Festival de Busan | Entretien avec Tumpal Tampubolon

Doublement remarqué aux festivals de Toronto et de Busan, Crocodile Tears est le premier long métrage de l’Indonésien Tumpal Tampubolon. Ce drame familial aux touches fantastiques raconte la relation complexe d’une mère et de son fils vivant ensemble dans une ferme à crocodiles. Crocodile Tears tire sa singularité de son décor ainsi que de son enrichissant mélange de genres. Tumpal Tampubolon est notre invité.

**Quel a été le point de départ de Crocodile Tears ?**

L’idée d’utiliser des crocodiles m’est venue alors que je regardais un documentaire sur une chaîne de télévision. Il y a une scène qui m’a vraiment marqué : un crocodile mangeait un bison, et c’était horrible. Cependant, il y a eu un moment où une mère crocodile déplaçait ses petits en les plaçant doucement dans sa bouche, lentement et doucement. Imaginez : le même crocodile qui a été montré en train de dévorer férocement un bison pouvait être si doux avec ses bébés. C’était un mélange de deux émotions contrastées, à la fois tendres et terrifiantes.

À partir de là, j’ai soudain pensé : « Oh, peut-être que l’amour peut être comme ça, comme l’amour d’une mère ». J’ai pensé que c’était une façon intéressante de raconter une histoire sur les relations familiales, en particulier entre une mère et son enfant, en utilisant le crocodile comme métaphore.

Crocodile Tears est un drame réaliste, avec des touches de surnaturel. Qu’est-ce que ce mélange de genres signifie pour vous ?

Le mélange des genres dans Crocodile Tears est ma lettre d’amour à tous les films qui ont fait de moi un cinéaste. Mes goûts en matière de films sont plutôt éclectiques, j’aime différents types et genres. Je n’ai pas étudié le cinéma à l’école ; j’ai étudié les mathématiques à l’université, donc j’ai appris la réalisation de films en regardant des films. L’accès aux films en Indonésie a été assez limité, car le réseau de cinémas de mon pays diffuse encore principalement des films hollywoodiens. Il n’y a rien de mal à regarder des films hollywoodiens, mais avec le temps, je me suis ennuyé. Le monde est si vaste : pourquoi étais-je limité aux films des États-Unis ?

Au début des années 2000, la technologie DVD a commencé à entrer en Indonésie, ouvrant la porte aux Indonésiens pour regarder des films en dehors d’Hollywood – des films qui, faute d’un meilleur terme, sont souvent appelés « cinéma du monde ». Mon introduction au cinéma mondial s’est faite par le biais de DVD piratés. J’avais un vendeur de DVD piraté préféré dans le quartier chinois de Jakarta, qui m’a offert une nouvelle collection de DVD étiquetée Criterion Collection. À l’époque, je ne savais pas ce qu’était la collection Criterion. Toutes les informations étaient écrites en chinois, donc je ne pouvais pas comprendre le synopsis des films parce que je ne parlais pas la langue. Je me suis simplement assuré que les films étaient sous-titrés en anglais. D’après les photos sur les pochettes de DVD piratées, je pouvais deviner que ces films ne venaient pas d’Hollywood. Il y avait des films d’Iran, de Chine, du Japon, du Brésil, d’Inde, d’Égypte, de France, de Russie, d’Italie et de Finlande. Certains étaient en couleur, d’autres en noir et blanc, d’autres avaient du son, et d’autres étaient muets.

Quand j’ai regardé ces films, j’ai vraiment été stupéfait. Ils m’ont ouvert une multitude de nouveaux mondes. J’ai découvert différents modes d’existence et rencontré des individus de cultures et de langues diverses, chacune offrant des formes d’expression uniques et des styles de cinéma distincts. J’étais captivé par leurs histoires, celles de gens ordinaires comme moi. Je me sentais vu ; il y a en effet une place pour des individus comme moi – non blancs, originaires de pays en développement et non anglophones – dans le cinéma. À partir de ce moment-là, j’ai trouvé le courage de poursuivre mon rêve de devenir cinéaste.

Comment avez-vous travaillé sur le style visuel de votre film avec votre directeur de la photographie Teck Siang Lim ?

Nous sommes partis d’une image qui m’a inspiré pour réaliser ce film : une photo d’une mère crocodile tenant ses nouveau-nés dans sa bouche. Cette photo évoque un mélange d’émotions, de tendresse, mais aussi de terreur. Les crocodiles sont des rôdeurs ; la plupart du temps, ils restent silencieux et très immobiles. Lorsqu’ils se déplacent, ils sont élégamment lents jusqu’à la morsure, et soudainement c’est fini. La façon dont ils tuent leurs proies est viscéralement violente, évoquant à la fois une peur primitive et la sidération.

Teck et moi avons longuement discuté de la façon dont nous pourrions transmettre ces sentiments à travers nos plans. Nous voulions que le public ait l’impression que même si tout semble banal et serein en surface, quelque chose de sinistre se glisse tout autour – l’effroi se cache dans tous les coins du cadre. Nous voulons que le public ait l’impression de vivre à l’intérieur de ce parc de crocodiles, entouré de ces créatures terrifiantes et magnifiques. Je tiens également à saluer Roman Dymny, notre concepteur sonore, et Bruno Ehlinger, notre preneur de son, qui ont travaillé sans relâche sur ce film. Ils ont fait un travail magnifique en capturant et en transmettant chaque détail sonore qui rend le monde de Crocodile Tears intrigant. Sans un bon son, même les visuels les plus saisissants perdent de leur puissance et de leur efficacité.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Il y en a beaucoup, mais il y a quelques noms qui reviennent sans cesse et dont je revisite souvent les œuvres lorsque je me sens en manque d’inspiration, comme de la nourriture réconfortante pour l’âme. Il s’agit de Yasujiro Ozu, Lee Chang-dong, Robert Bresson, Kelly Reichardt, Hou Hsiao-hsien, Aki Kaurismäki, David Cronenberg, Bong Joon-ho, Agnes Varda et Buster Keaton.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran ?

J’ai récemment eu la chance de voir On Becoming a Guinea Fowl du la réalisatrice zambio-galloise Rungano Nyoni au Festival de Busan. C’est son deuxième long métrage, mais sa mise en scène est très confiante et authentique. Le film est plein d’émotions mais raconté de manière calme, et elle mélange magistralement la comédie noire, le réalisme et le surréalisme pour transmettre une histoire importante et pertinente pour notre société. Je suis vraiment heureux de l’avoir vu.