Berlinale - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Festival de San Sebastian | Critique : Josephine

admin — Sat, 26 Sep 2026 02:28:54 +0000

Après avoir été accidentellement témoin d’un crime dans un parc, Joséphine, huit ans, est traumatisée.

Josephine
États-Unis, 2026
De Beth de Araújo

Durée : 1h59

Sortie : –

Note :

ÂGE TENDRE ET TÊTE DE BOIS

« Tu es prête ? » sont les premiers mots qu’on entend dans Josephine, second long métrage réalisé par l’Américaine Beth de Araújo. Josephine est prête pour aller courir avec son papa sportif (incarné par Channing Tatum), comme pour plein de choses adaptées à une fillette de son âge, mais elle n’est certainement pas prête pour ce dont elle va être témoin dans des bois ce matin-là. Son père, paniqué comme n’importe qui le serait, ne laisse aucun espace à sa fille en voulant la protéger : ne dis rien, ne fais rien, non tu n’as pas peur. Dans ce drame psychologique incisif, Beth de Araújo raconte une réalité bien plus complexe que de simples consignes parentales à suivre.

Témoin d’un viol, la jeune Joséphine tendre et joufflue n’a même pas vraiment de mot pour qualifier ce qu’elle a vu. Elle est pourtant la principale témoin de ce crime, mais comment une fillette peut-elle témoigner auprès de policiers ou à la barre d’un tribunal quand elle est comme sidérée par le choc ? Avec une grande intelligence d’écriture, la cinéaste examine ce qui est inexplicable. Les parents (maman sage, papa muscles, chacun son rôle) passent d’ailleurs beaucoup de temps à expliquer qu’ils n’arrivent pas à expliquer. Le fonctionnement des adultes tout comme les procédures mises en place sont incompréhensibles pour une jeune enfant amenée à grandir trop vite. Particulièrement bien croqué et loin des fréquents clichés, le personnage de Josephine ne ressemble d’ailleurs jamais à une gosse qui parlerait comme une adulte.

Moins évident et là aussi particulièrement bien cerné, Josephine raconte également la solitude enfantine face à des parents ou même des adultes en général qui ne peuvent la comprendre, a fortiori dans une situation aussi particulière. Josephine est seule avec son trauma, hantée par l’agresseur. Josephine attend dans la voiture, assise aux côtés de la victime, comme invisibilisée. Le point de vue de la fillette est parcellaire, mais la société est-elle organisée, malgré tous ses protocoles, pour bien l’écouter et la comprendre ? « Nos cerveaux sont des choses délicates » dit-on dans Josephine, et de fait les interactions dans le long métrage ressemblent souvent à des parties de Mikado.

Si les adultes, malgré leur bonne volonté, peinent à trouver la bonne place pour Josephine, Beth de Araújo parvient à se mettre à sa hauteur et à son service. Par l’écriture on l’a dit, mais aussi par sa mise en scène, par l’utilisation d’une caméra subjective, également par des prises longues qui donnent suffisamment d’espace aux interprètes et, à travers elleux, aux personnages qu’iels incarnent. Lors du dernier segment de Josephine, la tension est à couper au couteau, mais celle-ci n’est jamais construite au détriment de l’émotion. Grand Prix au tout récent Festival de Sundance avant d’être présenté en compétition à la Berlinale, Josephine est un drame puissant et d’une grande honnêteté sur l’enfance blessée, la parole des enfants, l’écoute dont sont capables les adultes – et sur tout ce qui peut leur échapper.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Entretien avec Karla Condado

admin — Sat, 26 Sep 2026 01:37:00 +0000

Miriam est une lettre filmée, dédiée à la tante de Karla Condado qui a été assassinée par son compagnon. Celle-ci est devenue une silhouette fantôme sur quelques photos – et la réalisatrice lui adresse ses pensées dans ce court métrage dévoilé à la Berlinale et au programme cette semaine à San Sebastian. Miriam est un film intime mais qui traite plus largement des féminicides, où les mots pudiques inscrits à l’écran prennent le relais quand la voix vacille. Tandis que sa mémoire pâlit, la cinéaste brise le silence dans cet exercice cathartique à la mise en scène poétique. Karla Condado est notre invitée.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de raconter l’histoire de votre tante ?

Ma peur. J’ai grandi avec beaucoup de peur simplement parce que je suis une femme dans mon pays ; et maintenant je comprends pourquoi. Alors j’ai décidé de réaliser ce film, pour dire à voix haute ce que cela a été de grandir dans ce contexte de féminicides.

Comment avez-vous abordé le traitement visuel d’un tel projet ?

Eh bien c’était très intuitif. La seule chose qui était assez claire, c’est que je voulais que ce soit comme un journal intime, que ma tante puisse voir ma vie quotidienne, alors je portais toujours avec moi mon petit Bolex pour filmer ma famille, mes ami.es, mon travail, ma vie de tous les jours. Et après cette première règle, León et moi avons commencé à expérimenter avec l’image. León est un artiste visuel qui aime expérimenter avec les nouvelles technologies et moi je viens de l’équipe analogique, donc nous avons mélangé les deux, nous avons essayé des doubles expositions directement sur le film, et des doubles expositions numériques avec Touch Designer.

Nous aimons aussi pousser la caméra à son maximum, la dernière séquence était presque dans le noir total, nous cherchions des lucioles dans les bois donc nous n’avions pas de lumière artificielle, alors nous avons pris la caméra numérique, ouvert le plus possible l’obturateur, le plus haut ISO possible et l’objectif complètement ouvert, pour essayer de voir quelque chose, et cela a donné un très bon résultat ; maintenant j’ai une belle image d’une petite fille avec son père dans les bois et pour le films ça a beaucoup de sens.

Comment avez-vous choisi ce qui serait dit à haute voix et ce qui serait plutôt écrit à l’écran dans votre film ?

Au début c’était difficile, parce que nous avons essayé juste le texte écrit, puis juste la version avec voix-off. Mais pour moi, ce n’était pas suffisant, alors nous avons pensé que nous pourrions les mélanger, mais nous devions trouver un rythme, ça ne pouvait pas être juste les deux langages en même temps. Alors un de mes amis m’a dit « écoute cette chanson » (une chanson ranchera) et j’ai dit, c’est ça, je dois les mélanger pour qu’elles se complètent. De plus, certaines choses écrites sont des choses que je ne peux pas encore dire à voix haute, des choses qui font encore mal.

Dans quelle mesure diriez-vous que ce court métrage dédié à la mémoire de Miriam était aussi pour vous une expérience cathartique ?

C’était complètement cathartique. Quand j’ai commencé à travailler sur ce projet, je n’arrivais pas à finir d’écrire la lettre parce que je pleurais beaucoup. Mais ensuite j’ai commencé une thérapie spécialement pour ça et j’ai pu vraiment travailler dessus. Et puis il y a eu toute l’histoire avec ma famille, bien sûr j’avais peur de leur dire que je faisais ce film parce que j’ai toujours pensé que je n’avais pas le droit d’en parler car j’étais juste un enfant quand tout cela s’est passé, mais j’en avais vraiment besoin. (Et tout s’est très bien passé avec eux, donc je suis contente).

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Jonas Mekas, Wong Kar Wai, Alexandre Larose, Chris Marker, Chantal Akerman.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 26 février 2026.

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Festival de San Sebastian | Critique : Moscas

admin — Fri, 25 Sep 2026 05:14:51 +0000

Olga mène une vie très rangée, sans amis ni relations dans un immense immeuble résidentiel. Lorsqu’elle est, par nécessité financière, obligée de louer une chambre, un homme emménage avec elle et fait également entrer en cachette son fils de neuf ans dans l’appartement.

Moscas
Mexique, 2026
De Fernando Eimbcke

Durée : 1h39

Sortie : –

Note :

FINE MOUCHE

Le bourdonnement des mouches, les gémissements de la voisine qui baise, les bip-bips du sudoku sur son ordinateur et la télévision : le quotidien d’Olga est si solitaire que ce sont les seuls bruits que l’on peut entendre dans son appartement. Celui-ci se situe en hauteur, dans un immeuble, mais le fait qu’elle vive au-dessus de la ville ne signifie pas qu’elle mène une existence très différente des gens d’en bas. Olga n’est pas protégée des difficultés financières (elle doit sous-louer une chambre de son appart pour se financer une opération du pied) et, comme tout le monde, elle est emmerdée par le bourdonnement des mouches.

Restons avec ces mouches, qui donnent son titre au long métrage. Moscas s’ouvre par une scène de comédie absurde, avec Olga qui essaie tant bien que mal de se débarrasser de mouches qui se sont incrustées chez elle. C’est insupportable pour la sexagénaire, mais toute situation, selon le point de vue, recèle en elle une part de comédie. C’est ce que le Mexicain Fernando Eimbcke a bien compris avec ce nouveau long métrage, un projet mis de côté il y a 20 ans après son premier long Temporada de patos et qui est dévoilé en compétition à la Berlinale. Moscas traite de sujets graves, mais la vie même dans ses dures épreuves peut être une comédie.

D’abord exclusivement centré sur Olga (interprétée par la formidable Teresita Sánchez, vue récemment dans La Camarista, Dos estaciones ou Totem), le film effectue de réguliers glissements de protagonistes, d’elle au père à qui elle loue sa chambre puis au jeune fils de celui-ci. Tout cela s’opère avec une fluidité d’écriture particulièrement efficace. Fernando Eimbcke et sa co-scénariste Vanesa Garnica trouvent un équilibre assez miraculeux entre les différentes tonalités du film : Moscas est mignon sans être mièvre, chaleureux sans être convenu. Le film dit d’ « enfant innocent dans un monde de brutes » présente bien des pièges larmoyants : Moscas les évite tous.

Dans Moscas, par touches, on suggère l’impossibilité pour les plus pauvres de se soigner correctement. Plus frontalement, on parle de maladie touchant les membres les plus proches de la famille (ici, la mère du garçonnet). Pas des motifs particulièrement réjouissants mais, à hauteur d’enfant, le film parvient très habilement à éviter le pathos. Comment, néanmoins, se confronte t-on à de tels drames en étant trop jeune ? Moscas filme régulièrement les parties de jeu vidéo du jeune héros comme un refuge, certes fragile et futile, mais un refuge quand même. On s’y plonge littéralement, dans la scène la plus belle et émouvante du film. Il y a beaucoup de tendresse dans ce beau long métrage, même dans sa fin un peu abrupte – celle-ci a l’intelligence de ne pas verser dans un sentimentalisme superflu.

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par Nicolas Bardot

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Festival de San Sebastian | Critique : El Tren fluvial

admin — Thu, 24 Sep 2026 01:05:51 +0000

Milo, un garçon de 9 ans vivant dans un village reculé, veut s’échapper de chez lui et entreprend un voyage vers la grande ville. Pour réussir sa quête, il doit élaborer un plan qui lui permettra de trouver son indépendance.

El Tren Fluvial
Argentine, 2026
De Lorenzo Ferro et Lucas A. Vignale

Durée : 1h15

Sortie : –

Note :

JE MONTE DANS LE TRAIN

Milo a des rêves en tête mais visiblement, personne dans son entourage n’a pensé à lui poser la question. Il fera ce que son père a décidé, c’est tout, et il aura intérêt à adopter la rigueur nécessaire à cet apprentissage quitte à se plier à un entraînement quasi militaire jusque dans sa chambre à coucher de garçonnet. « Ne pense pas » lui répète-t-on d’ailleurs en boucle. Cet archétype familial bien identifié, El Tren fluvial le retourne comme une chaussette : ce dont Milo rêve en secret c’est de faire du foot, ce que son père attend de lui c’est qu’il devienne danseur professionnel. On ne parle pas de n’importe quelle danse, d’ailleurs. Héritage traditionnel, le malambo est exclusivement une affaire masculine, pratiquée avec beaucoup de concentration et un visage impassible. En filmant les scènes d’entrainement sans aucune musique pour les accompagner, le film donne à cette danse une dimension particulièrement étonnante. Mais le voyage a à peine commencé.

Celles et ceux qui, à la lecture de ce premier paragraphe s’attendraient à un Billy Elliot sud américain peuvent laisser leurs a priori à l’entrée. Radicalement imprévisible, El Tren fluvial propose une pérégrination très différente, difficile à réduire en un unique pitch. Le jeune héros quitte bien vite son cocon familial pour aller réaliser son souhait de découvrir la capitale. Il prend le premier train venu et c’est comme si à ses côtés nous nous engagions dans un monde inconnu. La répétition hypnotisante des rails et l’immobilité des voyages en train ont souvent fait de ce mode de transport le symbole d’une pénétration de l’inconscient. El Tren fluvial ressemble en effet à un rêve, locomotive lancée vers l’inconnue.

Récit picaresque (davantage que récit d’apprentissage traditionnel) où l’onirisme est présent à chaque étape, El Tren fluvial est un nouvel exemple de la formidable inventivité de la nouvelle génération de cinéastes argentins. « Faire un cinéma qui accompagne plutôt qu’un cinéma qui montre la seule voie », voilà l’intention des deux cinéastes Lorenzo Ferro et Lucas A. Vignale. Ils composent ici une série de tableaux d’une très grande beauté (ces cadrages, ces couleurs !) au dessus de laquelle plane souvent une brutalité silencieuse par moments quasi burlesque. Ce sentiment d’être mené par le bout du nez peut par moments mettre la patience à l’épreuve et certaines rencontres surréalistes paraissent certes gratuites, mais à force de visions et de mystère, El Tren fluvial compose un authentique vertige qui en font l’une des propositions les plus singulières de la section Perspectives de la Berlinale.

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par Gregory Coutaut

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Festival de San Sebastian | Critique : Iván & Hadoum

admin — Tue, 22 Sep 2026 13:30:56 +0000

Dans une serre au sud de l’Espagne, Iván tombe amoureux de sa nouvelle collègue, Hadoum. Mais sa promotion tant attendue interfère avec leur relation, forçant Iván à décider quel genre de personne il veut être.

Iván & Hadoum
Espagne, 2026
D’Ian de la Rosa

Durée : 1h40

Sortie : –

Note :

AU CARREFOUR

« On dirait que tu brilles ». C’est vrai qu’avec son sourire irrésistible, Iván a l’air du genre de mec que tout le monde aime bien : bon travailleur pour son patron, camarade fiable pour ses collègues, chaleureux tonton pour sa famille. Quand on lui dit « T’es bien comme ton père, tiens » ce n’est même pas une vanne. Pas de piège derrière ce charme naturel, Iván est vraiment juste un brave gars, prêt à désamorcer une agression raciste dont est victime un soir sa collègue marocaine Hadoum. Quand l’agresseur l’envoie paître en le traitant d’hybride, on ne comprend pas forcément tout de suite de quoi il est question. La réponse vient un peu plus tard, avec une discrétion épatante : Iván est trans. Autour de lui nul de l’ignore et nul n’a de problème avec ça.

Tous deux employés (mais pas au même niveau hiérarchique) dans l’une des nombreuses serres produisant des fruits et des légumes à longueur d’année au sud de l’Espagne, Hadoum et Iván se rapprochent et se séduisent, sans secret l’un pour l’autre ni pour leur entourage. La transidentité d’Iván n’est jamais un enjeu dans cette relation, ni vraiment dans le reste du film d’ailleurs, mais cela ne veut pas dire non plus qu’elle est gommée. Ce personnage n’est ni fétichisé, ni dé-sexualisé. Lui-même trans, le réalisateur espagnol Ian de la Rosa (coscénariste de la série Veneno, et primé à Cinéfondation en 2015 avec son court Victor XX) sait de quoi il parle et sait doser désamorçages rafraîchissants et rapprochements des corps le moment venu.

Ce n’est pas la transidentité d’Iván qui transforme cette romance en caillou dans la chaussure de tout leur entourage. C’est un peu la nationalité d’Hamoud et beaucoup le fait qu’elle est syndicaliste en opposition à sa hiérarchie, dans laquelle Iván a justement une place qui l’attend s’il joue bien ses cartes. Quand la serre est rachetée et qu’une vague de licenciements est prévue, Iván doit faire face à un dilemme : défendre Hamoud et lutter à ses côtés ou bien prendre le parti de son patron et accepter la coquette somme dont sa famille aurait bien besoin ?

Comme dans bien des films souhaitant rester au plus proche de l’humanité des personnages, la caméra d’Ian de la Rosa n’ose pas assez s’éloigner de ses acteurs, mais après tout pourquoi s’en priver puisque Silver Chicón, plus connu sous son nom de drag king Prinx Silver, est fort convaincant de le rôle principal ? Ce film gorgé de soleil ne fait sans doute pas preuve de beaucoup d’ambition visuelle, mais cela ne doit pas faire oublier qu’il choisit de nous amener à un carrefour pas si fréquenté que ça : celui du cinéma social et de la romance, sans que le sérieux investi de l’un nuise à la charmante légèreté de l’autre.

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par Gregory Coutaut

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Festival de San Sebastian | Critique : The Loneliest Man in Town

admin — Sun, 20 Sep 2026 03:05:39 +0000

L’histoire du musicien de blues Al Cook, dont le monde s’effondre petit à petit. Mais dans ces ruines, un rêve oublié depuis longtemps réapparaît soudainement.

The Loneliest Man in Town
Autriche, 2026
De Tizza Covi & Rainer Frimmel

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

SEUL C’EST TOUT

Dans son fascinant documentaire Sous-sols réalisé en 2014, Ulrich Seidl descendait dans les caves (aménagées) d’Autrichiennes et d’Autrichiens comme pour explorer leur monde secret. Ce qui s’y trouvait était plus ou moins avouable, révélant volontiers la mauvaise conscience de tout un pays cachée sous le tapis. Lorsqu’on suit le personnage principal de The Loneliest Man in Town, d’abord dans la rue avec un sapin de Noël sur l’épaule, puis à descendre dans son sous-sol, on s’attend au pire : qu’est-ce qui peut se cacher d’effrayant sous la maison d’un papy autrichien ? Surprise, c’est l’inverse qui se produit : cette cave joliment décorée est un studio de musique qui ressemble à un véritable cocon. Bienvenue dans l’intimité du monde chaleureux d’Al Cook.

Le quotidien n’a, à première vue, pas l’air si chaleureux pour Al. Les cinéastes Tizza Covi et Rainer Frimmel font preuve d’une économie narrative très efficace qui nous implique et nous encourage à composer notre propre puzzle. Et contrairement à leur précédent long métrage Vera où les blocs de fiction et de documentaire étaient plus nettement séparés, il y a une plus grande homogénéité au fil de la fiction inspirée du réel dans The Loneliest Man in Town. Ici, Al semble si seul qu’il pourrait être le dernier survivant d’une apocalypse. Rien de si spectaculaire en réalité : le vieil homme est seul tout court. La chanson guillerette qu’il écoute se lamente : « I’m so tired of living all alone » – je suis si fatigué de vivre tout seul. Mais, et c’est une très rafraîchissante surprise du long métrage : la solitude n’est pas nécessairement une damnation.

Le quotidien bien réglé d’Al Cook va basculer lorsqu’il va se retrouver face à un projet immobilier l’encourageant tout simplement à dégager. Al est seul dans l’épreuve, mais accompagné par ses souvenirs. Certes, il se fait beau et se laque les cheveux pour personne en particulier, certes encore on le retrouve plus tard se recueillant devant le sanctuaire dédié à sa femme. Mais il y a de la douceur réconfortante aussi dans la solitude dépeinte par Tizza Covi et Rainer Frimmel, qui ne font jamais de la vie d’Al un spectacle pathétique. Avec ses anciens vinyles, son Nokia antique et ses VHS, Al Cook est un vieux bluesman qui semble complètement décalé dans le temps. Mais avec grand talent, Covi et Frimmel parviennent à éviter la caricature figée à la Kaurismaki. On investit le monde d’Al Cook avec sensibilité, celui de ses rêves, et ce monde-là est bel et bien vivant.

Voilà probablement l’idée la plus poignante et douée d’empathie du long métrage : la réalité rêvée d’Al Cook compte autant voire davantage que la réalité tout court. Cook a eu sa petite heure de gloire dans le passé, et celle-ci lointaine ressemble désormais à un mirage. Mais si elle est là en lui, elle est là tout court. Son utopie créative d’hier ne s’est pas fanée : Al est resté fidèle à lui-même, lové dans sa maison-musée. Il faut faire preuve d’une grande finesse de mise en scène et d’écriture pour raconter un tel récit sans condescendance ni mièvrerie. C’est le refuge rare et poignant de ce film doux-amer, plus doux qu’amer : face à la brutalité d’un quotidien laid et cynique, Tizza Covi et Rainer Frimmel nous invitent à l’abri dans un monde secret où la rêverie et ce à quoi on songe sont aussi réels que ce qu’on fait.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Rose

admin — Tue, 08 Sep 2026 15:25:51 +0000

Au lendemain de la guerre de Trente Ans, un mystérieux soldat balafré s’installe dans un village isolé d’Allemagne. À force de labeur et de services rendus, il gagne la confiance des habitants et croit enterrer son secret. Alors que les villageois commencent à le considérer comme l’un des leurs, tout bascule lorsqu’ils se mettent à douter de sa véritable identité.

Rose
Autriche, 2026
De Markus Schleinzer

Durée : 1h33

Sortie : 09/09/2026

Note :

LE NOM DE LA ROSE

L’œuvre de l’Autrichien Markus Schleinzer est relativement rare (3 films en 15 ans) mais percutante à chaque fois. Et celle-ci voyage de plus en plus loin dans le temps : après le drame contemporain d’un gamin vivant avec un pédophile dans le glaçant Michael, après le récit au 18e siècle d’un esclave africain pris sous l’aile d’une comtesse européenne dans l’inédit en salles et brillant Angelo, nous voici désormais quelque part au début du 17e siècle, quelque part en Allemagne dans Rose. Les éléments contextuels ne sont pas si nets et la voix-off nous donne presque l’impression d’être dans un conte. Un conte hanté : il y a eu une guerre, la terre est encore fumante, les ossements s’empilent les uns sur les autres.

Rose est le héros de cette histoire. Le, car Rose vit comme un homme, soldat hier et homme de ferme aujourd’hui. Rose n’est pas trans, mais le jeu de rôles, dans une société aux esprits aussi étroit, semble être le seul espace où tout est possible – surtout pour les femmes qui ne s’appartiennent pas. Rose réussissant à tromper toute une communauté : voici la surprenante dynamique d’un quiproquo de boulevard, trempée dans un drame historique en noir et blanc, lui-même inspiré de faits réels. Rose n’a guère besoin que d’enfiler un pantalon pour être pris pour un garçon : le film adhère à ce parti-pris en soulignant l’absurdité des codes de genre. Pas de Dieu créateur dans ce monde-là pour la souveraine Rose : on s’imagine soi-même et on se crée.

Cette voix-off de conte semble tout nous dire, mais là encore les choses sont plus ambigües. « L’histoire de Rose ne commence pas là », nous prévient-elle sans en dire plus. Plus tard, la voix-off mentionne un secret révélé, tandis que les deux personnes concernées sont filmées floues à travers une fenêtre. La caméra et la narration de Schleinzer nous mettent dans une position particulière et dynamique vis-à-vis du récit. Elles laissent un espace actif, éloquent et expressif à ce qui n’est pas montré : le cinéaste prouve encore une fois sa capacité à mettre en scène une violence pourtant absente à l’écran. Et à installer un tempo à la fois lent et soutenu, participant à une totale immersion.

Beaucoup de choses sont absentes de l’écran dans Rose, ce qu’on y voit doit nous suffire à construire l’histoire et les personnages. Le film est court, son noir et blanc se débarrasse de toutes les nuances colorées de la nature. Ça ne l’empêche pas d’être profond, ça ne nous empêche pas de nous plonger au plus loin dans ses images magnétiques, au contraire. C’est simple et c’est comme ça : ce sont justement les explications simples de Rose qui rendent folles les personnes les plus ignares. Rose est un film qui se déroule il y a au moins 300 ans, mais c’est un film d’aujourd’hui sur l’obsession des réactionnaires pour ce qu’il y a dans la culotte des autres. Incarnée par la toujours extraordinaire Sandra Hüller (qui n’a parfois besoin d’aucune expression pour suggérer énormément), Rose est un personnage fantastique par ce qu’elle accomplit (son culot héroïque, sa manière de se jouer des normes sociales, son talent pour faire fuir les ours) et ce qu’elle révèle de la communauté. Lors d’un plan saisissant du début du long métrage, elle semble s’évanouir dans un carnaval tel un fantôme. Son ombre puissante traverse le film et plane longtemps encore après la séance.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Salvation

admin — Tue, 01 Sep 2026 14:47:09 +0000

Deux villages turcs, l’un à flanc de montagne, l’autre dans la plaine. Quand les habitants du bas, exilés, décident de revenir sur leurs terres, des conflits ancestraux ressurgissent avec ceux du haut. Progressivement, croyances, paranoïa et luttes de pouvoir s’exacerbent, mettant en péril la fragile cohabitation des deux communautés.

Salvation
Turquie, 2026
De Emin Alper

Durée : 2h00

Sortie : 02/09/2026

Note :

NUIT EN ENFER

Pour un peu, le nouveau long métrage d’Emin Alper (lire notre entretien) donnerait presque l’impression de débuter exactement là où se terminait son précédent film, Burning Days : aux abords d’un petit village plongé dans une obscurité métaphorique qui contient mal une rage souterraine prête à bondir. Le cinéaste turc confie volontiers accorder une attention et un temps particulièrement importants aux repérages et on peut en effet le féliciter de toujours trouver des lieux très éloquents dans lesquels situer ces récits. Schéma familier du cinéma d’Alper, Salvation se déroule dans un village suffisamment isolé pour être resté enfermé dans ses traditions. De jour, les vêtements des habitants y ont la même couleur que les vieilles pierres et de nuit, il devient difficile de distinguer l’intérieur de l’extérieur de ces maisons et ces ruelles. La seule différence entre lieux privés et espace public semble être l’absence de femmes dans ce dernier.

Dans cette histoire, il y a à vrai dire deux villages, si proche qu’on les qualifie de frères, voire de jumeaux. L’un est perché sur une colline, l’autre est en bas, prêt à être toisé et surveillé. Ce dernier fut abandonné par ses habitants contraints à l’exil, il y a suffisamment longtemps pour que les voisins s’approprient les lieux. Le retour inattendu et inexpliqué des résidents d’origine place tout le monde face à la brûlante question : qui est le plus chez soi ? Entre les hommes adultes (les seuls à avoir – selon eux – le droit à la parole sur la question), les dents grincent, le ton monte et la monstruosité est déjà à la porte, notamment chez Mesut, persuadé de sa supériorité morale et galvanisé par des apparitions mystiques.

Emin Alper puise une nouvelle fois une partie de son inspiration visuelle dans les codes de western, mais selon ses propres mots, il a cette fois déplacé le curseur un peu plus en direction du cinéma d’horreur. Rien de surnaturel ou gore à signaler ici bien sûr, l’appellation est à prendre avec les mêmes pincettes que lorsqu’Alper nous présentait Burning Days comme un film catastrophe, mais il y a effectivement presque quelque chose de John Carpenter dans ce monde entièrement plongé dans une nuit (le travail sur la photo est d’ailleurs remarquable dans les scènes d’intérieur comme d’extérieur) où les frontières s’effacent et les visions s’invitent. Le temps d’un plan stupéfiant, on ne sait plus trop si le village voisin est en flammes ou bien baigné d’accueillantes loupiotes, ou même transformé en vaisseau spatial perdu dans l’espace.

Emin Alper s’inspire ici d’un authentique fait divers survenu en Turquie en 2009, mais il serait réducteur de qualifier le film de reconstitution tant le cinéaste démontre une nouvelle fois son expertise pour faire de ces contes réalistes des paraboles universelles. Salvation n’apporte n’apporte peut-être pas grand chose de très nouveau à son œuvre, mais c’est sans doute celui de ses films dans laquelle la métaphore politique est la plus cinglante. Alper ne mâche pas ses mots et sa critique du régime turc en place lui a valu un procès qui a d’ailleurs servi d’inspiration au cinéaste germano-turc İlker Çatak pour Yellow Letters. Avec ce terrible drame peuplé de fanatiques prêts à sacrifier leurs leurs propres enfants au nom d’un acte de propriété fantasmé, Alper se ne contente pas de viser la Turquie. Il inclut dans son viseur les colons et les leaders fous du monde entier, des Etats-Unis à l’Iran et Israël.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Une aube nouvelle

admin — Wed, 12 Aug 2026 11:25:00 +0000

L’usine de la famille Obinata, spécialisée dans les feux d’artifice, est sur le point d’être fermée administrativement. Autrefois nichée au cœur d’une forêt verdoyante, le site est désormais recouvert de panneaux solaires, et une route départementale doit bientôt traverser l’emplacement de l’usine. Depuis quatre ans, Keitaro s’est enfermé dans cette usine désaffectée, où il fabrique seul des feux d’artifice. Il est obsédé par le mystère du shuhari, un feu d’artifice fantôme censé représenter l’univers, que son père avait créé juste avant de disparaître. Avant la confiscation de l’usine, Keitaro est déterminé à lancer le shuhari de son père. Hanté par ses souvenirs, il fait appel à son frère Chicchi et à son amie d’enfance Kaoru pour faire éclater Une Aube Nouvelle.

Une aube nouvelle
Japon, 2026
De Yoshitoshi Shinomiya

Durée : 1h16

Sortie : 12/08/2026

Note :

HAUT EN COULEUR

Le nom du Japonais Yoshitoshi Shinomiya n’est pas connu du grand public français mais celui-ci a, ces dernières années, collaboré avec des compatriotes tels que Makoto Shinkai (Your Name.) ou Sunao Katabuchi (Dans un recoin de ce monde). Une aube nouvelle est dévoilé dans la compétition de la Berlinale, qui n’a plus été remportée par un film d’animation depuis… Le Voyage de Chihiro, en 2002. Des anime comme le flamboyant Suzume de Shinkai ont aussi concouru pour l’Ours d’or récemment. L’inclusion de Shinomiya à un tel niveau permet, de ce côté du monde, d’élargir un peu plus la reconnaissance du riche cinéma d’animation japonais, trop souvent réduit aux merveilles de Ghibli.

De fait, Yoshitoshi Shinomiya fait montre d’énormément de personnalité avec ce long métrage. Shinomiya est peintre de formation, et cela peut se ressentir dans sa conception singulière de l’animation d’Une aube nouvelle. Le long métrage se déroule dans une nature luxuriante qui nourrit largement l’atmosphère du film. Outre le dynamisme de la mise en scène, du découpage aux mouvements de caméra, Une aube nouvelle se distingue par le surprenant dynamisme de ses décors. Ceux-ci sont tout en reflets mouvants, avec une surprenante utilisation du flou, apportant une véritable densité émotionnelle au récit. Le film brille également par son utilisation très élégante des couleurs (dégradés de verts et de jaunes exquis) avec des parti-pris aussi étonnants que payants (un incendie dépeint avec du bleu et du rose pâle).

Bien que le récit d’Une aube nouvelle soit relativement minimaliste, déployé sur seulement 1h16, celui-ci nous a semblé assez confus, manquant en tout cas de fluidité. Cela peut sembler étrange sur une telle miniature, mais Shinomiya le styliste nous a paru bien plus à l’aise que Shinomiya le scénariste. Le point faible le plus voyant se situe probablement dans les dialogues, plus laborieux les uns que les autres.

Il y a heureusement beaucoup de poésie pour compenser ces faiblesses. Ce sont des fulgurances comme les différents styles d’animation qui s’entrechoquent, à l’image d’un virage en stop-motion réalisé par une équipe française. Ces différentes textures donnent davantage de corps à ce long métrage qui est un bonheur pour les yeux. Dans le monde de jeunes gens sans adultes d’Une aube nouvelle, il y a aussi la poésie d’un geste artistique aussi gratuit qu’éphémère, avec ses protagonistes préparant un feu d’artifice mémorable. La beauté à la fois simple et extraordinaire de cette explosion chromatique : voilà ce que proposent les héros du film, et le cinéaste à son public.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Chicas tristes

admin — Wed, 12 Aug 2026 11:20:51 +0000

La Maestra et Paula, deux amies inséparables, sont les meilleures nageuses de leur équipe. Jusqu’à ce qu’un terrible incident, survenu au cours d’une soirée, les oblige à choisir entre garder le silence et prendre la parole, quitte à mettre leur amitié à rude épreuve…

Chicas tristes
Mexique, 2026
De Fernanda Tovar

Durée : 1h30

Sortie : 12/08/2026

Note :

UN APPÉTIT DE BONHEUR

Paula et Maestra font partie de la même équipe de natation, suivant un entraînement rigoureux où le seul mot qui leur est adressé par leur coach est « en place ». L’ambition de bien faire n’empêche pas les deux meilleures amies de prendre la vie à la rigolade. Leurs chambres pleines de peluches et les silhouettes merveilleuses qu’elles dessinent à la craie sur le trottoir ne sont pas là pour sous-entendre qu’elles ne sont pas pleinement sorties de l’enfance mais plutôt qu’elles n’ont pas perdu leur appétit de bonheur. Le plongeon dans le grand bain de l’âge adulte ne leur fait pas peur, mais comme le montrent les toutes premières images de Chicas tristes, où le titre mélancolique s’écrit dans une typo rose, il n’y a que quelques nuages dans le ciel bleu au-dessus de ces héroïnes.

Lorsque survient l’accident, ce n’est pas le choc qui les saisit mais d’abord un doute. Paula s’interroge : le rapport sexuel ambigu qu’elle a eu avec Daniel lors d’une fête était-il une agression ou non ? Comme à chaque fois qu’il faut apprendre quelque chose (un cours, une chorégraphie), les deux jeunes filles se tournent vers internet, mais quel espace y a-t-il dans leur vie pour analyser ce qui s’est passé et savoir comment réagir ? Leur amitié demeure forte dans l’épreuve mais chacune se retrouve bouleversée à sa façon : Paula la discrète s’enferme peu à peu dans une résignation silencieuse, la joviale La Maestra sent au contraire monter la colère en elle. « Je ne ressens rien » affirme l’une. « C’est impossible » répond l’autre.

Autour de ce sujet dramatique, la cinéaste mexicaine Fernanda Tovar bâtit un film particulièrement dynamique. C’est d’abord un travail d’écriture : les scènes sont brèves et les ellipses permettent d’éviter intelligemment les clichés, et les personnages masculins comme féminins (tous portés par des interprètes convaincants) sont particulièrement nuancés. Au point que Chicas tristes n’est d’ailleurs pas entièrement dénué de piquant, en tout cas dans sa première moitié, et l’impossibilité pour La Maestra de garder sa langue dans sa poche est d’abord un gag sympathique. Mais même lorsque le ciel s’assombrit pour les héroïnes seules face à l’injustice, le film conserve son superbe emballage visuel, fait de reflets chatoyants et de couleurs pop comme un cahier d’enfant. Doux-amer, Chicas tristes est une réussite à la fois subtile et électrique, qui a remporté le Grand Prix de la section Génération de la Berlinale.

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par Gregory Coutaut

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