Berlinale - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Le Dernier Roi du blues

admin — Fri, 16 Oct 2026 14:00:39 +0000

L’histoire du musicien de blues Al Cook, dont le monde s’effondre petit à petit. Mais dans ces ruines, un rêve oublié depuis longtemps réapparaît soudainement.

Le Dernier roi du blues
Autriche, 2026
De Tizza Covi & Rainer Frimmel

Durée : 1h26

Sortie : 03/02/2027

Note :

SEUL C’EST TOUT

Dans son fascinant documentaire Sous-sols réalisé en 2014, Ulrich Seidl descendait dans les caves (aménagées) d’Autrichiennes et d’Autrichiens comme pour explorer leur monde secret. Ce qui s’y trouvait était plus ou moins avouable, révélant volontiers la mauvaise conscience de tout un pays cachée sous le tapis. Lorsqu’on suit le personnage principal de Le Dernier roi du blues, d’abord dans la rue avec un sapin de Noël sur l’épaule, puis à descendre dans son sous-sol, on s’attend au pire : qu’est-ce qui peut se cacher d’effrayant sous la maison d’un papy autrichien ? Surprise, c’est l’inverse qui se produit : cette cave joliment décorée est un studio de musique qui ressemble à un véritable cocon. Bienvenue dans l’intimité du monde chaleureux d’Al Cook.

Le quotidien n’a, à première vue, pas l’air si chaleureux pour Al. Les cinéastes Tizza Covi et Rainer Frimmel font preuve d’une économie narrative très efficace qui nous implique et nous encourage à composer notre propre puzzle. Et contrairement à leur précédent long métrage Vera où les blocs de fiction et de documentaire étaient plus nettement séparés, il y a une plus grande homogénéité au fil de la fiction inspirée du réel dans Le Dernier roi du blues. Ici, Al semble si seul qu’il pourrait être le dernier survivant d’une apocalypse. Rien de si spectaculaire en réalité : le vieil homme est seul tout court. La chanson guillerette qu’il écoute se lamente : « I’m so tired of living all alone » – je suis si fatigué de vivre tout seul. Mais, et c’est une très rafraîchissante surprise du long métrage : la solitude n’est pas nécessairement une damnation.

Le quotidien bien réglé d’Al Cook va basculer lorsqu’il va se retrouver face à un projet immobilier l’encourageant tout simplement à dégager. Al est seul dans l’épreuve, mais accompagné par ses souvenirs. Certes, il se fait beau et se laque les cheveux pour personne en particulier, certes encore on le retrouve plus tard se recueillant devant le sanctuaire dédié à sa femme. Mais il y a de la douceur réconfortante aussi dans la solitude dépeinte par Tizza Covi et Rainer Frimmel, qui ne font jamais de la vie d’Al un spectacle pathétique. Avec ses anciens vinyles, son Nokia antique et ses VHS, Al Cook est un vieux bluesman qui semble complètement décalé dans le temps. Mais avec grand talent, Covi et Frimmel parviennent à éviter la caricature figée à la Kaurismaki. On investit le monde d’Al Cook avec sensibilité, celui de ses rêves, et ce monde-là est bel et bien vivant.

Voilà probablement l’idée la plus poignante et douée d’empathie du long métrage : la réalité rêvée d’Al Cook compte autant voire davantage que la réalité tout court. Cook a eu sa petite heure de gloire dans le passé, et celle-ci lointaine ressemble désormais à un mirage. Mais si elle est là en lui, elle est là tout court. Son utopie créative d’hier ne s’est pas fanée : Al est resté fidèle à lui-même, lové dans sa maison-musée. Il faut faire preuve d’une grande finesse de mise en scène et d’écriture pour raconter un tel récit sans condescendance ni mièvrerie. C’est le refuge rare et poignant de ce film doux-amer, plus doux qu’amer : face à la brutalité d’un quotidien laid et cynique, Tizza Covi et Rainer Frimmel nous invitent à l’abri dans un monde secret où la rêverie et ce à quoi on songe sont aussi réels que ce qu’on fait.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Le Dernier Roi du blues est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Yo (Love is a Rebellious Bird)

admin — Thu, 15 Oct 2026 04:05:34 +0000

Anna crée une petite réplique de la maison de son amie défunte Yo, à l’échelle 1/3, avec une marionnette de Yo à l’intérieur.

Yo (Love is a Rebellious Bird)
États-Unis, 2026
De Anna Fitch & Banker White

Durée : 1h18

Sortie : –

Note :

LES CLEFS DE LA MAISON

Une radio de la hanche : c’est par cette image que s’ouvre Yo (Love is a Rebellious Bird). Et plus précisément, une hanche déboîtée. Ces os de travers appartiennent à Yo, diminutif de Yolanda, née en 1924, qui dans ce plan est à la fois présente et absente. Exactement comme dans le long métrage documentaire co-réalisé par le duo américain Anna Fitch et Banker White : Yo (Love is a Rebellious Bird) lui est consacré, alors qu’elle est décédée il y a quelques années. Anna Fitch et Yolanda se sont rencontrées en 1997 et sont devenues amies, malgré leurs quasi cinquante ans de différence. Un écart qui peut sembler étonnant, mais qui est accueilli avec un tel naturel que ce non-sujet a quelque chose de très rafraîchissant.

A une échelle plus large, la vie entière de Yo a contourné les normes sociales là encore avec un naturel confondant. C’est ce que racontent Fitch et White, en faisant le portrait d’une femme à l’intransigeante liberté. Yo est dans son jeune âge prise pour une folle quand elle ose dire détester les bébés, Yo mue à 40 ans grâce au LSD, Yo expérimente et ne le fait même pas pour vous provoquer : elle suit son grisant chemin dans la vie, selon ses désirs. Dès que Yo ouvrait la bouche, on la prenait pour une dérangée ? Soit. Yolanda raconte cela nonchalamment dans son logis qui vu de l’extérieur ressemble à une adorable maisonnette de dessin animé.

Yo (Love is a Rebellious Bird) dépeint l’histoire hors normes de Yolanda, mais pas seulement. Lorsque celle-ci converse avec Anna Fitch, elle parle d’art thérapie pour décrire l’approche créative de la cinéaste. Elle ne croit pas si bien dire : après le décès de Yo, Fitch a reconstruit sa maison à l’identique, à l’échelle 1/3. Une maquette, mais une sacrée maquette, qui prend presque autant de place que le deuil vécu par la réalisatrice. Récemment, dans son film TheyDream présenté à Sundance, le cinéaste William David Caballero parlait de son utilisation de miniatures pour « enfin contrôler ce que je ne pouvais contrôler enfant ». Dans Yo (Love is a Rebellious Bird), il n’est pas tant question de contrôle à proprement parler que de continuer à communiquer, maintenir un lien, et « ouvrir un espace où notre relation pourrait se poursuivre ».

Ce qui se poursuit petit à petit, c’est le travail de deuil de la cinéaste. Projections, scrapbooking, collages, vitraux, films de Noël, beaucoup de supports différents servent à raconter et se souvenir. Et une poupée à l’effigie de Yo donc, une poupée réaliste qui trimballe malgré elle une forme de mélancolie à la Anomalisa. C’est une marionnette que Fitch peut saisir dans la maison, elle qui selon ses propres dires n’était pas prête à dire au revoir. Sa création vient en partie panser ses plaies ; Fitch reproduit l’intérieur du logement de Yo mais apporte aussi ce que cette dernière aurait aimé, et autour de ce véritable décor de cinéma il y a comme des rails pour y faire des travellings. Entomologiste de formation, Anna Fitch n’examine pourtant pas Yolanda comme un insecte. Il y a ici énormément de cœur, et une simplicité touchante car le film ne repose pas particulièrement sur des grands événements ou une révélation spectaculaire. C’est une exploration intime au point de vue original, où la création artistique vient investir avec sensibilité ce qui nous lie.

| Suivez Le Polyester sur Twitter et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Yo (Love is a Rebellious Bird) est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Queen at Sea

admin — Thu, 15 Oct 2026 01:10:42 +0000

Amanda et son beau-père, Martin, sont confrontés à un dilemme moral qui les divise. La mère d’Amanda, Leslie, qui souffre de démence avancée, a-t-elle perdu la capacité de prendre des décisions cruciales dans son propre intérêt ? Et, si c’est le cas, qui est responsable – un conjoint, un enfant, une institution – de faire une telle évaluation ?

Queen at Sea
Royaume-Uni, 2026
De Lance Hammer

Durée : 2h01

Sortie : –

Note :

UNE FAMILLE A LA MER

Une reine à la mer. Le titre de ce long métrage britannique, signé du réalisateur américain Lance Hammer (qui met fin un hiatus de dix-huit ans depuis son dernier long métrage, Ballast) évoque un majestueux paquebot souverain, prêt à fendre les flots. Or, c’est plutôt d’un naufrage métaphorique dont il est ici question, celui d’une famille qui ne sait plus comment fonctionner face à la maladie. La reine perdue en mer dont il est ici question est Leslie, dame âgée atteinte d’Alzheimer comme on l’apprend très vite grâce à une scène d’ouverture qui n’a rien d’une inauguration en fanfare, navale ou non. Amanda (Juliette Binoche) entre dans une maison, grimpe les escaliers comme si elle était chez elle, ouvre la porte de la chambre et tombe sur sa mère Leslie et son beau-père en train de faire l’amour. Dans un autre contexte, la rapidité de cet enchaînement factuel pourrait avoir un effet comique mais ni Amanda ni ses parents n’ont le cœur à rire. Le premier réflexe d’Amanda est d’ailleurs tout aussi imprévu que le serait un éclat de joie : elle appelle la police.

Il faut dire que les troubles mentaux dont souffre la sympathique et avenante Leslie font qu’elle n’est plus en mesure de toujours réaliser ce qui lui arrive et donc de verbaliser un éventuel consentement. Tel est le point de vue de sa fille. Martin, le compagnon de Leslie, est quant à lui convaincu de pouvoir reconnaître le désir spontané chez elle et de lui apporter du plaisir. Pour la fille, maman n’est rien d’autre qu’une malade. Pour beau papa, sa maladie n’est qu’un détail. Difficile pour eux deux de prendre du recul quand la police déboule bel et bien suite à l’appel d’Amanda. Les trois protagonistes se trouvent alors embarqués comme par une vague dans un enchaînement de protocoles administratifs et judiciaires. L’expression dit que le privé est politique, ici la chambre à coucher est littéralement devenue une scène de crime supposée.

Queen at Sea est bien moins un éprouvant suspens qu’un poignant drame familial porté avec générosité par un trio de comédiens au sommet : Binoche, Tom Courtenay et Anna Calder-Marshall. Conservant un cap bienveillant, le cinéaste Lance Hammer jette son ancre dans des eaux troubles mais familières qui évoquent davantage la Scandinavie élégante et nerveuse que l’Autriche cruelle (sauf peut-être dans certains passages qu’on ne révélera pas). Ces atours aux apparences bourgeoises ne doivent pas faire oublier la réussite du scénario au moment de démontrer dans le même geste la dignité et l’indignité de ses protagonistes qui parlent beaucoup et s’écoutent peu, ni celle d’une mise en scène qui, par des angles de vue imprévus, a le don pour diriger pas seulement notre regard mais notre ouïe, pour mieux recevoir cet émouvant SOS.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Gregory Coutaut

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Queen at Sea est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Light Pillar

admin — Wed, 14 Oct 2026 05:07:10 +0000

Le futur, l’hiver. Les voyages spatiaux ne sont plus un rêve. Un concierge solitaire entretien un vaste studio de cinéma en faillite.

Light Pillar
Chine, 2026
De Xu Zao

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

COUPEZ

L’animation chinoise n’est pas forcément celle qui parvient le plus jusqu’aux écrans occidentaux. On peut néanmoins citer l’exemple récent de Liu Jian dont les films Have a Nice Day et Art College 1994 ont tous les deux été sélectionnés en compétition à la Berlinale avant d’être visibles dans les salles françaises (Art College 1994 devrait sortir chez nous en juin prochain). Et c’est à nouveau à la Berlinale qu’on peut découvrir le film d’animation Light Pillar de Xu Zao, dans la compétition Perspectives dédiée aux jeunes talents.

Un paysage est, la nuit, recouvert de neige. Ou bien s’agit-il de cendres ? La question pourrait presque se poser tant ce mini-monde semble fantôme. Light Pillar se déroule en effet dans un studio de cinéma dont les grandes heures sont passées. Un gigantesque Sphynx est posé là, comme une anomalie ensommeillée dans le décor. Les vestiges sont désormais recouverts d’un drap blanc : que deviennent les utopies, comme dans ce lieu désolé qui ressemble à un parc d’attractions autrefois rayonnant mais désormais à l’abandon ? Cela pourrait être un triste spectacle hanté, mais l’atmosphère de ce long métrage d’animation est étonnamment douce.

Cela passe par le design des personnages et les couleurs utilisées. Mais aussi par ce rythme curieux, tendre et lancinant, qui accentue la dimension paisible et rêveuse de ce vaste et petit décor de boule à neige. Un charmant et confortable matou déambule à pas lents tandis que les flocons recouvrent tout. L’herbe est-elle plus belle dans l’espace (car il est ici envisagé de partir pour le cosmos) ? Le climat délicatement nostalgique semble nous indiquer qu’il n’y a en tout cas plus grand chose à attendre du présent dans ce décor pourtant cinégénique.

L’humour dans Light Pillar est pince-sans-rire, à froid. Mais dans cette réalité à l’étrangeté taiseuse, personne n’est à l’abri de l’absurdité du monde du travail. Les souvenirs dans ce long métrage sont un trésor à chérir : lorsqu’un protagoniste enfile ce qui ressemble à un casque de VR, c’est le passé heureux qui apparaît à l’écran. Contraste saisissant : il s’agit de prises de vues réelles. La fête foraine est scintillante, et la nostalgie berce dans ce drôle de film à la fois joyeux et mélancolique.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Light Pillar est apparu en premier sur Le Polyester.

Critique : Le Jour de son retour

admin — Tue, 13 Oct 2026 19:05:27 +0000

Elle vient de terminer le tournage d’un film indépendant et doit maintenant donner trois interviews à ce sujet. Ensuite, lors de son cours de théâtre, son professeur lui demande de rejouer les interviews. Mais, pour une raison quelconque, elle est incapable de s’en souvenir.

Le Jour de son retour
Corée du sud, 2026
De Hong Sangsoo

Durée : 1h24

Sortie : 14/10/2026

Note :

UN FILM PARLÉ

Dans sa structure, dans ses prises de vue, Le Jour de son retour est certainement l’un des films les plus épurés de Hong Sangsoo. Comme d’habitude, la retenue et la soustraction chez le cinéaste finissent par ouvrir la porte du vertige et du trouble. Mais faut-il voir si loin ? L’héroïne du film, Bae Jeongsu, actrice, prévient : « On essaie de donner du sens aux choses les plus petites ». Il y a tellement d’interprétations à donner du monde que cela en devient une source d’anxiété. Dans Le Jour de son retour, Bae Jeongsu donne des interviews à des journalistes, l’une après l’autre. Cela ne ressemble jamais vraiment à des interviews, plutôt des discussions entre vagues connaissances. Parfois, c’est l’interviewée qui pose les questions. On essaie d’y examiner « les choses comme elles sont ».

Mais la communication verbale est toujours une épreuve. On l’avoue : « les journalistes ne savent pas s’exprimer à l’oral, il vaut mieux écrire ». L’actrice s’excuse (« Je pense que j’en ai trop dit », en n’ayant pas dit grand chose), revient sur ce qu’elle a dit de peur d’être incomprise. « Ce n’était rien », minimise t-on après s’être laissée aller à un moment de vulnérabilité. L’actrice et les différentes journalistes sont plongées dans le dispositif le plus nu, dans le décor le plus accueillant, mais de toute façon communiquer semble être une illusion. « Je ne sais pas trop ce que le film veut dire », confesse même une journaliste qui ne sait comment exprimer ses sentiments vis-à-vis de l’actrice et du long métrage pour lequel elle l’interviewe.

Ces blocs d’entretiens durent une vingtaine de minutes chacun. Filmée de manière identique, chaque rencontre a l’air d’être la même, chaque rencontre est différente. Cela pourrait être propice à une philosophie de comptoir, ce qu’évite Hong Sangsoo avec la grâce qu’on lui connaît. On tâtonne, on finit par picoler – « la vie est ennuyeuse, c’est si réconfortant de boire ». Est-ce l’ivresse qui donne une impression de déjà vu ? Lors d’un dernier segment qui brise l’unité, une mise en abyme vient troubler encore un peu plus ce qu’on a vu jusque-là. Cette partie nous semble néanmoins plus laborieuse, malgré le curieux sentiment d’angoisse qui en émane – avec son flou gris qui évoquerait presque un imaginaire de film d’horreur.

Au fil des interviews, Bae Jeongsu semble se déconstruire et se reconstruire. C’est la même femme, jamais complètement la même, et ce triptyque peut évoquer le souvenir du formidable Maria Schneider 1983 d’Elisabeth Subrin, dans lequel trois actrices rejouaient chacune la même interview. N’y a-t-il qu’une Bae Jeongsu, ou plusieurs selon les interlocutrices ? L’actrice se livre en même temps qu’elle se met en scène. « Que faites-vous de vos jours ? » lui demande t-on. « J’observe mon esprit au travail ».

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Critique : Le Jour de son retour est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Sleep No More

admin — Tue, 13 Oct 2026 04:30:38 +0000

Maryati, directrice d’une usine, exploite ses employé.es et les pousse à privilégier la productivité et l’avidité plutôt que le sommeil. Putri est convaincue que, à cause de cela, sa mère, qui travaillait dans l’usine, s’est suicidée. Sa sœur Ida, en revanche, croit que leur mère est morte parce qu’elle était possédée…

Sleep No More
Indonésie, 2026
De Edwin

Durée : 1h36

Sortie : –

Note :

TRAVAILLER TUE

Encore méconnu en France, l’Indonésien Edwin possède une filmographie assez déroutante, allant récemment d’un film qui lui a valu le Léopard d’or au pointu Festival de Locarno (Vengeance Is Mine, All Others Pay Cash) à ce film d’horreur populaire, Sleep No More, dévoilé dans le nouveau programme Berlinale Special Midnight consacré au cinéma de genre. Sleep No More se déroule dans une usine où l’on conçoit des perruques. Le lieu est ainsi rempli de mannequins en plastique, soit un décor idéal pour le gore et les démembrements qui vont joyeusement avec. On y travaille à la chaîne comme dans un drame social, mais lorsqu’un personnage fait bouillir des perruques, ce plan d’un chaudron évoque davantage les recettes d’une sorcière qu’un empaquetage chez Amazon.

Malgré la noire fantaisie, il y a bien une allégorie politique dans Sleep No More, avec cette usine aliénante où une voix mièvre diffusée par haut parleur incite les ouvrières et ouvriers à travailler sans relâche, jusqu’à l’endormissement – et cette voix indique également à chacune et chacun quoi faire de sa pause. Le capitalisme et le monde du travail rendent fou, l’épuisement rend dingue ; et il suffit de remplacer fou et dingue par possédé pour avoir le moteur narratif ludique de Sleep No More. Les ouvrières et ouvriers manquent de crever au travail ? Iels s’en remettent et reviennent ou sont remplacé.es, comme dans le monde réel le plus cynique. L’héroïne du film, la sympathique Putri au visage poupon, trimballe innocemment sa valise rose dans ce monde impitoyable.

Évoquons quelques soucis qui donnent une patine parfois improbable à Sleep No More, comme la direction d’actrices et d’acteurs où le jeu hagard d’une bonne partie du cast donne une tonalité discutable à des scènes de drame ou de terreur. Les interprètes doivent, il est vrai, se débrouiller avec des dialogues pour le moins… étonnants voire franchement maladroits. Mais, sans ignorer les défauts, personne n’est venu pour la littérature dans Sleep No More. Parfois merveilleusement idiot, souvent chaotique, le film n’hésite pas sur ses généreux effets horrifiques et peut s’appuyer sur une créature surnaturelle tout à fait séduisante.

Le long métrage s’approche parfois de l’esprit zinzin des productions japonaises Sushi Typhoon – mais ici le côté cartoon garde parfois un pied dans le premier degré, à l’image d’une maquette qu’on peut voir dans le film, en forme de réplique miniature de l’usine évoquant à la fois un cauchemar fantastique de Freddy… et un dispositif expérimental de Rithy Panh. L’ensemble est un spectacle appréciable, dont la star est sans aucun doute le personnage de Maryati qui transcende les défauts des méchant.es queer coded par son explosion camp et absurde : toutes les usines de cinéma devraient être dirigées par des marâtres à broches aussi glamour et terribles qu’elle.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Sleep No More est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Varsovie | Critique : The Red Hangar

admin — Tue, 13 Oct 2026 02:00:29 +0000

Santiago, Chili, 11 septembre 1973. Alors que le coup d’État militaire se déroule à travers le pays, le capitaine Jorge Silva – l’ancien chef du renseignement de l’armée de l’air – reçoit un ordre qui bouleversera sa vie à jamais : il doit transformer l’Académie de l’air où il forme actuellement de jeunes cadets en un centre de détention et de torture.

The Red Hangar
Chili, 2026
De Juan Pablo Sallato

Durée : 1h21

Sortie : –

Note :

AUCUN AUTRE CHOIX

11 septembre 1973 : The Red Hangar s’ouvre à l’aube du coup d’État qui va renverser le président Salvador Allende. Mais peut-on parler d’aube alors que, dans ce premier long métrage du Chilien Juan Pablo Sallato, Santiago semble plongée dans une nuit permanente ? Dévoilé dans la compétition Perspectives à la Berlinale, The Red Hangar colle aux basques du Capitaine Jorge Silva. Celui-ci est, pendant l’essentiel du long métrage, filmé de très près, soulignant avant tout la dimension humaine plutôt qu’historique du film.

Car si The Red Hangar dépeint une importante page d’Histoire, le film se resserre sur un événement et va s’attacher aux dilemmes d’un individu, un homme dont la tâche est d’exécuter les ordres – même les pires. Il y a des règles, comme celles édictées pour le dortoir militaire, et guère de place pour le libre arbitre. Juan Pablo Sallato dépeint l’examen de conscience de son protagoniste en empruntant aux codes du film d’espionnage paranoïaque. Lors d’un plan éloquent, le protagoniste seul fait face à des montagnes ; à un autre moment, une tour permet de voir au loin jusqu’aux Andes – désobéir pour le Capitaine Jorge Silva semble ainsi peine perdue.

Avec son noir et blanc digne et sa musique grave, The Red Hangar manque néanmoins à nos yeux d’un peu plus de relief et d’urgence, et se retrouve quelque peu compassé. Son épure et son minimalisme intransigeant constituent un pari qui manque parfois de générosité, mais cette sécheresse concise (le film dure à peine plus d’1h20) et sans sentimentalisme parvient in fine à donner un écho percutant à ce récit de courage moral.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de Varsovie | Critique : The Red Hangar est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Papaya

admin — Mon, 12 Oct 2026 06:35:30 +0000

Passionnée par les airs, une minuscule graine de papaye dans la forêt amazonienne doit continuer à bouger pour éviter de s’enraciner. Grâce à sa persévérance, elle découvre la puissance de ses racines, déclenchant une révolution qui transforme son monde et réalise ses rêves de manière inattendue.

Papaya
Brésil, 2025
De Priscilla Kellen

Durée : 1h14

Sortie : –

Note :

C’EST ÇA, ÊTRE DE TOUTES LES COULEURS

Y’a-t-il une couleur de l’arc-en-ciel qui ne figure pas dans Papaya ? Réalisé par la Brésilienne Priscilla Kellen (lire notre entretien) et sélectionné à la Berlinale dans la section Generation dédiée au jeune public, Papaya peut évoquer le très bon souvenir du resplendissant Le Garçon et le monde, réalisé par son compatriote Alê Abreu et sorti chez nous en 2014. Ce nouveau film est produit par Abreu, et parvient encore une fois à créer de l’animation poétique et imaginative qui ne prend pas les enfants pour des idiots.

Papaya est une explosion de couleurs et sa beauté ravissante est déjà à elle seule un spectacle. La cinéaste effectue un habile travail sur les échelles avec ce film entre minimalisme et gigantisme, dont le design est composé de formes géométriques à la fois riches et simples. C’est une avalanche de séduisantes gommettes, dans un film qui rend une certaine forme d’abstraction parfaitement accessible. Papaya est formellement d’une douceur enveloppante mais fait également preuve d’un dynamisme visuel tout à fait efficace.

Avec cette épopée d’un minuscule grain de papaye, Priscilla Kellen signe une fable écologique qui souligne le pouvoir magique et réconfortant de la nature. Sous le regard de la cinéaste, la nature peut ressembler à un décor de science-fiction, et l’on peut se retrouver avalé par la menace d’un monde tout-industriel. Si le film a peut-être un peu de mal à se conclure, il est rehaussé par la qualité de sa bande originale et se sort très correctement du défi représenté par sa narration muette. Tout à fait adorable, Papaya nous semble promis à un succès mérité.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Papaya est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de La Roche-sur-Yon | Entretien avec Priscilla Kellen

admin — Mon, 12 Oct 2026 06:34:00 +0000

Présenté à la Berlinale et au programme du Festival de La Roche-sur-Yon cette semaine, Papaya raconte l’épopée d’une graine de papaye dans la forêt amazonienne. La Brésilienne Priscilla Kellen signe une fable écologique visuellement resplendissante, produite par son compatriote Alê Abreu (Le Garçon et le monde). Elle nous en dit davantage sur ce film d’animation aussi spectaculaire que ravissant.

**Pouvez-vous nous parler de votre approche d’une animation à la fois minimaliste et géométrique, mais aussi très riche et spectaculaire dans Papaya ?**

Avant même de commencer le développement de Papaya, pendant mes études de fin d’études et plus tard en tant que graphiste, j’avais l’habitude de collecter toutes sortes de références visuelles, comme des papiers cadeaux spéciaux, de l’art abstrait géométrique, des motifs ethniques dans l’artisanat, des tissus vintage, des étiquettes de tous les jours, des livres pour enfants, des choses que je trouvais jolies. En travaillant comme illustratrice de contenu pour enfants, j’ai réalisé que la plupart des dessins destinés à ce public étaient trop descriptifs. J’ai senti que les bébés et les enfants méritaient d’être en contact avec des représentations graphiques moins littérales, plus abstraites, laissant plus de place à leur perception visuelle pour « combler les lacunes », dans le respect de leur imagination en développement.

J’ai cherché des moyens d’appliquer un peu d’abstraction et de géométrie à mon travail, en m’exerçant notamment sur les collages. Lorsque j’ai commencé à créer l’histoire de Papaya, j’ai élargi cette recherche imagée aux artisanats des régions d’origine du fruit de la papaye (Amérique centrale, sud de l’Amérique du Nord et région amazonienne d’Amérique du Sud), où j’ai découvert des motifs de design incroyablement colorés et beaux.

Comment avez-vous travaillé sur cette narration dépourvue de dialogues ?

Je voulais raconter l’histoire de Papaya de manière sensorielle, pour la rapprocher de la façon dont les bébés et les jeunes enfants découvrent le monde qui les entoure. La décision de créer une histoire totalement non verbale, sans narrateur ni dialogue, est survenue au cours du développement, lorsque j’ai structuré le scénario à travers une description détaillée des situations, des actions basées sur le langage corporel et les expressions faciales. J’ai également pris des notes sur les éléments sonores et les sensations environnementales qui seraient importantes pour faire avancer l’intrigue. L’étape suivante a été de croquer les scènes dans un storyboard, et de créer un animatique (une sorte de croquis vidéo) où l’histoire continuait d’évoluer dans le temps.

La musique joue un rôle important dans l’atmosphère de votre film. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet élément en particulier ?

Lors de la réalisation de l’« animatique », des sons et de la musique de référence ont été ajoutés, marquant les atmosphères et les points culminants. Avec la partie visuelle du film presque finalisée, Talita Del Collado, la directrice musicale, l’a regardée et a proposé une réinterprétation profonde de ces références, créant une bande originale pour Papaya à travers un processus artisanal de plusieurs mois. Elle a développé des éléments musicaux inspirés des sons de la nature et, à partir de ceux-ci, a composé les thèmes musicaux principaux inspirés de la musique populaire brésilienne de différentes régions, contextualisant également culturellement l’environnement de Papaya. En dialogue avec les compositions de Talita, l’équipe du studio Submarino Fantástico a créé et monté les effets sonores et les réactions des voix (dirigées par la doubleuse Melissa Garcia). Enfin, la chanteuse brésilienne Tulipa Ruiz, qui prête sa voix à la fois douce-amère et puissante au personnage de « Mère-Arbre » dans le film, interprète également la chanson finale, Borboleta, composée par son père Luiz Chagas et produite par son frère Gustavo Chagas.

Y a-t-il une couleur au monde qui ne soit pas dans votre film ?

Hahahah ! Quelle question pleine d’esprit ! J’ai essayé d’utiliser autant de couleurs que possible. En tant qu’enfant qui aimait visiter le magasin de fournitures artistiques, rêvant simplement d’avoir toutes ces crayons de couleur, peintures et crayons de cire, j’ai l’impression d’avoir pris ma revanche.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Pour être complètement honnête, je ne suis pas une grande cinéphile. Encore moins depuis que je suis devenue mère, car je n’ai plus beaucoup de temps pour regarder des films. Cela dit, ma vision cinématographique est certainement influencée par les films du Cinema Novo brésilien et les animations du Studio Ghibli, Michel Ocelot, Marjane Satrapi, ainsi que d’autres cinéastes acclamé•es des années 90 et 2000 tels qu’Anna Muylaert, Lais Bodanzky, Pedro Almodóvar, Spike Jonze, Jean-Pierre Jeunet, Danny Boyle, Michel Gondry, Lars Von Trier, et par les clips musicaux d’artistes comme Björk, Air et Daft Punk, mais je me suis également toujours inspirée d’artistes d’autres domaines, tels que des artistes visuels comme Beatriz Milhazes, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Burle Marx et bien d’autres artistes contemporains moins connus.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 11 février 2026. Merci à Barbara Van Lombeek.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

L’article Festival de La Roche-sur-Yon | Entretien avec Priscilla Kellen est apparu en premier sur Le Polyester.

Festival de Varsovie | Critique : Josephine

admin — Mon, 12 Oct 2026 02:28:54 +0000

Alors qu’elle se promène avec son père dans le Golden Gate Park de San Francisco, Josephine, huit ans, est témoin d’une agression sexuelle. Incapable de mettre des mots sur ce qu’elle a vu, elle est pourtant la seule personne dont le témoignage pourrait permettre d’inculper l’agresseur…

Josephine
États-Unis, 2026
De Beth de Araújo

Durée : 1h59

Sortie : 24/02/2027

Note :

ÂGE TENDRE ET TÊTE DE BOIS

« Tu es prête ? » sont les premiers mots qu’on entend dans Josephine, second long métrage réalisé par l’Américaine Beth de Araújo. Josephine est prête pour aller courir avec son papa sportif (incarné par Channing Tatum), comme pour plein de choses adaptées à une fillette de son âge, mais elle n’est certainement pas prête pour ce dont elle va être témoin dans des bois ce matin-là. Son père, paniqué comme n’importe qui le serait, ne laisse aucun espace à sa fille en voulant la protéger : ne dis rien, ne fais rien, non tu n’as pas peur. Dans ce drame psychologique incisif, Beth de Araújo raconte une réalité bien plus complexe que de simples consignes parentales à suivre.

Témoin d’un viol, la jeune Joséphine tendre et joufflue n’a même pas vraiment de mot pour qualifier ce qu’elle a vu. Elle est pourtant la principale témoin de ce crime, mais comment une fillette peut-elle témoigner auprès de policiers ou à la barre d’un tribunal quand elle est comme sidérée par le choc ? Avec une grande intelligence d’écriture, la cinéaste examine ce qui est inexplicable. Les parents (maman sage, papa muscles, chacun son rôle) passent d’ailleurs beaucoup de temps à expliquer qu’ils n’arrivent pas à expliquer. Le fonctionnement des adultes tout comme les procédures mises en place sont incompréhensibles pour une jeune enfant amenée à grandir trop vite. Particulièrement bien croqué et loin des fréquents clichés, le personnage de Josephine ne ressemble d’ailleurs jamais à une gosse qui parlerait comme une adulte.

Moins évident et là aussi particulièrement bien cerné, Josephine raconte également la solitude enfantine face à des parents ou même des adultes en général qui ne peuvent la comprendre, a fortiori dans une situation aussi particulière. Josephine est seule avec son trauma, hantée par l’agresseur. Josephine attend dans la voiture, assise aux côtés de la victime, comme invisibilisée. Le point de vue de la fillette est parcellaire, mais la société est-elle organisée, malgré tous ses protocoles, pour bien l’écouter et la comprendre ? « Nos cerveaux sont des choses délicates » dit-on dans Josephine, et de fait les interactions dans le long métrage ressemblent souvent à des parties de Mikado.

Si les adultes, malgré leur bonne volonté, peinent à trouver la bonne place pour Josephine, Beth de Araújo parvient à se mettre à sa hauteur et à son service. Par l’écriture on l’a dit, mais aussi par sa mise en scène, par l’utilisation d’une caméra subjective, également par des prises longues qui donnent suffisamment d’espace aux interprètes et, à travers elleux, aux personnages qu’iels incarnent. Lors du dernier segment de Josephine, la tension est à couper au couteau, mais celle-ci n’est jamais construite au détriment de l’émotion. Grand Prix au tout récent Festival de Sundance avant d’être présenté en compétition à la Berlinale, Josephine est un drame puissant et d’une grande honnêteté sur l’enfance blessée, la parole des enfants, l’écoute dont sont capables les adultes – et sur tout ce qui peut leur échapper.

| Suivez Le Polyester sur Bluesky et Instagram ! |

par Nicolas Bardot

L’article Festival de Varsovie | Critique : Josephine est apparu en premier sur Le Polyester.