CONTE D’ÉTÉ

Lorsque les protagonistes de Midsommar consomment divers psychotropes, les contours des choses qui les entourent (la nature, les objets) deviennent flous. Les bois deviennent une mer qui tangue et c’est là une première entrée dans le fantastique – un genre où le contour des certitudes et du rationnel devient lui aussi de plus en plus flou. C’est ce que l’Américain Ari Aster réussit à merveille dans son nouveau film, Midsommar. En apparence assez différent de son premier coup d’éclat, Hérédité, Midsommar n’est finalement pas si éloigné dans sa façon d’aborder la structure familiale comme une absurdité et une menace. On s’y accroche comme à une bouée, mais dans l’un comme dans l’autre c’est elle qui fait couler les gens dans la folie.

Midsommar, à première vue, semble jouer avec divers éléments archétypaux du genre : ces films de touristes américains en Europe, l’opposition entre la ville et la campagne, le climat de séquestration paranoïaque, les peurs liées à la sexualité… Mais Aster redistribue ces éléments-clefs et ne se contente pas de les recycler. Par son point de vue et sa sensibilité, par son absence de peur de quoi que ce soit, Midsommar ressemble finalement à peu de choses de connues. C’est un film d’horreur de 2h30, c’est un film d’horreur avec de la nudité masculine, c’est un film avec un titre en suédois ; c’est aussi un film qui manie les contrastes avec une virtuosité de patineuse : où ailleurs voit-on cette crudité pastel ? Ce cauchemar sous une pleine lumière ? Aster revient certes à la base des contes de fées où le merveilleux n’est pas là que pour inspirer de beaux rêves mais cache des récits d’une grande violence. Mais là encore le ton est toujours étrange, il y a du grotesque qui déborde sans cesse dans Midsommar, et une jubilation malpolie qui ne prend pourtant jamais le dessus sur le premier degré du conte.

L’une des richesses de Midsommar est que l’on ne peut guère circonscrire avec netteté son sujet. Cela pourrait, ailleurs, être une faiblesse ; c’est ici une liberté galvanisante, le film est ceci mais aussi cela, il envisage aussi le cinéma comme autre chose qu’une stricte allégorie sociale. Il faut se méfier des films dont on peut identifier le grand sujet dès le générique de fin. Midsommar parie sur la déstabilisation et le basculement, sur l’expérience des sens et des émotions, sur le choc plastique – le film fait preuve d’un talent rayonnant à tout niveau. On peut, néanmoins, identifier l’une de ses pistes, et ce dès le début du film.

Celui-ci est très important car on comprend rapidement l’attention portée à la psychologie du personnage féminin (Florence Pugh, admirable comme le reste du cast). Midsommar raconte entre autres l’histoire d’un groupe de garçons pour qui la fille est une intruse, qu’on fait passer pour nuisible ou folle, dont on ne considère jamais la parole ni la sensibilité – et le dernier plan (sans spoiler) confirme la piste de la comédie (très) noire. Dans un genre qui peut parfois être aussi misogyne que l’horreur, voilà une autre raison d’aimer Midsommar.

Midsommar se déroule dans un paradis bucolique aux jolies fleurs, aux couleurs douces, aux adorables maisonnettes. Le film s’ouvre par des dessins d’un style naïf qui ne cachent à vrai dire pas vraiment la perversité à venir. Comme on l’a noté, Midsommar ne se refuse aucun grand écart, mais le film ne se refuse aucun excès non plus. On ne sait pas à quel rituel païen il faut se livrer pour remercier le ciel qu’un film aussi libre puisse être produit aujourd’hui outre-Atlantique. Car il y a une course exaltante et insensée dans Midsommar qui enchante et étourdit, comme cette formidable scène de danse au galop. C’est un film complètement fou, comme s’il se déroulait entièrement dans la cabane finale d’Hérédité, mais qui sait aussi ce qu’il fait et ce qu’il dit. Un grand film d’horreur et un grand film tout court.

—–> Midsommar a été présenté en première française au Festival de La-Roche-sur-Yon dans sa version director’s cut, passant de 2h27 pour sa sortie en salles à 2h51 pour cette version. Ces 24 minutes supplémentaires approfondissent les relations entre les personnages, quitte à rendre plus évident encore le sous-texte du long métrage qui n’est pas tant un film d’horreur sur de mystérieux rites suédois qu’un film d’horreur sur les garçons hétéros. Quelques détails (dont une scène supplémentaire de vrai/faux sacrifice) rendent plus fluides les réactions des personnages et demandent un peu moins de sauts de foi que dans la version salles. Mais la différence est essentiellement subjective : en rallongeant le film jusqu’à tutoyer les 3 heures, avec ce récit qui joue sur l’escalade et l’épuisement, le director’s cut donne encore plus de vertige et d’étrangeté au long métrage.

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