Berlinale - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Une aube nouvelle

admin — Wed, 12 Aug 2026 11:25:00 +0000

L’usine de la famille Obinata, spécialisée dans les feux d’artifice, est sur le point d’être fermée administrativement. Autrefois nichée au cœur d’une forêt verdoyante, le site est désormais recouvert de panneaux solaires, et une route départementale doit bientôt traverser l’emplacement de l’usine. Depuis quatre ans, Keitaro s’est enfermé dans cette usine désaffectée, où il fabrique seul des feux d’artifice. Il est obsédé par le mystère du shuhari, un feu d’artifice fantôme censé représenter l’univers, que son père avait créé juste avant de disparaître. Avant la confiscation de l’usine, Keitaro est déterminé à lancer le shuhari de son père. Hanté par ses souvenirs, il fait appel à son frère Chicchi et à son amie d’enfance Kaoru pour faire éclater Une Aube Nouvelle.

Une aube nouvelle
Japon, 2026
De Yoshitoshi Shinomiya

Durée : 1h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

HAUT EN COULEUR

Le nom du Japonais Yoshitoshi Shinomiya n’est pas connu du grand public français mais celui-ci a, ces dernières années, collaboré avec des compatriotes tels que Makoto Shinkai (Your Name.) ou Sunao Katabuchi (Dans un recoin de ce monde). Une aube nouvelle est dévoilé dans la compétition de la Berlinale, qui n’a plus été remportée par un film d’animation depuis… Le Voyage de Chihiro, en 2002. Des anime comme le flamboyant Suzume de Shinkai ont aussi concouru pour l’Ours d’or récemment. L’inclusion de Shinomiya à un tel niveau permet, de ce côté du monde, d’élargir un peu plus la reconnaissance du riche cinéma d’animation japonais, trop souvent réduit aux merveilles de Ghibli.

De fait, Yoshitoshi Shinomiya fait montre d’énormément de personnalité avec ce long métrage. Shinomiya est peintre de formation, et cela peut se ressentir dans sa conception singulière de l’animation d’Une aube nouvelle. Le long métrage se déroule dans une nature luxuriante qui nourrit largement l’atmosphère du film. Outre le dynamisme de la mise en scène, du découpage aux mouvements de caméra, Une aube nouvelle se distingue par le surprenant dynamisme de ses décors. Ceux-ci sont tout en reflets mouvants, avec une surprenante utilisation du flou, apportant une véritable densité émotionnelle au récit. Le film brille également par son utilisation très élégante des couleurs (dégradés de verts et de jaunes exquis) avec des parti-pris aussi étonnants que payants (un incendie dépeint avec du bleu et du rose pâle).

Bien que le récit d’Une aube nouvelle soit relativement minimaliste, déployé sur seulement 1h16, celui-ci nous a semblé assez confus, manquant en tout cas de fluidité. Cela peut sembler étrange sur une telle miniature, mais Shinomiya le styliste nous a paru bien plus à l’aise que Shinomiya le scénariste. Le point faible le plus voyant se situe probablement dans les dialogues, plus laborieux les uns que les autres.

Il y a heureusement beaucoup de poésie pour compenser ces faiblesses. Ce sont des fulgurances comme les différents styles d’animation qui s’entrechoquent, à l’image d’un virage en stop-motion réalisé par une équipe française. Ces différentes textures donnent davantage de corps à ce long métrage qui est un bonheur pour les yeux. Dans le monde de jeunes gens sans adultes d’Une aube nouvelle, il y a aussi la poésie d’un geste artistique aussi gratuit qu’éphémère, avec ses protagonistes préparant un feu d’artifice mémorable. La beauté à la fois simple et extraordinaire de cette explosion chromatique : voilà ce que proposent les héros du film, et le cinéaste à son public.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Critique : Une aube nouvelle est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Chicas tristes

admin — Wed, 12 Aug 2026 11:20:51 +0000

La Maestra et Paula, deux amies inséparables, sont les meilleures nageuses de leur équipe. Jusqu’à ce qu’un terrible incident, survenu au cours d’une soirée, les oblige à choisir entre garder le silence et prendre la parole, quitte à mettre leur amitié à rude épreuve…

Chicas tristes
Mexique, 2026
De Fernanda Tovar

Durée : 1h30

Sortie : 12/08/2026

Note :

UN APPÉTIT DE BONHEUR

Paula et Maestra font partie de la même équipe de natation, suivant un entraînement rigoureux où le seul mot qui leur est adressé par leur coach est « en place ». L’ambition de bien faire n’empêche pas les deux meilleures amies de prendre la vie à la rigolade. Leurs chambres pleines de peluches et les silhouettes merveilleuses qu’elles dessinent à la craie sur le trottoir ne sont pas là pour sous-entendre qu’elles ne sont pas pleinement sorties de l’enfance mais plutôt qu’elles n’ont pas perdu leur appétit de bonheur. Le plongeon dans le grand bain de l’âge adulte ne leur fait pas peur, mais comme le montrent les toutes premières images de Chicas tristes, où le titre mélancolique s’écrit dans une typo rose, il n’y a que quelques nuages dans le ciel bleu au-dessus de ces héroïnes.

Lorsque survient l’accident, ce n’est pas le choc qui les saisit mais d’abord un doute. Paula s’interroge : le rapport sexuel ambigu qu’elle a eu avec Daniel lors d’une fête était-il une agression ou non ? Comme à chaque fois qu’il faut apprendre quelque chose (un cours, une chorégraphie), les deux jeunes filles se tournent vers internet, mais quel espace y a-t-il dans leur vie pour analyser ce qui s’est passé et savoir comment réagir ? Leur amitié demeure forte dans l’épreuve mais chacune se retrouve bouleversée à sa façon : Paula la discrète s’enferme peu à peu dans une résignation silencieuse, la joviale La Maestra sent au contraire monter la colère en elle. « Je ne ressens rien » affirme l’une. « C’est impossible » répond l’autre.

Autour de ce sujet dramatique, la cinéaste mexicaine Fernanda Tovar bâtit un film particulièrement dynamique. C’est d’abord un travail d’écriture : les scènes sont brèves et les ellipses permettent d’éviter intelligemment les clichés, et les personnages masculins comme féminins (tous portés par des interprètes convaincants) sont particulièrement nuancés. Au point que Chicas tristes n’est d’ailleurs pas entièrement dénué de piquant, en tout cas dans sa première moitié, et l’impossibilité pour La Maestra de garder sa langue dans sa poche est d’abord un gag sympathique. Mais même lorsque le ciel s’assombrit pour les héroïnes seules face à l’injustice, le film conserve son superbe emballage visuel, fait de reflets chatoyants et de couleurs pop comme un cahier d’enfant. Doux-amer, Chicas tristes est une réussite à la fois subtile et électrique, qui a remporté le Grand Prix de la section Génération de la Berlinale.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Chicas tristes est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Home Stories

admin — Tue, 28 Jul 2026 18:45:51 +0000

Léa a 16 ans, un petit frère, une grande amie, des parents récemment divorcés, et une tante qu’elle admire. Au cœur des forêts majestueuses de l’ex-Allemagne de l’Est, ses grands-parents gèrent un hôtel au passé glorieux aujourd’hui menacé par la faillite. Dans cette famille, chacun cherche sa place et son horizon. Léa, elle, a un talent pour le chant, et se prépare à participer à une émission de téléréalité.

Home Stories
Allemagne, 2026
De Eva Trobisch

Durée : 1h56

Sortie : 29/07/2026

Note :

PERSONNAGES EN QUÊTE D’AUTEUR

Quelle chance! Lea vient d’être retenue aux auditions pour participer à son émission de télé réalité musicale favorite. Elle est contente, papi et mamie sont contents, papa et maman ont l’air contents aussi (même si papa a inscrit Lea dans le dos de maman – premier caillou dans la chaussure de cette sucess story amère) et même le principal de l’école est content. Dès lors, pourquoi a-t-on l’impression nerveuse que rien ne fonctionne comme sur des roulettes ? Pourquoi Home Stories s’ouvre-t-il sur une scène où des personnages se retrouvent face à la tâche herculéenne de pousser à mains nues un cheval à l’agonie ?

La réalisatrice allemande Eva Trobisch continue de ne pas suivre du tout le chemin attendu depuis sa révélation en 2019 avec Comme si de rien n’était, et quelque part tant mieux. Après ce stupéfiant coup d’éclat au sujet féministe fort (lauréat du prix du meilleur premier film à Locarno), Trobisch s’est en effet payé le culot de déjouer les attentes avec un deuxième film à la protagoniste très peu aimable (Ivo) et propose aujourd’hui ce Home Stories qui n’a du portrait familial classique que les apparences. Difficile ici de pointer du doigt quel est le sujet du film, le ton employé, où même d’en dire qui en est le protagoniste. Ce ne sont pas des lacunes mais au contraire des chemins de traverse délibérés qui témoignent d’une richesse d’écriture et d’une sacrée personnalité.

L’émission de Lea ne prend finalement pas tant de place dans Home Stories, qui s’intéresse presque autant à la maison d’hôtes tenue par mamie, au château rénové par tata qu’au rabibochage de papa et maman. Le fait que Lea n’a rien d’une vedette même dans son propre film est révélateur. Si elle n’est pas la candidate idéale pour la téléréalité, ce n’est pas qu’une question de talent. Quand on lui demande de se présenter à la caméra et d’expliquer ce qu’il y a de spécial chez elle, elle ne peut que balbutier, incapable de répondre. Le reste de la famille n’est pas idéale non plus, incapable de doser entre l’intime et l’anecdotique au moment de filmer des magnétos face à des interlocuteurs consternés. La famille, ce n’est pas inné. Personne ici ne sait exactement comment tenir le rôle qu’on attend de lui et ça n’a rien à voir avec la présence d’une caméra.

Home Stories est un drame étrange qu’on a parfois l’impression de devoir débroussailler pour en saisir tous les enjeux, mais au-delà du plateau de The Voice, la manière dont Trobisch mène son récit tout en virages traduit mine de rien une vraie ambition philosophique. En effet, les événements vécus par les autres membres de la famille de Léa soulèvent progressivement une même question : à qui appartient l’histoire. L’histoire avec un grand H (mamie peut elle accepter des ex-nazis dans son gite ? Pourquoi tata s’enquiquine-t-elle à rénover le château d’autrui ?) et l’histoire familiale. Léa est souvent mise face à l’exercice de devoir se dépeindre, raconter des souvenirs familiaux et vendre un irrésistible récit. Elle échoue une fois, deux fois, tout le temps, et Home Stories dévoile avec un élégant sens du malaise une famille sans narrateur, où chaque membre réalise la fragilité de son existence qui ne vaut même pas une anecdote. Voilà un film fort curieux, bien plus ambitieux qu’il n’y parait, qui oscille entre l’austère, le grinçant et le vertige existentiel.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Home Stories est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Nightborn

admin — Tue, 21 Jul 2026 03:59:20 +0000

Rêvant de construire une vie de famille paisible, Saga et son mari Jon s’installent dans la maison où elle a passé une grande partie de son enfance, au cœur de la forêt finlandaise. Mais dès la naissance de leur enfant, et malgré un entourage qui se veut rassurant, Saga perçoit chez son bébé quelque chose d’inexplicable et d’inquiétant…

Nightborn
Finlande, 2026
De Hanna Bergholm

Durée : 1h32

Sortie : 22/07/2026

Note :

MAMAN, QUEL EST DONC CE TOURMENT

Des ha ha ha longs et sonores de la part d’un public avide de films d’horreur peuvent presque se faire entendre lors de la première scène de Nightborn, dont les personnages pensent trouver le bonheur… dans une charmante vieille maison perdue au cœur des bois. Mais la Finlandaise Hanna Bergholm (Grand Prix à Gérardmer avec son premier long métrage, Ego) connaît ses classiques et il y a comme un clin d’œil complice dans ce début de film faussement idyllique, où la route vers la maison est de plus en plus étroite. Celle-ci est superbe, mais il y a forcément quelque chose de pourri à l’intérieur.

Et si ce n’était pas dans la maison mais dans la future maman qu’il y a quelque chose de pourri ? Sauf notre respect pour le bébé à venir, celui-ci n’est pas particulièrement mis à son avantage dans Nightborn. Pas un joli bébé Pampers photoshoppé ou un bébé pétunia d’une photo d’Anne Geddes, mais plutôt un authentique monstre doublé d’une petite bête sauvage – bravo à toutes les personnes ayant travaillé sur le son du film qui nous fait partager la pénibilité des pleurs ressentie par les jeunes parents. Quoi de neuf dans le registre du film de maternité en panique et de paranoïa parentale ? Pas grand chose, et c’est notre principale réserve vis-à-vis de Nightborn, qui déroule son programme à la structure assez mécanique et sans grande surprise.

A l’image d’Ego dont la construction assez familière était rafraîchie par un ton surprenant, Hanna Bergholm fait de réguliers détours vers la comédie horrifique sans se limiter à l’horreur tout court. La maternité est une telle perte de repères que tout l’extraordinaire devient ordinaire. Cette inversion fait que tout est comédie : la mignonnerie devenue monstruosité, la poupée devenue menace, le bonheur carte postale devenu grotesque. « Tu as une idée très romancée des gens », dit-on avec esprit entre deux scènes d’explosion de sang. Le film ne fait pas le pari de la subtilité, mais a le mérite d’offrir du spectacle.

Dans Ego, la mère n’était déjà pas un modèle parfait. Dans Nightborn, Saga (incarnée par Seidi Haarla, qui trouve le bon équilibre entre sérieux et comédie) n’est pas parfaite, et comme toute maman imparfaite, tout le monde veut la faire payer. De culpabilisation en gaslighting, ce n’est pas seulement bébé qui lui en veut mais la société entière. Mais si les bois entourent la maison rêvée, ce n’est pas pour rien : peuplés de créatures invisibles, ils portent aussi en eux un pouvoir, quelque chose de sauvage qui peut terroriser comme émanciper les protagonistes. Et comme Ego et son récit d’apprentissage au dénouement grinçant, Nightborn suggère avec joie une ouverture tranquillement subversive.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Critique : Nightborn est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Karlovy Vary | Critique : Papaya

admin — Fri, 10 Jul 2026 10:08:30 +0000

Passionnée par les airs, une minuscule graine de papaye dans la forêt amazonienne doit continuer à bouger pour éviter de s’enraciner. Grâce à sa persévérance, elle découvre la puissance de ses racines, déclenchant une révolution qui transforme son monde et réalise ses rêves de manière inattendue.

Papaya
Brésil, 2025
De Priscilla Kellen

Durée : 1h14

Sortie : –

Note :

C’EST ÇA, ÊTRE DE TOUTES LES COULEURS

Y’a-t-il une couleur de l’arc-en-ciel qui ne figure pas dans Papaya ? Réalisé par la Brésilienne Priscilla Kellen (lire notre entretien) et sélectionné à la Berlinale dans la section Generation dédiée au jeune public, Papaya peut évoquer le très bon souvenir du resplendissant Le Garçon et le monde, réalisé par son compatriote Alê Abreu et sorti chez nous en 2014. Ce nouveau film est produit par Abreu, et parvient encore une fois à créer de l’animation poétique et imaginative qui ne prend pas les enfants pour des idiots.

Papaya est une explosion de couleurs et sa beauté ravissante est déjà à elle seule un spectacle. La cinéaste effectue un habile travail sur les échelles avec ce film entre minimalisme et gigantisme, dont le design est composé de formes géométriques à la fois riches et simples. C’est une avalanche de séduisantes gommettes, dans un film qui rend une certaine forme d’abstraction parfaitement accessible. Papaya est formellement d’une douceur enveloppante mais fait également preuve d’un dynamisme visuel tout à fait efficace.

Avec cette épopée d’un minuscule grain de papaye, Priscilla Kellen signe une fable écologique qui souligne le pouvoir magique et réconfortant de la nature. Sous le regard de la cinéaste, la nature peut ressembler à un décor de science-fiction, et l’on peut se retrouver avalé par la menace d’un monde tout-industriel. Si le film a peut-être un peu de mal à se conclure, il est rehaussé par la qualité de sa bande originale et se sort très correctement du défi représenté par sa narration muette. Tout à fait adorable, Papaya nous semble promis à un succès mérité.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de Karlovy Vary | Critique : Papaya est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Priscilla Kellen

admin — Fri, 10 Jul 2026 10:04:00 +0000

Présenté à la Berlinale et au programme de Karlovy Vary cette semaine, Papaya raconte l’épopée d’une graine de papaye dans la forêt amazonienne. La Brésilienne Priscilla Kellen signe une fable écologique visuellement resplendissante, produite par son compatriote Alê Abreu (Le Garçon et le monde). Elle nous en dit davantage sur ce film d’animation aussi spectaculaire que ravissant.

**Pouvez-vous nous parler de votre approche d’une animation à la fois minimaliste et géométrique, mais aussi très riche et spectaculaire dans Papaya ?**

Avant même de commencer le développement de Papaya, pendant mes études de fin d’études et plus tard en tant que graphiste, j’avais l’habitude de collecter toutes sortes de références visuelles, comme des papiers cadeaux spéciaux, de l’art abstrait géométrique, des motifs ethniques dans l’artisanat, des tissus vintage, des étiquettes de tous les jours, des livres pour enfants, des choses que je trouvais jolies. En travaillant comme illustratrice de contenu pour enfants, j’ai réalisé que la plupart des dessins destinés à ce public étaient trop descriptifs. J’ai senti que les bébés et les enfants méritaient d’être en contact avec des représentations graphiques moins littérales, plus abstraites, laissant plus de place à leur perception visuelle pour « combler les lacunes », dans le respect de leur imagination en développement.

J’ai cherché des moyens d’appliquer un peu d’abstraction et de géométrie à mon travail, en m’exerçant notamment sur les collages. Lorsque j’ai commencé à créer l’histoire de Papaya, j’ai élargi cette recherche imagée aux artisanats des régions d’origine du fruit de la papaye (Amérique centrale, sud de l’Amérique du Nord et région amazonienne d’Amérique du Sud), où j’ai découvert des motifs de design incroyablement colorés et beaux.

Comment avez-vous travaillé sur cette narration dépourvue de dialogues ?

Je voulais raconter l’histoire de Papaya de manière sensorielle, pour la rapprocher de la façon dont les bébés et les jeunes enfants découvrent le monde qui les entoure. La décision de créer une histoire totalement non verbale, sans narrateur ni dialogue, est survenue au cours du développement, lorsque j’ai structuré le scénario à travers une description détaillée des situations, des actions basées sur le langage corporel et les expressions faciales. J’ai également pris des notes sur les éléments sonores et les sensations environnementales qui seraient importantes pour faire avancer l’intrigue. L’étape suivante a été de croquer les scènes dans un storyboard, et de créer un animatique (une sorte de croquis vidéo) où l’histoire continuait d’évoluer dans le temps.

La musique joue un rôle important dans l’atmosphère de votre film. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet élément en particulier ?

Lors de la réalisation de l’« animatique », des sons et de la musique de référence ont été ajoutés, marquant les atmosphères et les points culminants. Avec la partie visuelle du film presque finalisée, Talita Del Collado, la directrice musicale, l’a regardée et a proposé une réinterprétation profonde de ces références, créant une bande originale pour Papaya à travers un processus artisanal de plusieurs mois. Elle a développé des éléments musicaux inspirés des sons de la nature et, à partir de ceux-ci, a composé les thèmes musicaux principaux inspirés de la musique populaire brésilienne de différentes régions, contextualisant également culturellement l’environnement de Papaya. En dialogue avec les compositions de Talita, l’équipe du studio Submarino Fantástico a créé et monté les effets sonores et les réactions des voix (dirigées par la doubleuse Melissa Garcia). Enfin, la chanteuse brésilienne Tulipa Ruiz, qui prête sa voix à la fois douce-amère et puissante au personnage de « Mère-Arbre » dans le film, interprète également la chanson finale, Borboleta, composée par son père Luiz Chagas et produite par son frère Gustavo Chagas.

Y a-t-il une couleur au monde qui ne soit pas dans votre film ?

Hahahah ! Quelle question pleine d’esprit ! J’ai essayé d’utiliser autant de couleurs que possible. En tant qu’enfant qui aimait visiter le magasin de fournitures artistiques, rêvant simplement d’avoir toutes ces crayons de couleur, peintures et crayons de cire, j’ai l’impression d’avoir pris ma revanche.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Pour être complètement honnête, je ne suis pas une grande cinéphile. Encore moins depuis que je suis devenue mère, car je n’ai plus beaucoup de temps pour regarder des films. Cela dit, ma vision cinématographique est certainement influencée par les films du Cinema Novo brésilien et les animations du Studio Ghibli, Michel Ocelot, Marjane Satrapi, ainsi que d’autres cinéastes acclamé•es des années 90 et 2000 tels qu’Anna Muylaert, Lais Bodanzky, Pedro Almodóvar, Spike Jonze, Jean-Pierre Jeunet, Danny Boyle, Michel Gondry, Lars Von Trier, et par les clips musicaux d’artistes comme Björk, Air et Daft Punk, mais je me suis également toujours inspirée d’artistes d’autres domaines, tels que des artistes visuels comme Beatriz Milhazes, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Burle Marx et bien d’autres artistes contemporains moins connus.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 11 février 2026. Merci à Barbara Van Lombeek.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Priscilla Kellen est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Karlovy Vary | Critique : My Wife Cries

admin — Fri, 10 Jul 2026 07:15:10 +0000

Un homme apprend que sa femme avait un amant depuis un certain temps et que celui-ci est mort dans un accident. Leur relation est sur le point de se terminer. Dans l’isolement d’un bungalow vide à la périphérie de la ville, ils tentent de s’ouvrir l’un à l’autre sans réserve lors de conversations.

My Wife Cries
Allemagne, 2026
De Angela Schanelec

Durée : 1h33

Sortie : –

Note :

BONJOUR LA LANGUE

J’étais à la maison mais… et Music, les sublimes deux derniers films d’Angela Schanelec, avaient apporté une touche presque solaire à son œuvre à la sobriété radicale, mais avec My Wife Cries, la cinéaste allemande semble s’être dit qu’elle avait mis suffisamment d’eau dans son vin. Qu’on se le dise, Angela Schanelec revient à une austérité hardcore, illustrée par sa scène d’ouverture au décor particulièrement nu (une chaise blanche vide devant un mur vide). Austère au point d’en devenir aisément caricatural, mais comme nous l’écrivions mot pour mot il y a quelques jours à propos du dernier film de Teresa Villaverde (autre grande réalisatrice rigoureuse), ne pas avoir peur de prendre le risque du ridicule est sans doute ce qui distingue les bons cinéastes des grands cinéastes. My Wife Cries n’est pas le film le plus facile d’accès de Schanelec, mais il prouve une fois de plus à quel point elle est une immense cinéaste.

On pourrait dire, arbitrairement, que c’est d’abord une question d’image. Il y a beaucoup de choses qui sont simples dans le cinéma de Schanelec (des matchs avec des règles, des objets à manier de telle manière), mais la simplicité n’empêche ni la profondeur ni la fascination : plus bressonienne que jamais, Schanelec compose des tableaux minimalistes d’une beauté qui laisse coi : des plans sur une main, un rayon sur un mur, la couleur d’un lampadaire ou même une bite (oui) deviennent des compositions silencieuses et magnétiques à tomber à la renverse. Il y aussi beaucoup de choses très compliquées à vivre pour ses personnages. L’artificialité et l’inéluctabilité des liens familiaux demeurent toujours sources de souffrance et paradoxalement d’isolement, et dans ce nouveau film, une simple histoire d’amant devient une tragédie ancestrale. Avec leurs visages impassibles et leurs corps figés par une sorte de stupeur, les héros de My Wife Cries ont en effet l’air de sortir d’une malédiction grecque cousine de celle de Music.

Schanelec est aussi une dramaturge hors pair, et après le silence monacal de Music, place à des dialogues en veux-tu en voilà (la cinéaste nous avait d’ailleurs prévenus). Et quels dialogues. Ceux-ci n’ont plus grand chose à voir avec le réalisme auquel on réduit souvent à tort l’Ecole de Berlin. Ils oscillent ici entre l’absurdité impromptue de discussions artificielles d’une méthode de langues étrangères, et monologues philosophiques dans lesquels on se rue et s’essouffle. Une salve d’applaudissement pour les interprètes de My Wife Cries, qui se sortent très vaillamment de phrases impossibles telles que « J’ai remarqué que parfois je préfère certaines choses à d’autres, mais qu’est-ce que ça veut dire ? » ou encore « Hier j’ai compris à quoi servait le langage ».

Les films de Schanelec ont l’air arides, ils ont au contraire la générosité et la beauté de rêves énigmatiques. Le titre de cette nouvelle œuvre, si factuel et minimaliste qu’il en devient mystérieux, est d’ailleurs représentatif de tout son cinéma. Le temps d’une scène éclatante, le protagoniste de My Wife Cries raconte un rêve qu’il vient de faire et c’est comme s’il expliquait toute l’œuvre de la réalisatrice. Traverser la vie sans pouvoir échapper au rôle qu’on a à jouer est une malédiction, mais se voir confier un rôle (ici un époux compréhensif, un roi dans J’étais à la maison, mais…) est le geste le plus généreux et bouleversant qui soit.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival de Karlovy Vary | Critique : My Wife Cries est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Dorian Jespers

admin — Fri, 10 Jul 2026 01:00:00 +0000

Où sommes-nous ? Voilà la première question que l’on se pose au tout début de Loynes, dévoilé à la Quinzaine des Cinéastes. Et ce n’est pas la seule fois que cette question va se poser. Liverpool, au XIXe siècle : procès d’un cadavre qui n’a ni nom ni passé. Dans ce tribunal, tout le monde semble dingue – imaginez le procès à la fin d’Alice au pays des merveilles, mais en prises de vue réelles. Réelles ? L’image étrangement cotonneuse questionne ces visions insensées. Dans ce tourbillon chaotique où personne ne sait ce qu’il fait, le Belge Dorian Jespers filme l’Histoire et le monde comme un cercle fou où rien ne change jamais. Loynes, une vision stupéfiante qui figure dans notre dossier des meilleurs courts de 2025, est au programme cette semaine au Festival de Karlovy Vary.

**Quel a été le point de départ de Loynes ?**

Le projet de Loynes a connu de nombreuses transformations et changements de forme au fil des années de sa création. Il est passé d’un traitement de long métrage à une installation vidéo au Fresnoy, puis finalement à ce court-métrage. Si bien que je me perds un peu dans les points de départ. Je peux cependant en isoler deux très anciens :

L’histoire du pape Formose, un pape sorti de sa tombe pour être jugé lors du Concile cadavérique. L’image de ce cadavre rhabillé de ses vêtements papaux pour faire face à l’élite romaine me fascine, elle mêle l’absurde, la philosophie et le sacré.

Un choc esthétique au musée d’Orsay devant le regard d’une célèbre prostituée du Second Empire — Marie-Anne Detourbay, devenue puissante comtesse de Loynes en gravissant les échelons grâce à ses charmes.

Le film est resté sur cette ligne étrange, entre le tout petit, un regard, un corps et une grande société qui se cherche.

« Où sommes-nous ? » : c’est une question qu’on se pose à plusieurs reprises dans votre film. Est-ce que cette désorientation était l’un des moteurs créatifs de Loynes ?

Pas vraiment. En moi, ces lieux, à ces époques et dans ces ambiances, se complètent de manière harmonieuse ; ils se renforcent même. L’agitation de l’un, le calme de l’autre, l’obscurité face à la lumière, le calme et le bruit, le vrai du rêve : ces différences aident à garder une balance naturelle des choses et rendent l’expérience plus immersive et agréable plutôt que désorientante. Mais je suis conscient que l’effet procuré est très subjectif. J’ai habité dans beaucoup d’endroits très différents depuis mon adolescence ; peut-être ai-je développé une familiarité avec les « incohérences » de lieu !

Pouvez-vous nous parler de votre collaboration avec votre directeur de la photographie Arnaud Alberola et de votre approche visuelle pour votre film ?

Nous avons des forces différentes en image et celles-ci se combinent pour créer l’image d’un film comme Sun Dog ou Loynes. Arnaud excelle sur le plateau : avec la lumière et la caméra en main, il comprend les décors, les acteurs, les couleurs, les costumes ; il a une énorme sensibilité esthétique. Personnellement, j’ai un côté plus geek : j’adore expérimenter avec les nouvelles technologies, des systèmes de caméras nouveaux ou incongrus, et me perdre dans les sous-menus des logiciels de post-production pour raconter différemment. Je passe beaucoup par la préparation et l’expérimentation alors qu’Arnaud est plus intuitif.

L’intro de Loynes s’est faite avec une caméra 360° attachée à un drone, le procès avec une dizaine de caméras TV cachées dans les décors et les costumes, et la fin a été augmentée par l’IA et les effets spéciaux. Il faut mes idées et mes recherches pour trouver le système, et il faut la sensibilité d’Arnaud pour lui donner vie et casser l’aspect théorique.

**La scène du tribunal est complètement insensée et m’a évoqué le procès absurde d’Alice au pays des merveilles. Pouvez-vous nous parler de vos inspirations pour Loynes ?**

Outre les deux références citées dans la première question, il y a l’humour des Monty Python (les blagues de répétition sont totalement volées à ce sketch du Brain Specialist). Il y a aussi l’absurde de Beckett, tout y est précis, millimétré, et pourtant, ce sont des constructions qui semblent ne mener nulle part. Ça rejoint le système du procès de Loynes qui s’effondre sur lui-même tout en continuant de fonctionner.

Plus sombre encore Thomas Bernhard et son livre Gargoyle qui, de manière moins évidente, aurait pu être cité comme point de départ — pour cette manière dont l’intérieur semble parasiter l’extérieur et le faire vaciller. Je me sens aussi extrêmement proche de la musique d’Einstürzende Neubauten, dont j’utilise une track pour la scène finale. EN, c’est de l’absurde, de l’humour, du sérieux, beaucoup de rigueur à mettre en forme l’insignifiant. Et contrairement à Beckett ou Bernhard, je crois qu’ils aiment profondément le monde et c’est très important pour moi.

Notez que les meilleurs passages du film sont écrits par Raphael Meyer et qu’il faut aller lui poser la question également !

Dans quelle mesure la dimension grotesque du film vous a-t-elle servi d’outil narratif pour dépeindre ce qui ressemble à une société folle et chaotique ?

Je ne sais pas si j’évite volontairement de donner du sens, ou si je n’en suis tout simplement pas capable, mais je promets que toute ressemblance avec une société contemporaine relève du ressenti, pas d’un message politique.

Si je m’en tiens à ce ressenti — comme pour les anachronismes spatio-temporels du film — je n’ai pas l’impression d’avoir cherché à brouiller les pistes. Le grotesque m’entoure, il infuse naturellement les histoires que je raconte. Rien de nouveau, d’ailleurs : je doute que l’an 800 du pape Formose ait été plus cohérent ou moins absurde que notre époque.

Mais j’y tiens : se reconnaître aussi grotesques que nos ancêtres me semble plus beau que désespérant. J’admire nos danses qui ne riment à rien ; puissent-elles durer encore longtemps !

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 26 mai 2025. Un grand merci à Jules Reinartz.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Festival de Karlovy Vary | Entretien avec Dorian Jespers est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Karlovy Vary | Critique : Queen at Sea

admin — Thu, 09 Jul 2026 06:10:42 +0000

Amanda et son beau-père, Martin, sont confrontés à un dilemme moral qui les divise. La mère d’Amanda, Leslie, qui souffre de démence avancée, a-t-elle perdu la capacité de prendre des décisions cruciales dans son propre intérêt ? Et, si c’est le cas, qui est responsable – un conjoint, un enfant, une institution – de faire une telle évaluation ?

Queen at Sea
Royaume-Uni, 2026
De Lance Hammer

Durée : 2h01

Sortie : –

Note :

UNE FAMILLE A LA MER

Une reine à la mer. Le titre de ce long métrage britannique, signé du réalisateur américain Lance Hammer (qui met fin un hiatus de dix-huit ans depuis son dernier long métrage, Ballast) évoque un majestueux paquebot souverain, prêt à fendre les flots. Or, c’est plutôt d’un naufrage métaphorique dont il est ici question, celui d’une famille qui ne sait plus comment fonctionner face à la maladie. La reine perdue en mer dont il est ici question est Leslie, dame âgée atteinte d’Alzheimer comme on l’apprend très vite grâce à une scène d’ouverture qui n’a rien d’une inauguration en fanfare, navale ou non. Amanda (Juliette Binoche) entre dans une maison, grimpe les escaliers comme si elle était chez elle, ouvre la porte de la chambre et tombe sur sa mère Leslie et son beau-père en train de faire l’amour. Dans un autre contexte, la rapidité de cet enchaînement factuel pourrait avoir un effet comique mais ni Amanda ni ses parents n’ont le cœur à rire. Le premier réflexe d’Amanda est d’ailleurs tout aussi imprévu que le serait un éclat de joie : elle appelle la police.

Il faut dire que les troubles mentaux dont souffre la sympathique et avenante Leslie font qu’elle n’est plus en mesure de toujours réaliser ce qui lui arrive et donc de verbaliser un éventuel consentement. Tel est le point de vue de sa fille. Martin, le compagnon de Leslie, est quant à lui convaincu de pouvoir reconnaître le désir spontané chez elle et de lui apporter du plaisir. Pour la fille, maman n’est rien d’autre qu’une malade. Pour beau papa, sa maladie n’est qu’un détail. Difficile pour eux deux de prendre du recul quand la police déboule bel et bien suite à l’appel d’Amanda. Les trois protagonistes se trouvent alors embarqués comme par une vague dans un enchaînement de protocoles administratifs et judiciaires. L’expression dit que le privé est politique, ici la chambre à coucher est littéralement devenue une scène de crime supposée.

Queen at Sea est bien moins un éprouvant suspens qu’un poignant drame familial porté avec générosité par un trio de comédiens au sommet : Binoche, Tom Courtenay et Anna Calder-Marshall. Conservant un cap bienveillant, le cinéaste Lance Hammer jette son ancre dans des eaux troubles mais familières qui évoquent davantage la Scandinavie élégante et nerveuse que l’Autriche cruelle (sauf peut-être dans certains passages qu’on ne révélera pas). Ces atours aux apparences bourgeoises ne doivent pas faire oublier la réussite du scénario au moment de démontrer dans le même geste la dignité et l’indignité de ses protagonistes qui parlent beaucoup et s’écoutent peu, ni celle d’une mise en scène qui, par des angles de vue imprévus, a le don pour diriger pas seulement notre regard mais notre ouïe, pour mieux recevoir cet émouvant SOS.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival de Karlovy Vary | Critique : Queen at Sea est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Seule la vie

admin — Wed, 08 Jul 2026 01:51:11 +0000

Barbara et Héli sont amoureux et heureux. Clowns professionnels, ils savent rire de tout et mènent une vie joyeuse avec leurs 2 enfants. Quand un accident emporte Héli et les enfants, Barbara doit trouver un nouveau chemin. Portée par les souvenirs qu’elle chérit, elle prouve que l’amour ne meurt jamais et qu’il faut toujours oser embrasser la vie.

Seule la vie
Autriche, 2026
D’Adrian Goiginger

Durée : 2h01

Sortie : 08/07/2026

Note :

LAISSE PLEURER LE CLOWN

C’est l’histoire d’une femme clown dont toute la famille meurt dans un accident de voiture. Un tel pitch aurait de quoi faire ronronner d’avance les amateurs du cinéma autrichien le plus délicieusement cruel, mais Adrian Goiginger ne suit pas du tout les pas d’Ulrich Seidl et de ses autres compatriotes grinçants. En dépit de son titre à la factualité glaçante (on a hâte de voir si les éventuels distributeurs français auront le courage de respecter ce titre original : quatre moins trois) se trouve en réalité un mélodrame facile d’accès.

Le cinéma autrichien était représenté dans toute sa diversité cette année à la Berlinale, de la farce horrifique The Blood Countess à la reconstitution glaçante de Rose en passant par le documentaire mordant Wax & Gold. S’il fallait à tout prix trouver une corrélation, on placerait plutôt Seule la vie aux cotés du chaleureux The Loneliest Man in Town. Le temps d’une séquence placée presque en ouverture, l’héroïne en panique et réalisant la situation essaye en vain de joindre son mari au téléphone mais ne tombe que sur son message de répondeur disant « laissez un message après le prout » (suivi d’un bruit de prout, bien entendu). Le mélange de ton incroyablement culotté ici à l’œuvre fait de cette scène la meilleure du film. Mais c’est aussi une exception, car contrairement Tizza Covi & Rainer Frimmel, Goiginger chercher moins à mélanger harmonieusement les contraires qu’à les opposer franchement.

A coup de flashbacks, Seule la vie fait donc un va-et-vient entre le présent de Barbara et son passé. De clown en deuil déboussolée par la douleur, elle passe donc à apprentie pleine d’espoir au seuil d’une romance naissante. Le présent est filmé en bleu gris, le passé en jaune chaleureux (inclure ici le gif de Meryl Streep disant Groundbreaking). Seule la vie est adapté d’une histoire vraie et plus précisément d’une biographie à succès. C’est sans doute par fidélité envers celles-ci qu’on été intégrées toutes ces scènes passées mais elles représentent hélas la partie la moins inspirée du film. Elles ont cependant le mérite de mettre en relief le reste du long métrage, et la manière dont les lourds violons de ses souvenirs sont très abruptement interrompus par une nouvelle mauvaise nouvelle est paradoxalement rafraichissante.

Récit d’espoir et de résiliation qui ne cache pas la douleur sous le tapis, Seule la vie laisse de plus en plus de place à la bienveillance à mesure qu’approche son dénouement. En chemin, le film fait le choix de ne pas toujours enlever les cailloux qu’il a dans ses chaussures et tant mieux, car c’est lors de ses détours inattendus qu’il fait le plus preuve de personnalité : une mamie pieuse qui parle déjà d’enfer à peine le décès annoncé, une conversation absurde pour trancher si les clowns d’hôpitaux méritent le respect, les paroles naïves d’une chanson d’enfant faussement réconfortante. Au cœur du film, l’actrice Valerie Pachner (vue dans The Ground Beneath My Feet et Une vie cachée) fait merveille pour en traduire les nuances contrastées.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Critique : Seule la vie est apparu en premier sur Le Polyester.