Parmi les différentes sections de la sélection officielle, citons des coups de cœur déjà évoqués sur Le Polyester tels que Because of (U) de Tohé Commaret, L’Mina de Randa Maroufi, Le Mouvement tragique des sphères de Simon Rieth, Au bain des dames de Margaux Fournier ou encore Dieu est timide de Jocelyn Charles..

Le festival présentera également des nouveaux films de cinéastes mis en avant sur Le Polyester pour leurs précédents films, comme 1Q89 de Mihai Grecu, La Semaine de quatre jours de Ludovic Béot, Grise mine de Théo Vincent ou encore Like Moths to Light de Gala Hernández López.

Retrouvez la liste complète des films retenus en sélection officielle.

Le site officiel

Nicolas Bardot

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Quel a été le point de départ de Wonderwall ?

Je me suis auto-exilée en France après une enfance chaotique. Un jour, j’avais envie de retourner dans le quartier de mon enfance pour la première fois depuis de nombreuses années mais une fois sur place, j’ai découvert qu’il a été complètement rasé. Ça a été d’une grande violence. J’ai perdu ma mère jeune et quand je pense à elle, je l’associe vraiment à ces rues. C’était comme si tout un pan de mon enfance s’en était allé sans laisser de trace. J’ai alors eu envie de ressusciter ce quartier où j’ai grandi dans les années 90, son atmosphère, ses gens. J’ai commencé à noter certains de mes souvenirs les plus marquants et une histoire a pris forme peu à peu.

La ville joue en effet un rôle important dans la narration, pouvez-vous nous parler de cet élément en particulier et de la manière dont vous avez souhaité filmer Liverpool ?

En revenant là, tous mes souvenirs remontaient à la surface – des choses drôles et moins drôles. J’ai été frappée par mon regard neuf sur cette ville, comme si je redevenais enfant et la redécouvrait pour la première fois. Je la voyais de nouveau comme un terrain de jeu plutôt qu’un endroit d’où il fallait s’échapper à tout prix. J’avais beaucoup de liberté en grandissant et pendant les weekends et les vacances, je trainais dans la ville à longueur de journée avec mon grand frère et notre bande de potes. On était au moins 10-15 gosses à trainer sur nos vélos, à inventer toutes sortes de jeux, à explorer les recoins secrets de la ville. Liverpool est une ville assez stigmatisée par le reste du pays, mais je la connais comme ma poche et j’ai beaucoup d’amour pour elle. C’est là où j’ai vécu mes premiers émois, où mon imaginaire s’est constitué. Chaque décor dans le film a une signification secrète pour moi et j’aime penser que cette attention portée aux lieux se ressent dans le film d’une manière ou une autre.

Dans le regard grossissant et déformant de l’enfance, rencontres et micro-détails prennent des proportions épiques ou effrayantes, certaines choses nous échappent. C’est pourquoi je voulais laisser une place à des éléments plus mystérieux ou merveilleux dans le film, que le spectateur devrait ressentir plutôt que comprendre à l’instar de Siobhan. Ce n’est pas parce qu’on grandit dans un endroit défavorisé que tout se réduit à la misère économique. Cela n’empêche pas les gens de rêver, désirer, délirer les paysages qui leur entourent. Et Liverpool est vraiment rempli de personnages hauts en couleur qui adorent raconter histoires et blagues à qui veut les entendre – dans les pubs, les abribus, les queues de taxis… Je ne voulais pas non plus que cet onirisme soit traité de manière esthétisante mais plutôt qu’il semble émaner des lieux eux-mêmes. Ces paysages en ruines charrient une poésie brute, quelque chose de l’ordre du conte.

Le personnage principal de votre film est une fillette et celle-ci est plongée dans un monde très masculin, qui va de ses petits camarades aux groupes de mecs à la télé. Qu’est-ce que cela évoquait pour vous, de composer un récit d’apprentissage féminin dans un milieu si peu féminin ?

Comme je disais, le film est pas mal autobiographique et j’écrivais toutes les scènes avec la bande à partir de mes souvenirs d’enfance. Mais Liverpool est une ville dont l’imaginaire populaire est toujours dominé par les hommes – des joueurs du foot, aux rock stars en passant par les militants politiques. Petite, je trainais avec les garçons car c’était eux qui semblaient avoir le droit de vivre de grandes aventures, à devenir des héros, et je voulais ça pour moi aussi. Wonderwall est un récit d’émancipation, la petite protagoniste Siobhan va fuir le regard de son frère et vivre une aventure solitaire. Au cours de son errance nocturne, son regard à elle se libère et elle découvre la ville avec des yeux nouveaux, comme si elle en comprenait sa vérité profonde sans pouvoir la formuler. Elle s’est débrouillée toute seule et a survécu toute une nuit dehors. Les mots et les histoires sont une force : au début du film c’est Rory que l’on écoute et regarde avec admiration mais à la fin du film, c’est au tour de Siobhan se trouver soudain détentrice de ce pouvoir.

La rivalité Blur/Oasis qui est au cœur du film peut sembler anecdotique, surtout 30 ans plus tard. Qu’est-ce qu’elle révèle de plus grand à vos yeux ?

La lutte des classes est vraiment au cœur de la société britannique, on ne peut pas y échapper. Elle est renforcée par la division Nord/Sud où le nord est vraiment vu comme étant pauvre et arriéré. La bataille de la Britpop était tout simplement la traduction médiatique de cela. Historiquement en Angleterre, la musique et le foot sont parmi les deux seules voies de sortie pour les jeunes face à un déterminisme social écrasant. C’est pour cela que les sous-cultures de jeunesse y ont une si grande importance, tout comme les affrontements de figures qu’ils occasionnent comme The Beatles versus The Rolling Stones ou les Mods versus Rockers avant cela.

Mais c’est important de contextualiser et de dire à quel point la représentation de la classe ouvrière dans les médias mainstream était nulle dans les années 90 après plus de quinze ans de Margaret Thatcher. La confiance des prolétaires était en ruine quand soudain, Liam Gallagher arrive de nulle part avec son swag, sa grande gueule, son accent du nord. On s’identifiait si fortement à lui, il incarnait notre rage, il était notre revanche contre les bourges. Il n’y avait pas d’équivalent féminin à l’époque, il fallait attendre quelques années de plus avec l’arrivée des Spice Girls… Mais je voulais créer un écho entre cette bataille musicale et la dernière grande lutte des dockers qui avait lieu au même moment chez moi. On sait aujourd’hui à quel point les années 90 furent charnière dans leur défaite. Dans le film, ces hommes engloutis par la Mersey sont une sorte de traduction poétique, une image mélancolique de la disparition du monde ouvrier.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Avec la productrice et le chef op du film, je parlais beaucoup de De Bruit et de fureur de Jean-Claude Brisseau, qui a su filmer la banlieue avec beaucoup de beauté et dans toute sa violence sans avoir peur d’aller vers le fantastique. Les couleurs de ce film sont stupéfiantes et je savais que je voulais travailler des cadrages fixes et la composition pour vraiment inscrire mes personnages dans le paysage. Le cinéaste anglais que j’admire le plus est Alan Clarke et pour l’errance nocturne de Siobhan, on parlait pas mal de Christine. C’est un des cinéastes qui a su le mieux filmer des personnages en mouvement, animés par leurs affects et leur environnement. Cette figure de personnages jeunes, qui marchent envers et contre tout, raconte toujours quelque chose de puissant sur ces vies opprimées par des forces invisibles, qui les dépassent. Aussi, Mes petites amoureuses de Jean Eustache m’a profondément marquée. J’aime comment le film se construit par ellipses, autour d’une suite d’impressions très fortes et comment ces rencontres et instants impriment la rétine et deviennent fondateurs pour le protagoniste. Le récit est troué, garde sa part d’énigmes à l’image de nos souvenirs d’enfance.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 3 juin 2025. Crédit portrait : Aurélie Lamachère.

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C’est le beau Wonderwall de la Britannique Róisín Burns (lire notre entretien) qui a remporté le Grand Prix. L’histoire : Liverpool, 1995, les dockers sont en grève. Siobhan, 9 ans, n’a qu’une chose en tête : voir si Oasis va remporter le duel de la pop face à Blur. Mais une dispute éclate avec son grand frère Rory, entraînant la petite fille dans une fugue à la tombée de la nuit. Au fil de son errance, la ville en déclin prend une allure irréelle. Wonderwall figure dans notre dossier de nos films préférés de cette édition.

Découvrez le palmarès ci-dessous.

Grand Prix : Wonderwall, Róisín Burns
Prix spécial du jury : Les Tracances, Victor Boyer
Prix du meilleur premier film : Jason et les Royaumes, Bertille Zenobie
Prix d’interprétation : Marie Rosselet-Ruiz, Donne batterie
Prix du public : Deux personnes échangeant de la salive, Natalie Musteata & Alexandre Singh
Prix de la jeunesse : Le Grand Calao, Zoé Cauwet
Prix de la presse : The Watchman, Ali Cherri

L’intégralité des prix

Nicolas Bardot

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• Bel companho | David Ingels (France – Compétition Fiction)
L’histoire : Deux cousins éloignés, Jean et Estelle, se retrouvent dans la forêt le temps d’une promenade. Ils sont heureux de se voir, mais c’est une année étrange : des pans entiers de la forêt sont coupés et les chemins disparaissent. Bientôt, un jeune homme qui dormait sous les arbres les croise et reconnaît Jean… Il amène avec lui le soleil.
Pourquoi on l’aime : A l’heure des bilans de vie où l’on n’a pas grand chose à se dire, les protagonistes se retrouvent plongé.es dans la lumière magique de la forêt. La banalité et son mystère : voici l’intrigante balance de Bel companho, qui laisse derrière les mots une précieuse place à la contemplation. Le soleil décline, le ciel est rose, la lumière est cuivrée, et il ne reste plus que la nature qui trace ses belles lignes à l’écran.

• La Chanson du soleil | Frédéric Bayer Azem (France – Grand Angle)
L’histoire : Sélène trouve un job d’été dans une imprimerie, mais elle a autre chose à faire.
Pourquoi on l’aime : Remarqué avec son beau court métrage Blue, le Français Frédéric Bayer Azem (lire notre entretien) adapte librement l’Américain Adrian Tomine et dépeint la violente absurdité du monde du travail. Le cinéaste trouve un ton singulier, à la fois en termes visuels et d’écriture, pour échapper aux recettes du récit social. Ce film lumineux est également porté par l’excellence de son interprétation.

• Green Grey Black Brown | Yuyan Wang (France, Corée du sud – Compétition Essai / Art Vidéo)
L’histoire : Green Grey Black Brown explore le monde des plantes en plastique et les paysages artificiels façonnés par une industrie globale en pleine expansion. À travers cette nature synthétique une substance sombre et visqueuse — l’ombre persistante du pétrole — s’infiltre partout : des fougères jurassiques aux décors de centres commerciaux. Matière première du capitalisme fossile, le pétrole devient ici le fil conducteur d’un récit sur les logiques extractivistes mondialisées et les impasses d’un futur pensé par la technologie.
Pourquoi on l’aime : Des gros plans de matière, du pétrole qui recouvre l’image, un enfer sombre et visqueux tandis qu’une chanson familière (Owner of a Lonely Heart de Yes) résonne à travers une étrange reprise. La Chinoise Yuyan Wang travaille la perte de repères dans ce film dont le jeu sur les échelles, du gigantisme à la maquette, est remarquable. Beau et lugubre, Green Grey Black Brown pose ses questions environnementales dans un film qui, comme The Moon Also Rises, voile le réel d’un air de science-fiction.

• Homunculus | Bonheur Suprême (France, Italie – Grand Angle)
L’histoire : Dans un monde virtuel, Homunculus suit les itinérances d’un homme en quête d’autres hommes. Au cours de ses voyages, il réalise qu’il est perçu comme un « Arabe » : une figure ambiguë, virile et puissante, à la fois célébrée par les hommes blancs gay et haïe par les forces de police françaises.
Pourquoi on l’aime : Homunculus s’inscrit dans cette lignée de films récents utilisant le jeu vidéo comme langage formel et narratif, à l’image de Knit’s Island ou Grand Theft Hamlet. En un singulier contraste, la déambulation dans les méandres des applis gay se déroule ainsi dans un décor de fantasy. L’humour absurde vire au malaise lorsque le parcours du protagoniste est marqué par la fétichisation raciste. Le cinéaste nous invite sur son chemin solitaire, à la fois doux et violent, fantaisiste et mélancolique.

• Souvenirs du Mont-Salomé | Lionel Ueberschlag (Belgique – Grand Angle)
L’histoire : Salomé, acousticienne, est appelée dans un petit village des Vosges. Équipée de son enregistreur et de ses micros, elle mène une enquête sur de mystérieuses sonorités qui incommodent les habitants depuis des mois. Mais Salomé s’apprête à découvrir un monde invisible, trace du présent et du passé…
Pourquoi on l’aime : D’où vient ce son dans le bois ? A-t-il une origine extraterrestre, cache t-il un secret préhistorique ? Le Belge Lionel Ueberschlag use habilement de l’hésitation fantastique dans ce film à mi-chemin entre Memoria de Weerasethakul et La Montagne de Salvador. Enveloppé par la forêt et ses couleurs, le film porte une attention particulière à la nature dont il prend le pouls. Il en résultat un sentiment de communion aussi pudique que bouleversante.

• Tant que l’on fleurira les tombes | Ludovic Béot (France – Compétition Fiction)
L’histoire : Lucille et Antoine se baladent dans le cimetière du Père-Lachaise. Happés par une mystérieuse histoire, un évènement inattendu vient troubler leur promenade.
Pourquoi on l’aime : Le Français Ludovic Béot (lire notre entretien) signe un récit où la parole, les hasards et les ironies évoquent l’univers d’Éric Rohmer, au fil d’une promenade au Père-Lachaise. Le cimetière y est filmé comme un endroit au cœur du monde et à l’abri du monde, et sert de réservoir à histoires entre simple réalisme et suggestion fantastique. Une découverte délicate, séduisante et ludique.

• Wonderwall | Róisín Burns (Royaume-Uni, France – Compétition Fiction)
L’histoire : Liverpool, 1995, les dockers sont en grève. Siobhan, 9 ans, n’a qu’une chose en tête : voir si Oasis va remporter le duel de la pop face à Blur. Mais une dispute éclate avec son grand frère Rory, entraînant la petite fille dans une fugue à la tombée de la nuit. Au fil de son errance, la ville en déclin prend une allure irréelle.
Pourquoi on l’aime : Tout juste dévoilé en compétition au dernier Festival de Cannes dans le cadre de la Semaine de la Critique, Wonderwall de la Britannique Róisín Burns (lire notre entretien) fait le récit d’apprentissage d’une fillette à partir de motifs d’abord archétypaux. Le film trouve ensuite son surprenant chemin tandis que la lumière décline sur la ville et que le monde de Siobhan semble changer. D’une sensible intimité, finement politique, Wonderwall est une réussite qui signale Róisín Burns comme une réalisatrice à suivre.

Nicolas Bardot

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Quel a été le point de départ pour Supersilly ? Comment vous est venu ce titre et que souhaitiez-vous qu’il évoque aux spectateurs ?

(Elle répond aux deux questions à la fois, ndlr) Le point de départ était une comptine que j’ai écrite en 2020 et qui s’appelait  »FILASTROCCASUPERSCIOCCA » qui se traduit par  »Comptine superidiote ». Il y avait déjà dans ce poème tout ce que j’ai fini par traduire en images ici. J’ai juste commencé à écrire et après un long moment, de façon consciente, j’ai compris ce que je voulais raconter pour de vrai 🙂 J’ai décidé de ne conserver que Supersilly comme titre parce que je veux garder les choses aussi légères que possible : la réalité est un champ de bataille et pour moi cette tragédie est plus que suffisante.

Le style d’animation de Supersilly possède quelque chose de naïf et de brutal. Que vouliez-vous évoquer avec ces dessins enfantins et fous à la fois ?

Il s’agit tout simplement de ma façon de dessiner et de peindre. Ce sont mes formes : à la fois enfantines et violentes, toujours à la limite entre douceur et folie, comme de la barbe à papa.

Qui sont vos cinéastes préférés, ou qui vous inspirent le plus ?

J’ai une totale obsession pour le cinéma, je regarde beaucoup de films. Mes films préférés sont Max et les maximonstres de Spike Jonze, À bout de souffle de Godard et Space Jam de Joe Pytka (mon numéro 1 bien sûr).

Quel est le dernier film que vous avez vu qui vous a donné l’impression de voir quelque chose de nouveau ou d’inédit ?

Flow de Gints Zilbalodis (Sacrebleu Productions !!) 🙂

Entretien réalisé par Gregory Coutaut le 29 mai 2024.

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Quel a été le point de départ de Donne batterie ?

J’ai donné un objet sur Leboncoin et me suis retrouvée à me poser de nombreuses questions, des questions qui m’ont amusée et que je trouvais intéressantes en ce qu’elles permettaient en quelque sorte de mettre en pratique des interrogations morales ou philosophiques, par exemple : faut-il attendre une récompense (et même une récompense qu’on se donne à soi-même) d’une bonne action ? Quand Lila dit « je veux vraiment faire un heureux en donnant », j’entends à la fois qu’elle s’apprête à faire un geste généreux, mais j’entends aussi « je veux », j’entends qu’elle tire quelque chose de ce geste. Et ça m’amuse de lui faire se prendre un peu les pieds dans le tapis. 

Dans votre film, une action a priori simple devient un sac de nœuds complètement absurde. Est-ce que c’est cette absurdité du quotidien qui a constitué pour vous un moteur de comédie dans Donne batterie ?

Si la situation du film est absurde, je trouve de nombreuses situations de la vie absurdes, parfois bien plus. J’observe souvent des personnes qui se font des noeuds à partir de pas grand chose, et j’en fais partie moi-même. Donc je ne sais pas si cela me semble absurde ou réaliste, mais en effet de tirer les fils de cette situation de don sur Leboncoin à leur paroxysme, et de les faire incarner par des personnages très entiers, hauts en couleur, cela participe à la comédie.  

Il y a quelque chose qui est à la fois charmant et potentiellement crispant dans votre personnage principal, qui lui donne un relief particulier et qui m’a évoqué ce que pouvait faire Rohmer avec certaines de ses héroïnes. Etait-ce l’une de vos inspirations ; pouvez-vous nous parler de vos inspirations en général ?

Quand j’ai fait ce don sur Leboncoin, je donnais en même temps un atelier à des étudiants autour des Quatre aventures de Reinette et Mirabelle de Rohmer. Reinette et Mirabelle sont deux amies et colocataires au tempérament opposé qui débattent de questions morales du quotidien. C’est une inspiration directe, et cela fait partie même du point de départ du film. 

Pouvez-vous nous en dire davantage sur votre collaboration avec Marie Rosselet Ruiz et sur la conception de son personnage ?

Vu le personnage et les dialogues que j’avais écrits, je cherchais une comédienne qui puisse, à la manière des comédiennes chez Rohmer sans doute, incarner très naturellement un personnage assez particulier. J’avais découvert Marie dans son film, Les Reines du mambo, où elle a ce mélange de naturel et d’originalité, ainsi qu’une présence comique. Je crois qu’elle s’est coulée dans la peau du personnage très naturellement, elle a même dépassé ce que je pouvais imaginer et espérer. Il n’y a pas vraiment eu besoin de réfléchir plus que ça à une conception de personnage, il y avait juste à travailler le texte.

Pouvez-vous nous parler de votre désir de filmer le 13e arrondissement de Paris ?

Pour des questions notamment d’économie légère du film, nous avons décidé de tourner chez moi. C’est pour cela qu’il se passe dans le 13e, un quartier qui m’est donc très familier. Ce n’est pas uniquement né d’un désir car il a aussi failli se tourner dans le 19e. Mais j’aime beaucoup mon quartier, et j’ai pris beaucoup de plaisir à filmer dans ces rues très colorées, graphiques, variées, et à essayer de représenter l’atmosphère très particulière qu’il m’évoque. 

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 7 mai 2025. Un grand merci à Léa Baggi.

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Quel a été le point de départ de Tant que l’on fleurira les tombes ?

Le film naît de deux désirs très fort. Le premier de filmer le Père-Lachaise, lieu qui m’est proche et que j’associe, peut être curieusement, à une grande vitalité. Je voulais retranscrire ce territoire comme une jungle au milieu de la ville, un espace de légende et de rencontre.

L’autre envie, c’est de faire jouer deux de mes amis qui ne se connaissaient pas : Clothilde Matta et Quentin Pépion. La première est actrice de formation, le second, n’est pas acteur mais professeur de philosophie, comme son personnage. J’avais l’envie de filmer leur visage, d’enregistrer leur voix, de former ce trio de travail. Dès leur premier contact, il s’est installé quelque chose de très musical entre eux. Ça a été un réel bonheur de travailler ensemble.

Le film ne franchit jamais vraiment la frontière du surnaturel mais il y est quand même beaucoup question de fantômes, quelle place avez-vous souhaité laisser à la dimension fantastique ?

J’avais le souhait d’intégrer le genre fantastique de façon un peu clandestine, par la parole. Je trouve ça toujours très exaltant quand un personnage prend soudain en charge un récit parallèle et ouvre une nouvelle fenêtre de fiction. C’est ce que j’ai essayé de faire ici. Dans ces images, le film est très cartésien. Nous ne verrons jamais rien de surnaturel. Pourtant Lucille nous invite à entrer dans un monde de fantômes et de légendes. Ce qui me plait avec un tel traitement, c’est ce que cela permet de travailler la question de la croyance et de laisser toute la place au. à la spectateur.rice d’y croire ou non.

Dans quelle mesure pourrait-on dire que votre film est, à sa manière, une comédie romantique ?

Oui, j’assume totalement cette filiation. J’avais en tête à l’écriture de mêler le motif du triangle amoureux aux chassés croisés amoureux du théâtre de Marivaux dont l’œuvre a posé les formes primitives de la comédie romantique moderne. Pour moi, le film est une comédie romantique, car, même sans être jamais directement dévoilés, les sentiments amoureux restent le véritable moteur du récit. L’obstination des sentiments, l’aveuglement, les non-dits et désirs refoulés, c’est aussi amusant que passionnant à filmer.

Le lieu joue un rôle important dans votre court métrage, avec ce cimetière qui sert de réservoir à histoires. Comment avez-vous envisagé la mise en scène de ce décor ?

La mise en scène du lieu dans le film repose sur un équilibre. D’un côté, réinvestir toute la charge historique, romanesque et mystique de ce cimetière qui a 300 ans. C’était un véritable privilège d’y tourner mais il ne fallait pas tomber dans l’écueil de la visite guidée. Il fallait casser ce regard trop patrimonial en ajoutant de la légèreté et une certaine désinvolture aux personnages. C’est d’ailleurs ce qui frappe quand on se ballade dans l’enceinte du Père-Lachaise. La plupart des gens sont des visiteurs. L’ambiance est donc étonnement joyeuse et pleine de vie.

Quel est votre film, ou votre séquence de film préféré.e se déroulant dans un cimetière ?

Je trouve intéressants les films qui détournent la fonction première du cimetière pour mettre en scène autre chose qu’un enterrement ou une scène de recueillement. C’est ce que fait Robert Bresson dans la dernière séquence de Le Diable probablement, tournée également au Père-Lachaise. La scène se passe dans la nuit noire, de telle sorte qu’on ne perçoit pas grand-chose du lieu et des motifs habituels d’un cimetière. C’est une scène d’une grande beauté plastique mais absolument terrible car elle met en scène la mort d’un adolescent désillusionné par son époque. Dans un autre registre, il y cette scène inoubliable du shooting photo puis du kidnapping d’Eva Mendes par Denis Lavant dans Holy Motors de Leos Carax.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 4 juin 2025.

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Le festival s’ouvrira par un long métrage présenté en avant première : Le Rendez-vous de l’été de la Française Valentina Cadic. Ce film, l’un de nos coups de cœur de la Berlinale en début d’année, sortira le 11 juin en salles.

Parmi les riche sélection de courts métrages au menu, citons notamment les Cannois Donne batterie de la Française Carmen Leroi, Wonderwall de la Britannique Róisín Burns et Supersilly de l’Italienne Veronica Martiradonna, ainsi que The Watchman du Libanais Ali Cherri ou What Mary Didn’t Know de la Grecque Konstantina Kotzamani.

Le festival sera à suivre sur Le Polyester. Retrouvez toute la programmation sur le site officiel et découvrez un aperçu dans la bande annonce ci-dessous.

Nicolas Bardot

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Pouvez-vous nous parler du choix de Belleville et de la façon dont vous avez souhaité mettre en scène ce quartier ?

Je vis à Belleville depuis longtemps et je suis tout simplement amoureux de mon quartier, de sa diversité sociale et culturelle, de son énergie créatrice et militante, de ses boulevards et de ses ruelles, de ses pentes et de ses escaliers, de ses parcs et de ses bistrots. Ce film est très personnel, j’avais envie qu’il me ressemble et besoin de l’ancrer dans mon quotidien, de filmer les lieux que j’aime et que j’emprunte quotidiennement. Je n’aurais pu envisager de le tourner dans un autre quartier ou une autre ville. Les lieux, les décors, les paysages que je filme sont au cœur de mon travail, aussi essentiels que les personnages. C’était également le cas avec les Alpes dans Le Feu au lac, mon premier film. Pour le moment je n’arrive à filmer que ce/ceux que j’aime, je l’accepte sans me poser trop de questions.

Comment avez-vous abordé l’écriture de ce récit, en quelque sorte, épisodique ? Comment avez-vous envisagé les différentes rencontres faites par le protagoniste ?

Une écriture très libre et guidée par le principe de plaisir plutôt que de construction dramaturgique. J’avais profondément envie d’un film de quartier et de personnages, plus que d’intrigue. Appelons ça une chronique, ou une déambulation comico-mélancolique, qui épouse le parcours des rencontres de Max, mon personnage principal, avec néanmoins une structure en boucle autour d’une confrontation avec le père, au début et à la fin. Entre les deux, Max fait des rencontres et se révèle un peu plus à chacune d’entre elles, exprime un goût pour les autres mais également un malaise profond, un sentiment d’échec, une peur de la précarité, de ne pas trouver sa place. Les rencontres de hasard, avec leur lot de chance ou de malchance, d’excitation et d’incertitude, sont formidables à vivre, et tout aussi formidables à écrire.

Il y a une dimension queer qui est à la fois évidente et en lisière dans Robespierre. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet aspect du récit ?

Je suis homosexuel et encore une fois il s’agit d’un film très personnel, où j’évoque ce qui m’est familier. J’avais besoin de m’identifier fortement à Max, même s’il n’est pas moi, et donc qu’il soit homo, sans que cela soit un sujet ou pose problème. Son père et ses amis sont à l’aise avec ça, il peut le vivre sans en souffrir et tant mieux pour lui. Sa souffrance est ailleurs et certainement plus générationnelle que centrée sur l’orientation sexuelle. De manière plus générale, j’apprécie en tant que lecteur et spectateur que des minorités sexuelles et/ou racisées soient au cœur de récits qui épousent la différence comme une évidence et non un problème, sans chercher à la questionner ou à la thématiser.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

Mes références sont très diverses en fonction de mes films. Pour Robespierre, j’ai été inspiré par Jonas Trueba et Joachim Trier. Eva en août et Oslo 31 août ont en commun, dans des styles et des tonalités très différentes, de suivre le parcours d’un personnage dans une grande ville en été et de construire un mystère autour de leur solitude, de leur désœuvrement et/ou de leur souffrance.

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran ?

Dieu merci cela m’arrive très souvent car je suis avant tout un spectateur éclectique et enthousiaste. La semaine dernière donc, j’ai été fasciné par les merveilleux personnages de punks à chien aux vies aux mille morceaux de Fainéant.es de Karim Dridi, des personnages qu’on ne voit jamais au cinéma et qui dégagent une énergie prodigieuse. Quelques jours auparavant, j’ai été électrisé par les personnages incroyablement complexes, mystérieux et constamment surprenants de Miséricorde d’Alain Guiraudie, qui explore toujours le même sillon, la force du désir, mais se renouvelle constamment, cette fois-ci avec un jeune acteur formidable que je ne connaissais pas, Felix Kysyl.

Entretien réalisé par Nicolas Bardot le 10 juin 2024. Un grand merci à François Martin Saint Léon.

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Quel a été le point de départ de Montsouris ?

Le point de départ a été la volonté de faire un film. Je ne savais pas encore quel film mais j’avais furieusement envie de tourner. J’ai donc pensé à quelque chose de très simple, de quotidien, que je pourrais tourner en une journée. Comme je ne savais pas exactement quoi raconter, j’ai pensé à raconter l’histoire de quelqu’un qui veut raconter mais qui hésite et se pose cette question qui devient centrale pour moi dans le film : qu’est-ce qui est intéressant ?

Pourquoi avoir choisi ce lieu en particulier pour votre histoire ?

Sur cette question mon cœur est mon esprit se sont rejoint. J’aime ce parc car mon grand-père, très présent dans la cosmogonie de ce film, m’y amenait quand j’étais petit. Mais on ne fait pas des films qu’avec de beaux sentiments et il se trouve que c’était aussi l’endroit rationnellement parfait pour placer mon film. Car le parc Montsouris dispose de cette petite colline, où j’ai positionné ma caméra, et qui offre une vue panoramique sur un chemin, un lac, de très beaux arbres et toutes sortes de détails qui me plaisaient. Cerise sur le gâteau, alors que le parc est en plein milieu de Paris, on y croise une grande quantité d’animaux – qui se sont concertés et ont décidés, le jour du tournage, de devenir comédiens !

Votre film emprunte au langage visuel de la caméra cachée. Est-ce que cela constituait l’une des racines de Montsouris ?

Je ne sais pas car je ne regarde pas beaucoup de caméras cachées à la télé, mais c’est sûr que pour un cinéaste l’idée de cacher une caméra est extrêmement séduisante. Dans Montsouris ainsi que dans mon prochain film, j’ai recours à ce dispositif qui consiste à mettre mes acteurs au milieu du vrai monde et à les filmer de loin, avec une longue-focale. Cela donne peut-être au spectateur du film ce sentiment d’assister par effraction à une situation, comme n’importe quel témoin de la vie quotidienne.

Comment avec-vous envisagé et trouvé le bonne distance pour filmer ce qui se passe dans votre court métrage ?

Je dois avouer que tout s’est assez vite formé dans ma tête avec une certaine clarté. J’ai tout imaginé en même temps. Je voulais que l’on voit tout de l’œil d’un témoin, et donc que l’action soit des fois cachée par une branche d’arbre, que les personnages ne soient pas forcément de face, que l’on garde à l’étalonnage les fausses teintes (ces moments où des nuages passent et l’image s’assombrit…). Tout cela était très important pour moi. Il était inenvisageable de découper le film comme un film classique !

Qui sont vos cinéastes de prédilection et qui vous inspirent ?

Je voue une passion difficilement communicable au cinéaste iranien Abbas Kiarostami. Il me semble qu’il a mené le cinéma a un niveau d’humanité et de simplicité incomparable. Et la photographie de ses films est merveilleuse ! J’aime aussi la légèreté des films de Nanni Moretti, son humour, et sa manière de mêler l’intime au politique. J’aime aussi Agnès Varda, Alice Rorchwacher, Takeshi Kitano, Hirokazu Kore-eda, les Frères Safdie et tant d’autres !

Quelle est la dernière fois où vous avez eu le sentiment de voir quelque chose de neuf, de découvrir un nouveau talent à l’écran?

Ca m’arrive tout le temps! Je ne suis pas trop intéressé par les gens qui clament trop haut leur originalité. Je crois que c’est Prévert qui disait “la nouveauté, c’est vieux comme le monde !”. Non, ce qui est beau et vrai est toujours nouveau ! Dans ce sens là, les derniers films qui m’ont renversé sont peut-être Aftersun, Perfect Days, et Huit et demi !

Entretien réalisé par Gregory Coutaut et Nicolas Bardot le 24 mai 2024.

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