La Roche sur Yon - Le Polyester , La fibre du cinéma d'auteur

Festival de Sarlat | Critique : Le Bois de Klara

admin — Wed, 04 Nov 2026 13:10:06 +0000

Une maison située au bord d’un lac près de Berlin devient le témoin d’un siècle d’événements qui ont remodelé le monde qui l’entoure : la montée du nazisme et les ravages de la guerre, l’occupation soviétique, la réunification de l’Allemagne et l’aube d’une ère nouvelle.

Le Bois de Klara
Allemagne, 2026
De Volker Schlöndorff

Durée : 1h58

Sortie : 24/03/2027

Note :

JE RENTRE A LA MAISON

Jeter un coup d’œil aux lignes les plus récentes de la page IMDB de Volker Schlöndorff a de quoi créer la surprise puisque le dernier crédit du très sérieux cinéaste allemand avant Le Bois de Klara s’avère être pour un clip des Pet Shop Boys, The Lost Room. L’excitation de cette alliance inattendue devient relative lorsqu’on réalise que ledit clip est en réalité uniquement composé d’images des Désarrois de l’élève Törless, le tout premier film réalisé par Schlöndorff en 1966. Il ne s’agit là que d’une anecdote ironique, mais peut-être est-elle révélatrice, mine de rien. 60 ans plus tard, en 2026, qu’attendre de Schlöndorff ?

Le Bois de Klara possède une tripotée de personnages, dont les existences s’étalent sur plus d’un demi-siècle, mais qui partagent un même lieu : une maison de vacances au bord d’un lac dont la destinée va épouser les transformations de l’Allemagne d’après-guerre. Un même lieu qui traverse les époques et révèle les vies intérieures de ses habitants ? On ignore si le désir de Schlöndorff de raconter cette histoire précède l’existence du film Les Échos du passé, mais le rapprochement est difficile à ignorer, et pas forcément à la faveur de Schlöndorff.

Le Bois de Klara ressemble de toute façon moins aux Échos du passé qu’à une saga familiale. Passée une brève et étonnante introduction où les personnages, toutes époques confondues, nous attendent au bord du lac comme des fantômes prêts à traverser le Styx, on comprend rapidement que la mise en scène très scolaire de Schlöndorff ne va pas prendre beaucoup de risques. D’un téléfilm, Le Bois de Klara possède certes la modestie technique et l’artificialité (les dialogues un peu explicatifs dans les engueulades politiques entre générations) mais aussi, disons-le, un allant romanesque assumé. Une qualité pas si fréquente dans les films historiques allemands. Surtout, il peut compter sur des interprètes plus convaincants que la moyenne, notamment Martina Gedeck et Lars Eidinger.

La période où le cinéaste allemand se montrait le plus percutant, à la fois politique et virulent, appartient désormais à une époque bien révolue. Il y a un anachronisme touchant à voir cet artiste revisiter une période qui correspond non seulement un moment clé de l’Histoire de son pays, mais aussi tout simplement à l’âge d’or de sa propre œuvre. Il est également émouvant de voir ce monsieur d’un certain âge parler d’Histoire en utilisant des métaphores très lisibles (un terrain coupé en deux, une autobiographie intitulée « Je rentre à la maison ») à l’heure où de jeunes réalisatrices allemandes (Mascha Schilinski donc, mais aussi Eva Trobisch) s’emparent de cet héritage avec bien plus d’imagination et de singularité. C’est peut-être cette dimension méta qui rend ce nouveau film finalement attachant malgré ses imperfections.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Club Kid

admin — Wed, 04 Nov 2026 02:36:42 +0000

Peter, organisateur de soirées branchées à New York, mène une existence aussi effrénée qu’insouciante, rythmée par les nuits festives et les excès. Sa vie bascule lorsqu’Arlo, le fils de 10 ans dont il ignorait l’existence, frappe à sa porte. Dépassé par ce rôle de père qu’il n’avait jamais envisagé, il est rapidement conquis par le charme et la spontanéité de l’enfant. Au fil du temps, un lien aussi inattendu que profond se tisse entre eux, et Peter découvre enfin qu’il existe une vie au-delà de la prochaine fête.

Club Kid
États-Unis, 2026
De Jordan Firstman

Durée : 2h02

Sortie : 04/11/2026

Note :

RÉVEILLE PAS PAPA

C’est une nuit parmi d’autres dans la vie de Peter : de club en club, de soirée en soirée, de drogue en drogue, à côtoyer Kandy Muse, Shygirl ou Amanda Lepore, parmi des gays sous stéroïdes ou non selon les modes. La caméra dans le taxi est étourdissante, elle effectue un mouvement circulaire sur Peter et ses potes noctambules tandis que le chauffeur fronce les sourcils en se concentrant sur la route. Ce cercle semble symboliser à la fois la répétition et le tourbillon, tandis que le carton nous indiquant que quelques années sont passées suggère que toutes les nuits jusqu’alors ont été aussi hautes en couleur.

Sans trop en dévoiler, il arrive à Peter l’un des pires cauchemars qui puisse arriver à un gay clubber : on lui apprend qu’il est père, et qu’il doit s’occuper de son gamin. Peter père, lui qui ne se souvient même plus avoir vaguement baisé dans un état plus que second avec une meuf désormais morte – c’est dire que la fibre paternelle ne saute pas vraiment aux yeux. Club Kid (premier film de Jordan Firstman, découvert au cinéma dans Rotting in the Sun) utilise des archétypes on ne peut plus hétérosexuels avec la thématique de la réconciliation père/fils, transposée dans un milieu opposé. Ce mélange prend étonnamment bien et fonctionne sur deux points : cette réconciliation est émouvante et le film demeure malgré tout super gay.

Sur le papier, la paternité de Peter qui le ferait rentrer dans le droit chemin, loin des clubs et des substances illicites, pourrait être un point de vue assez moralisateur. Mais tout cela est rééquilibré par la lucidité (le film ne romantise pas l’usage de drogues) et surtout l’humour vache de Club Kid : le film est très drôle, ce qui permet également de ne pas tomber dans le sentimentalisme. Le long métrage n’hésite d’ailleurs pas à être méchant avec ou à se moquer de l’enfant – on vous laisse à ce sujet le plaisir de la découverte. Par ailleurs, Club Kid n’est pas dupe de ce monde qui, sous son vernis, n’a souvent rien à foutre de ses enfants. L’attachement de Peter pour son gosse ne va pas de soi, et c’est une perspective particulièrement rafraichissante à voir. Et les règles sévères qui encadrent la parentalité paraissent laisser les bien-être de l’enfant au second plan.

A vrai dire, Club Kid n’est pas tant un film sur le fait de devenir père, qu’un film sur le fait de devenir un adulte – et plus précisément un adulte queer. Les marqueurs de l’âge, pour les hétérosexuels et les homosexuels, ne sont pas les mêmes et ne sont pas accompagnés des mêmes rituels. Peter doit se soumettre aux tests comme tout le monde, ceux-ci sont censés déterminer s’il est capable d’être père, mais aussi d’être un adulte digne de ce nom. Il y a l’insouciance flamboyante des nuits mais aussi les nuits dont on sort comme une épave. Il y a les fêtes qui ne cessent jamais et les années qui s’échappent. Il y a la reprise en main, et toutes les embûches. Club Kid parvient à être chaleureux sans mièvrerie, ce qui est une prouesse avec de tels sujets. Il est également un portrait électrisant de la vie queer new-yorkaise, de ses ombres et ses lumières. Un lent mouvement en arrière est effectué lors d’un plan du film, inscrivant la petite histoire familiale derrière une fenêtre dans l’immense décor de la ville. Firstman parvient à saisir les enjeux intimes et le mouvement du monde avec maestria.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Wild Horse Nine

admin — Wed, 04 Nov 2026 00:49:33 +0000

Peu avant le coup d’État chilien de 1973, deux agents de la CIA, Chris et Lee, sont envoyés de Santiago vers l’île de Pâques par leur supérieur, MJ. Au milieu des statues emblématiques de l’île, tandis que ces partenaires de longue date sont confrontés à leur sombre passé et aux complots en cours, Chris noue une relation avec deux étudiantes rebelles qui menace de faire basculer dans le chaos leur séjour dans ce paradis isolé…

Wild Horse Nine
Royaume-Uni, 2026
De Martin McDonagh

Durée : 1h58

Sortie : 04/11/2026

Note :

CHEVAL DE GUERRE

Un gros con américain : voilà comment définir le héros du nouveau long métrage du Britannique Martin McDonagh, Wild Horse Nine. Un boomer avant l’heure (nous sommes au début des années 70), ravi de déblatérer devant des jeunes femmes qui le regardent pour ce qu’il est : un dinosaure à l’agonie. Ce personnage (Chris, agent de la CIA) est interprété avec un plaisir communicatif par John Malkovich, lauréat du prix d’interprétation masculine à Venise pour ce rôle. Il est vrai que l’acteur n’a probablement plus autant été mis en valeur au cinéma depuis pratiquement une vingtaine d’années, ce qui renforce la dimension méta de ce bonhomme appartenant à un autre temps.

Nous sommes en 1973 au Chili, à la veille du coup d’État qui va renverser le président Salvador Allende. Allende est élu démocratiquement, mais la mission divine de Chris, de la CIA et des États-Unis derrière lui, est de « libérer le monde » sans demander l’avis de ses opposants. Dans Wild Horse Nine, le décor paradisiaque de Rapa Nui, les Îles de Pâques, séduit l’œil mais pas vraiment celui de Chris, qui a du mal à prendre au sérieux ces statues monumentales inscrites au patrimoine mondial de l’UNESCO. Entre lui et son co-équipier Lee (Sam Rockwell, pornstache et tout en charme) se dessine un antagonisme de comédie archétypal, rehaussé par un brillant sens du dialogue. Chris délivre et attaque tandis que Lee défend et relance, comme deux joueurs de tennis aux styles complémentaires.

A l’image de 3 Billboards : Les Panneaux de la vengeance, il y a néanmoins un point de vue politique un rien mou qui rend le rire un peu jaune dans Wild Horse Nine. On peut apprécier l’humour noir et les zones grises, mais la dynamique comique de Chris est souvent celle d’un réactionnaire, avec qui on rit plus qu’on ne rit de lui. Que ce soit son but premier ou non, le film a, avec de tels protagonistes, une dimension politique, et le traitement de tels personnages est parfois un peu complaisant, un peu léger. Mais est-ce que la recette roule ? Oui, et à vive allure. Wild Horse Nine mêle comédie et tragédie comme McDonagh a déjà pu l’exécuter, et son savoir-faire est tout à fait appréciable si vous n’attendez pas un féroce pamphlet.

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par Nicolas Bardot

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Festival de Sarlat | Critique : Fatherland

admin — Tue, 03 Nov 2026 07:01:06 +0000

En 1949, Thomas Mann, lauréat du prix Nobel de littérature, retourne pour la première fois en Allemagne depuis la fin de la guerre, accompagné de sa fille Erika, actrice, écrivain et pilote de rallye. Au volant d’une Buick noire, ils entreprennent un voyage éprouvant dans un pays qu’ils ont fui, seize ans plus tôt, lors de la prise de pouvoir du parti nazi. De Francfort, sous domination américaine, jusqu’à Weimar, contrôlée par les Soviétiques, père et fille traversent une Allemagne en ruines, coupée en deux par la guerre froide.

Fatherland
Allemagne, 2026
De Pawel Pawlikowski

Durée : 1h22

Sortie : 02/12/2026

Note :

JE REVIENS

Huit ans que l’on était sans nouvelles ou presque de Pawel Pawlikowski, depuis la présentation de Cold War en compétition à Cannes en 2018. Huit années plus tard, à nouveau dans le cadre de la compétition, le retour du cinéaste polonais était fort attendu, au point qu’on ne sait pas bien si l’on doit être surpris ou non de le retrouver… quasiment là où on l’avait laissé, comme si on l’avait quitté la veille. En effet, on pourrait extraire à l’aveugle n’importe quel plan de Fatherland et les admirateurs d’Ida et Cold War reconnaitraient sans hésitation la patte du cinéaste.

Fatherland est à nouveau un film historique en noir et blanc centré sur un couple de personnages emportés par l’Histoire. Pawlikowski remonte le temps un peu plus loin cette fois-ci, jusqu’au lendemain de la seconde guerre mondiale, son film se déroule non pas en Pologne mais en Allemagne, et la paire de protagonistes n’est pas un duo d’amoureux mais un père et sa fille. Et pas n’importe quel père, puisqu’il s’agit du célèbre auteur allemand Thomas Mann qui, au moment où nous le suivons, revient de plusieurs années d’exil et s’apprête à recevoir deux décorations honorifiques à quelques jours d’intervalle. L’une en Allemagne de l’Ouest sous présence américaine, l’autre en Allemagne de l’Est régie par les Russes.

D’hôtels chics en réceptions militaires, entre collabos et survivants, le duo voyage à travers sa mère patrie (ou plutôt sa père patrie comme l’indique le titre du film). Grand sujet, image rigoureuse, acteurs de renom, références littéraires et nombreux dialogues… les nombreux signes extérieurs de très grand sérieux dont se pare Fatherland peuvent faire craindre un moment de se retrouver face à une interro d’Histoire ou de lettres pour laquelle on aurait oublié de réviser. Le tour de magie qui vient balayer très loin cette inquiétude se trouve justement aussi dans la trousse à outils de Pawlikowski. En effet, si le cinéaste utilise ici ces codes visuels et narratifs habituels, il n’oublie certainement pas la qualité en or de ces précédents films : la concision.

Ce n’est pas qu’une question de durée totale. Le montage a beau être moins immédiatement nerveux que dans Cold War, lorsque Fatherland se termine au bout d’1h22, on s’en trouve le souffle coupé comme si l’on s’était approché trop près d’un précipice sans le réaliser. A coup de scènes brèves, où la beauté règne sur chaque plan et où les enjeux sont expertement dosés tant par le scénario que par la qualité d’interprétation de Sandra Hüller et Hanns Zischler, le film se transforme. Sans que l’on puisse pointer du doigt le moment exact où cela s’opère, le sage film en costumes devient un film de fantômes sans domiciles, à la fois poignant et incisif.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Sanguine

admin — Tue, 27 Oct 2026 01:32:09 +0000

Margot débute son internat aux urgences, où elle peine à s’adapter. Très vite, elle fait face à des patients de son âge aux symptômes inexpliqués. La récurrence de ces cas exceptionnels l’interroge, d’autant qu’elle observe, sur son propre corps, des manifestations de plus en plus inquiétantes…

Sanguine
France, 2026
De Marion Le Corroller

Durée : 1h43

Sortie : 28/10/2026

Note :

J’AI MAL AU TRAVAIL

On ne juge pas un livre par sa couverture mais peut-on juger un film à sa séquence d’ouverture ? Celle de Sanguine n’y va pas de main morte avec ses couleurs pop criardes, son humour vachard qui tache et son surgissement de violence fun sortie d’un cartoon. Puis hop, comme pour coller à l’ambiance de rentrée des classes de l’héroïne qui vient juste d’être engagée dans un service d’urgences, le film revient illico à des choses plus sérieuses. L’horreur ne provient plus d’un jet de sang furieux et grossier mais de quelque chose de bien plus réel et sinistre : le monde du travail. Margot veut être la meilleure, veut être à la hauteur des attentes de sa garce de supérieure, quitte à ce que le stress la dévore presque au sens propre.

Il y a une particularité récurrente du cinéma de genre français à vouloir accompagner ses récits horrifiques d’un commentaire social bien visible. Parfois superflue, cette précaution peut même donner la désagréable impression d’un mot d’excuse venu négocier le droit d’être pris au sérieux, venu confirmer que le film a bien « des choses à dire ». Une fois passé sa séquence d’ouverture, Sanguine semble se réveiller dans ce cas de figure, et la présence au casting de Karin Viard, si inattendue dans ce registre fantastique, ferait presque craindre le miscast. Si certaines scènes évoquent davantage un thriller hospitalier réaliste, Marion Le Coroller n’oublie pas de faire bel et bien du body horror qui gratte. Le cinéma coréen aussi a pour habitude de pousser ses thrillers sociaux jusqu’à un curseur terrifiant, peut-être que l’équilibre de Sanguine est à chercher dans une formule similaire.

Difficile de ne pas penser à Grave de Julia Ducournau devant se récit de jeune fille plongée en pleine horreur hospitalière. Mais pourquoi punir un film de genre pour ressembler un peu à un autre quand 95% des drames ou films policiers du monde se ressemblent déjà entre eux ? On tient trop souvent l’horreur, et sans doute encore plus les réalisatrices d’horreur, à l’impossible double tâche d’être à la fois impeccable et inventive. Sanguine ne possède pas l’unicité de Grave mais s’en sort sans chercher à réinventer la roue et rééquilibre ses grands écarts imparfaits avec un sympathique emballage : une musique nerveuse de Rob, une direction artistique tout en contrepieds (contrairement aux clichés attendus, l’hôpital est bondé et ses murs sont rouge sang), et des touches d’humour inattendues, comme ce plan filmé en vue subjective depuis l’intérieur d’une vulve.

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par Gregory Coutaut

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Festival de La Roche-Sur-Yon 2026 : notre bilan

admin — Tue, 20 Oct 2026 13:56:28 +0000

La 17e édition du Festival de La Roche-Sur-Yon, que vous avez pu suivre en direct comme chaque année sur Le Polyester, s’est achevée ce weekend. Revenons sur les temps forts de cette édition.

Wild Horse Nine

Test cinéphile : savez-vous où ont eu lieu les premières françaises des films oscarisés Hamnet, A Real Pain, Call Me By Your Name et Manchester by the Sea, mais aussi de presque tous les derniers films de Yorgos Lanthimos (Bugonia, Pauvres créatures, La Favorite) et Martin McDonagh (Wild Horse Nine, Les banshees d’Inisherin, 3 Billboards – Les trois panneaux de la vengeance) ? Pas au Festival de Cannes, mais bien à celui de La Roche-sur-Yon. Savez-vous quel festival fut le premier à proposer chez nous une rétrospective Joanna Hogg, à une époque où ses films n’avaient jamais été diffusés en France, et aussi le premier à proposer dès 2013 un hommage à Kelly Reichardt, en sa présence ? Qui fut le premier festival à programmer Eva En Août, film sans distributeur signé d’un Jonas Trueba encore inconnu, qui a pourtant fini nommé aux César l’année suivante ? Qu’on se le dise (et qu’on le dise plus fort, nom d’un chien) : année après année, la tranquille ville vendéenne continue d’accueillir l’une des manifestations cinéphiles les plus précieuses et excitantes de France. Vous n’y êtes encore jamais allé ? Qu’attendez-vous ?

Naza

Savez-vous également qu’un nouveau film de Jonathan Glazer vient de faire sa première française ? Coréalisé avec la compositrice Mica Levi, le moyen métrage documentaire Joy of Joys, dans lequel des enfants ukrainiens, soudanais et palestiniens filment l’enregistrement d’un album caritatif aux studios londoniens d’Abbey Road, était diffusé cette année à La Roche-sur-Yon à peine trois semaines après sa première mondiale au festival de New York, et cinq jours seulement après sa première européenne au Festival de Londres. C’était sans doute là l’un des plus beaux « coups » de cette édition 2026, qui n’a pas manqué de qualités. Gâté, le fidèle public vendéen s’est montré une nouvelle fois curieux, remplissant les salles pour des films du Bangladesh, du Kazakhstan ou d’Indonésie, et participant activement aux nombreuses rencontres organisées avec les invités. Le prix du public est par ailleurs revenu à Naza, documentaire glaçant sur l’aveuglement irresponsable des israëlien.ne.s qui participent à l’organisation des bombardements sur Gaza.

Mailin, de María Silvia Esteve

C’est devenu une spécialité du festival que de rendre hommage à des réalisatrices étrangères encore peu ou mal connues en France. Rien que depuis 2020, année où Charlotte Serrand est devenue la nouvelle déléguée générale et directrice artistique du festival, on a pu redécouvrir en détails les œuvres de Joanna Hogg, Sally Potter, Julia Hart, Clio Barnard, Gia Coppola, Andrea Arnold et Chloé Robichaud. Cette année un focus fut proposé sur la documentariste américaine multi-oscarisée Barbara Kopple, dont le travail témoigne de plusieurs décennies de luttes sociales et syndicales aux Etats-Unis, ainsi que sur l’Argentine María Silvia Esteve, dont les films courts comme longs redonnent la parole au femmes à travers une forme unique, à cheval entre archives intimes ou collectives et surgissement fantastiques.

Tristan Forever

Le grand prix de cette édition fut remis au beau Tristan Forever, coréalisé par le Suisse Tobias Nölle et le Français Loran Bonnardot. Tourné au bout du monde sur l’île Tristan da Cunha, ce documentaire intime et rêveur possède une intrigante manière de s’approcher de la fiction. En ce sens, ce gagnant est représentatif d’un fil rouge qui a traversé de nombreux films de cette édition : les mille et une manières de brouiller la frontière entre le vrai et le faux. Documentaires contenant leur part de fiction (les fantasmes adolescents de La Belle année, les inquiétants paysages intérieurs de María Silvia Esteve, les émouvantes maquettes et marionnettes de Yo, Love is a Rebellious Bird), fictions inventées autour de personnes réelles (Le Dernier roi du blues), mises en abyme ludiques ou hypnotisantes (qui est narrateur dans le bien nommé Douglas Gordon by Douglas Gordon, ou bien quand Albert Serra filme Ingrid Caven racontant sa vie en chansons dans le fascinant Seize moments de ma vie ?) ou autres équilibres inclassables (où ranger les très intrigants Closure ou I Deserve a Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms Raging Across the Skies?)… Ce n’est pas que cette édition 2026 s’est amusée à nous mener en bateau, c’est plutôt qu’elle nous a lancé une chaleureuse invitation à repenser la hiérarchie traditionnelle entre ce qui est factuel et ce qui est imaginé ; elle est venue nous rappeler que la rêverie est un composant fondamental de nos vies, nos identités et nos quotidiens. Quand l’héroïne éponyme de l’incroyable A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra de Jacqueline Lentzou s’entend dire depuis l’au-delà « fais tes adieux à la narration que tu pensais être toi-même », c’est bien moins une menace qu’une fenêtre soudain ouverte comme par magie.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra

Il y a du ludisme dans la manière dont le festival nous invite également à repenser la hiérarchie des formats cinématographiques (courts et longs concourent côte-à-côte au sein de la compétition Nouvelles Vagues, tandis que l’habituelle sélection de clips contemporains est venue replacer sur le grand écran qu’elles méritent ces œuvres à la mise en scène ambitieuse) mais aussi les frontières entre les arts. Presque dix ans après Manifesto, le festival a ainsi montré le montage cinématographique d’Euphoria, nouvelle installation du vidéaste allemand Julian Rosefeldt , tandis que le jury lycéen a remis son prix Trajectoires à Takkuuk, œuvre tournée dans le grand nord, à cheval entre clip immersif et documentaire. Mais encore plus que dans ces exemples, l’invitation à abolir les frontières s’est retrouvée dans l’une des œuvres phares de cette édition : Artou, moyen métrage en VR aux compositions remarquables, mettant en scène des rituels d’enterrement sous un ciel immense, signé du cinéaste mauritanien Abderrahmanne Sissako (qui présentait par ailleurs une intégrale de son travail). Le cinéma le Concorde ayant fait l’acquisition de plusieurs dizaines de casques de VR, on espère que le plaisir vertigineux de ce voyage à 360 degrés puisse à nouveau nous être proposé dans les futures éditions.

Artou

NOS ARTICLES SUR CETTE EDITION 2026 :

Film de clôture
Fatherland

Compétition Internationale
A Day In The Life Of Jo: Chapter Phaedra
Le Dernier Roi Du Blues
The Difficult Bride
Tristan Forever
Wild Horse Nine
Yo (Love is Rebellious Bird)

Compétition Nouvelles Vagues
Atlantic Rhapsody
Closure
Heat
La Belle Année
Light Pillar

Séances Spéciales
I Deserve A Lover Whose Every Rise Sets Fiery Dooms (critique à venir)
Making Marie Antoinette
Naza
Queen At Sea
Un peu avant minuit

Perspectives
Extra Geography
Mouse (critique à venir)
Union County (critique à venir)

Variété
Sleep No More

Music Hall
Seize moments de ma vie

Continuités
Notre Salut
Rose of Nevada

Avant-Premières
Club Kid
Everytime
Le bois de klara
Sanguine

Focus María Silvia Esteve
Mailin

Jeune Public
A Mighty Adventure (critique à venir)
Muyi, la légende du village des femmes (critique à venir)
Papaya

Entretiens
Maria Silvia Esteve
Andrea Szelesova
Sandra Wollner
Priscilla Kellen

News :
Le palmarès
La sélection

Le site officiel

Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival de La Roche-sur-Yon 2026

admin — Sat, 17 Oct 2026 19:55:16 +0000

La 17e édition du Festival de La Roche-sur-Yon se déroule jusqu’à ce dimanche. Le festival est à suivre actuellement sur Le Polyester. Son palmarès a été dévoilé.

Le Grand Prix a été décerné à Tristan Forever du Suisse Tobias Nölle et du Français Loran Bonnardot. L’histoire : depuis trente ans, Loran, médecin parisien, revient à Tristan da Cunha, l’île habitée la plus isolée au monde. À 50 ans, il embarque une dernière fois, décidé à s’y installer pour toujours. Un savant mélange des genres cinématographiques, une odyssée drôle et envoûtante aux confins du monde, entre rêve d’évasion et quête de soi. Retrouvez notre critique du long métrage.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Tristan Forever

GRAND PRIX DU JURY INTERNATIONAL

Tristan Forever, Tobias Nölle et Loran Bonnardot

PRIX SPÉCIAL DU JURY INTERNATIONAL

Radio bonheur, Valéry Rosier

MENTION SPECIALE

Yo (Love is a Rebellious Bird), Anna Fitch & Banker White

PRIX NOUVELLES VAGUES

Atlantic Rhapsody, Zhong Kaifeng

MENTIONS SPÉCIALES NOUVELLES VAGUES

Light Pillar, Xu Zao

Heat, Jacqueline Zünd

PRIX TRAJECTOIRES

Takkuuk, Zak Norman & Charlie Miller

PRIX VARIÉTÉ

L’Île des souvenirs, Januel Mercado & Joel Crawford

PRIX DU PUBLIC

Naza, Yuval Abraham et Rachel Szor

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Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : A Day In The Life of Jo – Chapter Phaedra

admin — Sat, 17 Oct 2026 11:02:58 +0000

Jo, jeune fille de 15 ans, se réveille d’un rêve cosmique et part pour une journée de lycée où tout va basculer.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra
Grèce, 2026
De Jacqueline Lentzou

Durée : 1h28

Sortie : –

Note :

LA DANSE, LA FORÊT ET LA SOLITUDE

« Envoie-lui le rêve » sont les premiers mots énigmatiques de A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra, le nouveau long métrage de la Grecque Jacqueline Lentzou. Le mystère de ces premiers mots sera peu à peu dissipé au fil du long métrage, mais la jeune filmographie de Lentzou n’a de toute façon pas peur des secrets, des charades, des trous noirs et des vertiges. La cinéaste s’est construit en quelques films (ses courts métrages dont The End of Suffering ou son premier long Moon, 66 Questions) un style et une voix à part, parmi les plus prometteuses d’Europe. A Day in the Life of Jo nous emmène immédiatement dans ses incertitudes : les différentes couleurs de sous-titres nous suggèrent déjà qu’il y a plusieurs narrateurs. Et pourtant, en un cut, on se retrouve en plein récit d’apprentissage en apparence simple.

Jo a 15 ans et elle est comme bien des ados, dans un quotidien d’ados. Elle est en rébellion contre sa mère (et les rôles familiaux semblent redistribués comme dans Moon, 66 Questions), tandis qu’au CDI elle est entourée d’ados qui pleurent ou d’ados qui s’embrassent. C’est très commun, mais Jacqueline Lantzou a un point de vue formel dans chaque scène et son regard singulier rafraîchit la plupart des figures imposées du récit initiatique. Et puis A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra ne peut pas être si simple : un carton au début du long métrage nous promet « un film sur le souffle, les mains et la solitude ». Cette mention est-elle un peu fanfaronne ? C’est mal connaître l’ambition poétique du cinéma de Lentzou, qui signe bel et bien un film sur le souffle, les mains et la solitude.

A Day in the Life of Jo: Chapter Phaedra est souvent filmé proche des visages, avec une importante dimension sensorielle et à fleur de peau. Cette sensibilité adolescente infuse le long métrage qui disperse des signes à analyser, autant dans les décalcomanies enfantines que dans les forces astrales. Qu’est-ce qui est écrit dans la paume des mains ? Qu’est-ce qui attend Jo qui ne fait que commencer sa vie ? Les objets qui apparaissent inexplicablement dans le ciel au début du film sont-ils des petits cailloux qu’il faut suivre dans le long métrage ? Les questionnements de A Day in the Life of Jo ont beau être sérieux, le film n’oublie jamais vraiment d’être ludique. Le dernier segment du film nous rappelle que si tout paraît sérieux, rien n’est si sérieux.

Il serait criminel de dévoiler la nature du décrochage radical qu’opère le long métrage dans sa dernière partie, mais celui-ci fait écarquiller les yeux. Lentzou, qui poursuit le destin de sa jeune héroïne, compose un très singulier mélange d’onirisme et d’humour dont le résultat est explosif. Voilà le recul existentiel que l’on peut prendre sur sa vie, sur ce qu’on est et ce qu’on a été – rien que ça. Le long métrage élargit infiniment le champ du simple récit adolescent, ouvre une réflexion sur l’identité de Jo (« La narration que tu pensais être toi-même ») et sur la mémoire (« L’architecture de l’oubli est la plus parfaite »). « Il y a de la mélancolie », entend-on, et effectivement il y a de la mélancolie sur la terre ferme, comme dans cette dernière scène bouleversante et dont le cœur bat fort.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Making Marie Antoinette

admin — Fri, 16 Oct 2026 19:59:14 +0000

En 2005, Eleanor Coppola filme sa fille Sofia sur le tournage de Marie-Antoinette à Versailles. Vingt ans plus tard, ces images inédites révèlent la naissance d’un film devenu culte : Kirsten Dunst en reine pop, le regard bienveillant de Francis Ford Coppola, les décors somptueux et le regard intime d’une mère sur la création de sa fille.

Making Marie Antoinette
États-Unis, 2026
De Eleanor Coppola

Durée : 1h26

Sortie : –

Note :

REINE MÈRE

Il y a vingt et un ans, Sofia Coppola tournait son troisième long métrage, Marie Antoinette, qui allait être dévoilé en grande pompe à Cannes en 2006. Au même moment et plus discrètement, un autre film était en train d’être tourné : ce Making Marie Antoinette. Tellement discrètement que les images de ce making of sont restées inédites jusqu’à aujourd’hui. C’est la crise sanitaire et le confinement dus au covid qui ont convaincu Sofia et sa mère Eleanor Coppola d’exhumer ces montagnes de rushs et d’enfin monter ce documentaire. Entre temps, Eleanor Coppola est décédée (en 2024, à l’âge de 87 ans), et Sofia Coppola a achevé l’ultime film de sa mère.

Celui-ci s’ouvre, sur le tournage, par un coup de laque qui asperge une perruque – un anachronisme malicieux qui pourrait lui-même appartenir au long métrage de Coppola fille. Comment Sofia Coppola allait-elle se sortir de son plus long tournage et son plus gros budget ? Comment exprimer son style personnel sans être avalée par les conventions du film historique ? Comment une réalisatrice encore jeune peut résister aux pressions lui conseillant de laisser ici ou là davantage de place aux personnages masculins ? Ce dernier point, qui n’est certes pas au centre de Making Marie Antoinette, est néanmoins assez éloquent concernant la misogynie à laquelle l’œuvre de Sofia Coppola peut être confrontée, visiblement ici sur le tournage, mais aussi à pratiquement chacun de ses accueils critiques – disons-le, une bonne partie des critiques masculins (et hétéros) sont incapables de voir des films de Sofia Coppola, à part si ceux-ci ont Bill Murray dans le rôle principal.

Eleanor Coppola filme une Sofia Coppola qui tient bon. Le journal de Coppola mère, dont des extraits sont lus par Diane Lane, permettent de saisir l’admiration qu’elle a pour sa fille : son admiration en tant que femme et en tant qu’artiste ; son admiration pour une génération de femmes qui n’a pas renoncé à ses désirs de création. Témoin sur le tournage, Eleanor Coppola déjoue dans ce portrait les clichés du cinéaste tyran et autoritaire : même sous pression, même à la tête d’une large équipe, Sofia Coppola ne s’est pas transformée en despote. Au-delà du retour émouvant sur Marie Antoinette qui est déjà devenu un film d’une autre époque, au-delà de cet endroit qu’Eleanor Coppola cherche (et qu’elle décrit comme « là où l’illusion et la réalité se rencontrent »), Making Marie Antoinette est poignant pour le lien mère-fille qu’il dessine. La mère qui filme la fille, la fille qui achève le film de la mère, et la transmission de l’une à l’autre, dans un mouvement circulaire aussi sensible que chaleureux.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : Tristan Forever

admin — Fri, 16 Oct 2026 15:45:38 +0000

Depuis trente ans, Loran, médecin parisien, revient à Tristan da Cunha, l’île habitée la plus isolée au monde. À 50 ans, il embarque une dernière fois, décidé à s’y installer pour toujours. Un savant mélange des genres cinématographiques, une odyssée drôle et envoûtante aux confins du monde, entre rêve d’évasion et quête de soi.

Tristan Forever
Suisse, 2026
De Tobias Nölle et et Loran Bonnardot

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

IL EST DES NÔTRES

Tristan Forever est un documentaire réalisé à quatre mains par le cinéaste suisse Tobias Nölle (Aloys) et le Français Roman Bonnardot. Ce dernier a pour particularité d’une part de ne pas être cinéaste de formation mais médecin, mais également d’être le protagoniste de Tristan Forever en même temps que le coréalisateur. Qui est ce Tristan qui donne son nom au titre? Rien à avoir avec un éventuelle cri de ralliement de fan girls de Lucile Amour et Rock’n’Roll, le titre fait référence à Tristan da Cunha, île réputée comme la plus isolée au monde, perdue en plein Atlantique sud. Un lieu si reculé que seuls y vivent deux grosses centaines d’habitant accompagnés de nombreux oiseaux (tous plus adorables les uns que les autres) et que l’unique moyen d’y parvenir est de faire dix jour de bateau depuis l’Afrique du sud.

La découverte des immenses paysages brumeux et verdoyants (paradoxal pour une île volcanique) donne lieu à des images puissantes, où l’on perd parfois le sens de l’échelle dans un vertige. Tristan Forever n’est pas pour autant un simple reportage à la National Geographic. Le sujet central en est Bonnardot, médecin français qui a déjà vécu sur l’île par le passé, et qui souhaite aujourd’hui revenir s’y installer définitivement. Le projet parait fantasque, d’autant plus que des coups de fils viennent nous faire comprendre qu’il a encore des attaches familiales en France. Sous ses légers airs rêveurs de Robinson Crusoë moderne, il fait pourtant preuve de réalisme et surtout de respect au moment de réaliser son rêve.

L’histoire de l’île n’est que brièvement évoquée, le temps d’archives étonnantes ou d’une reconstitution napoléonienne ludique, mais les points de vue et la paroles des autochtones occupent ici une place toute aussi centrale que celle de Bonnardot. Ainsi, la pérennité de sa présence sur l’île est soumise à l’approbation d’un conseil administratif, dont le vote est filmé presque en vue subjective. Cette idée de mise en scène nous invite avec un mélange de malice et profondeur à nous poser la question qui traverse tout Tristan Forever : suffit-il de se sentir à sa place pour être réellement à sa place ? Et qu’est ce que ça veut dire « être à sa place » ? Dans ce cadre presque magique d’une île perdue à l’autre bout du monde, les deux cinéastes parviennent à articuler des questions complexes avec une douceur accueillante.

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par Nicolas Bardot

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