Visions du Réel - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival Visions du réel 2026 | 8 courts métrages à retenir

admin — Sat, 25 Apr 2026 11:07:46 +0000

L’édition 2026 du festival suisse de documentaires Visions du réel, que vous avez pu suivre en direct toute la semaine sur Le Polyester (retrouvez notre couverture), s’achève ce weekend. Parmi les courts métrages sélectionnés cette année, nous vous proposons 8 œuvres à retenir.

• A Chronicle of the Losts | Soumya Mukhopadhyay (Inde)
L’histoire : À partir des témoignages d’anciens ouvriers migrants, A Chronicle of the Lost retrace le parcours de l’un deux à travers des lettres imaginaires qu’il envoie à son épouse restée au village.
Pourquoi on l’aime : Ce mélange de fiction mélancolique et documentaire politique venu d’Inde pourrait souffrir de la comparaison avec Toute une nuit sans savoir (l’inclassable premier film de Payal Kapadia), mais le cinéaste Soumya Mukhopadhyay n’a pas son pareil pour créer des images éloquentes dans lesquelles on prend plaisir à se sentir désorienté entre passé et présent.

• The Deceptively Simple Need for a Home (on Other People’s Land) | Alana Hunt (Australie)
L’histoire : Une femme revisite les maisons de son enfance. Entre anecdotes et événements fondateurs, une conscience politique prend forme : ces toits se trouvent tous sur des terres aborigènes.
Pourquoi on l’aime : Un diaporama sur une maison d’enfance a-t-il des chances de passionner qui que ce soit d’autre que le ou la principale intéréssé.e ? La cinéaste Alana Hunt réussit pourtant à superposer l’échelle intime de micro-événements personnels à celle, collective et cinglante, d’une prise de conscience politique sur la part de fiction inhérente au fait que les blancs puissent se sentir propriétaires légitimes de terres volées aux communautés aborigènes.

• I Don’t Speak Dog (But I’ll Try) | Rime Tsujino (Royaume Uni)
L’histoire : Rime Tsujino se demande pourquoi Miso, son berger allemand, aime plus son amoureux qu’elle. Pourtant, c’est elle qui prend le temps de l’éduquer. Miso est-il simplement ingrat ? Elle lui pose la question dans une conversation en tête-à-tête.
Pourquoi on l’aime : C’est l’histoire d’une fille qui parle avec son chien. La cinéaste Rime Tsujino est-elle poussée par une simple jalousie ou par quelque de plus profond ? Cet autoportrait thérapeutique respecte à la fois l’absurdité presque comique de son postulat de départ et la complexité des rapports de dignité qui nous lient aux animaux de compagnie. Une sympathique pirouette mi-bouffonne mi-introspective.

• Normal Planet | Ekiem Barbier, Guilhem Causse & Quentin L’helgoualc’h (France)
L’histoire : Dans un musée virtuel en ruine, une cohorte d’avatars – grenouille de sécu, vélociraptor en goguette, pingouin romantique et tiktokeuses kawaï – commente ses œuvres avec piquant.
Pourquoi on l’aime : Dans un monde virtuel où un musée classique tombe presque en ruine, les quelques visiteurs font preuve d’un drôle de rapport à l’art. Rien de dystopique là-dedans : le trio à l’origine du long métrage Knit’s Island illustre pourtant ici d’authentiques conversations captées (avec leur autorisation) parmi les visiteurs d’un musées. Pop et mordant, le résultat offre le film le plus ludique de cette édition.

• Opera of Horror and Salvation | Anastasia Veber (Allemagne)
L’histoire : Le libretto de cet opéra conte l’histoire de D, jeune garçon appelé au service militaire. Alors qu’il cherche à échapper à son destin, il demande conseil au Lac Mystérieux. Celui-ci l’envoie chercher son salut dans les entrailles de la ville, où l’autocratie en marche finira par l’engloutir.
Pourquoi on l’aime : Lauréate de l’Ours d’or du meilleur court métrage à la Berlinale 2022 avec Trap, la cinéaste russe exilée en Allemagne Anastatsia Veber signe ici l’un des sommets de cette édition. Mélangeant opéra fantasmagorique et scènes angoissantes volées par une caméra cachée parmi les recruteurs de l’armée russe, elle met en scène avec flamboyance la descente aux enfers épique et glaçante d’une société sans porte de sortie.

• Seuls les anges | Clément Pinteaux (France)
L’histoire : Arrivé·e·s d’Ukraine, de Russie ou de Lituanie, Natalia, Igor, Serguei et Anna travaillent aux chantiers navals de Saint-Nazaire. Ils·elles racontent ce qu’ils·elles ont laissé derrière elles·eux et espèrent trouver sur leur chemin d’exil.
Pourquoi on l’aime : Monteur pour Payal Kapadia, Danielle Arbid ou encore Annie Ernaux, Clément Pinteaux a sa manière bien à lui de rappeler que les témoignages sont des choses à recueillir : dans l’envoutante obscurité d’un port désert, alors que nul autre que nous ne semble présent pour écouter, des témoignages intimes d’exilés nous parviennent en cachette comme des secrets chaleureusement murmurés.

• Singing of the Evening Stars | Iris Sang (Etats-Unis)
L’histoire : Plongé dans la nuit la plus profonde, le centre-ville commercial moderne de Los Angeles devient le décor d’un rituel sonore et d’une symphonie visuelle issus du temps où une rivière et un village autochtone existaient encore.
Pourquoi on l’aime : Seuls des lointains bruits de voiture viennent d’abord accompagner ces images nocturnes des avenues désertes de Los Angeles, filmées de très haut. Or, à mesure que chants d’oiseaux et bruits de ruisseaux viennent remplacer les klaxons, le film se transforme en étonnant voyage dans le temps, faisant remonter à la surface le souvenir inconscient d’un paysage précolonial.

• The Veil of Senses | Elisa Baccolo (Italie)
L’histoire : Dante Balbo nous invite à imaginer le monde tel que lui, né non-voyant, le ressent. Et si nous, qui pensons tout voir, ne percevions en fait qu’un grain de sable dans l’immensité du paysage infini ?
Pourquoi on l’aime : Un écran souvent noir, des formes colorées abstraites… ce documentaire qui nous invite concrètement à repenser l’acte-même de voir atteint son ambition en se positionnant à cheval entre le strict film scientifique et le geste poétique libre, entre la vaste échelle de l’expérience humaine et l’intimité de nos regards intérieurs.

Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival Visions du Réel 2026

admin — Fri, 24 Apr 2026 18:59:06 +0000

La nouvelle édition du Festival Visions du Réel, manifestation dédiée aux documentaires, s’achève ce weekend à Nyon en Suisse. Cette édition est à suivre sur Le Polyester. Son palmarès a été dévoilé.

Le Grand Prix de la compétition internationale est allé à From Dawn to Dawn de Xisi Sofia Ye Chen. L’histoire : A Wen, 38 ans, homme d’affaires et père de famille à Barcelone, est aussi le frère de la cinéaste. À l’image des films de gangster qu’ils regardaient enfants sur VHS, il a été mêlé jeune à laux gangs de la diaspora chinoise en Espagne.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

From Dawn to Dawn

Compétition internationale

Grand Prix : From Dawn to Dawn, Xisi Sofia Ye Chen (Espagne)
Prix spécial du jury : A Fire There, Marlene Edoyan (Canada)
Mention spéciale : Djeliya, mémoire du Mandé, Boubacar Sangaré (Burkina Faso)

Alea Jacarandas

Compétition Burning Lights

Prix du jury : Alea Jacarandas, Hassen Ferhani (Algérie)
Prix spécial du jury : Baby Jackfruit Baby Guava, Nông Nhât Quang (Vietnam)
Mentions spéciales : The Case Against Space, Graeme Arnfield (États-Unis) & The Illusion of Quiet Night, Olga Chernyk (Ukraine)

Nicole Nicole

Compétition nationale

Prix du jury : Nicole Nicole, Lauren Dällenbach
Prix spécial du jury : What Comes From Sitting in Silence, Sophie Schrago
Mention spéciale : Der Runde Tisch, Juliette Menthonnex & Benjamin Bucher

Ici, ailleurs

Compétition courts et moyens métrages

Prix du jury – moyen métrage : Ici, ailleurs, Comes Chahbazian (Arménie)
Prix du jury – court métrage : Visite guidée, Alba Jaramillo
Mention spéciale : Sawyer Avenue, Sunday Afternoon, Bill Morrison
Prix spécial du jury jeunes – moyen métrage : The Building Site, Tiziano Locci & Tito Puglielli
Prix spécial du jury jeunes – court métrage : Memories of a Window, Amin Pakparvar & Mehraneh Salimian

Le site du festival

Gregory Coutaut

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Festival Visions du Réel | Critique : Memory

admin — Fri, 24 Apr 2026 02:58:42 +0000

Vladlena, six ans, déménage de Crimée à Grozny suite au divorce de ses parents, sans savoir que la guerre va bientôt consumer son enfance. Alors que l’Union soviétique s’effondre, la République tchétchène se fracture.

Memory
France/Pays-Bas, 2025
De Vladlena Sandu

Durée : 1h38

Sortie : –

Note :

SOUVENIRS CHIFFONNÉS

Présenté en ouverture de la section Giornate degli autori à la Mostra de Venise, Memory est un film sacrément hybride qui n’en fait qu’à sa tête. Tout commence pourtant paradoxalement par un cliché : la caméra filme une femme dans la rue, l’image se fige et la voix off de la réalisatrice (puisqu’il s’agit d’elle-même à l’image) nous invite à écouter son histoire. L’impression de déjà-vu face à cette introduction est très vite balayée par la suite qui, pour le coup, n’a rien de familier. Memory est un récit autobiographique et historique à la première personne. Est-ce à dire qu’il s’agit strictement d’un documentaire ? Oui et non, car le film fourmille d’idées et d’outils narratifs.

La cinéaste Vladlena Sandu raconte son enfance et la vie de sa famille en Tchétchénie, du temps de l’Union soviétique mais aussi dans la guerre ayant suivi la dissolution de 1991. A l’exception de quelques photos d’archives parsemées avec discrétion, aucune image de Memory ne ressemble pourtant à un documentaire sur la guerre. Le mot anglais memory signifie bien sûr mémoire, mais le ludisme visuel ici à l’œuvre nous rappelle également le jeu enfantin du même nom, à base de vignette colorées. Vladlena Sandu bâtit en effet son film comme une succession de brefs tableaux bricolés, à la fois chatoyants ou symétriques, mettant en scène des marionnettes ou une fillette vêtue d’une robe traditionnelle d’un autre âge.

La voix off de la cinéaste égrène les souvenirs tragiques ou tendres avec une absence de variation de rythme ou de ton qui peut rendre l’écoute paradoxalement monotone sur la longueur. Cela est vivement rééquilibré par l’inventivité formelle du film qui est capable de passer du diorama au clip musical en un clin d’oeil vertigineux. Memory pose de bonnes questions sur la représentation, sur la mémoire, sur le trauma, sur la violence héritée, mais évite les clichés du récit « à hauteur d’enfant ». C’est un film qui trouve sa force dans la dimension dramatique très sombre des faits évoqués, mais dans cet espace-là, Vladlena Sandu parvient à nous laisser un espace en usant intelligemment de mille et un moyens pour raconter, suggérer et illustrer de manière inventive.

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par Gregory Coutaut

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Festival Visions du Réel | Critique : Ghost Town

admin — Thu, 23 Apr 2026 19:02:31 +0000

Les fantômes sont partout à Kamaishi. Cette petite cité côtière a été dévastée par le tsunami en 2011 et les habitant·e·s qui ont choisi de rester sont hanté·e·s par le drame. Parés de caméras, les taxis de la ville se transforment en confessionnaux mobiles où, au cours d’une nuit, il est possible de rencontrer les vivant·e·s et les fantômes qui peuplent leur quotidien.

Ghost Town
Royaume-Uni, 2026
De Katharine Round

Durée : 1h02

Sortie : –

Note :

REPRENDRE SES ESPRITS

Plus d’un millier de personnes ont disparu à Kamaishi lors du séisme puis du tsunami en 2011. Disparu, et pourtant toujours là : leur absence est notable dans la ville, mais les histoires de fantômes s’enchainent dans les taxis où se déroule le long métrage de la Britannique Katharine Round, dévoilé en première mondiale au Festival Visions du Réel. On raconte des récits de fantômes serrés dans une cabine téléphonique, des voix qui semblent venir d’une voiture pourtant vide, des âmes flottantes qui brillent dans l’eau, ou de fantômes qui peuplent les rêves. Réelles ou fantasmées, les apparitions entretiennent le lien du souvenir et le lien avec les mort.es.

Le dispositif simple mis en place par la cinéaste (des taxis, une caméra, un échange entre client.e et chauffeur) permet une multitude de récits et expériences. La tête sur la dentelle délicate des taxis japonais, on se confie sur tout ou sur rien, on se pose aussi des questions existentielles. Les biches qui se promènent parmi les tombes sont-elles des messagères de Dieu, ou des réincarnations ? On assiste parfois à des témoignages de rescapé.es, et à leurs souvenirs parfois triviaux (j’ai oublié mon plat dans le freezer), parfois terrifiants. L’alerte tsunami retentit, ce n’est qu’un test, mais elle résonne comme un écho à la catastrophe d’hier.

Kamaishi est largement filmée dans la nuit. Un soin particulier est apporté à la lumière dans ce film nocturne. Quelques rayons dans une ville transformée, quittée en masse par ses jeunes. « Tout a changé, c’est une ville fantôme », entend-on dès le début de court film (1h02). Plus tard, en un cut un peu brutal, la passagère d’un taxi disparaît, filmée elle aussi, consciemment ou inconsciemment, comme un fantôme de passage. Katharine Round examine avec délicatesse le recueillement spirituel, la tristesse et la consolation aussi. Et donne à voir, comme dans les derniers instants émouvants du film, un décor désormais paisible, et ce qu’il porte en lui d’invisible.

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par Nicolas Bardot

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Festival Visions du Réel | Critique : The Illusion of a Quiet Night

admin — Tue, 21 Apr 2026 17:50:11 +0000

Tourné pendant une nuit de juillet 2025 par quarante cinéastes et des centaines de citoyen·ne·s, The Illusion of a Quiet Night dresse un vaste portrait collectif de l’Ukraine en guerre. Entre peurs et épuisement, moments de joie et scènes du quotidien, on y saisit la vie qui continue malgré tout, ainsi que la résilience d’une nation face à l’incertitude.

The Illusion of a Quiet Night
Ukraine, 2026
De Olga Chernykh

Durée : 1h10

Sortie : –

Note :

LA NUIT NOUS APPARTIENT

Une quarantaine de personnes sont créditées à la photographie de The Illusion of a Quiet Night (dévoilé en compétition au Festival Visions du Réel) : c’est là l’ambitieux dispositif mis en place par la réalisatrice ukrainienne Olga Chernykh dont le documentaire a été filmé dans une soixantaine de lieux différents à travers le pays, tout cela en une nuit, en juillet 2025. C’est un portrait choral de la guerre au quotidien, un puzzle où chacune et chacun apporte sa propre pièce dans un film étonnamment homogène. La diversité des points de vue se réunit en effet dans une unité des expériences.

On y voit des visages fatigués dans un train, ou au contraire des corps qui s’agitent joyeusement dans un club. Une femme qui s’apprête à accoucher, tandis que plus tard on évoque le souvenir de ceux qui sont morts avant qu’on ne commence à filmer. A la maison, les souvenirs joyeux racontés à table, et sur le front, des soldats qui investissent une maison abandonnée et désormais digne du Projet Blair Witch. Ce qui se passe devrait être exceptionnel, mais tout cela au fil des années est devenu presque non-événementiel. Le choix d’une unité de temps offre une tonalité particulière à The Illusion of a Quiet Night, a fortiori la nuit où tout est plus sensible, où l’attention est particulière, où tout est différent (un orage sur la nature, des portraits de disparu.es qui s’accumulent).

La nuit est tombée sur l’Ukraine mais le jour finit par se lever. Sur un troupeau de moutons, sur les ruches, sur les stations de métro où les personnes se sont réfugiées et dont elles repartent comme si de rien n’était. Le lendemain : des civils, des soldats abimés, des animaux, des enfants. Les géraniums rouges ont éclos au balcon. La nuit permet de prendre un pouls plus tranquille, avant que de jour les cœurs ne battent plus fort. La nuit, comme le rappelle le carton final, est le moment privilégié des attaques russes sur les infrastructures civiles et les populations. Si les drames ne sont pas au premier plan lors du film, celui-ci rappelle néanmoins que le seul mois de juillet 2025 a connu 300 mort.es supplémentaires, un nombre probablement sous-estimé. Parmi les très nombreux documentaires de la guerre en Ukraine, The Illusion of a Quiet Night parvient à trouver sa propre voix tout en en ayant des dizaines.

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par Nicolas Bardot

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Festival Visions du Réel | Critique : Forêt ivre

admin — Tue, 21 Apr 2026 00:26:17 +0000

Dans les Alpes du nord, Anne, Hélène et Suzanne se relaient pour garder un refuge. Au fil des saisons, des randonneurs, femmes et hommes viennent et repartent. Des histoires naissent et se défont les laissant chacune face au silence.

Forêt ivre
Belgique/France, 2026
De Manon Coubia

Durée : 1h42

Sortie : –

Note :

L’IVRESSE DES SOMMETS

Quel joli chalet, se dit-on en découvrant le lieu où s’apprête à se dérouler Forêt ivre. Le film ne tarde non pas à nous contredire, mais plutôt à préciser son désir de réel. Ici, on n’est pas dans un hôtel cosy mais dans un refuge, un lieu avant tout fonctionnel et modeste. Les voyageurs y sont les bienvenus, mais le confort est limité. Les femmes bénévoles veillant à son fonctionnement ont beau être aimables, elles ne sont pas à votre service et si vous n’avez pas chargé votre téléphone, « il fallait y penser avant ». Réaliste, Forêt ivre l’est à plus d’un titre. D’abord en documentant avec attention les faits et gestes nécessaire à l’entretien et la préparation de ce refuge, mais aussi tout simplement par sa manière de filmer le décor environnant. Ici la montagne n’est pas pomponnée pour une brochure touristique, elle est souvent plongée dans la pénombre et le film avec, nous laissant tout le plaisir d’être accompagné par le bruit du vent, de la pluie ou de la neige.

Mais Forêt ivre est-il un film si réaliste que ça ? Certes la réalisatrice française Manon Coubia s’est directement inspirée de ses dix années consécutives de travail de bénévole, mais on ne peut pas dire qu’elle compose ici un simple cinéma social. De la même manière que l’image laisse une place notable à la demi obscurité, le film dans son ensemble laisse une place précieuse au vide, à l’invisible, à commencer par le lien (si tant est qu’il existe) reliant les trois contes qui le composent. Il n’y a en effet qu’un lieu unique dans Forêt ivre, mais bel et bien trois récits distincts ayant chacun sa propre héroïne. Trois femmes venant travailler et accueillir les visiteurs de passage, à être traversées par leurs rencontres, leurs échanges, leurs chimères.

« Tu ne partiras jamais d’ici » annonce-t-on à l’une d’entre elles au moment où elle s’apprête pourtant à terminer sa saison. Loin d’être une menace, la phrase se veut avenante comme une invitation à revenir. Mais la précieuse douceur du regard de Manon Coubia n’est pas naïve et aux côté de la chaleur humaine qui traverse ce lieu de passage, la cinéaste dépeint aussi un étrange envers : l’envoûtante solitude qui s’empare des résidentes de ce châlet posé au bord du monde. Ces trois femmes ne sont ni des guides de montagne expertes ni des super héroïnes mais elles finissent par avoir l’air aussi mystérieuses et fiables à la fois que cette étonnante croix sculptée à même la montagne. A force d’étonnantes ellipses où le temps parait se figer ou disparaître, Forêt ivre finit par ressembler à un élégant film de fantômes, une oeuvre qui invite à la contemplation rare d’un monde invisible.

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par Gregory Coutaut

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Festival Visions du Réel | Critique : Heat

admin — Mon, 20 Apr 2026 16:47:21 +0000

Après avoir imaginé un futur proche dans lequel le changement climatique bouleverse les vies et les relations humaines dans Don’t Let the Sun, Zünd recherche la même dystopie dans le monde réel. Elle la trouve dans les pays du Golfe : là-bas, les températures peuvent dépasser 50°C et la société est divisée entre quelques privilégié·e·s, à même de se protéger, et les migrant·e·s qui n’ont d’autre choix que de supporter la chaleur pour survivre.

Heat
Suisse, 2026
De Jacqueline Zünd

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

C’EST CHAUD

L’an dernier, la documentariste suisse Jacqueline Zünd présentait au Festival de Locarno son tout premier film de fiction, Don’t Let the Sun. Un récit d’anticipation minimaliste situé dans une ville dont les habitants accablés de chaleur ne peuvent vivre que la nuit. Heat, son nouveau long métrage, est un retour à la forme documentaire (le film fait d’ailleurs sa première mondiale en compétition à Visions du réel) et pourtant il semble reprendre les choses exactement là où Don’t Let the Sun les avaient laissées.

Point d’imagination futuriste ici, nous sommes en pleine réalité, dans ces nouvelles villes artificielles et milliardaires ayant artificiellement poussé en plein milieu du désert inhospitalier des pays arabes. Pourtant, la chaleur est là aussi aux portes de l’insupportable, et pousse les résidents à l’adaptation mais aussi à un isolement nocturne. Jacqueline Zünd suit ici une poignée de personnages aux profils divers, qui s’expriment chacun leur tour par une voix off discrète. Elle les observe dans un quotidien dont les gestes banals ne font pas oublier la profonde absurdité du décor : bar pour touristes entièrement construit en glace, piscines à remplir de glaçons livrés par camions entiers, etc.

Ce monde-là, la réalisatrice le filme comme un gigantesque complexe urbain dépeuplé. Elle n’a besoin de nulle exagération pour le transformer en maquette de science fiction à grande échelle. Aucun portrait ne se croise dans cette mosaïque sans interactions, et la solitude qui crève l’écran vient remplir ces décors d’une élégante solitude dans les scènes de jour comme de nuit. La beauté lumineuse de ces images menace parfois de rendre Heat un peu trop lisse, mais Zünd parvient à rééquilibrer sans naïveté. Après tout, la toute première phrase prononcée dans le film est « Quand je suis arrivée à Dubaï, je me suis demandé si j’étais arrivée en enfer », et plus tard, le mot torture est utilisé sans fard pour décrire les conditions de travail des immigrés. Film de contemplation poétique davantage que d’analyse sociologique, Heat ressemble néanmoins moins à un documentaire classique qu’à une bulle de science fiction douce-amère.

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par Gregory Coutaut

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Festival Visions du Réel | Critique : Comme un château fort

admin — Sun, 19 Apr 2026 15:49:35 +0000

Après la disparition soudaine de son compagnon lors d’un été en Corse, Lou Colpé revient à Durnal. Leur maison, lieu tangible de l’absence, se mue en sanctuaire. Tout y devient trésor et rituel. Elle y filme ce qui se réinvente chaque jour : sa survie.

Comme un château fort
Belgique, 2026
De Lou Colpé

Durée : 1h23

Sortie : –

Note :

AU FOYER

Tout débute par une fête. A moins que tout ne commence en réalité par un décès. La maison où la cinéaste belge Lou Colpé situe son film a l’air prête à accueillir à la fois des fêtes entre amis et une paisible solitude estivale, mais quelque chose cloche d’entrée de jeu. Les images de la soirée arrosée qui ouvrent le film n’ont pas de son (Colpé avoue que dans l’euphorie du moment, elle a oublié d’allumer le micro), il n’y a qu’un grand silence qui enveloppe cette bande d’amis. Le film ne fait pas longtemps mystère du drame à son origine. Colpé a hérité de cette maison familiale avec son compagnon, puis celui-ci est décédé. Contre l’avis de son entourage, elle décide de réinvestir cette maison, leur maison, et d’en faire un film.

Comme un château fort est donc littéralement un home movie, un film fait maison, sans matériel professionnel qui vienne rouler des mécaniques. Les images sont brutes, mais le sentiment d’immersion est doux, et l’exercice thérapeutique est humble. Dans sa forme, le film demeure d’une facture très modeste, mais cela ne veut pas dire que la réalisatrice manque d’idées. Passée cette étonnante scène d’introduction, le film fait en effet preuve d’un sens du décalage intrigant sur le rôle du silence dans le quotidien de la réalisatrice. Quelques scènes de fêtes où l’on chante des tubes sentimentaux viennent s’intercaler dans un catalogue de gestes quotidiens et solitaires où pas un mot ou presque n’est prononcé.

A l’inverse, la réalisatrice superpose des listes écrites directement sur l’image. Des listes de cadeaux reçus à l’enterrement, des choses qui la consolent, des maladresses entendues dans son entourage, etc. La seule voix entendue est celle des messages laissés sur répondeur par une amie dispensant ses chaleureux conseils depuis l’autre bout du monde où elle voyage. Isolée, le visage fatigué, Colpé ne se filme certainement pas comme une superhéroïne du deuil, mais à travers ce va-et-vient perpétuel entre chaleur et abattement, entre texte et image, entre l’espace domestique et le hors-champ, son film prend dans ses meilleurs moment la forme d’un possible mode d’emploi. Cette dynamique s’épuise à vrai dire à l’approche d’un dernier acte où la parole de Colpé se libère de manière plus directe, mais Comme un château fort conserve jusqu’au bout sa dimension attachante.

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par Gregory Coutaut

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Festival Visions du Réel | Critique : Magilligan

admin — Sun, 19 Apr 2026 14:37:06 +0000

Entre les murs trop familiers de la prison et la maison de sa mère, Ryan lutte contre lui-même — trouvant une échappatoire en gardant des moutons dans un programme correctionnel, au milieu des champs verdoyants d’Irlande du Nord

Magilligan
Irlande du Nord, 2026
De Ross McClean

Durée : 1h13

Sortie : –

Note :

MOUTON NOIR

Premier plan de Magilligan : Ryan prend tendrement soin de moutons. Ce pourrait être un tableau bucolique, mais la réalité de ce premier long métrage réalisé par le Nord-Irlandais Ross McClean est plus complexe. Ce documentaire, dévoilé en première mondiale dans la compétition du Festival Visions du Réel, ne se déroule pas vraiment dans une ferme, mais aux abords d’une prison dans laquelle Ryan est incarcéré. Au fermier/berger du début du film succèdent des gaillards emprisonnés dans des cellules aux murs desquels des posters de bagnoles, de meufs en bikinis ou du film Les Affranchis sont accrochés.

Ross McClean avait déjà filmé son protagoniste dans un précédent court métrage. Dans ce long, le cinéaste poursuit le chemin et celui-ci peut être répétitif et tortueux : Ryan liste en effet les différents membres de sa famille qui ont atterri en prison, et sa trajectoire à lui n’est pas non plus une ligne droite ou ascendante. A travers Ryan, Ross McClean examine le déterminisme social, les cercles répétés, la façon dont ils se brisent pour se former à nouveau. « La prison est dans mon ADN », analyse, mi-lucide mi-défait, le personnage principal. Entre deux câlins adressés à des petites chèvres.

Magilligan n’a pas la malhonnêteté intellectuelle de mettre en scène une réinsertion magique après la prison, dans un contexte de récidive fort. Les photos de famille montrent le garçon avant le bad boy en prison, et les enseignements brutaux du père racontent aussi un contexte social. Celui-ci d’une Irlande du Nord où l’on se sent enfermé dedans comme enfermé dehors. Le climat grisâtre et nuageux, pluvieux et morose du pays et de son quotidien. Ross McClean signe un portrait nuancé et concis qui pose de bonnes questions et n’aplatit jamais les situations par des réponses faciles.

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par Nicolas Bardot

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Festival Visions du Réel | Critique : Whispers in May

admin — Sat, 18 Apr 2026 03:56:41 +0000

Qihuo a un secret : elle vient d’avoir ses premières menstruations. Cela marque l’arrivée de la cérémonie du « changement de jupe », un rituel traditionnel de passage à l’âge adulte, qui signifie qu’elle n’est plus une enfant, mais une femme liée aux exigences communautaires du mariage et du travail.

Whispers in May
Hong-Kong, 2026
De Dongnan Chen

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

LE GRONDEMENT DE LA MONTAGNE

C’est le quotidien simple d’une adolescente que l’on peut voir dans Whispers in May. La nature, dans cette région montagneuse et isolée au cœur de la Chine, est spectaculaire. Les jours, eux, sont un peu plus banals pour Qihuo (14 ans) et ses amies. Il y a bien les rires lorsque les filles se courent après dans l’épaisse végétation, il y a le frisson de pénétrer la nuit dans un grand bâtiment vraisemblablement abandonné, il y a plein de jeux et de discussions d’enfants. Et puis Qihuo a ses premières règles, ce qui signifie que l’adolescente n’est plus complètement une enfant.

A vrai dire, le quotidien de Qihuo ne ressemble déjà plus vraiment à celui d’une enfant comme les autres. Sa mère n’apparaît jamais à l’image, on n’entend que la voix de cette dernière au téléphone, elle qui est partie au loin pour travailler. Qihuo doit se débrouiller, et quand elle n’a plus à manger, sa mère lui rétorque… de bien penser à se coiffer correctement. Sans parents à l’image, le film laisse une place aussi généreuse que chaleureuse à l’amitié et ici l’amitié féminine. Dans ce monde qui ne fait pas de cadeau, les filles conservent entre elles leur part d’enfance. La réalisatrice chinoise Dongnan Chen commente : « il ne s’agit pas de devenir, mais d’être autorisée à rester dans l’enfance et à demeurer dans cet espace fragile tandis que la vie continue avec toute sa cruauté et sa beauté ».

Et la vie continue donc, même si elle semble obéir à des cycles qui ne laissent que peu de place aux aspirations personnelles. Selon les règles de la communauté, qui dit menstruations dit âge adulte, qui dit âge adulte dit mariage, et l’on songe, dès le plus jeune âge, à ce en quoi on se transformera une fois mortes. Voilà ce que les jeunes filles pensent, voilà ce qu’on leur enseigne, voilà même ce que leur assure un voyant. Mais dans la brume de tous les jours qui tombe sur les montagnes, il y a peut-être davantage de mystères et d’imprévus.

Dévoilé en compétition au Festival CPH:DOX, le long métrage est rythmé par des contes qui apparaissent à l’écran, et qui semblent fonctionner comme des reflets cassés, des analogies plus ou moins proches : des histoires de familles, de sœurs, confrontées à des créatures effrayantes. Des contes violents et sauvages comme autant de récits initiatiques pour préparer les gamines à la vie, tandis qu’un vieux bonhomme rencontré lors de leurs pérégrinations leur parle des monstres qui habiteraient les bois. Le film est rehaussé par le regard très délicat et la beauté de la mise en scène de Dongnan Chen.

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par Nicolas Bardot

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