Rêvant de construire une vie de famille paisible, Saga et son mari Jon s’installent dans la maison où elle a passé une grande partie de son enfance, au cœur de la forêt finlandaise. Mais dès la naissance de leur enfant, et malgré un entourage qui se veut rassurant, Saga perçoit chez son bébé quelque chose d’inexplicable et d’inquiétant…

Nightborn
Finlande, 2026
De Hanna Bergholm

Durée : 1h32

Sortie : 22/07/2026

Note :

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Passionnée par les airs, une minuscule graine de papaye dans la forêt amazonienne doit continuer à bouger pour éviter de s’enraciner. Grâce à sa persévérance, elle découvre la puissance de ses racines, déclenchant une révolution qui transforme son monde et réalise ses rêves de manière inattendue.

Papaya
Brésil, 2025
De Priscilla Kellen

Durée : 1h14

Sortie : –

Note :

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Pouvez-vous nous parler de votre approche d’une animation à la fois minimaliste et géométrique, mais aussi très riche et spectaculaire dans Papaya ?

Avant même de commencer le développement de Papaya, pendant mes études de fin d’études et plus tard en tant que graphiste, j’avais l’habitude de collecter toutes sortes de références visuelles, comme des papiers cadeaux spéciaux, de l’art abstrait géométrique, des motifs ethniques dans l’artisanat, des tissus vintage, des étiquettes de tous les jours, des livres pour enfants, des choses que je trouvais jolies. En travaillant comme illustratrice de contenu pour enfants, j’ai réalisé que la plupart des dessins destinés à ce public étaient trop descriptifs. J’ai senti que les bébés et les enfants méritaient d’être en contact avec des représentations graphiques moins littérales, plus abstraites, laissant plus de place à leur perception visuelle pour « combler les lacunes », dans le respect de leur imagination en développement.

J’ai cherché des moyens d’appliquer un peu d’abstraction et de géométrie à mon travail, en m’exerçant notamment sur les collages. Lorsque j’ai commencé à créer l’histoire de Papaya, j’ai élargi cette recherche imagée aux artisanats des régions d’origine du fruit de la papaye (Amérique centrale, sud de l’Amérique du Nord et région amazonienne d’Amérique du Sud), où j’ai découvert des motifs de design incroyablement colorés et beaux.

Comment avez-vous travaillé sur cette narration dépourvue de dialogues ?

Je voulais raconter l’histoire de Papaya de manière sensorielle, pour la rapprocher de la façon dont les bébés et les jeunes enfants découvrent le monde qui les entoure. La décision de créer une histoire totalement non verbale, sans narrateur ni dialogue, est survenue au cours du développement, lorsque j’ai structuré le scénario à travers une description détaillée des situations, des actions basées sur le langage corporel et les expressions faciales. J’ai également pris des notes sur les éléments sonores et les sensations environnementales qui seraient importantes pour faire avancer l’intrigue. L’étape suivante a été de croquer les scènes dans un storyboard, et de créer un animatique (une sorte de croquis vidéo) où l’histoire continuait d’évoluer dans le temps.

La musique joue un rôle important dans l’atmosphère de votre film. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet élément en particulier ?

Lors de la réalisation de l’« animatique », des sons et de la musique de référence ont été ajoutés, marquant les atmosphères et les points culminants. Avec la partie visuelle du film presque finalisée, Talita Del Collado, la directrice musicale, l’a regardée et a proposé une réinterprétation profonde de ces références, créant une bande originale pour Papaya à travers un processus artisanal de plusieurs mois. Elle a développé des éléments musicaux inspirés des sons de la nature et, à partir de ceux-ci, a composé les thèmes musicaux principaux inspirés de la musique populaire brésilienne de différentes régions, contextualisant également culturellement l’environnement de Papaya. En dialogue avec les compositions de Talita, l’équipe du studio Submarino Fantástico a créé et monté les effets sonores et les réactions des voix (dirigées par la doubleuse Melissa Garcia). Enfin, la chanteuse brésilienne Tulipa Ruiz, qui prête sa voix à la fois douce-amère et puissante au personnage de « Mère-Arbre » dans le film, interprète également la chanson finale, Borboleta, composée par son père Luiz Chagas et produite par son frère Gustavo Chagas.

Y a-t-il une couleur au monde qui ne soit pas dans votre film ?

Hahahah ! Quelle question pleine d’esprit ! J’ai essayé d’utiliser autant de couleurs que possible. En tant qu’enfant qui aimait visiter le magasin de fournitures artistiques, rêvant simplement d’avoir toutes ces crayons de couleur, peintures et crayons de cire, j’ai l’impression d’avoir pris ma revanche.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Pour être complètement honnête, je ne suis pas une grande cinéphile. Encore moins depuis que je suis devenue mère, car je n’ai plus beaucoup de temps pour regarder des films. Cela dit, ma vision cinématographique est certainement influencée par les films du Cinema Novo brésilien et les animations du Studio Ghibli, Michel Ocelot, Marjane Satrapi, ainsi que d’autres cinéastes acclamé•es des années 90 et 2000 tels qu’Anna Muylaert, Lais Bodanzky, Pedro Almodóvar, Spike Jonze, Jean-Pierre Jeunet, Danny Boyle, Michel Gondry, Lars Von Trier, et par les clips musicaux d’artistes comme Björk, Air et Daft Punk, mais je me suis également toujours inspirée d’artistes d’autres domaines, tels que des artistes visuels comme Beatriz Milhazes, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Burle Marx et bien d’autres artistes contemporains moins connus.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 11 février 2026. Merci à Barbara Van Lombeek.

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Un homme apprend que sa femme avait un amant depuis un certain temps et que celui-ci est mort dans un accident. Leur relation est sur le point de se terminer. Dans l’isolement d’un bungalow vide à la périphérie de la ville, ils tentent de s’ouvrir l’un à l’autre sans réserve lors de conversations.

My Wife Cries
Allemagne, 2026
De Angela Schanelec

Durée : 1h33

Sortie : –

Note :

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Quel a été le point de départ de Loynes ?

Le projet de Loynes a connu de nombreuses transformations et changements de forme au fil des années de sa création. Il est passé d’un traitement de long métrage à une installation vidéo au Fresnoy, puis finalement à ce court-métrage. Si bien que je me perds un peu dans les points de départ. Je peux cependant en isoler deux très anciens :

L’histoire du pape Formose, un pape sorti de sa tombe pour être jugé lors du Concile cadavérique. L’image de ce cadavre rhabillé de ses vêtements papaux pour faire face à l’élite romaine me fascine, elle mêle l’absurde, la philosophie et le sacré.

Un choc esthétique au musée d’Orsay devant le regard d’une célèbre prostituée du Second Empire — Marie-Anne Detourbay, devenue puissante comtesse de Loynes en gravissant les échelons grâce à ses charmes.

Le film est resté sur cette ligne étrange, entre le tout petit, un regard, un corps et une grande société qui se cherche.

« Où sommes-nous ? » : c’est une question qu’on se pose à plusieurs reprises dans votre film. Est-ce que cette désorientation était l’un des moteurs créatifs de Loynes ?

Pas vraiment. En moi, ces lieux, à ces époques et dans ces ambiances, se complètent de manière harmonieuse ; ils se renforcent même. L’agitation de l’un, le calme de l’autre, l’obscurité face à la lumière, le calme et le bruit, le vrai du rêve : ces différences aident à garder une balance naturelle des choses et rendent l’expérience plus immersive et agréable plutôt que désorientante. Mais je suis conscient que l’effet procuré est très subjectif. J’ai habité dans beaucoup d’endroits très différents depuis mon adolescence ; peut-être ai-je développé une familiarité avec les « incohérences » de lieu !

Pouvez-vous nous parler de votre collaboration avec votre directeur de la photographie Arnaud Alberola et de votre approche visuelle pour votre film ?

Nous avons des forces différentes en image et celles-ci se combinent pour créer l’image d’un film comme Sun Dog ou Loynes. Arnaud excelle sur le plateau : avec la lumière et la caméra en main, il comprend les décors, les acteurs, les couleurs, les costumes ; il a une énorme sensibilité esthétique. Personnellement, j’ai un côté plus geek : j’adore expérimenter avec les nouvelles technologies, des systèmes de caméras nouveaux ou incongrus, et me perdre dans les sous-menus des logiciels de post-production pour raconter différemment. Je passe beaucoup par la préparation et l’expérimentation alors qu’Arnaud est plus intuitif.

L’intro de Loynes s’est faite avec une caméra 360° attachée à un drone, le procès avec une dizaine de caméras TV cachées dans les décors et les costumes, et la fin a été augmentée par l’IA et les effets spéciaux. Il faut mes idées et mes recherches pour trouver le système, et il faut la sensibilité d’Arnaud pour lui donner vie et casser l’aspect théorique.

La scène du tribunal est complètement insensée et m’a évoqué le procès absurde d’Alice au pays des merveilles. Pouvez-vous nous parler de vos inspirations pour Loynes ?

Outre les deux références citées dans la première question, il y a l’humour des Monty Python (les blagues de répétition sont totalement volées à ce sketch du Brain Specialist). Il y a aussi l’absurde de Beckett, tout y est précis, millimétré, et pourtant, ce sont des constructions qui semblent ne mener nulle part. Ça rejoint le système du procès de Loynes qui s’effondre sur lui-même tout en continuant de fonctionner.

Plus sombre encore Thomas Bernhard et son livre Gargoyle qui, de manière moins évidente, aurait pu être cité comme point de départ — pour cette manière dont l’intérieur semble parasiter l’extérieur et le faire vaciller. Je me sens aussi extrêmement proche de la musique d’Einstürzende Neubauten, dont j’utilise une track pour la scène finale. EN, c’est de l’absurde, de l’humour, du sérieux, beaucoup de rigueur à mettre en forme l’insignifiant. Et contrairement à Beckett ou Bernhard, je crois qu’ils aiment profondément le monde et c’est très important pour moi.

Notez que les meilleurs passages du film sont écrits par Raphael Meyer et qu’il faut aller lui poser la question également !

Dans quelle mesure la dimension grotesque du film vous a-t-elle servi d’outil narratif pour dépeindre ce qui ressemble à une société folle et chaotique ?

Je ne sais pas si j’évite volontairement de donner du sens, ou si je n’en suis tout simplement pas capable, mais je promets que toute ressemblance avec une société contemporaine relève du ressenti, pas d’un message politique.

Si je m’en tiens à ce ressenti — comme pour les anachronismes spatio-temporels du film — je n’ai pas l’impression d’avoir cherché à brouiller les pistes. Le grotesque m’entoure, il infuse naturellement les histoires que je raconte. Rien de nouveau, d’ailleurs : je doute que l’an 800 du pape Formose ait été plus cohérent ou moins absurde que notre époque.

Mais j’y tiens : se reconnaître aussi grotesques que nos ancêtres me semble plus beau que désespérant. J’admire nos danses qui ne riment à rien ; puissent-elles durer encore longtemps !

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 26 mai 2025. Un grand merci à Jules Reinartz.

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Amanda et son beau-père, Martin, sont confrontés à un dilemme moral qui les divise. La mère d’Amanda, Leslie, qui souffre de démence avancée, a-t-elle perdu la capacité de prendre des décisions cruciales dans son propre intérêt ? Et, si c’est le cas, qui est responsable – un conjoint, un enfant, une institution – de faire une telle évaluation ?

Queen at Sea
Royaume-Uni, 2026
De Lance Hammer

Durée : 2h01

Sortie : –

Note :

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Barbara et Héli sont amoureux et heureux. Clowns professionnels, ils savent rire de tout et mènent une vie joyeuse avec leurs 2 enfants. Quand un accident emporte Héli et les enfants, Barbara doit trouver un nouveau chemin. Portée par les souvenirs qu’elle chérit, elle prouve que l’amour ne meurt jamais et qu’il faut toujours oser embrasser la vie.

Seule la vie
Autriche, 2026
D’Adrian Goiginger

Durée : 2h01

Sortie : 08/07/2026

Note :

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Sakai est le directeur adjoint d’une supérette, et ses jours de travail sont routiniers. Sans montrer la moindre émotion, il repousse les clients agaçants et suit les règles strictes que le propriétaire du magasin impose au personnel. Sakai commence de plus en plus à remettre en question son rôle dans le système.

AnyMart
Japon, 2026
De Yusuke Iwasaki

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

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Le futur, l’hiver. Les  voyages spatiaux ne sont plus un rêve. Un concierge solitaire entretien un vaste studio de cinéma en faillite.

Light Pillar
Chine, 2026
De Xu Zao

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

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Isabel se sent étrangement attirée par le Dr Palanca, le président du country club où elle travaille, mais elle découvre une violence cachée sous les apparences immaculées.

Filipiñana
Singapour/Philippines, 2026
De Rafael Manuel

Durée : 1h40

Sortie : –

Note :

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