux ? On tient trop souvent l’horreur, et sans doute encore plus les réalisatrices d’horreur, à l’impossible double tâche d’être à la fois impeccable et inventive. Sanguine ne possède pas l’unicité de Grave mais s’en sort sans chercher à réinventer la roue et rééquilibre ses grands écarts imparfaits avec un sympathique emballage : une musique nerveuse de Rob, une direction artistique tout en contrepieds (contrairement aux clichés attendus, l’hôpital est bondé et ses murs sont rouge sang), et des touches d’humour inattendues, comme ce plan filmé en vue subjective depuis l’intérieur d’une vulve.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Adios, rios

admin — Thu, 22 Oct 2026 14:40:18 +0000

Les habitantes et habitants d’un village de montagne résistent à la dépopulation et à l’isolement. Eladio, le garde forestier local, part à la recherche d’une ourse errant dans la vallée. Lorsque Xacobo, un villageois âgé, se perd dans les montagnes, les événements prennent une tournure inattendue.

Adiós, ríos
Espagne, 2026
De Sebastián Uría

Durée : 1h20

Sortie : –

Note :

LA DISPARITION

On entre dans Adiós, ríos un peu comme dans un rêve : par une porte ouverte sur une mystérieuse pénombre, traversée par un cheval. D’autres animaux paisibles sont croisés au cœur du paysage bucolique du film, tandis qu’une chanson promet le paradis. Dans ce premier long métrage, l’Espagnol Sebastián Uría dépeint le déclin d’un village à la montagne : c’est un quotidien placide dans un beau décor, mais on sent le crépuscule qui vient – ou qui est déjà venu. Vieilles pierres, chat qui miaule, le temps semble s’être un peu arrêté et la vision d’une antenne parabolique sur une maison ressemble à une anomalie anachronique.

L’argument d’Adiós, ríos est ténu, mais la simplicité et l’épure du film possèdent un charme notable. Le regard de Sebastián Uría parvient à être suffisamment radical pour ne pas réduire le film à un cliché pittoresque et le rapport au temps est sensiblement modifié par la qualité immersive du récit. Séduisant et un peu fantôme, ensoleillé et hanté en même temps, le décor du film manie des contraires cinégéniques. A l’église, les peintures de saints s’effacent, les visages disparaissent peu à peu. Les films d’archive viennent montrer un monde évanoui, et avec lui une culture, une part d’identité.

Adiós, ríos n’est pas pour autant prisonnier d’une vision nostalgique et passéiste. Tout à coup dans le film, on aperçoit une ourse au loin dans la nature, qui vit sa vie. Plus tard des oursons, et d’autres animaux. On ne voit plus d’humains à l’écran ? Le temps ne s’arrête pas pour autant, le monde ne s’est pas éteint, la vie continue – juste sans homme ni femme. Rien ne cesse, et le pouvoir allégorique d’Adiós, ríos dépasse ainsi le simple cadre du village pour s’étendre à quelque chose de plus ample, de plus universel : plus personne ne parlera de nous quand nous serons mort.es.

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par Nicolas Bardot

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Critique : La Gradiva

admin — Wed, 21 Oct 2026 04:16:13 +0000

Un groupe de lycéens français part en voyage scolaire à Naples pour découvrir les ruines de Pompéi et ses corps pétrifiés par le Vésuve. C’est là que le vertige les saisit brutalement. L’un après l’autre, ils se laissent submerger par le désir et la colère jusqu’à s’y abandonner complètement.

La Gradiva
France, 2026
De Marine Atlan

Durée : 2h25

Sortie : 21/10/2026

Note :

C’EST COMME UN TREMBLEMENT DE TERRE

« Il ne s’agit pas de comprendre, il s’agit de perdre connaissance ». Voilà un conseil qui semble passer loin au dessus de la tête des élèves de cette classe que nous suivons en voyage scolaire à Pompei. L’histoire locale et la science des volcans n’intéressent qu’une poignée d’entre eux, les autres ayant surtout à l’esprit une camaraderie chahuteuse, des premiers désirs à assouvir ou encore une colère intérieure à tenter d’assoupir. Le cinéma français ne manque certainement pas de films sur l’école mais, par son atmosphère et par l’ambition de sa mise en scène, l’imprévisible La Gradiva vise et atterrit bien au-dessus des archétypes du genre.

La Gradiva est certes un film réaliste, mais de la même manière que certains films de Bonello ou Noé sont également réalistes. Le film se compose de nombreuses discussions aux enjeux a priori banals, qu’il s’agisse des cours dispensés ou des moqueries méchantes que s’échangent les élèves, et pourtant on sent que sous ce quotidien ensoleillé, les plaques tectoniques grondent fort. C’est d’ailleurs ce que sous-entend la sublime séquence d’ouverture, filmée à bord d’un train où les élèves à moitié endormis paraissent plongés en état d’hypnose et où se réveille alors un inconscient à la fois voyeur et morbide, dans une formule qui évoque le court métrage Dieu est timide.

Brillante chef opératrice pour de nombreux jeunes cinéastes français ou francophones (L’Engloutie, Les Reines du drame, Le Ravissement, Foudre, Nos cérémonies…) Marine Atlan réalise ici son premier long métrage et cette poignée de plans d’ouverture suffisent à asseoir son talent rare. Et il en faut du talent, pour faire passer aussi vite ces 2h25 en compagnie de cette bande de petits cons. Le travail de montage n’est pas seulement sensationnel par sa gestion du rythme, et chaque séquence prise indépendamment possède ses propres variations d’intensité. Hyper vivant jusqu’au vertige, La Gradiva est perpétuellement rêveur et nerveux dans le même geste.

Il est interdit de révéler la direction dans laquelle se dirige le film, mais il y a une parabole politique flagrante dans le portrait de cette incapacité des uns et des autres à s’écouter, mais aussi à regarder le passé dans les yeux, résultant en un poignant sentiment d’échec collectif. Mais le titre du film, inspiré de l’héroïne éponyme fantomatique d’une nouvelle historique ayant beaucoup inspiré Freud, nous rappelle que La Gradiva est moins un exposé qu’un sacré numéro de funambule entre rêverie et cauchemar. Le résultat est si puissant que lorsque l’un des protagonistes dit à son pote « Raconte mieux, frère », on jurerait entendre Marine Atlan mettre au défi quiconque d’atteindre les mêmes sommets qu’elle.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Marie Madeleine

admin — Wed, 21 Oct 2026 01:13:00 +0000

À Jacmel, en Haïti, la mer, les églises et les esprits façonnent la vie. Marie Madeleine est une femme libre. Elle vit de la prostitution et traverse les nuits sans se soumettre aux règles de ceux qui sauvent les âmes. Sa route croise celle de Joseph, un jeune évangéliste. Une relation se noue entre ces deux êtres que tout oppose. Alors que Joseph vacille dans sa foi, Marie Madeleine l’entraîne vers un monde dans lequel désir et quête de liberté ouvrent un espace où tout peut être réinventé.

Marie Madeleine
Haïti, 2026
De Gessica Geneus

Durée : 1h44

Sortie : 21/10/2026

Note :

SAINTE COLÈRE

C’est au Festival de Cannes, à Un Certain Regard, que la réalisatrice haïtienne Gessica Geneus (lire notre entretien) a été révélée sur la scène internationale avec Freda. Le film a ensuite effectué un remarquable parcours en festivals avant de sortir chez nous à l’automne 2021. Et c’est à Cannes que la cinéaste fait son retour, cette fois à Cannes Première, avec son nouveau film Marie Madeleine. Le long métrage s’ouvre par un geste d’empathie : Joseph, jeune évangéliste, vient en aide à Marie Madeleine, prostituée. Gessica Geneus emploie des figures bibliques pour mieux les déplacer dans ce récit attaché aux personnes les plus marginalisées de la société.

Jésus le roi des rois, Vive le sang de Jésus, Cœur de Jésus entre autres : la ville de Jacmel en Haïti semble recouverte par des messages religieux. La voix de radio Jésus est partout, comme si les individus étaient continuellement sous surveillance. Quelle place reste t-il pour celles et ceux qui ne se conforment pas à l’autorité religieuse ? Le joli Joseph est un garçon sage et candide dont on devine assez vite la sensibilité, tandis que les pratiques de Marie Madeleine (aussi fière que l’héroïne de Freda) ne sont évidemment pas du goût des hommes de Dieu. Lorsque l’église et le bordel se font face dans Marie Madeleine, séparés par une rue, c’est presque à un antagonisme de comédie qu’on assiste.

Si Gessica Geneus dépeint la cruauté des faux prophètes, le film trouve un contrepoint visuel en mettant en valeur les chaleureuses couleurs des rues et des chambres dans ce dur quotidien. « C’est l’église qui décide pour nous ? » : cette interrogation outrée sur l’ordre établi sonne comme une mise au défi. La cinéaste, qui interprète également le rôle-titre, examine la liberté possible mais entravée de ses protagonistes, soumis.es à l’hypocrisie religieuse. Le film, à nos yeux, finit par manquer de relief d’un point de vue narratif, mais son élégance formelle ainsi que son propos humaniste sont notables.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Varsovie | Critique : Mentor

admin — Sun, 18 Oct 2026 11:24:50 +0000

Adolescents, Ryunosuke et Takumi ont provoqué un incendie qui a détruit l’appartement d’à côté et coûté la vie à la femme et à l’enfant de Nomoto. Quinze ans plus tard, Ryunosuke essaie de mener une vie « normale » tout en réprimant sa culpabilité, tandis que Takumi reste émotionnellement prisonnier du passé. Quand Nomoto réapparaît soudainement, le face-à-face attendu n’a jamais lieu. À la place, il montre une gentillesse déconcertante. Bientôt, la vie des trois commence à changer de manière à modifier irrémédiablement leur avenir.

Mentor
Japon, 2026
De Keisuke Yoshida

Durée : 1h55

Sortie : –

Note :

TOUTES MES EXCUSES

Il n’y a pas de quoi rire. Tout débute par un incendie accidentellement provoqué par deux gamins jouant dans le jardin avec des feux d’artifice. Quelques secondes à peine suffissent à embraser l’immeuble du voisin, et les images du corps noirci et brûlé de ce dernier lorsqu’il sort de chez lui, sa femme décédée dans les bras, sont prêtes à durablement traumatiser les deux garçonnets. C’est en tout cas le cas d’un d’entre eux, Takumi. Bien des années plus tard, le culpabilité le condamne à une vie de marginal incapable de tourner la page. L’autre garçon, Ryunosuke, est en revanche devenu un jeune homme qui va bien, merci pour lui, mais leur amitié n’a pas survécu à la tragédie.

Lorsque Takumi recroise par hasard la route du voisin, au visage désormais couvert de cicatrices, il se recroqueville de peur de que celui-ci le frappe mais c’est au contraire un câlin qu’il reçoit. Voilà presque la métaphore inverse de ce que propose Mentor. Le public occidental a tôt fait de classer tous les drames japonais sur les enfants et adolescents comme des miniatures inoffensives toutes en douces réconciliations, mais le cinéaste Keisuke Yoshida (dont les précédents longs métrages ont été présenté à Kinotayo sans connaître de sorties salle chez nous) a de la personnalité à revendre. Sans se diriger non plus vers l’excès inverse d’un éventuel film de vengeance, Mentor propose une singulière histoire de pardon impossible.

Entre l’un qui fait de la culpabilité toute sa personnalité (« Je ne suis bon qu’à une chose : présenter mes excuses »), l’autre qui s’en lave les mains, et le voisin qui se découvre mentor généreux en leçons de sagesse creuse, le triangle de protagonistes soudain inséparables vire à la thérapie zinzin, jusqu’à ce qu’une révélation cruelle et particulièrement farfelue en même temps (la meilleure scène du film) vienne rendre l’affaire encore plus maboule. Si la caméra de Yoshida ne cherche pas à inventer ou magnifier quoi que ce soit, sa plume possède en revanche une réjouissante imprévisibilité.

Mentor est un drame, possède un sujet sérieux, et pourtant le public du Festival de Varsovie (où le film vient de faire sa première mondiale) n’a pas caché son plaisir rigolard devant les nombreuses scènes psychologiquement absurdes et les coups de théâtres gentiment moqueurs face à ses personnages incapables de présenter ou d’accepter des excuses normalement et de se laisser mutuellement en paix. Si le résultat ne déborde pas d’ambition artistique, il a pour mérite de venir jusqu’au bout tordre joyeusement le cou aux clichés sur la supposément sacrée politesse japonaise.

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par Gregory Coutaut

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Festival de Varsovie | Critique : Conversation With the Sea

admin — Sun, 18 Oct 2026 10:26:37 +0000

À Jérusalem, Kamal, un Palestinien de 60 ans, se voit ordonner par un tribunal israélien de payer une grosse dette de sécurité sociale soi-disant due par son fils Wael. Mais Wael s’est noyé dans la mer Rouge il y a des décennies. Lorsqu’aucun document officiel de son décès ne peut être trouvé, Kamal suit le seul indice restant pour découvrir ce qui est arrivé à son fils.

Conversation With the Sea
Palestine, 2026
De Muayad Alayan

Durée : 1h56

Sortie : –

Note :

SEUL CONTRE TOUS

Signé d’un cinéaste palestinien (Muayad Alayan, Amours, larcins et autres complications), Conversation With the Sea se déroule pourtant entièrement à Jérusalem. On y suit Kamal, un sexagénaire solitaire qui a toujours fièrement refusé d’apprendre l’hébreu. Les rares personnes qui s’intéressent à lui en dehors de ses amis sont donc tenues de lui parler en anglais si elles veulent être comprises. Ce n’est pas comme si Kamal attendait de bonnes nouvelles de toute façon, les seules visites qu’il reçoit sont celles d’un vautour immobilier pressé de lui racheter sa masure pour en faire un foyer digne d’être redistribué à des colons.

Un jour, le ciel tombe sur la tête de Kamal, sous la forme d’un courrier le plongeant dans une parabole kafkaïenne qu’on dirait tout droit sortie d’un film iranien. Bien que survenue il y a des années, la noyade accidentelle de son fils n’a jamais été enregistrée et ce dernier a donc accumulé une dette administrative exorbitante que Kamal est pressé de rembourser. Plongé dans la tâche absurde de devoir prouver qu’un mort est bien mort, il n’a d’autre option que d’aller demander l’aide de ses proches. Plus facile à dire qu’à réaliser quand on fait fuir sa famille à force de la maltraiter. Kamal se lance alors dans une tournée de pénitence.

La structure narrative de Conversation with the Sea, toute en face-à-face successifs, permet à Muayad Alayan de faire en parallèle un double portrait. D’une part, face à ce mauvais père de protagoniste, il n’y a quasiment pas un seul personnages israélien qui soit sympathique ou même empathique. D’autre part, le film liste entre les lignes tout un catalogue de manières de résister à la cohabitation forcée. Avant sa présentation en compétition au Festival de Varsovie, Conversation With the Sea a fait sa première à la Mostra de Venise dans la section Venice Spotlight, dédiée aux films d’auteur grand public. Derrière son ton effectivement très accessible de drame humain et chaleureux, le résultat possède pourtant une hargne parfois surprenante, parfois traduite à l’écran certes sans subtilité mais surtout sans détour, comme quand le héros filmé en vue subjective crache directement sur la caméra. C’est néanmoins sur la note d’une réconciliation (de la famille, des générations, et des gens globalement de bonne volonté) que tout cela se termine.

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par Gregory Coutaut

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Fatherland

admin — Sun, 18 Oct 2026 07:01:06 +0000

En 1949, Thomas Mann, lauréat du prix Nobel de littérature, retourne pour la première fois en Allemagne depuis la fin de la guerre, accompagné de sa fille Erika, actrice, écrivain et pilote de rallye. Au volant d’une Buick noire, ils entreprennent un voyage éprouvant dans un pays qu’ils ont fui, seize ans plus tôt, lors de la prise de pouvoir du parti nazi. De Francfort, sous domination américaine, jusqu’à Weimar, contrôlée par les Soviétiques, père et fille traversent une Allemagne en ruines, coupée en deux par la guerre froide.

Fatherland
Allemagne, 2026
De Pawel Pawlikowski

Durée : 1h22

Sortie : 02/12/2026

Note :

JE REVIENS

Huit ans que l’on était sans nouvelles ou presque de Pawel Pawlikowski, depuis la présentation de Cold War en compétition à Cannes en 2018. Huit années plus tard, à nouveau dans le cadre de la compétition, le retour du cinéaste polonais était fort attendu, au point qu’on ne sait pas bien si l’on doit être surpris ou non de le retrouver… quasiment là où on l’avait laissé, comme si on l’avait quitté la veille. En effet, on pourrait extraire à l’aveugle n’importe quel plan de Fatherland et les admirateurs d’Ida et Cold War reconnaitraient sans hésitation la patte du cinéaste.

Fatherland est à nouveau un film historique en noir et blanc centré sur un couple de personnages emportés par l’Histoire. Pawlikowski remonte le temps un peu plus loin cette fois-ci, jusqu’au lendemain de la seconde guerre mondiale, son film se déroule non pas en Pologne mais en Allemagne, et la paire de protagonistes n’est pas un duo d’amoureux mais un père et sa fille. Et pas n’importe quel père, puisqu’il s’agit du célèbre auteur allemand Thomas Mann qui, au moment où nous le suivons, revient de plusieurs années d’exil et s’apprête à recevoir deux décorations honorifiques à quelques jours d’intervalle. L’une en Allemagne de l’Ouest sous présence américaine, l’autre en Allemagne de l’Est régie par les Russes.

D’hôtels chics en réceptions militaires, entre collabos et survivants, le duo voyage à travers sa mère patrie (ou plutôt sa père patrie comme l’indique le titre du film). Grand sujet, image rigoureuse, acteurs de renom, références littéraires et nombreux dialogues… les nombreux signes extérieurs de très grand sérieux dont se pare Fatherland peuvent faire craindre un moment de se retrouver face à une interro d’Histoire ou de lettres pour laquelle on aurait oublié de réviser. Le tour de magie qui vient balayer très loin cette inquiétude se trouve justement aussi dans la trousse à outils de Pawlikowski. En effet, si le cinéaste utilise ici ces codes visuels et narratifs habituels, il n’oublie certainement pas la qualité en or de ces précédents films : la concision.

Ce n’est pas qu’une question de durée totale. Le montage a beau être moins immédiatement nerveux que dans Cold War, lorsque Fatherland se termine au bout d’1h22, on s’en trouve le souffle coupé comme si l’on s’était approché trop près d’un précipice sans le réaliser. A coup de scènes brèves, où la beauté règne sur chaque plan et où les enjeux sont expertement dosés tant par le scénario que par la qualité d’interprétation de Sandra Hüller et Hanns Zischler, le film se transforme. Sans que l’on puisse pointer du doigt le moment exact où cela s’opère, le sage film en costumes devient un film de fantômes sans domiciles, à la fois poignant et incisif.

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par Gregory Coutaut

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