CPH:DOX - Le Polyester, La fibre du cinéma d'auteur

Critique : Ma nudité ne sert à rien

admin — Tue, 27 Oct 2026 05:25:54 +0000

Paris, de nos jours. Marina de Van bataille avec ses relations sentimentales, sa propre image et sa nudité à une époque où les applis de rencontres et les échanges en ligne sont légion. Dans cet autoportrait cru d’une femme approchant la cinquantaine et ce qu’on appelle « l’ère de la transparence des femmes qu’on ne désire plus », la réalisatrice s’affranchit des limites, avec humour et sincérité.

Ma nudité ne sert à rien
France, 2019
De Marina de Van

Durée : 1h25

Sortie : 28/10/2026

Note :

CORPS ET ÂME

« Je sais que c’est une histoire » entend-on assez vite dans Ma nudité ne sert à rien, le nouveau long métrage de Marina de Van qui pourtant, à première vue, tient davantage du documentaire que de la fiction. Et il y a dès les premiers instants de Ma nudité ne sert à rien un sentiment d’authenticité totale de la part de sa réalisatrice. C’est elle qui parle à la première personne, son corps est nu et elle semble se livrer entièrement. Il y a cette froideur et cet aspect direct auxquels on a été familiarisé dans ses écrits tels que le bien nommé Stéréoscopie qui puise dans sa propre expérience et dont on reconnait la langue. Une lucidité brutale que l’on retrouve ici mais dont l’honnêteté évite la provocation. « Je suis comme morte mais mon corps reste chaud » : le film, lui-même, est porté par cette tension.

Dans Ma nudité ne sert à rien, Marina de Van se tire la peau, la masse et la malaxe. Les plans sur la chair de poule, sur les marques, sur les plis et les grains de beauté se succèdent ; et l’on se souvient bien sûr que le premier (impressionnant) long métrage de la réalisatrice s’appelle Dans ma peau. Le regard ici est à la fois mécanique (on manipule le corps comme une machine) et charnel (la nudité totale semble parfaitement naturelle) et le film intrigue par cette valse-hésitation. Car si, dans ce journal intime, la cinéaste se livre entièrement, il est aussi beaucoup question de rôle à jouer. De l’effort pour interagir ou du jeu de séduction. Il y a une angoisse, et une résignation. « Je suis à l’âge de la transparence » dit-elle, tandis que son corps occupe tout l’écran.

On nous prévient dans le long métrage : l’artiste puise dans le réel sans se confondre avec lui. Certaines scènes de Ma nudité ne sert à rien sont jouées (mais jouées pour incarner le réel), et lorsque la réalisatrice porte un masque de beauté, cela sonne comme une mise en garde : est-ce bien elle qu’on regarde ou porte t-elle littéralement un masque ? Doit-elle (doit-on) porter un masque pour vivre, séduire ou se confronter aux autres ? Les couples ici semblent venir d’une autre planète tandis que Marina de Van, scrollant sur les applis de drague, nous assure qu’elle ne convoite rien. Du trivial le plus absolu (Marina de Van qui mange un Yes), le film pousse le réel jusqu’au romanesque dans un dénouement qui a des airs de clin d’oeil au Rayon vert. Et qui confirme que ces confessions brutes sont drapées depuis le début d’un étrange trouble.

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par Nicolas Bardot

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Festival de La Roche-sur-Yon | Critique : La Belle année

admin — Fri, 16 Oct 2026 05:06:23 +0000

Revisitant un béguin d’adolescente pour une professeure, Angelica Ruffier entreprend un voyage à travers la mémoire et le désir.

La Belle année
Suède/France, 2026
D’Angelica Ruffier

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

J’AFFICHERAI MON CŒUR

Angelica tente de fermer la fenêtre de la maison malgré le vent qui complique sa tâche. La jeune femme part cueillir des cerises dans le jardin : celles-ci sont attaquées par les vers. La maison familiale est à vider, puisque le père est mort. Voici des éléments suffisamment symboliques et éloquents qui ont lieu au début de La Belle année, premier long métrage de la Suédoise d’origine française Angelica Ruffier. La maison familiale est un réservoir évident à histoires. Ce peut être une histoire violente, comme quand la voix-off parle de « l’horreur que nous a fait vivre notre père. On était toujours à deux doigts du drame ». Ce peut être aussi une histoire intérieure, cachée dans de multiples journaux intimes.

Le mot patchwork est utilisé à plusieurs reprises dans La Belle année ; il désigne avec justesse la démarche de la cinéaste. D’abord parce que les souvenirs sont collectés, cousus les uns aux autres, réveillés par des vieux meubles à revendre, des photos familiales dans des boites, des secrets écrits dans un carnet. Patchwork également car il y a comme plusieurs films dans La Belle année. L’histoire familiale est en creux mais elle occupe suffisamment de temps dans le long métrage pour qu’elle ne soit pas qu’un simple décor. Il y a un autre film néanmoins, plus intérieur et plus incarné : l’histoire du crush de la cinéaste quand elle était adolescente pour sa prof d’Histoire-Géo.

Mademoiselle Bresson, nommée ainsi avec respect mais tutoyée dans la voix-off par Ruffier, était l’objet des fantasmes de l’adolescente. Des images de Louise Brooks, ou de Delphine Seyrig en robe lamée dans Les Lèvres rouges, s’invitent dans le montage. Angelica se projette, se déguise, dans ce monde de femmes fatales aux tenues glamour. Son expérience est celle de beaucoup de jeunes personnes queer : elle projette sa narration queer sur son modèle peut-être juste hétéro ; cette héroïne, même s’il ne s’agit que d’une prof, devient une icône plus grande que nature ; et Angelica se transforme en enfilant des tenues de grande dame : toustes les enfants queer sont habitué.es à faire du drag avant l’heure.

Dans la maison familiale, on a des souvenirs à trier. Le film effectue un va-et-vient qui donne parfois l’impression d’hésiter entre les sujets. Mais le sujet principal, plus que celui d’un père abusif ou d’une prof en refuge, est avant tout Angelica Ruffier elle-même. La trentenaire tente de se rappeler alors que « l’oubli est une stratégie de survie », et cherche à retrouver enfin cette enseignante qui l’a tant obsédée. Ces retrouvailles, certes émues, sont finalement assez simples, presque banales, juste normales : les fantasmes comme les bouquets de fleurs avaient des couleurs plus vives. C’est là l’intensité touchante des mondes intérieurs adolescents, aux amours hyperboliques, aux blessures qui durent – les adolescent.es, telle Jeanne Mas, sont persuadé.es que si on les avait conseillés, iels auraient commis moins d’erreurs.

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par Nicolas Bardot

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Critique : Memory Of Princess Mumbi

admin — Tue, 25 Aug 2026 13:25:21 +0000

En 2093, le cinéaste Kuve se rend à Umata pour filmer un documentaire sur la Grande Guerre des années 2070, qui a effacé les technologies modernes et fait renaître d’anciens royaumes. Il y rencontre Mumbi, qui le met au défi de réaliser son film sans intelligence artificielle. Il commence alors à comprendre que même les plus petits moments peuvent être d’une profonde beauté.

Memory Of Princess Mumbi
Kenya, 2025
De Damien Hauser

Durée : 1h20

Sortie : 26/08/2026

Note :

VESTIGES DU FUTUR

Ne prenez pas la peine de lire le résumé de ce film. Ce n’est pas qu’il vienne gâcher une surprise en en divulguant trop, c’est au contraire qu’il ne traduit qu’une toute petite partie de l’imprévisible mosaïque qu’est Memory of Princess Mumbi. Cette histoire de princesse du futur est à la fois au cœur du récit et presque entièrement superflue au plaisir et à la compréhension du visionnage, et ce par un numéro d’équilibriste scénaristique qu’on est bien en peine de décrire tant il relève du tour de passe-passe. Récit d’amour fou, voix off et grands violons : les toutes premières scènes du film paraissent obéir à la grammaire habituelle du mélo. Or, ce sont là les uniques minutes où l’ensemble donne l’impression d’être sur des rails familiers. Tant mieux.

S’il fallait à notre tour tenter de résumer l’histoire folle de Memory of Princess Mumbi, nous dirions qu’il s’agit d’une comédie romantique entre un garçon et une fille qui rêvent de faire un film qui rende les gens heureux. Nous suivons donc les aventures sous la forme d’un faux making of entrecoupé du résultat de leur travail, un film dans le film au récit pas très éloigné de ce qu’ils vivent. De plus, tout ceci se déroule effectivement dans un pays africain imaginaire, dans un futur distant qui ressemble parfois drôlement au présent et parfois pas du tout. Pour être entièrement honnête, la véritable trame narrative est souvent trop chaotique pour être suivie de près, mais cette perte de repères n’empêche pas le charme de cette fantaisie qui file à toute allure.

Fantasque, Memory of Princess Mumbi ne l’est pas que par son récit. Le film fourmille de propositions visuelles étonnantes. Les scènes de danses sont filmées avec un dynamisme digne d’un clip musical et le texte qui apparait parfois à l’écran est d’une grosse police jaune qui rappelle la blacksploitation, offrant un mélange à la fois pop et pulp. De plus, plusieurs images du film sont générées par intelligence artificielle, mais l’utilisation de cette dernière n’est pas naïve. Malicieusement intégrée aux récits (dans ce futur où les nouvelles technologies ont été bannies, les deux apprentis cinéastes ne sont pas d’accord sur son usage), cette technique vient apporter un niveau de lecture supplémentaire au long métrage.

Le mouvement artistique contemporain de l’afrofuturisme (auquel Memory… se rattache aisément) trouve son origine dans le désir de palier par l’imagination extrême un manque de variété de représentations des vécus du continent africain. La manière dont le cinéaste kenyan et suisse Damien Hauser utilise donc la machine à fantasmes qu’est l’IA fait preuve d’une certaine ironie (les logiciels utilisés sont carrément remerciés au générique de fin) au moment de venir illustrer par instants cette histoire d’héritiers princiers de royaumes disparus. Au-delà de cette dimension arty/meta, ce long métrage parmi les plus singuliers de l’année se regarde avec appétit, comme si nous nous trouvions face au bric-à-brac d’un coffre à trésor cinématographique mal rangé mais chatoyant.

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par Gregory Coutaut

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TIFF | Critique : Un renard sous une lune rose

admin — Mon, 15 Jun 2026 03:40:49 +0000

Soraya, une jeune artiste afghane, a fui en Iran et tente, depuis cinq ans, de partir en Autriche retrouver sa mère. Elle immortalise avec son téléphone ses multiples tentatives de départ et la violence de son mari. Elle s’échappe alors de ce quotidien cruel dans d’extraordinaires dessins sous la forme d’un petit renard.

Un renard sous une lune rose
Iran, 2025
De Mehrdad Oskouei & Soraya Akhalaghi

Durée : 1h16

Sortie : –

Note :

LUNE FROIDE

Couronné à l’IDFA, principal festival documentaire d’automne, Un renard sous une lune rose est le journal intime de sa co-réalisatrice, Soraya Akhalaghi. Âgée de 16 ans au début du film (dont le tournage s’est déroulé sur 5 années), Akhalaghi troque stylo et carnet pour se confier directement à son téléphone. Les images brutes, plutôt que le crayon à paillettes. Elle est Afghane en Iran, et cherche à rejoindre sa mère en Autriche. Un renard sous une lune rose raconte les tentatives de fuite, les échecs successifs. Soraya Akhalaghi erre aux frontières, parfois avec un simple caillou dans la main pour se défendre. Voilà son quotidien vulnérable, dépeint en boucles damnées.

L’animation, ici ou là, à travers notamment un renard, prend parfois le relais à l’image. Ou plutôt, celle-ci constitue une échappée, une ponctuation colorée dans ces jours sombres. Cela reste le quotidien d’une jeune fille, qui devrait être infiniment plus doux. On regarde les chats qui passent, on secoue une boule à neige. Pourtant, les nouvelles à la télévision sont sordides, et il y a des images barbares qui ne s’effacent pas de la mémoire. En plus d’être apprentie cinéaste dans ce work-in-progress, Soraya Akhalaghi est déjà une artiste talentueuse et accomplie : elle dessine, peint, sculpte. Figure récurrente dans ses œuvres : un clown triste, des cicatrices au bras.

Un clown, oui, car ce monde lui est si absurdement cruel qu’il en devient tragi-comique. Voilà un moyen de survie pour Akhalaghi, qui doit en plus se coltiner un mari violent. Les séquences courtes et les images muettes sont suffisamment éloquentes. Un renard sous une lune rose rayonne de l’intérieur grâce à la vitalité de son héroïne. Celle-ci marche à la fois bille en tête et funambule. Comment avance t-on droit dans un monde où les murs s’élèvent, dans un monde où l’on est persuadé de ne pas avoir de place ?

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par Nicolas Bardot

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Festival Visions du Réel | Critique : Whispers in May

admin — Sat, 18 Apr 2026 03:56:41 +0000

Qihuo a un secret : elle vient d’avoir ses premières menstruations. Cela marque l’arrivée de la cérémonie du « changement de jupe », un rituel traditionnel de passage à l’âge adulte, qui signifie qu’elle n’est plus une enfant, mais une femme liée aux exigences communautaires du mariage et du travail.

Whispers in May
Hong-Kong, 2026
De Dongnan Chen

Durée : 1h35

Sortie : –

Note :

LE GRONDEMENT DE LA MONTAGNE

C’est le quotidien simple d’une adolescente que l’on peut voir dans Whispers in May. La nature, dans cette région montagneuse et isolée au cœur de la Chine, est spectaculaire. Les jours, eux, sont un peu plus banals pour Qihuo (14 ans) et ses amies. Il y a bien les rires lorsque les filles se courent après dans l’épaisse végétation, il y a le frisson de pénétrer la nuit dans un grand bâtiment vraisemblablement abandonné, il y a plein de jeux et de discussions d’enfants. Et puis Qihuo a ses premières règles, ce qui signifie que l’adolescente n’est plus complètement une enfant.

A vrai dire, le quotidien de Qihuo ne ressemble déjà plus vraiment à celui d’une enfant comme les autres. Sa mère n’apparaît jamais à l’image, on n’entend que la voix de cette dernière au téléphone, elle qui est partie au loin pour travailler. Qihuo doit se débrouiller, et quand elle n’a plus à manger, sa mère lui rétorque… de bien penser à se coiffer correctement. Sans parents à l’image, le film laisse une place aussi généreuse que chaleureuse à l’amitié et ici l’amitié féminine. Dans ce monde qui ne fait pas de cadeau, les filles conservent entre elles leur part d’enfance. La réalisatrice chinoise Dongnan Chen commente : « il ne s’agit pas de devenir, mais d’être autorisée à rester dans l’enfance et à demeurer dans cet espace fragile tandis que la vie continue avec toute sa cruauté et sa beauté ».

Et la vie continue donc, même si elle semble obéir à des cycles qui ne laissent que peu de place aux aspirations personnelles. Selon les règles de la communauté, qui dit menstruations dit âge adulte, qui dit âge adulte dit mariage, et l’on songe, dès le plus jeune âge, à ce en quoi on se transformera une fois mortes. Voilà ce que les jeunes filles pensent, voilà ce qu’on leur enseigne, voilà même ce que leur assure un voyant. Mais dans la brume de tous les jours qui tombe sur les montagnes, il y a peut-être davantage de mystères et d’imprévus.

Dévoilé en compétition au Festival CPH:DOX, le long métrage est rythmé par des contes qui apparaissent à l’écran, et qui semblent fonctionner comme des reflets cassés, des analogies plus ou moins proches : des histoires de familles, de sœurs, confrontées à des créatures effrayantes. Des contes violents et sauvages comme autant de récits initiatiques pour préparer les gamines à la vie, tandis qu’un vieux bonhomme rencontré lors de leurs pérégrinations leur parle des monstres qui habiteraient les bois. Le film est rehaussé par le regard très délicat et la beauté de la mise en scène de Dongnan Chen.

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par Nicolas Bardot

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Festival Visions du Réel | Critique : To Hold a Mountain

admin — Sat, 18 Apr 2026 02:40:38 +0000

Dans les hauts plateaux reculés du Monténégro, une mère bergère et sa fille défendent fièrement leur montagne ancestrale contre la menace de devenir un terrain d’entraînement militaire de l’OTAN, ravivant les souvenirs de la violence qui a brisé leur famille.

To Hold a Mountain
Serbie/Montenegro, 2026
De Biljana Tutorov et Petar Glomazić

Durée : 1h45

Sortie : –

Note :

VA DIRE SUR LA MONTAGNE

Gara semble vivre dans une carte postale. Posée quelque part dans le massif montagneux monténégrin de Sinjajevina, sa maisonnée n’est pas luxueuse mais dégage quelque chose d’accueillant. La cuisine n’a pas de mur et ressemble davantage à une véranda ouverte sur les superbes paysages verdoyants. Pour Gara et sa fille adolescente Nada, les jours ont l’air de passer paisiblement dans ce coin de nature inconnu du reste de l’Europe. On y fait son fromage à la main pendant que les chatons ont tout le loisir de jouer sous les couvertures.

Mais To Hold a Mountain n’est bien évidemment pas une brochure touristique béate. Le projet de l’Otan de bâtir une zone militaire dans les environs ne menace pas uniquement l’écosystème environnant mais bien l’équilibre économique de tous les résidents. Alors Gara s’organise et organise une rébellion tranquille. Elle donne ses discours publics à dos de cheval, et conserve suffisamment de mesure pour ne pas mettre la pression sur Nada qui rêve d’avantage d’un ailleurs moderne que d’hériter des terres ancestrales.

To Hold a Mountain fait preuve d’une douceur similaire, privilégiant l’échelle personnelle et domestique de la vie de ses deux héroïnes à celle des enjeux politiques internationaux, quitte à arrondir un peu trop les angles dangereux de ces derniers. Plutôt qu’un relief incisif qui lui manque par moments, ce documentaire délicat offre surtout une immersion respectueuse dans l’intimité de cette communauté filmée et surtout écoutée avec une attention et un plaisir contagieux. To Hold a Mountain nous rappelle ainsi que le personnel, c’est aussi politique.

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par Gregory Coutaut

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Critique : Holding Liat

admin — Tue, 31 Mar 2026 02:28:30 +0000

Le 07 octobre 2023, Liat Beinin Atzili, une enseignante, est enlevée avec son mari Aviv dans le Kibboutz de Nir Oz. Passée la sidération, commence alors pour sa famille, une angoissante course contre la montre entre Israël et les Etats-Unis, pour la faire libérer.

Holding Liat
Etats-Unis, 2025
De Brandon Kramer

Durée : 1h37

Sortie : 01/04/2026

Note :

L’AFFAIRE DE TOUS

Liat est vivante. Après une attente angoissée, son père l’apprend enfin grâce au coup de fil d’un indicateur. En s’ouvrant ainsi sur un flash forward, Holding Liat fait preuve de bon goût et coupe court à tout suspens sur le sort de cette femme israélienne enlevée et retenue en otage à Gaza. Ce documentaire signé par Brandon Kramer, un cinéaste américain proche de la famille de Liat, nous montre ainsi qu’il n’est pas là pour effectuer une enquête sensationnaliste ou reconstituer des faits. L’enjeu et le sujet se trouvent ailleurs. Passée cette brève introduction, Holding Liat revient en arrière dans le déroulé des événements et dépeint la manière dont la situation a été vécue par sa famille restée sans nouvelles, la prise de conscience politique qui en découle, en se focalisant particulièrement sur son père.

Le retentissement international des enlèvements du 7 octobre 2023 fut tel que certaines familles concernées se rendirent aux Etats-Unis pour rencontrer les dirigeants politiques. C’est le cas du père de Liat, qui n’est nullement dupe du cirque diplomatique et médiatique auquel il s’est retrouvé ainsi mêlé. Il faut dire que papa a déjà la langue bien pendue au moment de critiquer Netanyahou devant sa télé (« on est dirigé par des dingues, des deux côtés » grogne-t-il) et d’exprimer son amère désillusion face à l’idéal qui l’avait amené à quitter les Etats-Unis pour Israël dans les années 70. Holding Liat laisse une place importante à cette parole contestataire et ne fait pas non plus l’impasse sur la violence supplémentaire qui consiste à voir cet enlèvement récupéré à des fins électorales par des hommes politiques incapables de formuler une simple phrase de compassion, ou par des membres de la famille aux idées politiques bornées.

Produit par Darren Aronofsky et lauréat du prix du meilleur documentaire à la Berlinale, Holding Liat est un film à la facture très facile d’accès, qui possède même ses touches d’humour, notamment grâce à son protagoniste masculin. Il faut voir ce brillant papy oublier régulièrement qu’il est filmé, se faire rappeler par sa famille qu’il vaut mieux ne pas dire tout ce qu’on pense en public, et couper la parole au président Biden au téléphone. Ces touches de légèreté ne prennent néanmoins jamais le pas sur le sérieux du sujet et sur la question qui est ici régulièrement posée : et après ? On parle beaucoup à la place des otages (c’est d’ailleurs l’un des sujets du film), mais qui les écoute eux ? Le documentaire y répond en changement progressivement de protagoniste et se reconcentrant finalement sur la principale intéressée suite à sa libération, lui laissant toute la place pour exprimer in fine son propre point de vue.

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par Gregory Coutaut

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Le palmarès du Festival CPH:DOX 2026

admin — Fri, 20 Mar 2026 22:11:10 +0000

La 23e édition du Festival CPH:DOX s’achève ce weekend à Copenhague. Il s’agit d’une des principales manifestations mondiales dédiées au documentaire. Le festival était à suivre sur Le Polyester, retrouvez notre couverture du festival.

Le DOX:AWARD qui récompense le meilleur film de la compétition principale est allé à Whispers in May de la Chinoise Dongnan Chen. Le film raconte l’histoire de Qihuo qui a un secret : elle vient d’avoir ses premières menstruations. Cela marque l’arrivée de la cérémonie du « changement de jupe », un rituel traditionnel de passage à l’âge adulte, qui signifie qu’elle n’est plus une enfant, mais une femme liée aux exigences communautaires du mariage et du travail. Retrouvez notre critique enthousiaste de ce long métrage et découvrez le palmarès ci-dessous.

Whispers in May

DOX:Award : Whispers in May, Dongnan Chen
Mention spéciale : The Cord, Nolwenn Hervé

F:ACT Award : Just Look Up, Emma Wall & Betsy Hershey
Mention spéciale : The Great Experiment, Stephen Maing & Eric Daniel Metzgar

HUMAN:RIGHTS Award : The Phantom Pain of Rojava, Maryam Ebrahimi
Mention spéciale : American Doctor, Poh Si Teng

NORDIC:DOX Award : The Secret Reading Club of Kabul, Shakiba Adil & Elina Hirvonen
Mention spéciale : Homesick, Taekyung Tanja In Wol Sørensen

NEXT:WAVE Award : Dream of Another Summer, Irene Bartholomé
Mention spéciale : This is Not a French Film, Tom Adjibi

NEW:VISION Award : Compact Disc, Rico Wong
Mention spéciale : Local Sensation, Tulapop Saenjaroen

INTER:ACTIVE Award : Inside : The Childhood of an Artist, Sacha Wares
Mention spéciale : Dark Rooms, Mads Damsbo & Laurits Flensted-Jensen

Le site du festival

Nicolas Bardot

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Critique : Traces

admin — Fri, 20 Mar 2026 01:34:58 +0000

Malgré les graves séquelles traumatiques causées par les violences sexuelles et tortures infligées par des soldats russes, des survivantes ukrainiennes s’unissent, autour d’Iryna Dovhan, pour briser le stigma et le silence, transformant leurs témoignages en une forme puissante de résistance.

Traces
Ukraine, 2026
De Alisa Kovalenko & Marysia Nikitiuk

Durée : 1h25

Sortie : prochainement sur Arte

Note :

MARQUES ROUGES

Dans son puissant ouvrage Deux fois dans le même fleuve : La guerre de Poutine contre les femmes paru chez nous en 2023, l’autrice finlandaise Sofi Oksanen aborde entre autres l’usage effroyable de la violence sexuelle dans le cadre de la guerre menée par la Russie en Ukraine. Les cinéastes ukrainiennes Alisa Kovalenko et Marysia Nikitiuk proposent également une glaçante étude avec Traces, un documentaire présenté en première mondiale au Panorama de la Berlinale. On a pu découvrir Nikitiuk avec l’onirique et formidable When the Trees Fall (qui était un film de fiction), tandis que Kovalenko a signé plus récemment My Dear Théo, documentaire montré notamment en début d’année au Fipadoc. Kovalenko racontait le quotidien sur le front d’une mère ukrainienne et soldate. Traces offre en quelque sorte le contrechamp de son précédent doc : c’est l’histoire de civiles, victimes de la guerre dans le pays.

Traces recueille différents témoignages de femmes victimes de violences sexuelles de la part de soldats russes, de 2014 avec la guerre du Donbass à la guerre actuelle. Des récits éprouvants de viols, de tortures et d’humiliation, mais des récits de survivantes. L’une témoigne tandis qu’à l’image on peut la voir jardiner ; les lieux filmés sont souvent solitaires ou dépourvus humains : des plans de nature, une école abandonnée. On met avant tous les voix en valeur et la litanie des horreurs énumérées. C’est là une haine complètement irrationnelle qui est contée, celles de jeunes hommes agressant des femmes qui pourraient être leur mère ou leur grand-mère – et ces crimes sexuels sont des crimes de guerre.

Traces est comme coupé en deux. D’une part, les différents témoignages et les différentes solitudes de protagonistes. Puis, dans la deuxième moitié du film, c’est l’action collective qui est à l’image. Celle de survivantes qui se réunissent et manifestent, qui relaient les voix des absentes, des femmes emprisonnées. Par leur action commune, ces femmes mettent un nom sur les violences qu’elles ont subies – une première étape pour avancer. Traces examine le trauma, la manière dont la santé mentale est affectée ; les blessures qui sont parfois invisible à l’œil nu. A travers ce documentaire de facture classique, Kovalenko et Nikitiuk transmettent l’importance de la prise de conscience collective. Traces s’ouvre par un mauvais rêve, ouvre en fin de film un rêve porteur d’espoir. Une poignante étreinte entre deux femmes âgées a lieu, tandis qu’on entend ces paroles : « Si je reste malheureuse ou brisée, c’est comme s’ils avaient gagné ».

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par Nicolas Bardot

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Festival CPH:DOX | Critique : The Sandbox

admin — Tue, 17 Mar 2026 22:07:18 +0000

À travers des témoignages de survivants, de journalistes et de témoins, The Sandbox de Kenya-Jade Pinto explore le contrôle des frontières moderne, où la surveillance, l’IA et la militarisation décident de qui vit et de qui meurt.

The Sandbox
Canada, 2026
De Kenya-Jade Pinto

Durée : 1h30

Sortie : –

Note :

SOUS SURVEILLANCE

Dans son premier long métrage The Sandbox, dévoilé en compétition au Festival CPH:DOX, la réalisatrice indo-canado-kényane Kenya-Jade Pinto utilise régulièrement de vues plongeantes depuis très haut dans le ciel. Voilà qui pourrait constituer un cliché de prise de vue documentaire souvent employé, mais ce choix se justifie ici : tout le monde semble être examiné par des drones dans son long métrage. Toutes les migrantes et tous les migrants, qui traversent l’Arizona ou la Méditerranée. Parfois, iels ne voient pas le drone, et l’entendent seulement. La surveillance est globale, et c’est l’une des pistes explorées par The Sandbox : elle ne se limite pas aux personnes migrantes.

Des mots de Joe Biden se veulent rassurants : pas question d’un mur à la Trump pour séparer les États-Unis du Mexique. Mais, avec un cynisme grinçant, c’est un autre type de mur que Biden suggère : une paroi technologique. « Je vais vous emmener dans un endroit, ici aux Etats-Unis, où on peut trouver des restes humains. Comment est-ce possible ? », déclare-t-on dans The Sandbox. Des ossements sont effectivement retrouvés ça et là dans le désert. « Nous avons transformé cet environnement magnifique en une machine à tuer », ajoute le même protagoniste. La militarisation et la culture de la peur sont aussi un business. Des contrats et de l’argent sont en jeu pour mettre en place une technologie en évolution. Un responsable grec, là encore avec un cynisme décomplexé, explique comme si qui que ce soit allait le croire : « Je ne décide pas de qui va vivre, je peux vous parler de technologie – pas de politique ».

Les êtres humains les plus vulnérables, rassemblés sur une embarcation de fortune, sont les victimes de politiques racistes, mais servent aussi, si ça n’était pas déjà suffisant, de rats de laboratoire. Un rescapé de l’Adriana témoigne, alors que des centaines de personnes ont péri dans la catastrophe : « Je pensais qu’ils nous sauveraient ». Au service de quoi la technologie est-elle mise à disposition ? Est-ce que parvenir en Europe mérite de traverser toutes ces épreuves ? Pourquoi ne pas utiliser de l’argent pour aider plutôt que pour punir ? Kenya-Jade Pinto mène une enquête terrible sur les moyens qu’on peut déployer pour noyer des êtres humains.

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par Nicolas Bardot

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