Festival New Directors/New Films | Entretien avec Nelson Yeo

Lauréat l’été dernier de la compétition Cinéastes du présent au Festival de Locarno, Dreaming & Dying du Singapourien Nelson Yeo est à l’honneur cette semaine au Festival New Directors/New Films de New York. Trois connaissances se retrouvent après des années dans ce film au ton délicieusement déroutant. Nelson Yeo nous présente de ce drôle d’ovni au charme singulier.

Quel a été le point de départ de Dreaming & Dying ?

Je considère Dreaming & Dying comme un long métrage accidentel. Le film était initialement un court métrage commandé par le Festival international du film de Singapour, après que j’ai remporté un prix pour un court métrage précédent au festival. C’est pendant le tournage du court métrage que nous avons eu l’idée d’en faire un long. Nous avons été captivés par les personnages et avons senti qu’il y avait davantage à explorer dans leur histoire. De plus, l’équipe s’est épanouie grâce au processus collaboratif et à la liberté qu’il nous a offerte. Par conséquent, j’ai passé environ un an à développer la deuxième moitié du film en réponse à ce que nous avions déjà tourné. Cette approche non conventionnelle était rare, en particulier dans le contexte du cinéma singapourien.

Pouvez-vous nous parler de la manière dont vous avez mêlé différentes émotions dans votre film, qui explore une large variété de tons allant de l’humour à la tristesse (parfois dans la même scène) ?

Je crois fermement que les meilleures comédies sont des tragédies déguisées, et Dreaming & Dying danse délicatement le long de cette frontière floue. Une grande partie de l’humour provient de la répétition des dialogues clés, illustrant la façon dont les personnages se souviennent d’événements de leur passé, tandis que la structure du film imprègne un sentiment omniprésent de déjà-vu. Essentiellement, le film se penche sur la nature sélective de la mémoire, examinant comment les individus choisissent de se souvenir des moments charnières à leur propre manière.

Comment avez-vous abordé l’aspect visuel du film avec votre directeur de la photographie Lincoln Yeo ?

Je me souviens que nous avons beaucoup regardé et discuté de la façon dont les zooms étaient utilisés, en particulier dans les films des années 70. Je voulais que les images ressemblent à des peintures, à la façon dont nous les observons et les étudions. Les zooms ont été utilisés dans cet esprit. Au-delà de l’esthétique, des considérations pratiques telles que les contraintes spatiales de Singapour ont guidé nos choix créatifs. Le langage visuel que nous avons établi s’est avéré libérateur à la fois pour notre équipe et pour les interprètes, permettant aux performances de s’épanouir sans les limites des marques traditionnelles, car la caméra a capturé et répondu de manière fluide à leurs mouvements.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Mes influences cinématographiques, allant du surréalisme de David Lynch au rythme méditatif de Tsai Ming-liang et Edward Yang, ont façonné de manière indélébile ma vision de réalisateur. De plus, le mélange éclectique des genres et le mélange poignant de tragédie et de comédie qui prévaut dans le cinéma hongkongais des années 1990 ont laissé une marque durable sur ma sensibilité créative.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran ?

Un moment de transformation s’est produit lors de ma rencontre avec The Lobster de Yorgos Lanthimos, un film qui a irrévocablement modifié ma trajectoire artistique. Bien que je sois entré dans le cinéma sans aucune connaissance préalable de la filmographie de Lanthimos, à la fin de celle-ci, je me suis retrouvé à réimaginer les possibilités de la narration et de la réalisation de films.