FIFIB - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

A voir en ligne | Critique : Amanda

admin — Mon, 12 Apr 2021 07:46:31 +0000

Paris, de nos jours. David, 24 ans, vit au présent. Il jongle entre différents petits boulots et recule, pour un temps encore, l’heure des choix plus engageants. Le cours tranquille des choses vole en éclats quand sa sœur aînée meurt brutalement. Il se retrouve alors en charge de sa nièce de 7 ans, Amanda.

Amanda
France, 2018
De Mikhaël Hers

Durée : 1h47

Sortie : 21/11/2018

Note :

LES LUMIÈRES DE LA VILLE

Amanda, nouveau film du réalisateur français Mikhaël Hers (Ce sentiment de l’été), n’a rien d’un suspens mais c’est un long métrage au sujet duquel il vaut mieux en savoir le moins possible. C’est ainsi que fonctionne la première partie du film : on accompagne les protagonistes dans leur quotidien ; la qualité d’écriture, dénuée d’artifice, rend le récit très vivant. Puis le public, en même temps que les personnages, est saisi par l’impensable drame.

Amanda fait le portrait d’un jeune homme contraint à grandir et assumer ses responsabilités d’un coup. Au-delà de sa personne, Hers élargit le cadre et fait le portrait du Paris contemporain troublé. C’est un très beau film sur la ville dont on contemple les lumières et qu’on parcourt à vélo. Il y a une douceur ici, et celle-ci est aussi précieuse que fragile. On voit souvent chez les voisins dans Amanda, à travers les fenêtres, de l’autre côté de la rue. Comme si les murs étaient devenus transparents – comme si d’un coup tout le monde vivait ensemble, relié par un fil invisible.

Pour parler du deuil, et notamment de l’enfance confrontée au deuil, le réalisateur parvient à un équilibre très délicat. Il y a à la fois ici une vraie pudeur, mais qui n’empêche pas d’embrasser la dimension extrêmement mélodramatique du récit. C’est un tear-jerker dans la meilleure expression du terme, où l’on ressent intensément les choses – la peine et la grâce – mais toujours avec élégance. A l’image d’un casting de haute volée, qu’il s’agisse de Vincent Lacoste convaincant dans un nouveau registre, de la toute jeune et assez prodigieuse Isaure Multrier ou de tous les seconds rôles. Amanda parvient à être exigeant et grand public, humble et profond – une réussite d’une grande humanité.

>> Amanda est visible librement sur le replay d’Arte jusqu’au 20 avril

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par Nicolas Bardot

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Entrevues Belfort | Critique : Roman national

admin — Wed, 18 Nov 2020 21:59:32 +0000

Ce montage de vifs échanges entre jeunes gens via le chat vidéo Periscope passe de la futilité à l’inquiétude lorsqu’une actualité tragique perturbe le quotidien ludique du selfie.

Roman national
France, 2018
De Grégoire Beil

Durée : 1h05

Sortie : –

Note :

SELFIE DE GROUPE

Roman national est un film de montage, composé uniquement d’extraits de chats vidéos glanés durant un été sur l’application Periscope. Les images sont ici rendues telles quelles, avec leurs gros pixels, avec les petits cœurs qui apparaissent à droite comme sur un écran de téléphone, avec les commentaires en langage sms et leur farandole de fautes d’orthographe. Des vignettes à la fois triviales et intimes, comme il en existe des milliards. Des scénettes qu’on pourrait croire dérobées, et qui sont pourtant laissées à la portée de tous. Pas besoin d’effet de mise en scène supplémentaire: en montrant sur grand écran ces images que l’on ne voit d’habitude que brièvement au creux de nos mains, le réalisateur Grégoire Beil leur donne d’emblée une puissance folle. Sous cette loupe gigantesque, le quotidien le plus banal devient du jamais vu.

A quoi sert Periscope? Pour les jeunes utilisateurs montrés dans le film, c’est d’abord un moyen de tromper l’ennui estival. On y commente les programmes télé, on y parle à tort et à travers pour combler le vide comme on peut. Periscope permet surtout de se filmer. Les corps sont court vêtus au bord des piscines et on y fanfaronne à l’image comme à l’écrit, à coups de nonchalance sexy et de plans dragues minables tels que « T’as des yeux de braise qui me rendent merguez« . C’est alors que, d’une certaine façon, Periscope devient un outil de mise en scène: mise en scène de soi quand on se montre sous son meilleur jour (gros dur, forte tête), et mise en scène du réel autour de soi, quand des gamines se croient en plein épisode d’X-Files parce qu’elles ont soit-disant vu un truc bizarre dans une mare.

En filigrane de ces échanges brefs et vifs, il se crée peu à peu une une passionnante mosaïque ainsi qu’un curieux discours commun sur le vivre-ensemble. Du haut de leurs 16 ou 18 ans, ces gamins croient avoir compris, et dans un langage à la violence banale, expliquent gentiment que « les autres », c’est tous les mêmes, qu’ils s’agisse des mecs, des meufs, des arabes, des homos, des français, des gros ou des juifs. Cela pourrait être anxiogène au possible s’il n’y avait pas une grande place laissée à l’humour. Non pas que le regard du réalisateur soit moqueur, c’est plutôt qu’il se dégage malgré tout une certaine légèreté de cette roublardise vantarde, dont finalement personne n’est dupe. Malgré les insultes ici ou là, le ton est étonnamment bienveillant.

Quand le réel le plus tragique fait soudain irruption dans le film (d’une manière que nous ne dévoilerons pas), les balbutiements idiots se tarissent peu à peu. Ces jeunes qui jouaient à se monter les uns contre les autres vont se retrouver unis dans la sidération et, dans l’une des séquences les plus stupéfiantes du film, unis dans une minute de silence laissée ici dans son intégralité. Les téléphones restent allumés, mais n’ont plus rien à enregistrer qu’un recueillement muet, une bouleversante communion qui ne demandait qu’à avoir lieu. Là encore, du jamais vu.

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par Gregory Coutaut

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A voir en ligne | Critique : Asako I & II

admin — Mon, 25 May 2020 06:19:45 +0000

Lorsque son premier grand amour disparaît, Asako est désemparée. Deux ans plus tard, elle rencontre son double parfait. Troublée par cette étrange ressemblance, elle se laisse séduire mais découvre peu à peu un jeune homme avec une toute autre personnalité.

Asako
Japon, 2018
De Ryusuke Hamaguchi

Durée : 1h59

Sortie : 02/01/2019

Note :

RAISON ET SENTIMENTS

Que se passe t-il si la rivière déborde ? C’est une question très concrète qui est posée durant Asako I & II. C’est aussi une question qui résume tout ce que raconte le film : et si la rivière se met à déborder, que va t-il se passer ? Le caractère de l’héroïne, la très sage Asako, semble pourtant être tout sauf comparable aux tumultes d’un fleuve. Mais c’est précisément ce qui bout en elle qui rend le film, nouvelle merveille signée Ryusuke Hamaguchi (Senses, lire notre entretien), si bouleversant.

Asako I & II est un mélodrame sentimental à l’argument bigger than life. Les esprits les plus cyniques grinceront des dents face au sucre de ce long métrage. Les autres se rouleront avec joie dans ce mélo qui ne retient pas ses émotions. Et pourtant tout est là : comment Asako, malgré sa retenue (naturelle ou socialement construite) se donne à celui qu’elle croit être son grand amour, qui apparaît dans sa vie tel un feu d’artifice. Et comment celle-ci va mener sa vie lorsque cet amour disparaît puis… n’en disons pas trop.

Si le genre (la romance) et le traitement (sensible et exalté) peuvent être hâtivement jugés comme superficiels, Hamaguchi, avec subtilité, réussit le contraire. Asako pourrait être une délicieuse héroïne de shōjo. Et à partir de codes en apparence artificiels, Hamaguchi se questionne sur l’essentiel. Sur la société, sur l’examen de conscience et sur le libre-arbitre. Sur l’amour idéal et l’amour parfait. Sur le destin et sur les décisions. Avec un mélange subtil de douceur et d’amertume, d’ombres et de belles lumières. « Les temps changent sans que tu ne t’en aperçoives ».

Il faut énormément de talent pour insérer autant de ruptures que dans cet Asako. Le film est peuplé de décrochages périlleux qui sont autant de moments où le spectateur est suspendu à ce qui va arriver. Et si la rivière déborde ? On y revient, dans un acte final d’une beauté époustouflante. Le film donne tout ce qu’il a : « fais ce que tu veux, tout est possible ! ». Cela pourrait être naïf, c’est pourtant déchirant et galvanisant dans le cadre émotionnellement corseté ici décrit. Et comme Senses, Hamaguchi aborde cette question précieuse et complexe : comment prend-on soin des autres ?

Voilà le trompe l’œil habilement mené par le réalisateur. Son regard sur le quotidien comme sa façon d’embrasser le romanesque le plus extraordinaire. Son héroïne apparemment en creux mais qui est pourtant un personnage en or. Son humilité et pourtant sa grande ambition. « C’est mauvais pour la santé de se priver d’un plaisir », entend-on durant le film. Ne manquez pas celui de ce long métrage qui fait battre plus fort notre cœur.

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par Nicolas Bardot

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A voir en ligne | Critique : Swallow

admin — Fri, 15 May 2020 05:01:40 +0000

Hunter semble mener une vie parfaite aux côtés de Richie, son mari qui vient de reprendre la direction de l’entreprise familiale. Mais dès lors qu’elle tombe enceinte, elle développe un trouble compulsif du comportement alimentaire, caractérisé par l’ingestion d’objets dangereux…

Swallow
États-Unis, 2019
De Carlo Mirabella-Davis

Durée : 1h34

Sortie : 15/01/2020

Note :

NE PAS AVALER

Lors du premier plan de Swallow, Hunter, l’héroïne du film, contemple la vue incroyable qu’elle a de chez elle tout en remettant délicatement ses cheveux en place. Le décor est superbe mais on imagine rapidement le bel ennui de cet endroit haut perché dans l’Upstate New York. Carlo Mirabella-Davis (lire notre entretien) filme la splendide cage de verre dans laquelle Hunter, épouse au foyer, vit. Auprès de son mari, fils prodigue d’une famille d’ultra-riches, mais essentiellement seule. Et lorsque Hunter parle à son époux, on ne sait guère si elle s’adresse à lui ou si elle converse avec elle-même.

Si le film laisse une précieuse place à l’étrange et au malaise, ses métaphores ne sont pas un immense mystère. Le traitement de conte grotesque, avec des touches de comédie noire, est là pour donner des indices et une perspective particulière sur le réel. C’est l’un des choix les plus malins du film : tout semble d’abord ici trop visible, appuyé comme dans une farce, presque distancé… pour peu à peu décrire une situation parfaitement commune et réaliste. Sur les rapports de classe, avec cette jeune fille issue d’un milieu populaire et propulsée dans un monde auquel elle n’ose pas dire non. Sur la misogynie institutionnalisée, où l’on prend une épouse comme on embauche une domestique bénévole. Il faut, de nos jours, vivre dans une bulle pour imaginer que Swallow grossit le trait.

L’héroïne de Swallow se met à avaler n’importe quoi, au péril de sa propre santé. Pourtant, « tout le monde est bienveillant ici » lui assène t-on. Bienveillant comme peut l’être le paternalisme le plus toxique. Dans cette vie-là, Hunter doit avaler bien plus que des objets. Haley Bennett se sort brillamment de ce rôle de jeune candide glossy et le scénario de Carlo Mirabella-Davis a la bonne idée de ne pas faire d’elle qu’une poupée sacrificielle.

Bennett peut briser le cœur en un mot et le cinéaste sait nous embarquer auprès d’elle. Le long métrage ne commet qu’une vraie faute lors d’une séquence où l’on change de ton et où l’on se retrouve dans les conventions de ce cinéma indé américain dit « du pardon ». Des conventions que Swallow fuit habilement pendant le reste du film. A l’image du générique de fin, peut-être le plus beau de l’année – comme un clin d’œil à la magnifique ouverture de Portrait de femme de Jane Campion et qui raccroche la fantaisie au réel, l’héroïne de fiction à toutes les femmes.

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par Nicolas Bardot

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A voir en ligne | Critique : Rojo

admin — Tue, 12 May 2020 10:28:18 +0000

Argentine, 1975. Claudio, avocat réputé et notable local, mène une existence confortable, acceptant de fermer les yeux sur les pratiques du régime en place. Lors d’un dîner, il est violemment pris à parti par un inconnu et l’altercation vire au drame. Claudio fait en sorte d’étouffer l’affaire, sans se douter que cette décision va l’entraîner dans une spirale sans fin.

Rojo
Argentine, 2018
De Benjamin Naishtat

Durée : 1h49

Sortie : 03/07/2019

Note :

LA LIGNE ROUGE

« Créer un dispositif bizarre pour raconter le réel ». C’est par ces mots que Benjamin Naishtat présentait son travail, lorsque nous l’avions rencontré lors de la sortie de son premier film. Dans Historia del miedo (sorti en 2014), le questionnement politique était déjà soumis à une narration singulière et théorique. Cette fois encore, Naishtat expérimente autour des genres cinématographiques mais à la place d’une hybridation entre film d’horreur et art vidéo, il joue cette fois avec les attentes d’un genre plus immédiatement familier : le film policier. De fait, Rojo est plus accessible qu’Historia del miedo.

Si le lieu où l’action se déroule est volontairement tu (« une banlieue en Argentine »), l’année (1975) est en revanche le premier mot qui apparaît à l’écran. Le travail de reconstitution est partout à l’image : dans les téléphones à cadran, les puzzles accrochés au mur en guise de décoration, où dans une partie de Risk en famille. Elle est aussi présente dans une mise en scène qui assume généreusement son artifice formel : zooms, fondus enchaînés, ralentis flous, etc. Mais Rojo ne se limite pas à un exercice de style.

Ainsi, on est loin d’avoir fait le tour de ce que le film a à offrir formellement. C’est un film noir au couleurs dingues. Le rouge bien sûr, mais aussi le jaune crasseux. Les couleurs déformées d’une éclipse, ou celles flamboyantes d’un coucher de soleil qui n’en finit pas. Narrativement, c’est aussi un film noir aux tons (oui, au pluriel) quand même bien singuliers. Là encore, le registre de la comédie policière a l’air familier, grâce notamment à un personnage de détective aux traits quelque peu forcés, mais paradoxalement, cet humour participe plutôt à une étrange perte de repères.

A l’image de la mystérieuse scène d’ouverture (un plan fixe sur une villa abandonnée), Rojo donne l’impression de pouvoir basculer aussi bien vers le rire que la violence. Ainsi, il est ici beaucoup question de personnes qui disparaissent et réapparaissent, dans la rue, dans le désert, pendant un tour de magie ou suite à des menaces. Faut-il s’en inquiéter ? Dans chaque cas, la peur s’accompagne d’un arrière-goût absurde et bouffon, qui fait qu’on ne sait pas trop sur quel pied danser, jusqu’au malaise.

« Je voulais privilégier la sensation, parce que la politique se retrouve aussi dans la sensation, dans le ressenti quotidien » nous disait Benjamin Naishtat. En faisant mine de nous faire rire, il nous inquiète. En faisant mine de mettre énormément de distance – via cette mise en scène non-réaliste – par rapport à son sujet, il nous renvoie à sa modernité. Il y a quelque chose de pourri dans ce monde qui implose dans la méfiance, dans cette Argentine paranoïaque et corrompue des années 70, mais ce dont parle Rojo, c’est avant tout de nos sociétés d’aujourd’hui.

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par Gregory Coutaut

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A voir en ligne | Critique : Sophia Antipolis

admin — Sun, 03 May 2020 14:00:43 +0000

Sophia Antipolis, une technopole étrange entre mer, forêt et montagne. Sophia, une femme dont l’histoire va obséder cinq vies.

Sophia Antipolis
France, 2018
De Virgil Vernier

Durée : 1h38

Sortie : 31/10/2018

Note :

LA TERRE DE LA FOLIE

Une adolescente veut se faire refaire les seins, une jeune veuve oublie sa solitude grâce à une secte, une milice veille avec zèle à la sécurité de la région… Sophia Antipolis raconte plusieurs histoires reliées à une même personne : Sophia, jeune fille disparue dans de mystérieuses conditions. Ces différents récits sont également ancrés dans un seul et même lieu, lui-même insaisissable : Sophia Antipolis. Zone industrielle uniquement habitée par des businessmen de passage, l’endroit ressemble à la nuit tombée à une sorte de non-ville artificielle et désertique. Un lieu sans histoire, sans identité.

Les précédents films de Virgil Vernier avaient déjà pour titre les noms des lieux où ils se déroulaient. Des lieux à priori d’un réalisme terne (les bars à hôtesses d’Orléans ou les tours banlieusardes de Mercuriales), mais paradoxalement propices à tous les fantasmes – que ceux-ci soient merveilleux ou menaçants. A Sophia Antipolis, les journées d’été se suivent dans un ennui terre-à-terre. Des jeunes filles traînent par deux dans des paysages vides – une image récurrente chez Vernier – mais entre les bureaux vides et les boutiques de luxe fermées, entre les Flunch et les hôtels Ibis, quelque chose d’étrange se trame.

Ce qui importe, nous explique-t-on, ce n’est pas le spectacle, mais toutes les choses invisibles qui nous échappent. La nuit, à l’abri des regards, les jeunes flics font du zèle et poussent leur désir de sécurité à l’extrême. Cachée dans le salon d’une villa sans intérêt se trouve une « épée de vengeance pourpre ». Derrière les fenêtres de salles de conférence anonyme, on annonce discrètement la fin du monde. Sur les cendres de l’ancien monde vont se bâtir des fondations d’une ère nouvelle, proclame un personnage l’air de rien. Et lorsqu’une jeune fille disparaît, comment l’interpréter ? Simple fugue, fait divers sordide pour journaux de 20h, ou bien événement surnaturel?

Comme souvent chez Vernier, l’image a ici un grain très particulier. Celui de vieux films de vacances ou bien de reportages télés locaux. Une image ancrée dans un passé intime, presque comme un rêve ou un souvenir. Une fois de plus, il implante son film dans un réalisme languissant pour lui faire faire un saisissant grand écart vers la folie. Un grand écart entre le physique et le spirituel, le trivial et le mythique, entre les séances d’esthéticiennes et les enlèvements extraterrestres. Un tour de magie qu’on serait bien en peine d’expliquer, et qui donne à ce nouveau film son ton unique et imprévisible.

Le temps d’une impressionnante césure (sans doute la meilleure scène du film), un soleil se couche à l’envers tandis qu’une voix off liste des catastrophes réelles ou imaginaires. Les prophéties les plus terribles y sont annoncées en même temps, et avec le même sérieux, que les crises contemporaines les plus concrètes : repli sur soi, crise des migrants, réchauffement climatique. D’un lieu sans passé, Sophia Antipolis devient un lieu sans avenir, sans échappatoire. La fin du monde est annoncée, aussi inéluctables que le soleil qui « se lève à l’ouest ».

>>> Sophia Antipolis est visible en vod sur la page de Shellac

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par Gregory Coutaut

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A voir en ligne | Critique : Meurs, monstre, meurs

admin — Fri, 01 May 2020 14:20:08 +0000

Dans une région reculée de la Cordillère des Andes, le corps d’une femme est retrouvé décapité. L’officier de police rurale Cruz mène l’enquête. David, le mari de Francisca, amante de Cruz, est vite le principal suspect. Envoyé en hôpital psychiatrique, il y incrimine sans cesse les apparitions brutales et inexplicables d’un Monstre. Dès lors, Cruz s’entête sur une mystérieuse théorie impliquant des notions géométriques, les déplacements d’une bande de motards, et une voix intérieure, obsédante, qui répète comme un mantra : “Meurs, Monstre, Meurs”…

Meurs, monstre, meurs
Argentine, 2018
De Alejandro Fadel

Durée : 1h46

Sortie : 15/05/19

Note :

PLUS BEAU QUE MOI TU MEURS

Découvert avec Los Salvajes, l’Argentin Alejandro Fadel (lire notre entretien) fait un franc virage vers le cinéma de genre avec Meurs, monstre, meurs. Ce film d’horreur qui fonctionne sur la peur de l’inconnu et qui s’y enfonce comme dans une nuit noire raconte l’enquête d’un officier de police sur un cas sordide à en perdre la tête. Cela se déroule quelque part dans la Cordillère des Andes, cela semble à vrai dire avoir lieu dans un coin totalement oublié du monde. Sauvage, infiniment sauvage, comme les choses terribles qui s’y déroulent et qui comme on le note, ne s’expliquent pas : « Il y a l’horreur des images mais c’est impossible à exprimer ».

L’atmosphère de Meurs, monstre, meurs a beau être terriblement et délicieusement poisseuse, il y a une certaine flamboyance dans ce film où les éclairs zèbrent le ciel. Les ténèbres de Meurs… sont pleines de couleurs et le film est d’une grande générosité. On n’imaginait pas immédiatement un film aussi divertissant, fun et étonnant, mais le long métrage gagne réellement à délaisser le polar sérieux unidimensionnel pour l’horreur qui prend sa fantaisie très au sérieux. Meurs, monstre, meurs offre un ride sensoriel et surréaliste qui laisse parfois bouche bée.

« Que tout soit violent ou simple comme une prière ». Il y a quelque chose de fulgurant dans ce jeu de pistes cinéphile qui va de registre en registre et de case en case sans jamais y être réductible. On pense à une parabole mystique digne du Bruno Dumont de Hors Satan ou à l’imaginaire violent d’un Amat Escalante dans La Région sauvage – sauvage, on y revient. C’est aussi pourquoi il est précieux : ce n’est pas un objet poli, lissé pour le public auteur ou le public horreur, il est libre et sans peur du ridicule. On applaudit cette grande réussite de toutes nos mains.

>>> Meurs, monstre, meurs est visible en vod sur UniversCiné

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par Nicolas Bardot

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Festival Chéries-Chéris | Critique : The Ground Beneath My Feet

admin — Wed, 20 Nov 2019 04:06:26 +0000

Alors qu’elle n’a pas encore 30 ans, Lola contrôle sa vie personnelle et sa vie professionnelle avec la même impitoyable efficacité. Personne n’est au courant du fait que sa sœur Conny est mentalement instable. Quand un événement tragique force Conny à revenir dans la vie de Lola et que ses secrets commencent à être dévoilés, Lola se retrouve en difficulté.

The Ground Beneath My Feet
Autriche, 2019
De Marie Kreutzer

Durée : 1h48

Sortie : –

Note :

CAUCHEMARDER SOUS LE CAPITALISME

« Elle n’est pas faite pour cette vie » : cette réplique entendue dans The Ground Beneath My Feet, quatrième long métrage de l’Autrichienne Marie Kreutzer, se destine à la sœur de l’héroïne. Une sœur brisée, schizophrène, médicamentée, enfermée à l’hôpital – elle n’est effectivement pas armée pour cette vie. Lola, sa petite sœur, a tout ce qu’il faut pour affronter la moindre embûche qui se présente à elle. Elle applique une stricte discipline à chaque seconde, autour d’un table de réunion de travail comme à la gym ou tout simplement lorsqu’elle attache sa queue de cheval.

« Elle n’est pas faite pour cette vie » : il n’y a évidemment pas un grand mystère autour du fait que la réplique se destine également à Lola – car personne n’est fait pour cette vie-là. Lola est conseillère en entreprise, donne des chiffres et des avis sur des trucs , peu importe lesquels. Elle est dans une roue de hamster qui ne peut pas s’arrêter. Kreutzer manie avec habileté ce style propre aux cinémas autrichiens et allemands – une austérité et un dépouillement où le réalisme rencontre le trouble fantastique. Parmi ses inspirations pour The Ground Beneath My Feet, la réalisatrice cite Pas de printemps pour Marnie d’Alfred Hitchcock. Pas étonnant donc qu’elle emprunte la voie du genre pour explorer la psyché et les fêlures de son héroïne.

Lors d’une scène dans un ascenseur récalcitrant, on se sent d’un coup projeté dans un pur film d’horreur. Un téléphone sonne mystérieusement, la porte s’ouvre sur un étage absurde et hanté, un chien errant a simplement le temps de se faufiler dans le noir. C’est le type de rupture de style qui fait vaciller The Ground Beneath My Feet, et qui s’insère dans une écriture rigoureuse. Ce n’est pas un spoiler, le film ne prendra finalement pas le chemin du cinéma de genre. Mais Kreutzer, observant la frontière invisible et la porosité entre la folie et la raison, fait de même avec les formes cinématographiques.

Ce vocabulaire riche se ressent d’autant plus que la cinéaste, formellement, nous donne l’illusion de tout voir (des bureaux vitrés et des murs blancs, de nombreux gros plans sur des visages qui ne peuvent pas mentir) pour mieux nous questionner sur ce que l’on voit. Sur ce que les personnages disent, et sur ce qu’ils croient. Dans ce monde de l’entreprise, dit-on, le burn out est l’équivalent de la lèpre. Kreutzer fait, en creux, un portrait sociétal d’une véracité anxiogène. Tandis que devant la caméra, l’héroïne invincible se consume jusqu’à la rupture.

L’Oursomètre : la prestation de Valerie Pachner saute aux yeux et devrait forcément être dans les discussions pour le prix d’interprétation. L’écriture de Marie Kreutzer pourrait également être récompensée.

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par Nicolas Bardot

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Le palmarès du FIFIB 2019

admin — Tue, 22 Oct 2019 06:35:12 +0000

La 8e édition du Festival International du Film Indépendant de Bordeaux, le FIFIB, s’est achevée ce lundi. Son palmarès a été dévoilé.

C’est Noura rêve de la Tunisienne Hinde Boujemaa qui a remporté le Grand Prix de la compétition internationale. Le pitch : 5 jours, c’est le temps qu’il reste avant que le divorce entre Noura et Jamel, un détenu récidiviste, ne soit prononcé. Noura qui rêve de liberté pourra alors vivre pleinement avec son amant Lassad. Mais Jamel est relâché plus tôt que prévu, et la loi tunisienne punit sévèrement l’adultère : Noura va alors devoir jongler entre son travail, ses enfants, son mari, son amant, et défier la justice… Noura rêve sortira en France le 13 novembre.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Compétition internationale

Grand Prix : Noura rêve, Hinde Boujemaa
Mention spéciale : à l’acteur Bartosz Bielenia pour La Communion

Compétition française

Grand Prix : Terminal sud, Rabah Ameur-Zaïmeche
Mention spéciale : Poissonsexe, Olivier Babinet

Compétition Contrebandes

Grand Prix : Les Survivants, Nicolas Bailleul

Compétition courts métrages

Grand Prix : De la terreur, mes sœurs !, Alexis Langlois
Mention spéciale : Yandere, William Laboury

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Critique : Ma nudité ne sert à rien

admin — Thu, 17 Oct 2019 10:25:54 +0000

Ma nudité ne sert à rien est l’autoportrait d’une quadragénaire, une âme errante qui s’interroge sur son travail, son corps et ses relations à l’ère des rencontres en ligne et autres one night stands.

Ma nudité ne sert à rien
France, 2019
De Marina de Van

Durée : 1h25

Sortie : prochainement

Note :

CORPS ET ÂME

« Je sais que c’est une histoire » entend-on assez vite dans Ma nudité ne sert à rien, le nouveau long métrage de Marina de Van qui pourtant, à première vue, tient davantage du documentaire que de la fiction. Et il y a dès les premiers instants de Ma nudité ne sert à rien un sentiment d’authenticité totale de la part de sa réalisatrice. C’est elle qui parle à la première personne, son corps est nu et elle semble se livrer entièrement. Il y a cette froideur et cet aspect direct auxquels on a été familiarisé dans ses écrits tels que le bien nommé Stéréoscopie qui puise dans sa propre expérience et dont on reconnait la langue. Une lucidité brutale que l’on retrouve ici mais dont l’honnêteté évite la provocation. « Je suis comme morte mais mon corps reste chaud » : le film, lui-même, est porté par cette tension.

Dans Ma nudité ne sert à rien, Marina de Van se tire la peau, la masse et la malaxe. Les plans sur la chair de poule, sur les marques, sur les plis et les grains de beauté se succèdent ; et l’on se souvient bien sûr que le premier (impressionnant) long métrage de la réalisatrice s’appelle Dans ma peau. Le regard ici est à la fois mécanique (on manipule le corps comme une machine) et charnel (la nudité totale semble parfaitement naturelle) et le film intrigue par cette valse-hésitation. Car si, dans ce journal intime, la cinéaste se livre entièrement, il est aussi beaucoup question de rôle à jouer. De l’effort pour interagir ou du jeu de séduction. Il y a une angoisse, et une résignation. « Je suis à l’âge de la transparence » dit-elle, tandis que son corps occupe tout l’écran.

Lors d’une scène centrale, Marina de Van reproduit devant sa télé une scène de danse. Elle danse et danse et finalement s’épuise. On a le sentiment que l’artiste livre une performance d’elle-même dans cet appartement qui ressemble à un aquarium (« Je ne sais pas s’il fait doux ou frais dehors ») ou… à une scène. Car si c’est ici comme un journal intime que l’on feuillette, on nous prévient pourtant : l’artiste puise dans le réel sans se confondre avec lui.

Certaines scènes de Ma nudité ne sert à rien sont jouées (mais jouées pour incarner le réel), et lorsque la réalisatrice porte un masque de beauté, cela sonne comme une mise en garde : est-ce bien elle qu’on regarde ou porte t-elle littéralement un masque ? Doit-elle (doit-on) porter un masque pour vivre, séduire ou se confronter aux autres ? Les couples ici semblent venir d’une autre planète tandis que Marina de Van, scrollant sur les applis de drague, nous assure qu’elle ne convoite rien. Du trivial le plus absolu (Marina de Van qui mange un Yes), le film pousse le réel jusqu’au romanesque dans un dénouement qui a des airs de clin d’oeil au Rayon vert. Et qui confirme que ces confessions brutes sont drapées depuis le début d’un étrange trouble.

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par Nicolas Bardot

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