Festival de Clermont-Ferrand | Entretien avec María Cristina Pérez

Dévoilé en compétition au Festival de Locarno et au programme cette semaine à Clermont-Ferrand, Once in a Body (Una vez en un cuerpo) est réalisé par la Colombienne María Cristina Pérez. Ce court métrage d’animation est une plongée dans la psyché mais aussi le corps d’une femme confrontée à un traumatisme familial. Once in a Body explore de manière sensorielle ce qu’on a d’enfoui en soi, porté par une tension à la fois très psychologique et très physique. María Cristina Pérez est notre invitée et nous présente ce bouleversant récit.

**Comment est né Once in a Body (Una vez en un cuerpo) ?**

Ce n’est pas un film autobiographique, mais il est sans aucun doute inspiré par des histoires que j’ai entendues ou vécues de nombreuses fois par des personnes proches de moi durant mon enfance et mon adolescence, grandissant dans un endroit où il est difficile de devenir adulte en tant que femme. Au début, j’étais attirée par l’exploration des stéréotypes construits autour du corps féminin, quelque chose dont je ne suis, bien sûr, pas intacte.

Ensuite, je voulais approfondir les situations qui, en tant que femmes, marquent un avant et un après dans nos vies, et comment tout cela se traduit dans l’image que vous avez de votre corps, qui est finalement l’image que vous avez de vous-même. Le court métrage fait allusion à un incident entre sœurs, un possible avortement accidentel causé par la narratrice. Je n’étais pas intéressée à l’idée de le raconter de manière évidente ou directe, mais plutôt de montrer comment de tels événements, subtilement, façonnent la relation que vous avez avec vous-même et, bien sûr, avec les autres et votre monde entier.

Au cours du processus, mes parents ont développé des problèmes cognitifs et neurologiques, qui, d’une certaine manière, reflètent une déconnexion encore plus marquée entre l’esprit et le corps. Tout cela s’est entremêlé dans mon esprit, me poussant à vouloir capturer la dissonance entre l’intangible et le physique. En fin de compte, je voulais raconter, d’une manière allégorique et visuelle à travers une animation expressive, comment les dynamiques sociales façonnent notre perception de nos corps, comment la vision de la société influence notre image de nous-mêmes, et comment cela affecte notre relation avec nous-mêmes et avec les autres. Au final, le corps devient le lieu de nos traumatismes personnels et collectifs, un témoin silencieux de tout ce que nous vivons.

Comment avez-vous envisagé la mise en scène de ce film au style visuel très sensoriel et dynamique ?

L’animation est la forme que j’utilise pour raconter toutes mes histoires, car elle me permet de passer de façon fluide entre la réalité et l’imagination, donnant forme à ce qui est invisible ou difficile à exprimer de manière traditionnelle. Dans ce cas, j’ai choisi un style d’animation défini par la transformation de l’image, reflétant les changements constants du corps et des formes de vie qu’il contient. J’ai adopté le processus tactile de la peinture à l’huile sur papier, une technique minutieuse et physique où chaque coup de pinceau laisse une marque visible.

Je voulais que les images aient l’air vivantes dans leur matérialité, qu’elles transmettent le poids et la présence de la texture : l’épaisseur de la peinture, les irrégularités du coup de pinceau, et la façon dont les couleurs se déplacent et se mélangent de manière imparfaite. Cette imperfection était importante pour moi – c’est ce qui rend cela humain, ce qui rend cela réel. À travers ce processus, l’animation devient non seulement une technique d’images en mouvement, mais une surface vivante où la force et la présence de l’œuvre de chaque artiste sont transmises par le processus physique lui-même.

Durant deux ans, quatre peintres – Anamaría Sáenz, Julián Arias, Juan Pablo Figueroa et Daniel Bonza – ont géré la phase la plus méticuleuse du processus, insufflant à chaque coup de pinceau le geste et l’énergie uniques de leur main alors qu’ils donnaient vie à chaque image en huile. C’était à la fois une tâche titanesque et merveilleuse. En plus du processus de peinture, l’animation a été animée par cinq animateurs talentueux – Laura Alcina, Natalia Rojas, Megumi Cardona, Gizenth Barreto et Fabián Llantén – qui lui ont infusé la fluidité délicate, le rythme subtil et l’énergie vivante de cette histoire en constante évolution.

Votre film est à la fois très psychologique et, évidemment, très physique. Comment avez-vous trouvé le ton juste entre quelque chose qui peut être très abstrait mais aussi complètement concret ?

Je dois dire que l’équilibre entre ces deux aspects a été la partie la plus exigeante du processus. J’ai beaucoup travaillé sur la voix de la narratrice du court métrage. Au départ, j’avais une version légèrement plus expérimentale, presque sans dialogue, ou avec des dialogues plus allégoriques, mais à la fin, j’ai décidé de construire une narration ancrée davantage dans des événements concrets, créant une histoire qui pourrait sembler plus proche et plus compréhensible pour le public, tout en laissant quand même de la place pour expérimenter avec les images et la dimension sensorielle de l’histoire. Mon objectif était de créer une structure qui pourrait tenir le spectateur, tout en restant suffisamment ouverte pour lui permettre de ressentir et d’interpréter au-delà du littéral.

Au-delà de tout le travail visuel et narratif qui approfondit la connexion entre le psychologique et le physique, le film a été enrichi par la conception sonore de Sinsonte Studio, qui a mis en valeur avec force et subtilité l’atmosphère psychologique et absurde de l’histoire, ainsi que par une belle composition musicale qui rehausse l’essence sensorielle et poétique de cette femme en constante transformation. La musique, composée par Daniel Jones Cozarelli, un musicien talentueux avec qui j’ai déjà collaboré, ajoute une profondeur émotionnelle à la lutte interne de cette femme et renforce un sentiment de proximité avec la narration.

Once in a Body m’a évoqué le genre du body horror. Est-ce que c’est un élément qui faisait partie de votre processus ?

Certaines personnes ont fait le même lien, et je comprends cela, c’est un genre que j’aime mais je dois avouer que ce n’était pas au centre de mes préoccupations. La vérité est que, d’une part, l’approche visuelle est née davantage des possibilités expressives de l’utilisation de l’animation comme moyen de raconter cette histoire. Avec l’animation, vous pouvez créer n’importe quoi, et pour ce court métrage, cela semblait être le moyen idéal pour explorer pleinement la transformation de l’image au service de l’histoire. Ce que j’ai trouvé le plus intéressant à propos de l’utilisation de ce type d’animation était sa capacité à refléter ou à entrer dans l’esprit de quelqu’un qui perçoit son propre corps comme étrange et monstrueux en fonction de tout ce qu’elle a vécu, une approche qui est plus psychologique que motivée par l’horreur.

Qui sont vos cinéastes de prédilection et/ou qui vous inspirent ?

J’adore le cinéma. J’aime de nombreux cinéastes qui n’ont pas nécessairement travaillé dans l’animation, mais dans ce cas précis, j’ai trouvé beaucoup de proximité et d’inspiration dans plusieurs œuvres d’animation. Pendant le processus, j’ai regardé une rétrospective du travail de Maria Lassnig, qui a été très inspirante pour moi. En même temps, de nombreuses réalisatrices contemporaines m’ont inspirée avec leurs thèmes puissants et leurs approches visuelles ; pour n’en nommer que quelques unes, il y a Jenny Jokela et Martina Scarpelli.